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Virtudes humanas: listado completo, significado y ejemplos clave de los valores y virtudes de las personas

Siempre se ha señalado a los medios de entretenimiento y al marketing como villanos que promueven modelos de conducto que van en contra de las virtudes humanas, por este mismo motivo es que el tema de las virtudes humanas siempre es una constante especialmente entre personas con niños. Las virtudes de las personas son principios de convivencia un tanto abstractos que pueden ser alterados o manipulados a nivel discursivo para beneficios particulares; por eso resulta tan importante la educación temprana sobre estos tópicos desde el núcleo familiar y reforzadas a través de las instituciones y medios de comunicación.

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Respeto

Para muchas personas el respeto representa un ejemplo bastante preciso de qué son virtudes dentro de la sociedad moderna.

El respeto es una de las virtudes de las personas que promueve la sana convivencia entre los miembros de la sociedad a través de la aceptación de las diferencias y la aceptación de principios y valores morales que no necesariamente tiene por qué coincidir con los propios.

Ejemplo

Un ejemplo práctico del respeto como una de las virtudes humanas fundamentales de la sociedad actual es el trato igualitario y la aceptación de otras influencias culturales y religiosas de personas externas a nuestro núcleo familiar y social.

Justicia

La justicia es otra de las virtudes humanas que promueve la buena convivencia dentro de la sociedad a través del establecimiento de herramientas legales que garanticen la igualdad de derechos entre cada una de las personas que forman parte de una sociedad.

El trato igualitario ante las instituciones encargadas a aplicar las leyes y el reconocimiento de los méritos correspondientes a un individuo también son buenos ejemplos de qué son virtudes de los seres humanas promovidas a través de los principios que comprenden a la justicia como una de las virtudes de las personas.

Ejemplo

Un individuo que renuncie abiertamente a una ventaja establecida para ponerse en igualdad de condiciones que otros es un claro ejemplo de una persona que entre sus principales virtudes humanas se encuentra la justicia.

Prudencia

La prudencia también es parte importante dentro de la lista de valores y virtudes que resultan necesarios dentro de la sociedad actual.

Entre las virtudes humanas conocidas, la prudencia es aquella cualidad que poseen ciertas personas para llevar a cabo proyectos o tomar decisiones de vida  sin dejarse por los impulsos menos racionales. De aquí nace el principio de la prudencia como un concepto de virtudes que generalmente están asociadas a personas que ocupan cargos directivos o poseen un alto rango dentro de su grupo de trabajo. 

Ejemplo

La prudencia es una de las virtudes de las personas más atesoradas dentro de la sociedad, especialmente cuando se trata de dos individuos que desean unirse para iniciar su propia familia.

Fortaleza

La capacidad de resistir y seguir adelante con sus proyectos personales a pesar de los obstáculos o dificultades que consiga en su camino es una de las virtudes en una persona que siempre es reconocida por sus semejantes.

Una persona con fortaleza se reconoce como alguien que poseen un gran espíritu, determinación, disciplina y muchas otras virtudes humanas que le serán de gran ayuda para poder alcanzar sus metas particulares.

Ejemplo

En muchos portales y revistas especializadas en negocios se hace mucho hincapié en la fortaleza como uno de los mejores ejemplos de cualidades y virtudes que son propias de las personas con capacidad de emprendimiento.

Optimismo

De todas las virtudes con o sin ninguna duda es el optimismo es la más importante de ellas. Esta cualidad hace que el individuo sea capaz de mantener enfocado en el aspecto más positivo de cualquier situación.

Una de las principales virtudes de las personas optimistas es que cuentan con una mentalidad que no solo les prepara para tener una visión más amplia de lo que realmente significan los logros, además poseen una energía y carácter que sirve de inspiración tanto para todos sus semejantes.

Ejemplo

Las personas tiene al optimismo entre sus virtudes humanas más notorias tienen la capacidad de reconocer el valor de cada progreso dentro de cualquier proyecto, tanto de sus compañeros como de los suyos propios.

Caridad

Si consideramos cuáles son las virtudes de una persona que siempre van a ser consideradas dignas de emular dentro de la sociedad moderna, una de las principales sería la caridad.

El propio deseo de querer ayudar y auxiliar a sus semejantes hace que la caridad haga salir muchas otras virtudes de las personas como la generosidad, la bondad y sobre todo las buenas intenciones.

Ejemplo

En muchas religiones, se hace un particular énfasis en la caridad como una de las virtudes humanas que es fundamental para establecer un orden social espiritualmente más sano para todos.

Esperanza

La esperanza es por mucho una de las virtudes católicas más atesoradas dentro de la sociedad. Ser capaz de percibir los obstáculos y problemas de la vida diaria como solo un pequeño traspié hacia un camino de éxito representa una de esas virtudes de las personas que es muy apreciada en los distintos entornos sociales.

Además, la esperanza es una de esas virtudes humanas que puede generar un gran impacto entre la población cuando se la incluye dentro de un discurso.

Ejemplo

Por lo general los expertos en motivación personal, entrenadores personales y los  libros de autoayuda señalan que la esperanza es una de las virtudes humanas de suma importancia; ya que la misma permite que las personas puedan mantenerse enfocados e inspiradas para seguir adelante con sus objetivos.

Honestidad

Como seres que necesitamos de interacción constante con otras personas, la honestidad es uno de los conceptos que engloba el significado de virtudes dentro de los entornos sociales.

La honestidad es de esas virtudes de las personas que ayuda a que el individuo alcance un cierto nivel de estatus dentro de cada uno de los grupos con los que el individuo interactúa a lo largo de su vida.

Ejemplo

Ser honesto es una de las virtudes del hombre que a largo plazo pueden permitirle gozar de un cierto prestigio dentro de la comunidad, haciendo que las personas tengan un trato muy particular hacia él.

Generosidad

No es necesario exponer con palabras técnicas qué es una virtud humana para darnos cuenta qué la generosidad es una de las más importantes.

Por lo general todas las virtudes humanas que están directamente relacionadas con acciones ejecutadas para favorecer a los demás  en vez de al propio individuo son percibidas como virtudes de los seres humanos que para muchos son fundamentales para lograr un cambio real dentro de la sociedad.

Ejemplo

En religiones como el cristianismo y el budismo sostienen que la generosidad es vista como una cualidad que trasciende por mucho a las virtudes de las personas comunes.

Abnegación

La abnegación es otro de los ejemplos de qué es una virtud de los seres humanos que se basa en la acción de ayudar o brindar auxilio de forma desinteresada a quien lo necesita sin esperar ningún tipo de reconocimiento.

Muchas asociaciones de los derechos humanos y organizaciones sin fines de lucro consideran que la abnegación es una de las virtudes humanas que debe estar intrínseca dentro de cualquiera de los posibles candidatos que desee colaborar abiertamente con ellos.

Ejemplo

Una persona que brinda comida u ofrece asilo a quien necesita pasar una noche fuera de su casa representa ese tipo de ayuda desinteresada y altruista que suele ser habitual entre las virtudes de las personas abnegadas.

Humildad

El reconocimiento de las propias carencias y virtudes de uno mismo es otra de esas virtudes humanas que es bastante apreciada dentro de la sociedad modera.

Algunos consideran que la humildad es la clara muestra de una persona la cual está plenamente consciente de su propia humanidad, algo que irónicamente los hace blanco de una atención que en muchos casos puede resultarles incómoda.

Ejemplo

Generalmente, la humildad es un excelente ejemplo de qué son las virtudes humanas y cómo las mismas son un reflejo de la madurez que posee el individuo. La humildad suele ser algo extremadamente común en personas que han adquirido habilidades especiales en una disciplina determinada a través de años de práctica.

Sabiduría

Cuando se buscan ejemplos de virtudes intelectuales, la sabiduría es una de las principales virtudes humanas que está asociada con la capacidad natural de las personas de adquirir conocimiento.

El hecho de que la sabiduría sea un valor que se desarrolla a través del aprendizaje empírico, hace que las personas que posean esta característica sean sumamente atesoradas por quienes conviven con ellos.

Ejemplo

A lo largo de la historia, los sabios habían gozado de un lugar de prestigio dentro de las comunidades debido a que los mismos eran vistos como la representación de una de las virtudes de las personas que solamente se obtiene a través de los años.

Constancia

La constancia es una condición que encabeza lista de virtudes humanas de cientos de miles de personas alrededor del mundo.

Una persona constante produce mucha admiración y mucho respeto entre sus iguales, gracias a su voluntad de llevar a cabo un objetivo y su habilidad para no dejarse doblegar por los fracasos.

Ejemplo

Muchos de los científicos más respetados dentro de la comunidad son personas que además de sus estudios académicos y preparación, atribuyen una parte importante de su éxito a su constancia dentro del campo de la investigación.

Perdón

Una de las virtudes de las personas más atesoradas y apreciadas dentro de las comunidades es la capacidad que posee cierto grupo de personas para perdonar los errores o malas intenciones de otros.

De hecho, muchas de las religiones más importantes del mundo señalan al perdón como una de las virtudes humanas que puede permitirle a las personas comunes tener un lugar dentro del paraíso.

Ejemplo

Dentro de la biblia se deja muy en claro que una de las virtudes humanas que más hacía destacar a Jesús de Nazaret de otros profetas de su tiempo, era su capacidad para perdonar a las personas. 

Empatía

Entre los tipos de virtudes que más se promueven dentro de la sociedad moderna, destacan todos aquellos valores que nos permite crea un vínculo de afinidad con los demás. Y una de las virtudes humanas que nos permite desarrollar relaciones más cercanas con las personas es la empatía.

Quienes poseen esta habilidad son personas que siempre son muy atesoradas en los distintos grupos sociales de los que son parte, incluso en aquellos donde no existe ningún tipo de vínculo afectivo como por ejemplo entre sus compañeros de trabajo.

Ejemplo

Líderes políticos como Nelson Mandela o Martin Luther King Jr han sido capaces de llegar a los libros de historia gracias en parte a sus capacidades empáticas. Estas les permitían contar con un espíritu de lucha que los caracterizaba y tener las habilidades comunicacionales para poder hacer llegar su mensaje a donde realmente necesitaban que llegase.

Seguridad

La seguridad es otro de esos buenos ejemplos de virtudes humanas las cuales hacen que los individuos sobresalgan con facilidad entre la multitud.

Para nadie es un secreto que las personas que cuentan con mucha seguridad pueden llegar a convertirse en líderes realmente influyentes, pues la seguridad es ese tipo de virtudes de las personas que pueden propagarse con rapidez.

Ejemplo

A pesar de que la campaña de Rusia se convirtió en la derrota militar más grande del ejército de Napoleón Bonaparte. Muchos historiadores coinciden en que la seguridad del entonces Emperador de Francia fue clave para convencer a sus generales que a pesar de las bajas al final saldrían victoriosos.

Perseverancia

Esa naturaleza que hace que las personas perseverantes sigan adelante a pesar de tener todas las probabilidades en contra, es justo lo que convierte a esta cualidad en uno de los valores y virtudes del ser humano.

Los problemas y obstáculos siempre van a ser una constante dentro de cualquier proyecto, pero las virtudes de las personas perseverantes hacen que estas cuenten con una capacidad única de percibir y abordar cualquier tipo de elemento que obstaculice su camino.

Ejemplo

Dentro del mundo de los deportes, una de las virtudes humanas que más se engalana por los medios de comunicación y los especialistas es la perseverancia. Aquellos deportistas o incluso equipos que se caracterizan por ser perseverantes siempre son vistos por sus adversarios como rivales a los que hay que tenerles cuidado.

Valentía

Es casi inevitable el considerar a la valentía como una de las cualidades y virtudes de una persona.

Dentro de la sociedad, las personas que cuentan con la tenacidad para pararse firmes frente a aquellas situaciones que les inspiran temor y buscar la forma de superarlos son cualidades que son percibidas como ejemplos perfectos de las virtudes humanas. 

Ejemplo

Tanto en la historia como dentro de la literatura de ficción, la figura del héroe dentro de la narración es utilizada como una metáfora para representar las virtudes de las personas que cuentan con la valentía suficiente para enfrentarse a aquello que les resulta desconocido o incluso peligroso.

Responsabilidad

Hoy en día, la responsabilidad expuesta como una de las virtudes humanas más importantes ha producido un cambio bastante interesante dentro de la opinión pública. Ahora es más común ver protagonistas en películas y series los cuales no pueden ser descritos como perfectos a la hora de cumplir con las tareas que se les asignan, aunque esto permite que los mismos se vuelvan un simbolismo del verdadero valor de la responsabilidad dentro de las virtudes de las personas.

Todos los roles que asumimos en nuestra vida conlleva una carga de responsabilidad de nuestra parte. Por eso aquellas personas que asumen sus errores para evitar que otros salgan perjudicados son percibidos como virtudes de una persona, ejemplos y cualidades que merecen ser reconocidas e incluso imitadas por el resto.

Ejemplo

Dentro del mundo de los comics y la cultura de los superhéroes existe una frase que dice “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”. Para muchos fanáticos, ese diálogo es una síntesis perfecta de cómo la responsabilidad puede anexada entre las virtudes humanas fundamentales.

Mesura

La capacidad para poder disfrutar de los placeres de la vida sin dejarse seducir completamente por los mismos es un excelente ejemplo de qué son las virtudes de una persona.

Es necesario encontrar un punto de equilibrio entre las responsabilidades y las actividades placenteras para poder gozar de un estilo de vida más saludable. La mesura es una de esas virtudes humanas las cuales evitan que aquello que nos genere placer pueda convertirse en un una adicción.

Ejemplo

Los juegos de azar pueden convertirse en una actividad de esparcimiento bastante gratificante, siempre y cuando la persona sea capaz de controlar el impulso que le lleva a arriesgar más de lo debido. Justo aquí es donde la mesura empieza a salir a la luz como una de las grandes virtudes humanas.

Conciencia

Resulta difícil no incluir a la conciencia dentro de una lista de virtudes de una persona.

Toda acción que se ejecute van a acarrear algún tipo de consecuencia, esto mismo hace que las virtudes de las personas sean tan apreciadas por diferentes grupos sociales. 

Ejemplo

Si bien dentro del mundo de los negocios es importante correr algunos riesgos para alcanzar el éxito, muchos autores y expertos en la materia señalan que esto no quiere decir que todas las decisiones financieras tienen que convertirse en saltos al vacío. Bajo este mismo principio se ha formado una nueva generación de inversores que reconocen que la conciencia es una de las virtudes humanas más importantes a la hora de hablar de finanzas.

Determinación

A la hora de hablar de virtudes humanas, ejemplos y la relevancia que tienen las mismas sobre la sociedad resulta imposible ignorar a la determinación y su rol como una de las virtudes de las personas más relevantes en la actualidad.

Esa capacidad que poseen las personas determinadas de mantenerse siempre enfocadas en sus objetivos y adaptar sus estrategias con la finalidad de poder alcanzar la meta que se han planeado es algo inevitablemente genera una gran impresión dentro de su círculo social más cercano.

Ejemplo

Las personas obesas que han logrado bajar de peso son consideradas como un modelo a seguir para muchas otras. Lo realmente curioso dentro de estas historias es que la determinación se convirtió en una de las virtudes humanas que resultó fundamental para poder alcanzar el progreso que esperaban.

Raciocinio

Para nadie es un secreto que en la vida no todo es color de rosas, pero muchas personas tienden a ilusionarse demás con las oportunidades y por eso la racionalización siempre sale a relucir como un concepto que permite identificar qué son las virtudes.

La racionalización es una de esas virtudes de las personas que cuentan con la serenidad y las capacidades analíticas necesarias para poder tomar decisiones mucho más acertadas durante una parte importante de su vida.

Ejemplo

Una mudanza representa una decisión que afectará a todos los miembros de la familia, por eso es necesario que antes de hacer una elección se razone y analice detalladamente los pros y los contras de cada una de las opciones disponibles.

Colaboración

Por naturaleza el ser humano es un ser sociable y esto mismo hace que la colaboración cuente con cierto peso cuando se intenta definir qué significa virtudes.

La capacidad para integrarse y convertirse en un miembro útil dentro del grupo son esas virtudes de las personas colaboradoras que siempre hace que las mismas terminen por convertirse en eso que ayuda a que el equipo sea capaz de acoplarse.

Ejemplo

Muchos conferencistas reconocidos internacionalmente señalan constantemente la importancia de la cultura del trabajo en equipo dentro de los emprendimientos. Algunos consideran hasta necesario inculcar en los miembros del equipo la importancia de las virtudes de las personas colaboradoras dentro del sistema de trabajo.

Confianza

Nunca está de más señalar la importancia de la confianza como una de las principales virtudes humanas más relevantes dentro de la sociedad.

Resulta inevitable que las virtudes de las personas confiables hagan que las mismas sean objeto de respeto e incluso de admiración dentro de los grupos sociales de los que forman parte, incluso si el individuo no cuenta con un cargo que le confiera cierta autoridad dentro del grupo.

Ejemplo

Muchos filósofos y psicólogos sostienen que la confianza es una de esas virtudes humanas que está directamente conectada con los principios del comportamiento de manda, pero dotando a ese instinto primitivo de una carga emocional y valorativa que es única de los seres humanos.

Vitalidad  

La vitalidad es también es otro de los valores y virtudes humanas que tiene el poder de crear personas con habilidades natas para inspirar y servir de ejemplo para futuras generaciones.

Entre las virtudes de las personas con mucha vitalidad se destacan por su habilidad para afrontar los problemas y una filosofía bastante particular sobre la vida que por lo general suelen exteriorizarlas a través de acciones más que con palabras. 

Ejemplo

Hoy en día los medios de comunicación de masas están repletos de historias sobre personas que han superado etapas difíciles gracias a esa perspectiva tan particular sobre el hecho de estar vivo y seguir adelante que solo brindan virtudes humanas como la vitalidad.

Sencillez

Hacer que el resto de las personas sean capaces de verse reflejados en nosotros mismos es una de las virtudes humanas fundamentales para crear vínculos emocionales más estrechos con la comunidad.

La sencillez es una característica propia de aquellas personas que cuentan con una filosofía tan simplificada que incluso resulta algo bastante fácil el poder adaptarla e incluso implementarla dentro de nuestra propia vida.

Ejemplo

Cuando los jóvenes empiezan a acercarse a la edad adulta, empiezan a tener una percepción mucho más amplia de la sencillez como una de las  virtudes humanas que les brinda la posibilidad de aprender a apreciar el verdadero valor de las experiencias.

Fidelidad

Dentro de los distintos sistemas sociales que existen en todo el mundo, la fidelidad siempre ha sido vista como una de las virtudes de las personas que son utilizadas como ejemplos de buenos ciudadanos.

El principio tras la fidelidad como virtud del ser humano radica en la capacidad que poseen las personas con esta cualidad para crear relaciones sociales más estables, especialmente con aquellos individuos con los que se comparte un vínculo afectivo.

Ejemplo

Aunque obviamente la vida de pareja y familiar resultan ser los mejores ejemplos de la fidelidad como virtudes humanas fundamentales para la vida, esta cualidad también es de utilidad para generar lazos sociales no afectivos con otras personas como por ejemplo entre los vecinos de su comunidad.

Imparcialidad

Una de las virtudes con i que es tan poco común entre las personas que cuando se encuentra a un individuo con dichas características automáticamente el mismo adquiere un valor adicional dentro del grupo social.

La habilidad de poder analizar las situaciones dejando de lado los elementos afectivos son propiedades únicas de las virtudes de las personas imparciales que se influyen directamente sobre su capacidad para crear y conservar relaciones en los distintos entornos sociales.

Ejemplo

Dentro de los grupos es natural que las personas más imparciales suelan ser vistas como buenos consejeros, ya que cuentan con un poder análisis que les permiten concentrarse en buscar soluciones basándose en la lógica y la practicidad.

Sensibilidad

No cabe duda que en la actualidad los medios de comunicación han empezado a darle mayor relevancia a la sensibilidad como una de las virtudes humanas fundamentales para la buena convivencia dentro de la sociedad.

Es natural que las personas sensibles tengan una tendencia a desarrollar virtudes humanas que les permitan profundizar más en sus relaciones con los demás como por ejemplo la empatía y la amabilidad.

Ejemplo

Para los individuos cuya principal virtud es la sensibilidad, se les resulta mucho más fácil ejercer ciertos roles de liderazgo. Su enfoque les hace ser muy cautelosos al momento de tomar una decisión, pues para estos individuos el bienestar del colectivo es una prioridad.

Las virtudes humanas son cualidades que básicamente forman parte de lo que representa a la humanidad como especie social intelectual y afectivamente más complejas que otros animales. Esto permite llegar a una conclusión lógica en cuanto a las virtudes de las personas y es que cada una de ellas cuenta con un valor propio el cual permite al individuo contar con algunas cualidades que les permita establecer su individual dentro del grupo, dicho principio es el que  hace que el sistema social de los seres humanos resulte un objeto de estudio tan variado y fascinante al mismo tiempo.

Cultura y contracultura: definición, características, diferencias y ejemplos de movimientos contraculturales famosos

La cultura y contracultura forman el carácter de una sociedad. Ambas en medio de su defensa de la tradición y la innovación, han definido un conocimiento global en el planeta. La contraculturación que surge del interior de la cultura dominante, es la voz de una minoría inconforme pero que ha tenido el peso suficiente para cambiar la historia de las naciones. Conozcamos un poco sobre cuáles han sido sus objetivos y el modo en el que cambiaron el curso de la humanidad.

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Cultura dominante o hegemónica

Define al grupo de creencias, prácticas y comportamientos dentro de una sociedad que son compartidos y seguidos por la mayoría de sus integrantes, o impuestos a través de medios de poder económicos. Es un amplio y variado conjunto de aspectos intangibles de la vida social, como ideologías, religiones, idiomas, artes, etnias que forjan el sentido de pertenencia o identidad de los colectivos o poblaciones.

La palabra dominante viene del latín dominari y connota prevalencia y cometimiento. Esta rigidez de las normas suele aceptarse y adoptarse como cultura porque es conveniente e imperiosa, sus patrones se perciben como preferibles o porque enfrentarlos supondría una amenaza social.

Para entender qué es cultura dominante, basta observar como a través del poder económico o político impone sus valores, lenguajes y formas de comportamiento, puede lograrlo por medio de la liquidación legal o política de otros valores y patrones; y monopolizando a los medios de comunicación. La hegemonía o dominio se hace presente a través de las tradiciones, el gobierno y sus instituciones estadales y educativas, los medios de comunicación, las artes, la economía y los negocios.

Características

Resistencia

La cultura dominante pasa de generación en generación. Puede cambiar con el tiempo por factores internos o externos pero de forma progresiva.

Alta influencia

Suele convencer o someter a la mayoría en su objetivo de establecer las normas sociales, los valores, comportamiento, pensamientos y el lenguaje. El significado de establecido es todo aquello que se ordena hacer, establecer un marco de convivencia.

Omnipresencia

Se vale de los medios económicos y sobre los medios de comunicación para ejercer y promover su sistema. Se impone a través de otras instituciones públicas como escuelas, sistemas productivos, organismos de seguridad, legalidad y comunicación.

Posición de fortaleza

Han demostrado su fuerza frente a las corrientes o agrupaciones que se le oponen, a las cuales terminan sometiendo o manipulando para su reinserción o desintegración. Conservan intocable su hegemonía frente a subculturas, contraculturas u otros tipos de contracultura o movimientos minoritarios que intenten cambiar el orden. 

Origen conceptual de la cultura dominante

La cultura dominante conceptualmente fue desarrollada por el escritor italiano Antonio Gramsci a principios del siglo XX quien decía que los modelos de sociedad estaban impuestos por una clase hegemónica poderosa. Como filósofo marxista indicaba que el capitalismo como ejemplo, no solo abarcaba el tema económico sino además movía sus tentáculos en la aplicación de la cultura, las artes y el entretenimiento como forma de manipulación, control y opresión.

Ejemplos de cultura dominante

A lo largo de la historia se han visto varios ejemplos de cultura dominante o hegemónica. Estos son solo algunos de ellos.

Colonización europea

La invasión de América por parte de los países europeos es un resaltante ejemplo de cultura dominante. Logró su cometido a través de una represión violenta hacia las culturas locales nativas y sus tradiciones. Imponiendo a cambio sus costumbres y creencias.

Fascismo

Tanto el nazismo en Alemania como el fascismo en Italia, instauraron su poder a través de la persecución de la minoría y la simpatía o manipulación de una mayoría que anhelaba un cambio. Además de exaltar sus propios valores, lograron el exterminio de otras culturas enemigas como las de marxismo y el judaísmo. Se valieron de recursos como la propaganda, la censura, la represión y la violencia para tal objetivo.

Cultura-Y-Contracultura-Desfile-Fascista
Desfile fascista en Milán durante 1926 (Bundesarchiv, Bild 102-06851 / CC-BY-SA 3.0, CC BY-SA 3.0 DE, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

WASP

Estas siglas significan White Anglo-Saxon Protestant, traduce blanco, anglosajón y protestante, en Estados Unidos son quienes históricamente han desplegado el poder político, social y económico del país. Es una cultura asociada a la descendencia de británicos blancos, que defiende valores tradicionales y se resiste a la integración de etnias afroamericanas, asiáticas, hispanas, judías, etc.

¿Qué es contracultura?

Este término suele evocar juventud rebelde, cortes de cabello atrevidos y cuero claveteado, pero la realidad del término define a los grupos predominantes opositores o contrarios a la cultura dominante. Estas agrupaciones reúnen un conjunto de manifestaciones culturales, actitudes, valores y normas que desafían, confrontan y rechazan la hegemonía.

Los movimientos contraculturales explican qué es la contracultura al enfrentar el orden preestablecido, en medio de reacciones de malestar, inconformidad y resistencia hacia la sociedad a la que pertenecen; y utilizan para manifestar su insubordinación, códigos distintivos en su manera de vestir, en su estilo de vida, en el lenguaje verbal y corporal, en las expresiones artísticas y en las actividades económicas y políticas. Una definición de contracultura es su carácter beligerante, pero en su concepto también cabe la definición de inconformidad y la definición de indignación, aunque puede coexistir con la cultura dominante.

Características de la contracultura

Inversión de normas colectivas

Dentro del significado de la contracultura su principal objetivo es rebatir las normativas de las corrientes tradicionales, asimiladas por la mayoría o impuestas por la cultura dominante.

Antítesis de la cultura dominante

Una de las características de contracultura es que se diferencia en toda su concepción y estructura a la cultura hegemónica en cuanto a creencias, valores, comportamientos y acciones.

Promueve innovación de valores

Propone cambios en el comportamiento de las masas respecto a temas como la libertad sexual; el consumismo o materialismo; las diferencias étnicas; la desigualdad de géneros; etc.

Defensa de las minorías

La contracultura siempre estaba de lado de los grupos marginados o subgrupo que no recibían la atención de la cultura dominante para dar garantía a sus necesidades básicas de inserción o adaptación en la sociedad. Dan significado de inconformidad de las minorías. Estos grupos nacidos del interior de la hegemonía se unían temporalmente a los objetivos de la contracultura. 

Origen de la contracultura

Todo comenzó en la década de los cincuentas, cuando se empezó a popularizar por parte de los jóvenes estadounidenses el rechazo hacia los estándares sociales y culturales manejados por sus padres, principalmente en temas relacionados a la segregación racial, el apoyo a la Guerra de Vietnam, las severas costumbres sexuales, los derechos de la mujer y el materialismo.

Hasta entonces no se sabía qué es una contracultura, el término fue creado por el sociólogo Theodore Roszak en 1968 para poner nombre a una subcultura de un género particular, fue utilizado por primera vez en los años 60 para documentar la aparición de movimientos de protesta de jóvenes hacia la cultura dominante y que destacaban por rasgo como el amor libre, el hedonismo, el uso de drogas psicodélicas, el feminismo, etc. En adelante surgieron reflexiones y teorías sobre qué es cultura, subcultura y contracultura.

En la historia universal algunos ejemplos que ilustran las características de la contracultura son La Generación Beat de los años 50; el movimiento hippie en los 60 y el movimiento punk y el grunge, posteriormente. Esta oleada protestativa se inició en Estados Unidos pero avanzó a Europa occidental en poco tiempo.

Diferencias entre cultura dominante y contracultura

Son claras las divergencias entre la cultura y la contracultura, sus intereses y modos de expresión los separaban abismalmente; y sus objetivos eran radicalmente defendidos en ambos bandos. A continuación algunas características que distinguen a estas dos corrientes sociales.

Permanencia en el tiempo

La cultura dominante prevalece en el tiempo pues se transmite masivamente de generación en generación, a diferencia de las contraculturas que sobreviven a periodos relativamente cortos y en ocasiones termina reinsertadas a la cultura hegemónica.

Formas de expresión

La principal diferencia entre cultura y contracultura es que sus conductas y creencias son distintas y distantes. Las contraculturas en esencia eligen elementos simbólicos que las separen de la cultura dominante en cuanto a rituales, vestimentas, estatus de clases, intereses musicales, etc. Muestran fundamentalmente un estilo propio de expresión para rebatir lo establecido tradicionalmente. Esto depende de la sociedad que experimente el fenómeno.

Contraposición de valores

La cultura dominante se basa en el establecimiento del poder y control sobre todos los sectores de una sociedad, a través de la implantación de normativas y costumbres fijas y específicas. La contracultura maneja un lenguaje más relajado y cercano a los términos de paz, armonía, libertad e igualdad. Su objetivo es la extensión de una sociedad no sometida, no tiene interés en estatutos de poder.

Alcance en el dominio         

La cultura hegemónica es seguida por la mayoría de una sociedad, en cambio el dominio de contracultura es minoritario.  Desde el interior de toda cultura dominante, se crean subgrupos o culturas minoritarias censuradas, reprimidas o marginadas como en el caso de pandillas, inmigrantes, campesinos o religiosos; también las denominadas tribus urbanas que son agrupamientos juveniles como los góticos, roqueros, raperos, metaleros, gamers o los emos.  Estas generalmente son captadas por el orden hegemónico y transformadas en subculturas de consumo.

Ejemplos de movimientos contraculturales

Norteamérica fue la cuna de la denominada contracultura, pero esta rebeldía contra el dominio y su manifestación a través de las artes y los espacios de cotidianidad, se extendió a otras latitudes del planeta, adaptándose a los patrones culturales de cada geografía y a la necesidad de cambio de cada sociedad, veamos algunos ejemplos de contracultura

Movimientos contraculturales en el mundo

Durante el siglo XX y XXI se han visto varios movimientos contraculturales con alcance global y bastante mediáticos. Estos son algunos de ellos.

Generación Beat

Aunque se desconocía el término, fueron la primera contracultura en la historia. Eran un grupo de escritores estadounidense que se unieron después de la Segunda Guerra Mundial, en los años 50, causando su impacto en la literatura, la música y el cine. Los elementos centrales de este movimiento eran la experimentación con drogas, las formas alternativas de sexualidad, el interés en religiones orientales como el budismo, el rechazo del materialismo, etc. Su reputación era la de hedonistas bohemios que vitoreaban la inconformidad y la creatividad. Beat proviene del adjetivo cansado, derrengado. I’m beat (estoy hecho polvo).

Hippies

Son la clasificación contracultural más grande y replicada en el mundo. Fue un movimiento creado en los años 60 como consecuencia de la denominada Generación Beat encabezada por los beatniks Allen Ginsberg, Jack Kerouac y Wlliam Burroughs. Se consideraba una agrupación anticonformista y como contracultura se oponía a la sociedad preestablecida en Norteamérica para la época. Propusieron nuevas normas y valores sociales de paz, amor y armonía.

La palabra hippie deriva del término hip que en inglés significa iniciado, relacionado a lo nuevo o desconocido, también se asocia a la palabra africana hipi que significa abrir los ojos.

Cultura-Y-Contracultura-Hippie-Contemporaneo
Un hippite contemporáneo durante el Rainbow Gathering en Rusia en 2005 (alexkon from Jerusalem, Israel, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Movimientos punk

Otro de los grupos contraculturales fue un movimiento fomentado por la clase obrera de Inglaterra, de alto impacto social y musical en el mundo entero. Se declaró en contra del orden establecido y de la injusticia social, pero algunos intereses comerciales del ámbito musical desvirtuaron su impulso.

Movimiento feminista

Fue uno de los movimientos políticos más importante del siglo 20, las feministas demostraron que la dominación de los hombres sobre las mujeres en todos los ámbitos no era natural sino una construcción social que debía ser abolida y combatida. Con un significado de contracultura, el feminismo honró con su voz los valores de la mujer, solapados y denigrados para la época.

Cultura-Y-Contracultura-Feminismo
Mujeres aglomeradas en Washington en el año 2017 durante la marcha internacional de mujeres. (Mobilus In Mobili, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Movimientos contraculturales en España

Jipis catalanes

Esta contracultura se fundó a partir de tres corrientes distintas:

  • Los grifotas que eran hombres pertenecientes al estrato social más bajo de España, reunidos  principalmente en el Barrio Chino de Barcelona y que tenían como modo de vida el consumo de marihuana
  • Los rockers que surgieron de sectores juveniles  de clases trabajadores o medias y  tenían en común  algunas preferencias  simbólicas en la música, vestimenta y la estética para declarar su rechazo a la sociedad preestablecida y la industrialización de los años 60.
  • Los estudiantes con sus movilizaciones en función de crear una vanguardia cultural y política.

La cultura jipi friki quería romper con el modelo de vida dominante para intentar otro con característica ideológica, económicas, sociales y políticas diferentes. Este movimiento se encontraba en desventaja al estereotipo yanqui o nórdico, frente a las condiciones económicas y el contexto social/político de entonces.

La línea chunga o línea dura

Deviene del comic underground nacido en Estados Unidos en la década de los 60 como respuesta al comic industrial que transmitía un mensaje conforme a las normas, para mostrar la realidad del país en un lenguaje grafico.

La historieta o revista subterránea, en español, publicada en medios masivos españoles se caracterizaban por la defensa de manifestaciones culturales como el rock, las comunas, las drogas o el antiimperialismo. Atacaba los principios de la sociedad establecida, describiendo en papel y dibujos situaciones irracionales protagonizadas por personajes marginales, en un lenguaje coloquial y sin tabúes en las formas de violencia, sexo y droga. Utilizaba un humor negro. La primera publicación se llamó el Rrollo enmascarado en 1973, en Barcelona.  

Movimientos contraculturales en México

Pachucos

El nombre proviene del apodo de un joven mexicano nacido en Pachuca de Soto, quien viviendo en la ciudad de Los Ángeles lideró una pandilla de revoltosos que portaban el emblemático estilo de traje zoot suit, atuendo que fue replicado y relacionado con este grupo o movimiento. Fue un fenómeno contracultural mexicano, protagonizado por gente joven distinguida por la vestimenta relacionada al jazz, la música y el baile. Repudiaron el sistema porque este los rechazaba.

Desde Norteamérica la contracultura se propago rápidamente en Latinoamérica, donde encontró su vía de expresión especial en la literatura durante los 60 y 70 con el movimiento literario llamado La Onda. Fue uno de los principales movimientos contraculturales en México.

Los existencialistas mexicanos

Los existencialistas fueron parte de la contracultura en México, influidos por el existencialismo francés y la lectura de autores como Sartre, Nietzsche y Jaspers, para luego analizar y discutir el desencanto del sistema dominante en la época. Estos más adelante se convirtieron en beatniks, mezclando el existencialismo con la cultura Beat, fueron la cultura de la contracultura mexicana. A partir hacían traducciones de las escrituras de la generación de escritores anglosajones e incluían a poetas latinoamericano con la misma influencia.

Vistos los ejemplos de cultura y contracultura, en estos últimos, aunque se observa el deseo sobresaliente de un cambio, la contraculturación no pretende el poder político sino el poder de libertad. En este debatir constante entre la cultura y la contracultura el objetivo es derrumbar toda presión moralista hacia un futuro menos autoritario, renovar las formas de poder y aceptar nuevos modos de existencia. Este enfrentamiento aunque con sacrificios en su proceso, genera un aprendizaje constante en la sociedad, que no es estática sino cambiante, en función del progreso y la calidad de vida.

Marketing emocional: definición, características, ejemplos y los mejores libros sobre publicidad de emociones

Hoy en día el marketing emocional se ha convertido en una de las estrategias más utilizadas, especialmente por aquellas compañías con alcance internacional. Ciertamente, la publicidad emocional tiene una capacidad particular de hacer que el mensaje no solo pueda ser recordado con mayor facilidad por el público, sino también de crear un vínculo más cercano con las personas dándole a las marcas características mucho más humanas.

Emociones:
Clasificación y descripción de todas las emociones humanas (listado completo)

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¿Qué es el marketing emocional?

La definición de marketing emocional más precisa es que se trata de una serie de estrategias y herramientas publicitarias que son utilizadas en conjunto para promover la aceptación de una marca o producto a través de mensajes y contenidos con cargas emocionales.

Pero esto no quiere decir la publicidad emocional no requiera de un estudio o análisis previo antes de ser llevada a cabo. Una buena campaña de marketing emocional requiere de mucha preparación y tener muy en claro qué son emociones y cuáles son las se adaptan mejor a la marca.  

Inicios del marketing emocional

Si bien los mensajes publicitarios con cargas emocionales siempre han sido empleadas dentro del mundo publicitario, el marketing emocional como lo conocemos hoy en día comenzó hace poco más de 10 años.

Las redes sociales fueron un fenómeno que cambio por completo las reglas de la publicidad. En la actualidad las personas cuentan con todas las herramientas para hacer llegar sus opiniones o comentarios y hacerlas llegar al mundo entero en pocos segundos.

Esto hizo que las empresas y marcas más importantes empezaran a buscar formas diferentes de poder volver a conectar nuevamente con sus consumidores. Y la respuesta a esa incógnita llegó con el marketing emocional, es decir estrategias de publicidad emocional que permitieran hacer que las compañías empezaran a adquirir características más humanas.

Marketing emocional vs marketing tradicional

La verdad no es algo muy sencillo aprender a diferenciar el marketing emocional de las estrategias de marketing más tradicionales, sin embargo cuando nos vamos a la definición emocional todo se hace un poco más fácil.

El marketing emocional y por lo tanto la publicidad emocional son más que solamente recurrir a los discursos emocionales para garantizar la venta de un producto. Son complejas estrategias de mercadotecnia emocional enfocadas más en hacer que el cliente cree un vínculo con la marca.

Los mensajes emocionales como herramientas publicitarias

Muchos expertos en mercadeo sostienen que sin importar que tan analítica o inteligente resulte una persona al final es un  consumidor emocional, es decir que al momento de escoger un producto las emociones influyen mucho más sobre decisión final.

Sin embargo esto no significa que el marketing emocional es una estrategia utilizada para engañar o disuadir compradores como muchos piensan. Basándonos en la definición de las emociones más técnica, descubriremos que las mismas son simplemente reacciones a estímulos externos que nos permiten tener una percepción determinada hacia ese estímulo que generalmente está condicionada por nuestras experiencias de vida.

Puesto en palabras más simples, la publicidad emocional es una forma de darle a las marcas una cara y cualidades más cercanas a las del ser humano para de esta forma crear un vínculo entre ellas y su público meta.

Características del marketing emocional

Las características del marketing emocional no son del todo complicadas de entenderlas, sin embargo son de ese tipo de conceptos técnicos que se vuelven notoriamente más complejos cuando se trata de ponerlos en práctica dentro de un entorno más realista.

En términos simples, el marketing emocional consiste en el diseño y estrategias para la promoción de un producto, pero utilizando un discurso que permita darle al producto algunas emociones y actitudes cercanas a las del ser humano. Con esto no solamente se logra hacer que el público tenga un poco más receptividad a la campaña como tal, sino que además ayuda a establecer un vínculo afectivo que sirve para fidelizar a los clientes con la empresa.

El principio psicológico que existe tras la publicidad emocional es que las personas al ser expuestas a mensajes comunicacionales que hagan alusión a los sentimientos por parte de la marca, esto producirá una reacción empática instintiva pues el público sentirá que la marca tiene las mismas reacciones que ellos ante determinadas situaciones.   

Es siempre tener presente que cuando se habla de publicidad emocional es el componente emocional dentro del mensaje el que aporta la base sobre la cual se tiene que diseñar el marketing emocional.

Los pilares de la publicidad emocional

Para entender mejor las características del marketing emocional propiamente dichas, es fundamental primero familiarizarse con los pilares de la publicidad emocional y comprender la influencia que tiene los mismos sobre qué es el marketing emocional.

Estos pilares son esenciales no solamente para comprender mejor los conceptos técnicos que yacen dentro del marketing emocional, sino que además permite tener una idea más clara de la cantidad procesos necesarios para poder diseñar una estrategia emocional que pueda considerarse exitosa. Según su autora, Elia Guardiola, en total son cuatro los pilares del marketing emocional:

Marketing de contenidos

El marketing de contenidos es el pilar de la publicidad emocional en donde podemos encontrar toda la parte técnica que existe dentro del concepto de marketing y cómo la misma puede ajustarse a los estímulos que componen el glosario emocional.

A pesar de que en el marketing emocional toda la estrategia comunicacional de la empresa debe estar enfocada en el concepto de emocional es necesario realizar un estudio y contar con los datos necesarios para poder empezar a diseñar dicha estrategia. Es en este pilar podemos encontrar áreas del mercadeo mucho más especializadas como neuromarketing y marketing emocional como tal.

Vinculo marca-cliente

Dentro de este pilar del marketing podemos encontrar todas las relaciones y los vínculos que el público crea con la marca una vez definidas y aplicadas cada una de las herramientas de su plan comunicacional de publicidad emocional.

Aquí no solo se estudia la influencia de las campañas de marketing emocional sobre el público, sino también se mide con detenimiento la reacción de las personas ante el mensaje emocional en la publicidad.

Lovemarks

Traducido literalmente quiere decir “Amor a la Marca”, es decir un proceso donde el consumidor empieza a crear un vínculo emocional más profundo con la marca brindándole a la misma mayor relevancia dentro su vida.

El lovemarks es fundamental para entender la verdadera finalidad de las estrategias de marketing emocional. Una empresa que utiliza herramientas del marketing de emociones busca literalmente que el cliente se fidelice con la marca y los servicios y productos que esta le ofrece.

Contenido discursivo que expresa experiencias y emociones

En este pilar del marketing emocional podemos encontrar todo lo relacionado con la parte netamente comunicacional que son aplicadas por la empresa para dotar a la marca de características más humanas y así crear un vínculo emocional con sus clientes.

Dentro del pilar discursivo de la publicidad emocional es importante no solo definir en qué medios de comunicación se hará llegar el mensaje, sino también estudiar con detenimiento cuál es el mensaje que se le quiere hacer llegar al público. Cuando se habla de emociones dentro del marketing emocional y experiencial, es preciso tener bien definido qué emociones desea proyectar la empresa a su público y de qué forma se les hace llegar dicho mensaje. 

Ejemplos de publicidad emocional

En la actualidad existen muchos ejemplos de marcas que han hecho uso de las campañas emocionales para crear un vínculo mucho más cercano con todos los consumidores que ya son asiduos a los productos y servicios que ofrece la empresa y al mismo tiempo llamar la atención de un público más amplio.

Dentro del mundo publicitario, lo más habitual es utilizar el poder de los medios de comunicación de masas y los digitales en conjunto para hacer llegar un nuevo mensaje enfocado en promover un mensaje que parte de unos valores emocionales que la propia marca comparte con sus consumidores. Estos son algunos de ejemplos y definición de emociones.

Caso 1: «Nunca dejes de buscar», campaña de Mercado Libre (2015)

Con la llegada de una nueva década, la compañía mercado libre había invertido una cantidad importante de dinero para actualizar por completo su plataforma para hacerla mucho más amigable a sus usuarios.

Obviamente la forma más efectiva de hacerle entender a las personas que Mercado Libre era mucho más que solamente un lugar de compras y ventas por internet era creándole una personalidad a la marca con la que los usuarios podían sentirse más cómodos. Fue así como se diseñó un plan de marketing emocional que terminó convirtiéndose en la campaña “Nunca dejes de buscar”.

Nunca dejes de buscar es uno de los mejores ejemplos de publicidad emocional enfocada en una compañía cuyo mercado es completamente digital.

La campaña lanzada en el año 2015 estaba enfocada en hacer ver a Mercado Libre más como una plataforma en donde era posible encontrar cualquier artículo que necesitaras. El punto fuerte de esta publicidad emocional fue las redes sociales para las cuales se creó un hashtag con el que la empresa les invitaba a los usuarios a compartir historias sobre cómo la plataforma les ayudó a dar con el producto que necesitaban.

El éxito de la campaña resultado de la campaña fue tan positivo que incluso hoy en día los usuarios aún siguen haciendo uso del hashtag en sus cuentas personales y compartiendo sus experiencias dentro de una comunidad que va creciendo de a millones cada año.

Una de las piezas más atractiva de todo el marketing emocional tras “Nunca dejes de buscar” fue el comercial transmitido por televisión. Todo el lenguaje visual de la pieza la vuelve uno de los mejores ejemplos de marketing emocional.

El anuncio no arranca directamente con la empresa, sino que más bien presenta a personajes envueltos dentro de una situación bastante cotidiana y progresivamente muestra como Mercado Libre les fue de ayuda para encontrar una solución al problema. Desde los efectos de cámara hasta el fondo musical están diseñados para crear el ambiente propicio para crear un vínculo emocional entre los personajes principales y el espectador.

Caso 2: «Lo mejor es estar juntos», campaña de Coca-Cola (2020)

La época de fiestas es el momento del año por excelencia para que las compañías busquen reforzar los lasos emocionales que les une con su público a través de una campaña de marketing emocional.

Y de todas las grandes compañías internacionales, ninguna puede competir con Coca–Cola cuando se trata de crear publicidad emocional.

Publicitariamente hablando, Coca-Cola es uno de los mejores ejemplos de empresas con marketing emocional haciendo uso de su presencia internacional como el principal gancho para crear un vínculo más cercano con todos sus consumidores.

La publicidad emocional navideña de Coca-Cola son piezas que han sido diseñadas para crear recuerdos en las personas y ciertamente la campaña del no fue una excepción. La campaña “Lo mejor es estar juntos” fue la forma más brillante de llevar un mensaje en donde el concepto de emociones se encuentra inmerso dentro de cada una de las piezas publicitarias.

El comercial para televisión de Coca-Cola para el año 2020 podría ser la foto que acompañe al concepto de marketing emocional dentro del diccionario. Toda la pieza audiovisual está enfocada para generar una expectativa en el espectador, hasta que finalmente llega a un clímax emocional.

Pero la verdadera brillantez tras la publicidad emocional de la campaña de Coca-Cola para el año 2020 se encuentra en la propia frase que da nombre a toda la campaña. “Lo mejor es estar juntos” es más que solamente un eslogan de marketing emocional, es una frase precisa y bastante acertada para un año que estuvo marcado por el distanciamiento social. 

Libros sobre marketing emocional que tienes que leer

Darle características humanas a una marca a través de publicidad emocional no es solamente hacer spots publicitarios con piezas con discursos plagados de mensajes que involucren sentimientos. Una campaña de marketing emocional involucra un arduo proceso de estudio antes, durante y después de diseñar el plan a seguir.

La verdad es que la publicidad emocional es un tema tan amplio y delicado que en la actualidad existen muchos expertos en mercadeo que han dedicado libros enteros a analizar y describir con precisión este fenómeno comunicacional. Cuando se piensa un libro de marketing emocional hay muchas opciones y autores disponibles en ese campo, pero a continuación hemos preparado una lista de algunos títulos que resultan bastante útiles para entender mejor todo el proceso tras la publicidad emocional. 

1. Experiencias emocionales de compra de Carlos Sotillo y Juan Manuel Romaguera

Un manual extremadamente completo en donde los autores no solamente se concentran en explicar con precisión todos aquellos elementos inmersos en qué es marketing emocional, sino que además analizan casos reales de empresas que han convertido a la publicidad emocional en parte fundamental de sus estrategias comunicacionales.

En Experiencias Emocionales de Compra se estudia con detenimiento el verdadero poder de las emociones dentro de los consumidores y cómo las mismas influyen directamente sobre su elección de compras.

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Difundia Ediciones.

2. Storytellling como estrategia de comunicación de Guillaume Lamarre

La publicidad emocional es más que solamente discursos con contenido emocional y piezas publicitarias que produzcan una reacción emocional en el público. Dentro del marketing emocional existen muchas herramientas comunicacionales diseñadas específicamente para garantizar su efectividad y el story telling es una de ellas.

El autor Guillaume Lamarre nos brinda en su libro Story Telling como Estrategia de Comunicación un análisis profundo y detallada sobre cómo las habilidades narrativas pueden servir para darle a la marca una personalidad única que la diferencia de la competencia y además le permita crear lasos emocionales con el público.

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Editorial Gustavo Sigil.

3. Con los 5 sentidos: Neuromarketing aplicado y marketing emocional de Javier de Diego

Un libro de gran utilidad en donde se profundiza con meticulosidad que son las emociones humanas y cuál es el papel de las mismas dentro del mundo de la publicidad. En Con los 5 Sentidos se estudia con detenimiento toda la ciencia tras el neuromarketing y cómo la misma ayuda a la creación de estrategias de marketing emocional exitosa.

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Guiomar Ediciones.

En la guía de Javier de Diego se hace un particular énfasis en marketing emocional y psicología de los colores. La teoría de Robert Plutchik es una constante a través de toda la lectura, en dicho planteamiento teórico se establece que cada reacción emocional corresponde a un color determinado dentro de un sistema de categorización que comprende más de 17 posibles respuestas emocionales diferentes.


4. Comunicación emocional (Acción empresarial) de Eduardo Lazcano de Rojas

Comunicación Empresarial (Acción Empresarial) es un material que se caracteriza por una lectura bastante fácil de entender, hasta el punto que incluso puede resultar bastante amena para todos los lectores. Esta obra analiza los principios del marketing emocional y los lleva a otras áreas de la vida como la economía, las relaciones e incluso la política internacional.

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LID Editorial Empresarial.

El libro de Eduardo Lazcano es considerado como un documento bastante útil tanto para los nuevos profesionales de la publicidad como para aquellas personas que simplemente desea comprender más sobre la verdadera influencia de la publicidad emocional dentro de la sociedad moderna.

5. Oxitobrands: Marcas humanas para un mercado emocional de Marcelo Ghio

Sin ninguna duda uno de los mejores libros sobre el marketing emocional que se haya escrito. Para muchos especialistas en marketing y publicidad, esta obra es la razón por la que Marcelo Ghio puede considerarse como un auténtico visionario dentro del mundo de las empresas de consumo masivo.

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Editorial Experimenta.

Lanzado por primera vez en el año 2009, Oxitobrands es un libro bastante preciso y concreto a la vez en donde el autor estudia cómo las emociones de los consumidores y la idea de humanizar las marcas son las bases para crear una relación simbiótica entre empresa–consumidor que hoy por hoy conocemos como marketing emocional.


La publicidad emocional es más que solamente un spot o eslogan para impulsar a las personas a adquirir un determinado bien o servicio, hoy en día le mercadeo es una ciencia precisa compuesta que puede dividirse en varias sub categorías como el marketing emocional. Aun si no se tiene una formación académica en sociología o psicología del consumidor, es evidente que la publicidad emotiva tiene algo que le ayuda a conectar con los sentimientos más profundos del ser humano.

Compositores de música clásica: 40 grandes músicos clásicos y sus mejores y más famosas piezas

Incluso si no somos muy asiduos a escucharla, existe algo dentro de la música clásica que de alguna manera termina por llegar hasta lo más profundo de nosotros. Todas las grandes obras de los músicos clásicos tienen la capacidad de transportarnos por completo a una época totalmente distinta y hacer aflorar sensaciones y sentimientos difíciles de explicar. Estos son 40 grandes compositores de música clásica en las distintas épocas de ésta.

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Renacimiento (1400 – 1600)

A pesar de que dentro de la cultura popular no resulta muy común escuchar sobre los músicos clásicos del renacimiento, lo cierto es que el origen de la música clásica propiamente dicha puede ser rastreado hasta este período histórico.

Durante el renacimiento es cuando empiezan a delimitarse las normas y fundamentos que rigen los principios compositivos que muchos años después formarían parte crucial dentro de los compositores de música clásica más conocidos. Cuando se habla de los compositores de música clásica del periodo renacentista algunos nombres empiezan a salir a relucir como por ejemplo: 

1. Claudio Monteverdi (156 – 1643)

Claudio Monteverdi es un compositor de música clásica renacentista el cual según muchos historiadores es considerado el primer compositor en introducir muchas de las técnicas y arreglos que posteriormente serían formarían parte fundamental dentro de la música del barroco temprano.

El trabajo musical de Monteverdi estaba centrado principalmente en la música sacra y la armonía corla, sin embargo algunas de las piezas que aún se conservan en la actualidad muestran un algunos arreglos temporales enfocados en la armonía que guardan cierta semejanza con algunas obras de los géneros de música clásica más estructurados como algunas piezas de compositores de música clásica del período clasicista tardío.

Su legado

Monteverdi fue uno de los precursores del estilo compositivo en donde se mezclan las armonías netamente instrumentales acompañadas por recitaciones rítmicas.

Su obra más importante y de la que aún se sigue representando en muchos festivales es La Fábula de Orfeo considerada por muchos expertos en maestros de la música clásica como la primera ópera de la historia.

2. Pierluigi da Plaestrina (1525 – 1594)

El compositor de Pierluigi da Plaestrina es otra de las figuras más representativas de los músicos clásicos del periodo renacentista.

Sus composiciones musicales son un excelente ejemplo de un período de experimentación con algunos elementos sonoros como el contrapunto, esto posteriormente formarían las bases para muchas de las obras más representativas de algunos de los compositores de música clásica más prominentes del clasicismo como Wolfgang Amadeus Mozart.

Su legado

Las piezas de música sacra de Pierluigi da Plaestrina son realmente joyas de la música clásica del período del renacimiento.

En su Misa del Papa Marcelo es una sonata armónica donde las armonías corales son utilizadas en su máxima expresión para crear una pieza digna de cualquier músico que pueda considerarse entre los compositores de música clásica más influyentes de su época.

3. Johannes Ockeghem (1401 – 1497)

Si bien es claro que el renacimiento tuvo su mayor influencia sobre el territorio italiano, otros países europeos se vieron fuertemente influenciados por todos los movimientos artísticos, científicos y musicales de esta época.

El compositor Johannes Ockeghem es por mucho uno de los representantes más fuertes de la música franco-flamenca. El trabajo musical de Ockeghem es extremadamente refinado y sumamente estilizado, esto puede evidenciarse con facilidad en la mayoría de sus trabajos.

Su legado

Dentro de la música clásica, la influencia compositiva de Johannes Ockeghem marca un punto crucial dentro de la música del período renacentista.

Entre sus obras más destacadas a nivel compositivo se encuentra L’homme armé, una pieza coral de gran complejidad que es un reflejo claro de la influencia del movimiento renacentista dentro de la música sacra.

4. Nicolas Gombert (1495 – 1560)

Muchos historiadores sostienen que es imposible hablar de músicos clásicos del período renacentista sin mencionar siquiera alguna de las obras de Nicolas Gombert.

Este compositor francés fue uno de los que logró sacar el máximo provecho a la polifonía natural de los conjuntos corales. Muchos de sus trabajos musicales tuvieron una enorme influencia sobre otros compositores clásicos del renacimiento como Palestrina y Josquin Desprez.

Su legado

Las misas, los motetes y las chansons de Nicolas Gombert son una muestra clara de toda su genialidad a nivel compositivo.

Pero es su ciclo de ocho Magnificats en donde realmente puede apreciarse toda la verdadera belleza de las piezas sacras y cómo las mismas influyeron posteriormente en las piezas de muchos compositores de música clásica más destacados de la época barroca y clasicista.

5. Jean Mouton(1459 – 1522)

De todos los compositores de música clásica pertenecientes al período renacentista, Jean Mouton sobresale como una de las figuras más importantes de la época.

Sus piezas corales son un despliegue total de armonía y acordes sutiles pero de suma importancia dentro del contexto general de la pieza. Jean Mouton no solamente se dedicó netamente a la composición, también fue un conocido maestro que influyo fuertemente en otros músicos clásicos del período renacentista como Adrian Willaert.

Su legado

Para muchos estudiosos, Jean Mouton se encuentra entre los compositores clásicos que crearon los estándares compositivos para las piezas corales y la música sacra.

De toda la obra musical de Jean Mouton que se conserva en la actualidad son sus Motetes como Missus est Gabriel en donde puede apreciarse todo el refinamiento y estilismo que le hicieron ganar tanta fama.

6. Cipriano de Rore (1515 – 1565)

Cipriano de Rore fue un compositor y maestro de música flamenca que pasó una buena parte de su carrera en Italia. Ambas corrientes musicales dejaron una huella inconfundible dentro del estilo compositivo de Rore.

Como muchos otros compositores de música clásica del renacimiento, Cipriano de Rore fue músico sumamente prolífico y multifacético. Sin embargo, una parte considerable de su trabajo compositivo está enfocado específicamente en los madrigales.

Su legado

La polifonía y las técnicas musicales como el canon son fundamentales dentro de la gran mayoría de las piezas musicales compuestas por Cipriano de Rore.

Para muchos historiadores, Cipriano de Rore fue uno de los músicos que contribuyó para darle al canto italiano una forma más definida. Los experimentos armónicos de Cipriano de Rore sirvieron de inspiración para muchos otros compositores de música clásica renacentista como Claudio Monteverdi.  

7. Giovanni Gabrieli (1557 – 1612)

En lo que se refiere a los músicos clásicos de la época renacentista, los avances sinfónicos y las obras de Giovanni Gabrieli son extremadamente importantes dentro de la historia de la música.

Si bien al igual que muchos otros compositores contemporáneos con el Giovanni Gabrieli se especializaba en la composición de piezas corales y música sacra, en sus obras más conocidas las influencias polifónicas y cualidades armónicas del órgano son esenciales.

Su legado

La mayoría del trabajo compositivo de Giovanni Gabrieli giró en torno a los trabajos previos de su tío, uno de los compositores de música clásica más respetados en la escuela veneciana.

Sin embargo, Giovanni Gabrieli también tuvo sus propios aportes dentro de la música clásica. Su Sonata Pian e Forte es por mucho la contribución más destacada de Giovanni Gabrieli, la pieza está llena de arreglos rítmicos los cuales poseen demasiada similitud con algunas de las obras maestras de muchos compositores de música clásica del barroco temprano y medio.

8. Carlo Gesualdo (1563 – 1613)

Durante la época del renacimiento muchos de los grandes compositores de música clásica tuvieron que ajustar la mayoría de sus obras para que las mismas resultaran del gusto de las autoridades de la iglesia. Sin embargo, esto nunca represento un problema para Carlo Gesualdo.

Carlo Gesualdo provenía de una de las familias más influyentes de toda Italia, esto le facilitaba mucho el poder componer música con mucha mayor libertad que otros músicos clásicos del renacimiento. Esa libertad creativa dio como resultado piezas únicas con una complejidad armónica bastante fuera de lo ordinario para los estándares del renacimiento.

Su legado

El legado de Carlo Gesualdo dentro de la música clásica radica justamente en las libertades creativas que le concedía su estatus de noble. Los expertos coinciden en que Carlo Gesualdo componía solamente la música que a él le gustaba y eso le añade a toda su obra compositiva un carácter único y bastante profundo.

Se la mia a Morte Brami es uno de sus responsos más famosos conocidos actualmente. La armonía coral y el juego de voces le añaden mucho carácter y complejidad que no es común entre los trabajos de la mayoría de los compositores de música clásica del renacimiento.

Barroco (1600 – 1750)

En el período barroco es donde empiezan a salir a la luz muchos de los artistas de música clásica más conocidos dentro de la cultura popular. La principal característica de la música proveniente de este período es la amplitud de tonalidades que provenían de la combinación de los diferentes tipos de instrumentos.

En sus inicios, la música barroca fue un género diseñado específicamente para el disfrute de las clases más altas de Europa, esta presión obligaba a los músicos clásicos a siempre buscar formas de innovar y componer piezas únicas. El barroco trajo consigo muchos compositores de música clásica bastante sobresalientes como es el caso de:

9. Johann Pachelbel (1653 – 1706)

Entre los compositores de música clásica más influyente de la época barroca es imposible dejar por fuera a Johann Pachelbel.

Las obras de Pachelbel se caracterizan por una estética armónica única y una simplicidad melódica que la hace sumamente agradable para el oído. Johann Pachelbel es por mucho uno de los compositores famosos de música clásica barroca más influyentes de este período.

Su legado

Las melodías suaves y el dominio casi exclusivo de los instrumentos de cuerda en sus piezas son las características musicales que hacen que la obra destaque y siga siendo un referente tan importante dentro de la historia de la música.

Su Canon en D Mayor es la obra más relevante de este compositor y uno de los mejores ejemplos de música culta.

10. George Friedrich Händel (1685 – 1759)

De entre todos los autores de música clásica del período barroco que se conocen en la actualidad pocos compositores cuentan obras compositivas tan estructuradas y al mismo tiempo tan armónicamente variadas como las de George Friedrich Händel.

Históricamente hablando Händel fue el primero de los compositores de música clásica en llevar los principios armónicos de las composiciones italianas, germanas y francesas para posteriormente ajustarlas al gusto de los ingleses.

Su legado

A lo largo de toda su carrera compositiva Friedrich Händel escribió un total de 43 óperas y unos 26 oratorios. Pero musicalmente hablando, el verdadero legado de Händel se encuentra en sus piezas de música sacra.

El Mesías es más que solamente la obra más conocida de Friedrich Händel en la actualidad, también es la prueba irrefutable de la influencia de este compositor sobre el género clásico.

11. Antonio Vivaldi (1678 – 1741)

Si ninguna duda uno de los compositores de música clásica más reconocidos en todo el mundo. Los trabajos compositivos de Antonio Vivaldi son considerados por muchos expertos como los principales exponentes de la música clásica de estilo barroco.

Apodado como El Cura Rojo por el color de su cabello, Vivaldi fue un sacerdote que se enfocó mucho más en su carrera compositiva y la comercialización de eventos musicales que en sus responsabilidades religiosas. Antonio Vivaldi fue uno de los músicos clásicos que transformó por completo a la ciudad de Venecia y la convirtió en uno de los centros culturales más importantes del siglo XVII.

Su legado

Antonio Vivaldi cuenta con un puesto de honor entre los grandes músicos clásicos por sus obras compositivas rebosantes de estilismo y un brillante uso de las polifonías que le agregaban cierto toque de complejidad a todas sus piezas, incluso aquellas elaboradas para el gusto de un público menos ilustrado.

Las Cuatro Estaciones son una serie de conciertos para violín y orquestas que forma una parte importante del legado de Vivaldi dentro del mundo de los compositores de música clásica.

12. Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)

Entre todos los nombres de músicos clásicos de la época barroca pocos resultaron ser tan aplicados y adelantados a su tiempo como el compositor alemán Georg Philipp Telemann.

Telemann era un visionario por naturaleza, su necesidad por experimentar con armonías y algunos ajustes musicales fue algo que le hizo entrar en conflicto con muchos de sus colegas y profesores. A pesar de toda la controversia Philipp Telemann era muy respetado entre los músicos clásicos de la época.

Su legado

Durante toda su vida Georg Philipp Telemann mostró una curiosidad nata por la música clásica y las verdaderas cualidades armónicas de cada tipo de instrumento. Muchos de los trabajos y experimentos rítmicos de Telemann fueron el punto de partida para establecer las bases melódicas que utilizarían muchos de los compositores de música clásica durante el clasicismo.

El trabajo musical de Philipp Telemann es tan amplio como fascinante de estudiar. Su Fantasía no. 11 para flauta cuenta con todas las características musicales que se esperaría de un personaje digno de ser considerado entre los mejores de la música clásica.

13. Henry Purcell (1659 – 1695)

La llegada de Händel al territorio inglés trajo consigo la aparición de una nueva generación de músicos clásicos que rápidamente empezarían a adquirir mucha notoriedad en otros países europeos. Tal es el caso particular de Henry Purcell.

Henry Purcell fue un compositor inglés del período barroco cuya obra está claramente influenciada por los estilos más relevantes de la época como la italiana y francesa.

Su legado

A pesar de que las piezas musicales de Henry Purcell comparten ciertas similitudes con los primeros trabajos orquestales traídos por Händel, a medida que el compositor alcazaba su madurez su trabajo fue dotándose de un estilo mucho más definido.

La verdadera genialidad y habilidades compositivas de Henry Purcell pueden ser evidenciadas en sus sonatas. Su Sonata para Trompetas y Cuerdas es una pieza armónicamente brillante y además, es u excelente ejemplo de los diferentes tipos de música clásica que existían durante el período barroco. 

14. Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687)

Entre los grandes artistas de la música clásica de estilo francés con influencias netamente barrocas las obras de Jean–Baptiste Lully son por mucho uno de los mejores ejemplos de música académica de la época.

Jean-Baptiste era un compositor y bailarín franco italiano que durante muchos años trabajó elaborando piezas musicales y obras de canto lírico para la corte del Rey Luis XIV. Su trabajo compositivo destaca rápidamente del de otros compositores de música clásica por su teatralidad y sentido estético de la armonía.

Su legado

Jean-Baptiste Lully fue uno de los compositores de música clásica cuyas obras influyeron enormemente en los principios estéticos y compositivos que predominarían en los ballets franceses.

De hecho, su Ballet d’Alcidiane et Polexandre es catalogada por muchos expertos como una pieza realmente brillante cargada de dramatismo y arreglos musicales que incluso muchos compositores de música clásica de la edad moderna buscan emular.

15. Domenico Scarlatti (1685 – 1757)

Así como Händel definió musicalmente el estilo inglés de composición barroca y Jean-Baptiste el francés, la figura de Domenico Scarlatti sale a relucir como uno de los compositores de música clásica barroca más importante dentro de España.

Toda su obra musical está repleta de una estructura matemática basada en un sistema binario muy preciso. Dicha estructura hace que la obra completa de Scarlatti tenga un tempo bastante definido y la sutileza armónica que es tan característica entre los músicos clásicos famosos.

Su legado

Domenico Scarlatti es un referente casi obligatorio cuando se habla de músicos clásicos del período barroco.

La calidad tonal y belleza de sus sonatas las ha convertido en piezas musicales totalmente atemporales y referencias obligatorias de estilos musicales del periodo barroco.

16. Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

Sin duda uno de los compositores de música clásica más relevantes e influyentes del período barroco. Toda la carrera compositiva de Johann Sebastian Bach son parte de un legado familiar que incluye a más de 35 músicos clásicos.

Muchos academistas consideran que con la muerte de este compositor se dio fin de forma oficial al estilo compositivo y las polifonías rítmicas que marcaron toda la música del período barroco.

Su legado

Johann Sebastian Bach fue el músico clásico que abrió las puertas a una nueva generación de compositores de música clásica de origen alemán y austríaco quienes dominarían por completo el período del clasicismo. Su trabajo ha sido de inspiración para muchos de los grandes compositores del periodo clásico como Mozart y Beethoven.

Los conciertos de Brandeburgo son piezas musicales sumamente elaboradas en donde se puede evidenciar toda la intelectualidad y sofisticación que existe dentro de muchas de las piezas de Johann Sebastian Bach.

Clasicismo (1750 – 1770)

El período clasicista o neoclasicismo es donde surgieron un buen número de compositores de música clásica cuyas piezas musicales y vidas personales forman parte de la cultura popular.

Cómo período musical, el clasicismo se caracterizó por un estilo compositivo mucho más estructurado en donde las capacidades melódicas empezaron a tener un rol mucho más importante dentro de la labor compositiva. El clasicismo trajo consigo una generación de músicos clásicos innovadores y creativos entre los que se destacan personajes como:

17. Joseph Haydn (1732 – 1809)

Joseph Haydn es por mucho uno de los músicos clásicos más destacados dentro del período que comprende el clasicismo temprano. Muchos estudiosos consideran a Haydn como el padre de las sonatas y un visionario en lo que se refiere a las canciones de piano clásicas.

Joseph Haydn fue uno de los primeros compositores de música clásica nacidos en Austria en alcanzar la fama en la mayoría de los países europeos. También tuvo una sólida amistad con Mozart y también fue tutor de Beethoven durante sus primeros años de formación musical.

Su legado

La obra de Joseph Haydn es por mucho uno de los ejemplos de música clásica post barroca. Todas sus piezas musicales gozan de una cierta simplicidad fónica que al mismo tiempo hace que toda su obra musical sea el trabajo digno de uno de los grandes de la música clásica.

Una de las áreas musicales donde Haydn pudo destacarse con facilidad de otros músicos clásicos contemporáneos con él es en los cuartetos para violín. El Cuarteto de cuerda Op. 33 no 1 es el mejor ejemplo de cómo las polifonías y punteo de la música barroca era sustituido por arreglos armónicos mucho más elaborados a nivel compositivo.

18. Carl Philipp Emanuel Bach (1714 – 1788)

La influencia musical de los integrantes de la familia Bach también fue muy fuerte durante el período clasicista, principalmente gracias a la figura de Carl Philipp Emanuel Bach.

A pesar de que este músico clásico no goza de tanta notoriedad como la adquirida por su padre, los académicos y expertos en música consideran que la obra de Carl Philipp Emanuel Bach es extremadamente relevante dentro del mundo de los autores de la música clásica.

Su legado

Al igual que Johann, Emanuel Bach hizo contribuciones musicales bastante importantes durante su período de actividad musical. De hecho, el grueso de sus piezas musicales permitió dar forma a las bases sinfónicas y compositivas que predominarían durante la época clasicista.

De todo el repertorio de sonatas, música sacra, cantatas, himnos, pasiones y sinfonías que son piezas claves de la carrera artística de Carl Philipp Emanuel Bach la su Fantasía para Clavicordio en C menor se encuentra entre una de las brillantes de las que el compositor austríaco ha creado.

19. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)

Para muchos de nosotros las palabras compositores de la música clásica son un sinónimo de los nombres Wolfgang Amadeus Mozart. Desde edad temprana el pequeño Mozart dejaba perplejos a muchos nobles de Austria con sus interpretaciones armoniosas y expresivas.

Si bien aun en la actualidad tanto la vida personal e incluso la propia muerte de Mozart sigue rodeada de mucho misterio su legado musical vive como una muestra de la época de oro para los compositores de música clásica austríacos. Su trabajo musical incluye desde géneros tan elaborados como la ópera hasta sutiles piezas que se tocan con el piano.

Su legado

Dentro del período del clasicismo, la figura de Wolfgang Amadeus Mozart surge como una referencia obligatoria de toda la variedad y diversidad de estilos musicales que trajo consigo este nuevo período en la historia.

La Sinfonía no 40 es una prueba rotunda de toda la genialidad y habilidades para la composición musical que pocos músicos clásicos han logrado alcanzar.

20. Luigi Boccherini (1743 – 1805)

A pesar de todo el dominio casi absoluto de los músicos clásicos austríacos y alemanes durante la época clasicista, la escuela italiana tan contó con algunos representantes bastante fuertes. Luigi Boccherini fue el defensor de toda aquella estirpe de grandes compositores de música clásica de origen italiano.

Inevitablemente el trabajo compositivo de Boccherini terminó por verse influencia por muchas de las corrientes musicales que estaban marcando la pauta en ciudades como Viena. Sin embargo, su acercamiento hacia la cultura española fue algo que quedó para siempre plasmado en las obras musicales más importantes de Luigi Boccherini. 

Su legado

La belleza estética y armónica de las obras de Boccherini están entre los mejores ejemplos de música clásica del período clasicista intermedio. Se trata de piezas musicales de melodías sofisticadas con algunos arreglos polifónicos menos adornados que le añaden mucho carácter a la obra del compositor italiano.

Música Nocturna de las Calles de Madrid es por mucho la obra más famosa de todo el repertorio musical de Luigi Boccherini.

21. Carl Friedrich  Abel (1723 – 1787)

Si bien la influencia de Johann Sebastian Bach estuvo muy presente en muchos de los compositores de música clásica del siglo XVIII, en ningún otro músico es tan evidente esta realidad como en la obra de Carl Friedrich Abel.

Desde joven Abel contó con la tutela de Sebastian Bach, esto inevitablemente terminó dejando una huella imborrable en todo el trabajo compositivo y musical de Abel. 

Su legado

A pesar de que la obra musical de Carl Friedrich Abel fue fácilmente eclipsada por la de otros músicos clásicos del mismo período, una buena parte de los trabajos de Abel siguen conservándose y cobrando cada vez más relevancia dentro de las salas de concierto.

Como músico Abel contaba con un gran talento para dominar la viola gamba, esto hizo que la mayoría de los conciertos y sonatas que compuso durante su carrera artística estuviesen protagonizadas por este instrumento. Su Preludio para Viola Gamba es una obra musical de gran belleza armónica que permite a Carl Friedrich Abel estar entre los mejores compositores de música clásica.

22. Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)

No es necesario ser un experto en música clásica para saber que Ludwig van Beethoven destaca como uno de los nombres de compositores de música clásica más importantes del período clásico.

Sus trabajos musicales son la mejor evidencia del genio creativo y compositivo con el que contaba el Beethoven, un claro resultado de una cultura musical de gran calidad inculcada desde muy joven por los músicos clásicos más influyentes de la época.

Su legado

Hablar del trabajo compositivo y musical de Ludwig van Beethoven es mencionar piezas musicales de gran relevancia tanto para los compositores de música clásica del clasicismo como para los autores del período romántico temprano.

Tal es la fama de su Novena Sinfonía que prácticamente es una obra musical que ni siquiera requiere de presentación de ningún tipo para ser reconocida como la creación de uno de los representantes de la música clásica.

23. Maria Anna Mozart (1751 – 1829)

La presencia de genios creativos como Mozart y Beethoven obligó a muchos compositores de música clásica del período clasicista a estar siempre a riesgo de caer en el olvido. El mejor ejemplo de esta cruda realidad es Maria Anna Mozart.

Según muchas fuentes históricas la hermana mayor de Wolfgang fue una de las personas que hizo que el pequeño Mozart empezara a interesarse por la música. Como música Maria Anna Mozart mostró grandes facultades para tocar el piano, mismas que utilizó para componer algunas piezas pequeñas que sirvieron como guía para su hermano menor.

Su legado

Durante el siglo XVIII no era bien visto que una mujer se acreditara la composición de una pieza, esto en sí ha sido uno de los factores que por poco hizo que la figura de Maria Anna Mozart desapareciera casi por completo de la historia.

Sin embargo recientemente muchos historiadores no solo han sido capaces de reconocer las habilidades compositivas de Maria Anna, sino permitido que algunos de sus trabajos pudieran salieran a la luz pública.

24. Luigi Cherubini (1760 – 1842)

La ópera y las composiciones líricas también tuvieron una gran importancia durante el clasicismo. Uno de los grandes compositores de música clásica que se especializó en este género fue Luigi Cherubini.

Luigi Cherubini fue un compositor nacido en la ciudad de Florencia cuyo trabajo e influencias dentro del mundo de la ópera tuvieron una excelente receptividad por parte del público europeo.

Su legado

La obra de Luigi Cherubini es vista por muchos estudiosos como el mejor ejemplo de cómo las composiciones melódicas más complejas que caracterizaron al período del clasicismo tuvieron una repercusión sobre las piezas musicales enfocadas en el canto.

La Obertura de la ópera Médée de Luigi Cherubini es una pieza musical de gran teatralidad en donde se puede apreciar con gran facilidad todas las cualidades de Cherubini como compositor de música clásica.

Romanticismo (1780 – 1840)

El romanticismo fue un movimiento filosófico y artístico que tuvo una enorme influencia dentro del mundo de la música. De este período es donde empieza a darse a conocer alguno de los músicos famosos de música clásica de origen ruso más conocidos.

Los trabajos de algunos músicos clásicos del clasicismo tardío hicieron que muchos compositores se sintieran particularmente intrigados por la capacidad de los sonidos y las melodías de despertar emociones en el ser humano. Dentro del romanticismo existieron compositores bastante destacados entre los cuales podemos mencionar:

25. Franz Schubert (1797 – 1828)

Sin duda alguna uno de los grandes compositores clásicos del romanticismo temprano es Franz Schubert. Desde temprana edad Schubert ya había mostrado grandes dotes para la creación de piezas musicales y aunque nunca se dedicó de lleno a esta tarea sus obras gozan de un enorme prestigio a nivel mundial.

Tristemente Franz Schubert no fue capaz de disfrutar mucho del reconocimiento y la fama que le hizo ganar sus dotes como virtuoso del piano, pues después de su único gran concierto murió de forma repentina a sus 31 años de edad.

Su legado

El nombre de Franz Schubert es mundialmente reconocido dentro del mundo de la música de cámara europea. Sus piezas musicales de armonías delicadas y ritmos acelerados son muy reconocidas sobre todo entre los músicos de piano.

La Sonata para Piano no. 958 de Schubert es una prueba irrefutable de la calidad compositiva y el genio creativo de este músico de origen austríaco.

26. Franz Liszt (1811 – 1886)

Franz Liszt fue conocido como uno de los músicos clásicos quien se encargó de poner en alto el nombre de la Neudeutsche Schule, traducida al español como la Nueva Escuela Alemana.

Este compositor astro-húngaro se ganó rápidamente el respeto de muchos de los compositores de música clásica más influyentes del romanticismo principalmente por sus piezas musicales llenas de carácter y aun así cargadas de un aire de melancolía que con el tiempo se convirtió en la firma acústica de Franz Liszt. También fue un gran benefactor de muchos otros músicos clásicos más modernos como Camille Saint-Saëns y Aleksander Borodin.

Su legado

El repertorio de piezas y sonatas para piano de Franz Liszt que se caracterizan por utilizar al máximo las capacidades armónicas y rítmicas que este instrumento puede aportar dentro de la música.

Pero es en los poemas sinfónicos donde Franz Liszt saca el máximo provecho a todas sus facultades que lo hacen ser reconocido como uno de los compositores de música clásica más importantes de toda la historia.

27. Felix Mendelssohn (1809 – 1847)

Felix Mendelssohn es uno de los nombres que inevitablemente terminan apareciendo en cualquier estudio o listado sobre músicos clásicos del período romántico.

A diferencia de otros compositores de música clásica de este período, Mendelssohn tenía un estilo musical que resultaba ser mucho más conservador. A pesar de esto, las obras de Felix Mendelssohn son una combinación brillante de las influencias del barroco tardío con algunos compases y armonías empleadas por la mayoría de los compositores de música clásica del romanticismo temprano.

Su legado

Una parte importante de la influencia y legado de Felix Mendelssohn dentro de la música universal ha sido la incorporación de música clásica corta, es decir piezas sinfónicas de gran calidad compositiva pero con un período de duración bastante reducido.

Incluso aquellos que no les agrada mucho la música clásica son capaces de reconocer sin ningún problema las primeras notas de la Marcha Nupcial de Felix Mendelssohn.

28. Frédéric Chopin (1810 – 1849)

El estilo único y las habilidades interpretativas de Frédéric Chopin fueron solo alguno de los elementos que le permitieron a este virtuoso del piano hacerse notar entre los músicos clásicos.

Este compositor de origen polaco mostró un dominio de instrumento que no solo permitían que Frédéric Chopin pudiese interpretar como nadie las piezas musicales más complejas. Si no que además lo doto de un talento natural para la composición que no tardó mucho en aflorar.

Su legado

La música de Chopin es particularmente pausada y sobresaturada de una fuerte melancolía, pero es justamente eso lo que hace de sus piezas para piano obras atemporales que solo pueden provenir de alguno de los grandes compositores de la música clásica.

Sus Nocturnas son composiciones musicales que a pesar de la falta de polifonías siguen siendo piezas armónicas extraordinariamente belleza que requieren de años de práctica poder ser ejecutadas.

29. Richard Strauss (1864 – 1949)

Richard Strauss es otro de los nombres de música clásica que nunca puede faltar cuando se habla de compositores de música clásica tanto del romanticismo tardío como del período más moderno.

Su trabajo musical es uno de los más complejos de estudiar a nivel musical e irónicamente, uno de los que puede ser identificado con mayor facilidad por el público en general. Sus armonías precisas y la inclusión de algunos semitonos como elementos complementarios hacen que las piezas de Richard Strauss sean una parte importante del legado cultural de Europa.

Su legado

Para muchos críticos musicales las obras de Richard Strauss son el legado de un auténtico genio de la composición musical. La música de Strauss es enérgica e imponente, pero sin perder nunca la estética que caracterizó al romanticismo tardío.

La Obertura de Así Habló Zaratustra es una pieza musical que ha sido utilizada como banda sonora de tantas películas y series de televisión que ya es prácticamente parte de la cultura popular.

30. Gustav Mahler (1860 – 1911)

Otro de los compositores de música clásica de gran importancia en los últimos años del período romántico e inicios de la era moderna es el músico austro-bohemio Gustav Mahler.

Gustav Mahler es el típico caso un genio muy adelantado para su época dentro del mundo de los compositores clásicos. Sus melodías abstractas y el surgimiento de un antisemitismo mucho más agresivo hicieron que la obra compositiva de Mahler estuviese a nada de caer en el olvido.   

Su legado

Si bien Gustav Mahler es legalmente uno de los músicos clásicos que representa el romanticismo tardío, la profundidad armónica y las melodías agrupadas fuera del orden más tradicional hicieron de Mahler una fuente de inspiración para muchos de los compositores de música moderna especialmente entre los cantantes de música clásica.

La Canción de Lamento de Gustav Mahler es una obra musical que pudiese parecer una serie de melodías y cromatismos desordenados, pero al mismo tiempo existe algo dentro de la pieza que la hace extremadamente familiar.

31. Piotr Ilich Chaikovski (1840 – 1893)

El romanticismo fue un período histórico en donde la belleza y estilismo que caracterizaba a los ballets y la música de cámara producida en Rusia se diera a conocer en el mundo occidental. Fue Piotr Ilich Chaikovski el encargado de dar a conocer el valor artístico y compositivo de la música rusa.

Chaikovski es por mucho uno de los compositores de música clásica más influyentes de finales de romanticismo. Su genio creativo y la brillantez de sus melodías le hizo merecedor de un gran reconocimiento y respeto por parte de los compositores clásicos más influyentes del romanticismo tardío.

Su legado

La obra de Piotr Ilich Chaikovski es realmente mucho más amplia de lo que la mayoría de las personas tienden a creer. A lo largo de toda su vida Chaikovski presentó un gran número de sinfonías, música instrumental e incluso algunas óperas.

Pero obviamente las obras más representativas de la carrera artística de Ilich Chaikovski se encuentran en el ballet. El Lago de los Cisnes es una melodía inconfundible en la cual Chaikovski expone todos los elementos melódicos y armónicos que le aportan al ballet ruso toda la estética por la cual es reconocido en todo el mundo.

32. Richard Wagner (1813 – 1883)

No cabe duda que Richard Wagner es por mucho uno de los músicos clásicos que mejor encarniza todos los principios filosóficos y compositivos de las obras musicales del romanticismo.

Como muchos compositores de música clásica de este período, Richard Wagner sentía una necesidad casi compulsiva por darle un sentido emocional e intelectual a las artes compositivas. Y el resultado de ese empeño es una vida artística repleta de óperas únicas con arreglos musicales que trascienden en el tiempo.

Su legado

Richard Wagner consideraba que la ópera era la expresión artística más completa, de este mismo principio parte la genialidad compositiva y creativa que identifican a Wagner como uno de los músicos clásicos más importantes de todos los tiempos.

Aunque es una de las primeras piezas musicales compuestas por este músico alemán, la Obertura de Tannhäuser es por mucho una de las obras sinfónicas y musicales más emblemáticas de Richard Wagner.

Música contemporánea (Siglo XX)

El período moderno de la música clásica representa un regreso a la música académica como un vehículo de expresión intelectual y estructural de los compositores, pero totalmente desligado de los conceptos de las escuelas tradicionales. De allí yace el hecho de la proliferación de variantes armónicas y compositivas tan distintas entre sí como el impresionismo, el futurismo y el dodecafonismo.

A pesar de que los compositores de música clásica de este período no gozan de mucho renombre en la cultura de masas, los amantes de  la música clásica ven este período como una época en donde los músicos clásicos de verdad podían dar rienda suelta a sus capacidades creativas. En el período moderno de la música clásica se encuentran algunos compositores con propuestas armónicas y rítmicas bastante interesantes como es el caso de:

33. Igor Stravinsky (1882 – 1971)

Igor Stravinsky ha sido uno de los compositores de música clásica cuyo genio creativo y originalidad le llevó a ser considerado como una de las personalidades más influyentes del siglo XX según la revista Times.

La obra musical de Stravinsky es particularmente rica y abarca desde géneros musicales más clásicos como el Ballet hasta otras variantes musicales más relevantes en la actualidad como el Jazz.

Su legado

Igor Stravinsky fue una persona que tuvo la oportunidad de conocer muchos lugares alrededor del mundo, esto hizo que su obra musical contase con influencias armónicas tan variadas como el neoclasicismo y el primitivismo.

La Consagración de la Primavera es por mucho una de las obras que mejor representa todo el genio creativo y dotes para la composición musical que poseía Igor Stravinsky.

34. Sergei Prokófiev (1891 – 1953)

De todos los compositores de música clásica nacidos en Rusia, ninguno cuenta con un repertorio de obras musicales tan amplio y al mismo tiempo, tan polifónicamente variadas como las de Sergei Prokófiev.

Prokófiev es uno de esos músicos clásicos de la época moderna cuya carrera estuvo siempre dominada por su necesidad de seguir creando nueva música. Esto mismo fue lo que le hizo trabajar en encargos para muchos festivales y ballets contemporáneos durante la Unión Soviética.

Su legado

Para muchos músicos e historiadores, la obra compositiva de Prokófiev es por mucho uno de los ejemplos más claros de los cambios dentro de la música de cámara a principios del siglo XX.

El Ballet de Romeo y Julieta de Sergei Prokófiev es una pieza sinfónica de gran calidad armónica que le ha permitido a Prokófiev consagrarse como uno de los compositores de música clásica actuales más importantes del siglo pasado.

35. Arnold Schoenberg (1874 – 1951)

Arnold Schoenberg es otra de los compositores de música clásica de principios del siglo XX cuya obra musical es completamente distinta a la impartida por las escuelas europeas más tradicionalistas.

Este compositor de austríaco fue uno de los grandes exponentes de lo que se conoce como música dodecafónica, un sistema de composición musical el cual está formado por una escala musical de doce notas.

Su legado

Toda la obra musical de Arnold Schoenberg estuvo fuertemente marcada por los principios de la escala dodecafónica. Esto mismo hace que gran parte de sus piezas musicales estén repletas de una carga armónica mucho más amplia y en ocasiones un poco difícil de comprender para las personas que no están muy familiarizadas con los compositores de música clásica de la edad moderna.

La Obertura de Piano no. 25 de Schoenberg es una pieza completamente atemporal con un ritmo variante y errático repleta de tonos y semitonos los cuales le aportan a la obra un valor compositivo único.

36. Claude Debussy (1862 – 1918)

El impresionismo fue un movimiento artístico que tuvo una gran influencia en muchas otras áreas de las artes creativa. Muy a pesar de su opinión personal, el trabajo armónico y las coloraturas sonoras de Claude Debussy le han hecho que su obra musical entre en la categoría de música impresionista.

Como muchos otros músicos clásicos de la edad moderna Claude Debussy tuvo una reacción mixta por parte de la crítica especializada. Por un lado estaban quienes le veían como un genio de la composición y por el otro había quienes consideraban sus piezas sinfónicas como una serie de notas abstractas sin forma ni contenido.

Su legado

A pesar de que para muchos el trabajo armónico de Debussy puede llegar a ser un poco desorientador, no se puede negar que sus habilidades como compositor y su uso amplio de las polifonías hacen que de este músico francés uno de los compositores de música clásica actuales más importantes.

De toda las piezas musicales creadas por Claude Debussy su sonata conocida como Claro de Luna es sin ninguna duda una de las más populares.

37. Aleksandr Skriabin  (1872 – 1915)

Aleksandr Skriabin fue un virtuoso pianista ruso cuyo trabajo compositivo está cargado de muchos elementos de las corrientes musicales propias del romanticismo tardío, pero con la inclusión de ciertos acordes y tonalidades musicales que le agregan mucha más expresividad a cada una de sus obras.

Skriabin fue un verdadero pionero entre los músicos clásicos de comienzos del siglo XX. Sus experimentos con las tonalidades ambiguas han dotado a sus piezas musicales de una complejidad y estética que rompe completamente las normas establecidas por las escuelas compositivas más conservadoras tanto del este como del oeste del continente europeo.

Su legado

La belleza y la coloratura son dos de los elementos esenciales dentro de los trabajos compositivos de Aleksandr Skriabin.

Aunque para las personas con oído musical poco adiestrado la obra de Aleksandr Skriabin pudiese parecer un total sinsentido de sinfonías y armonías, es necesario escuchar sus piezas un par de veces para poder entenderlas por completo. El trabajo compositivo que lo hizo ser considerado como una de los músicos clásicos más importantes de su tiempo es Prometeo: El Poema de Fuego.

38. Carl Ruggles (1876 – 1971)

Una parte importante de los compositores de música clásica de la era moderna tuvieron un gran impacto dentro de la sociedad Norte Americana, fenómeno que trajo consigo la llegada de una generación de compositores estadounidenses deseosos por crear sus propios sonidos.

Carl Ruggles fue un compositor modernista visto por muchos expertos como el arquetipo de los compositores clásicos del nuevo mundo. El trabajo musical está dominado completamente por algo que muchos críticos musicales conocen como el contrapunto disonante.

Su legado

Las técnicas melódicas y armónicas dentro del trabajo compositor de Carl Ruggles son la firma de un auténtico genio musical.

Evocations es más que solo la pieza más famosa del repertorio musical del Carl Ruggles, es una sinfonía compleja de sonidos y ritmos que pone en claro la influencia de Ruggles sobre los compositores de música clásica de comienzos del siglo XX.

39. Bernard Herrmann (1911 – 1975)

La introducción del cine como nuevo medio de entretenimiento tuvo una influencia importante sobre muchos de los compositores de música clásica de mediados del siglo XX. Bernard Herrmann fue uno de los más importantes exponentes de la música clásica diseñada específicamente para películas.

Aunque muchos expertos perciben la obra de Bernard Herrmann como música comercial, lo cierto es que muchos de sus arreglos compositivos y sinfónicos fueron claves para hacer que las artes fílmicas pudiesen llegar a un nuevo nivel de complejidad.

Su legado

Las piezas musicales de Bernard Hermann son obras de arte por sí sola, algo que le permitió al compositor poder hacerse de un nombre dentro de una industria cinematográfica que crecía a pasos agigantados.

Los trabajos musicales más importantes de Bernard Hermann surgieron de la combinación entre su genio compositivo y la estética lúgubre del director Alfred Hitchcock. La banda sonora de la película Psicosis es una melodía dominada por los instrumentos de cuerda que automáticamente nos induce a entrar en un estado de alerta. 

40. John Williams (1932)

No hace falta ser un experto en música clásica para reconocer a John Williams como uno de los compositores clásicos más importantes de la época actual.

Este compositor neoyorquino ha hecho que las bandas sonoras de las películas sea convierta en un área importante dentro de la música clásica de mediados del siglo XX.

Su legado

La belleza a nivel compositivo y las armonías estructuradas de John Williams le ha dado muchos reconocimientos internacionales importantes incluyendo cinco premios Óscar por sus contribuciones musicales.

Si bien en el repertorio musical de John Williams hay muchas obras que merecen un reconocimiento, es la banda sonora de la saga de Star Wars lo que hace que muchas personas vean la figura de Williams como uno de los compositores de música clásica más relevantes.

Sin importar que tanto o que tampoco sepamos en realidad sobre los compositores de música clásica, lo cierto es que su genio creativo y la complejidad de sus melodías siempre termina por dejar una gran impresión en nosotros. Independientemente de a qué período histórico pertenezcan los compositores clásicos, de una cosa sí podemos estar seguros, su genio creativo y destrezas musicales hacen que sus obras estén diseñadas para resistir el paso del tiempo, cosa que los vuelve lo que son: músicos clásicos.

Definiciones de amor: 45 hermosos significados del amor según la literatura, el cine y personas muy influyentes

Existen múltiples definiciones de amor porque se trata de un sentimiento complejo. Cada persona puede sentirlo de formas diferentes. Los significados del amor pueden ser muchos, así como también hay varios tipos, como el amor de pareja, de familia, entre hermanos, por amigos, entre otros. En este artículo te mencionaremos 45 significados del amor según personas influyentes, libros, y películas.

Libros clásicos románticos:
Las mejores 50 novelas románticas de la literatura clásica. Amor en estado puro

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Definiciones de amor realizadas por personas muy influyentes

A lo largo de los años, famosos, artistas, profesionales de salud, han compartido sus propias definiciones de amor. Acá hacemos una breve recopilación de esta parte de la información sobre el amor

Se debe tener en cuenta que la definición del amor como valor moral no siempre se centrará entre dos personas. El amor puede estar en todas partes, empezando por el amor hacia uno mismo. Por esa razón, este sentimiento tiene tantos significados.

Amor, qué es según Paulo Coelho

Paulo Coelho es un novelista brasileño que se dedica también a la poesía y tiene varios libros donde el amor es el tema principal de la historia. Siendo uno de los escritores y novelistas más importantes en el mundo, con más de 320 millones de libros vendidos. Este famoso escritor ofrece diferentes definiciones del amor:

  1. “Amor es solo una palabra, hasta el momento en que decidimos dejar que nos posea con toda su fuerza. Amor es solo una palabra, hasta que alguien llega para darle sentido. No desistas. Generalmente, es la última llave del llavero la que abre la puerta”.
  2. “El amor no está en el otro, está dentro de nosotros mismos; nosotros lo despertamos. Pero para que despierte necesitamos del otro”.
  3. “El amor empieza con una mirada, se decide con una palabra, se siente con un beso y se pierde con una lágrima”.
  4. “El amor es una fuerza salvaje. Cuando intentamos controlarlo, nos destruye. Cuando intentamos aprisionarlo, nos esclaviza. Cuando intentamos entenderlo, nos deja perdidos y confusos”.

Cómo es el amor en palabras de Sternberg

Robert Sternberg, es un psicólogo estadounidense que utiliza tres conceptos diferentes para entender los tipos de amor que existen y que, según él, son necesarios para llegar a sentir amor verdadero. Estos conceptos son:

  • Intimidad: Aquí, el psicólogo hace referencia al sentimiento de cercanía que existe entre las personas involucradas en la historia de amor. La confianza, amistad y afecto que tengan.
  • Pasión: Es la energía que existe en la relación. Se enfoca más en la atracción física o la necesidad que tiene una persona de estar con otra.
  • Compromiso: En este concepto hace referencia a lo comprometido y decidido que están las personas de tener una relación, a pesar de los altibajos que puedan existir. El compromiso, incluye todos los aspectos que se viven en la relación. 

Estos tres conceptos, conforman la teoría triangular de Sternberg. Con ellos, se pueden dar diferentes combinaciones o significados de amor, específicamente siete, que son:

5. Cariño: Es el sentimiento que caracteriza a las verdaderas amistades, es decir, que hay una intimidad, confianza y cariño, pero no un compromiso a largo plazo, ni pasión física, como pareja.

6. Encaprichamiento: Es lo que se conoce como “amor a primera vista”. Existe pasión, pero no compromiso y tampoco intimidad. Se trata de relaciones superficiales, un romance fugaz.

7. Amor vacío: En este tipo de amor, hay un compromiso por permanecer juntos, pero no está presente la intimidad, ni la pasión. A pesar, de que existe un respeto mutuo, no hay sentimientos fuertes.

8. Amor romántico: Este amor, está presente en las parejas unidas emocional y físicamente, a través de la pasión y el cariño. Sin embargo, no existe un compromiso a largo plazo.

9. Amor sociable o de compañía: Es el amor común en matrimonio y relaciones duraderas. Donde existe un amor con compromiso y con cariño, pero muy poca pasión. En este tipo de amor, la familia que construyen, son la base que los inspiran a continuar juntos.

10. Amor fatuo o loco: Son aquellas relaciones motivadas por la pasión, donde las parejas quieren estar juntos debido al deseo y excitación de experimentar en la intimidad, pero no tienen tantas cosas en común.

11. Amor consumado: También se le conoce como amor maduro y según Sternberg, es la forma más completa del amor y es muy difícil llegar a este punto y si se logra, puede que no sea permanente.

Haruki Murakami define amor

Otro escritor influyente, que ha escrito sobre el amor y lo ha definido de diferentes formas es Haruki Murakami, escritor y traductor japonés que ha sido premiado por sus grandes novelas. Algunas de sus frases más conocidas y ejemplos de amor como valor son:

“Si puedes amar a alguien con todo tu corazón, incluso a una persona, entonces hay salvación en la vida. Incluso si no puedes juntarte con esa persona”.

“El corazón humano es como un pájaro nocturno. Esperando algo en silencio, y cuando llega el momento, vuela directamente hacia él”.

Definición real de amor por Dalai Lama

Dalai Lama, uno de los representantes del budismo más conocidos en el mundo, también dejó en claro su significado del amor. Te hace preguntarte “qué es el amor para mí” y analizar el sentimiento.

“Es un sentimiento puro que se otorga a otro ser viviente de manera desinteresada, sintiendo además el bienestar absoluto en saber que no ha causado dolor o sufrimiento a nadie, sino que ha colaborado en generar alegría en el otro”.

“El amor es una reverencia, una comunión. Y, aunque une y funde, también motiva al vuelo, a ser libres, a vivir gozosamente la vida sin miedos ni angustias”.

Definiciones de amor realizadas en libros, novelas o poemas

Grandes escritores, novelistas y la literatura en general, siempre tiene presente al amor en sus líneas. Una buena historia siempre presenta a este sentimiento de alguna forma.

Haciendo énfasis de nuevo, que no necesariamente sea amor de pareja. Por ejemplo, a veces se presenta como el amor de una madre hacia un hijo, el amor de un hombre hacia una mascota, incluso el amor a la vida. Y muchos otros conceptos de amor que se presentan en la vida cotidiana de los seres humanos, para transformar sus vidas.

Explicación del amor en la Biblia

Para iniciar las definiciones del amor, según los libros, debemos iniciar con la Biblia. El fragmento para explicar qué significa el valor del amor, se presenta en la Primer carta de Corintios, 13: 4-7, de la siguiente manera:

“El amor es paciente, es servicial; el amor no es envidioso, no hace alarde, no se envanece, no procede con bajeza, no busca su propio interés, no se irrita, no tiene en cuenta el mal recibido, no se alegra de la injusticia, sino que se regocija con la verdad. El amor todo lo disculpa, todo lo cree, todo lo espera, todo lo soporta. El amor no pasará jamás. Las profecías acabarán, el don de lenguas terminará, la ciencia desaparecerá.»

Qué es amor según la RAE

La Real Academia Española, también presenta el concepto amor de diferentes formas, cada uno asociado a distintas etapas del mismo.

17. “Sentimiento intenso del ser humano que, partiendo de su propia insuficiencia, necesita y busca el encuentro y unión con otro ser”.

18. “Sentimiento hacia otra persona que naturalmente nos atrae y que, procurando reciprocidad en el deseo de unión, nos completa, alegra y da energía para convivir, comunicarnos y crear”.

19. “Sentimiento de afecto, inclinación y entrega a alguien o algo”.

20. “Tendencia a la unión sexual”.

Qué significa amor para Pablo Neruda

El poeta chileno Pablo Neruda no se puede pasar por alto, cuando se busca definir el amor, que es un sentimiento único e indispensable en la vida de cualquier ser vivo. En sus diferentes poemas, toca el amor como valor humano, de una manera irracional y maravillosa que deja cautivados a los lectores.

Veinte poemas de amor y una canción desesperada está entre sus obras más célebres y se publicó en 1924. En este poemario, se encuentra la definición del valor amor de una forma que eriza la piel.

“El amor nace del recuerdo, vive de la inteligencia y muere por olvido”.

“El amor no se mira, se siente, y aún más cuando ella está junto a ti”.

“Te amo como se aman ciertas cosas oscuras, en secreto, entre la sombra y el alma”.

Qué significa la palabra amor según Francisco de Quevedo

El amor tiene tantas extensiones que es difícil encontrar un concepto universal que abarque todos los tipos de amor que existen en el mundo. Francisco de Quevedo, fue un poeta, político, novelista, entre muchas otras cualidades, que escribía poemas de amor, donde describía lo que significaba este sentimiento.

24. “Es hielo abrasador, es fuego helado, es herida que duele y no se siente, es un soñado bien, un mal presente, es un breve descanso muy cansado. Es un descuido que nos da cuidado, un cobarde con nombre de valiente, un andar solitario entre la gente, un amar solamente ser amado. Es una libertad encarcelada, que dura hasta el postrero paroxismo; enfermedad que crece si es curada.

Significado de la palabra amor por Rabindranath Tagore

Rabindranath Tagore es otro poeta, de origen bengalí, galardonado con el Premio Nobel de la Literatura en 1913 y dice que el amor es:

25. “El amor es el significado último de todo lo que nos rodea. No es un simple sentimiento; es la verdad, es la alegría que está en el origen de toda creación”.

Lo que es el amor en la poesía

Existen poemas anónimos donde se detalla y que es el amor. Son poesías que se llegan a utilizar entre enamorados y presenta muchos ejemplos del amor.

“El amor es una llama dentro de nuestro corazón, si se enciende no se sabe cuándo se va a apagar. A veces el viento y la lluvia la intentan matar, pero no pueden con ella ni la más grande tempestad”.

“El amor es entregarlo todo, sin preguntar o esperar nada a cambio. Es vivirlo, es soñarlo, es tenerlo siempre en ti, es pensar en él y respirar con él”.

“El amor es una llama dentro de nuestro corazón, si se enciende no se sabe cuándo se va a apagar. A veces el viento y la lluvia la intentan matar, pero no pueden con ella ni la más grande tempestad”.

“¿Qué es el amor? Amor es algo que te toca en el corazón, es difícil explicar e imposible de olvidar. Sólo hay dos palabras con las que expresarlo: ‘Te Amo’”.

“El amor es un lazo que une, pero no ata. El amor es un todo al borde de la nada. Es la luz que llega un día sin buscarla y que te cambia para siempre la vida. Es tan bello como una estrella, pero tan difícil de conquistar como a una de ellas”.

Definiciones de amor realizadas en el cine

Si nos vamos al mundo cinematográfico, encontraremos múltiples definiciones de amor, la mayoría parecidas, pero plasmadas de forma diferente. A continuación, te mencionaremos 15 películas que definen el amor a su manera.

31. El diario de Noah, se trata de una película romántica al mejor estilo de Romeo y Julieta. Se enfoca en la historia de una pareja que vivió momentos duros durante la guerra. “El mejor tipo de amor es aquel que despierta el alma, y nos hace aspirar a más, nos enciende el corazón y nos trae paz a la mente “. The Notebook (2004)

32. Titanic, es otra de las grandes películas que definen al amor. Uno que rompe estereotipos y va en contra de los designios sociales y se enfrente a cualquier adversidad. Esta película indica qué implica el amor a primera vista y que no necesita de tiempo para solidificarse. “Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder”. Titanic (1997)

33. Casablanca, es otra producción audiovisual que define el amor en los tiempos de guerra, donde el héroe se enamora de una mujer que le cambia la vida.  “Si tuviese tiempo de pensar en ti… posiblemente te despreciaría”. Casablanca (1942)

34. Ghost es una es una película que define el significado de amar a una persona, más allá de la muerte. Nos muestra a un personaje que muere, pero a pesar de eso, se convierte en fantasma para seguir cuidando del amor de su vida. Esta icónica producción de Hollywood, ha perdurado en el tiempo, como una gran historia de romance.

35. Los puentes de Madison, es una película de 1995, que cuenta la historia de una mujer casada con un fotógrafo de National Geographic. Esta historia nos define el amor a escondidas, qué significa el amor furtivo entre dos personas que buscan volver a sentir pasión y conexión.

36. Un lugar llamado Notting Hill (1999) es una comedia romántica que nos muestra el significado del amor, entre dos mundos opuestos, donde lo único que importa son los sentimientos.

37. Secreto en la montaña (2005), es otra muestra de lo que significa el amor. Solo que entre dos personas del mismo sexo y como tienen vidas paralelas, tratando de ocultar lo que sienten.

38. Loco y estúpido amor (2011) nos muestra el significado del amor propio, qué amor en pareja y como dos personas pueden volver a reconectar a pesar de las adversidades.

39. A star is born (2018) enseña que el amor no siempre es lo que esperábamos y que al sentir amor podemos sacar la mejor versión de nosotros mismos.

40. Malcom & Marie (2021) Es una cinta que nos muestra al amor desde el lado tóxico, que no todo siempre es hermoso, pero que con esfuerzo y ganas siempre hay un final feliz.

41. Her (2013) Esta película define a los amores más complejos, que no todo es la pareja y que podemos amar hasta a un sistema operativo.

42. La La Land (2016) Nos define al amor inspirador, ese que hace que logremos cualquier meta propuesta. Al mismo tiempo, define que el amor puede ser en solitario o acompañado.

43. Call me by your name (2017) El significado de amor que nos muestra esta cinta, es el propio. Nos muestra que primero debemos amarnos a nosotros mismos, cómo explicar el amor a través de la aceptación y comprendernos, para darle paso a lo externo.

44. La forma del agua (2017) Es otra producción audiovisual que define al amor excéntrico, diferente y que es un sentimiento más complicado de lo que pensamos.

45. El curioso caso de Benjamin Button (2008) Esta película, también nos define al amor propio y como ese sentimiento nos ayuda a reflexionar sobre la vida y las situaciones que llegamos a vivir, para poder amar a alguien más.

Entonces, el amor que es todo un concepto universal, que explica y define la conexión que pueden tener los seres humanos, con otros seres u objetos, situaciones o acontecer de la vida. Por eso, tienen tantos significados y se muestra de tantas formas en el día a día. De acuerdo a la ideología, religión o el punto de vista de alguien, el valor amor, definición es diferente. Ya debes entender que los significados del amor o las definiciones de amor pueden ser diversas, pero conllevan un mismo sentimiento.

Cinco noticias clave del miércoles 19 de noviembre

Muere Jimmie Durham, el escultor que visibilizó el arte Cherokee

Jimmie Durham, quien fue uno de los escultores más famosos y dueño de la galería Kurimanzutto, murió a los 81 años por complicaciones médicas. Durham fue una figura destacada en el Movimiento Indígena Americano de 1970 y, aunque duden de que realmente fuera un activista Cherokee, gran parte de sus obras trataban de la identidad indígena en la actualidad.

Jimmie Durham
Jimmie Durham, 2012. (Heinrich-Böll-Stiftung, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El ilustre escultor dijo que el arte Cherokee era “universal y sin límites” y trabajó con diversos materiales como huesos, objetos reciclados y muchas piedras. En su arte Durham se mofaba de la facilidad con la que las personas suelen querer definir o encuadrar la identidad de otra.  

Las obras del maestro mezclaron la realidad con la ficción para dejar que los espectadores pensaran un poco más. El trabajo de Durham reinó en los años 80 y 90 como una de las representaciones más vistas del arte colorido y también destacó en el mundo artístico de los artistas queer. 

Martin Scorsese y Jonah Hill están trabajando en la película biográfica Grateful Dead

Estos últimos años las películas biográficas han estado a la vanguardia (sean buenas o malas) y ahora se agrega una más a la lista, pero tiene aires de grandeza porque será dirigida por Martin Scorsese. El biopic de Grateful Dead (1965-1995), la banda de rock y folk estadounidense, también contará con la producción de Jonah Hill, quien interpretará a Jerry García, el difunto líder del grupo.

Por otro lado, el filme biográfico contará con apoyo de Scott Alexander y Larry Karaszewski en los guiones; ambos se encargaron del libreto de grandes producciones como Ed Wood (1994) y «Dolemite is My Name, 2019 (Yo soy Dolemite).

Lo que se sabe hasta ahora del biopic, además de lo antes mencionado, es que Apple será la compañía de streaming que reciba el proyecto y que, además, tiene libertad para usar el repertorio musical de Grateful Dead en la película.

Apple reveló que quiere lanzar su primer automóvil autónomo para 2025 

Apple no quiere quedar fuera del mercado de los automóviles eléctricos y anunció que planea lanzar su coche autónomo –que no tendrá ninguna intervención humana– para 2025. 

Kevin Lynch, quien estuvo a cargo del software de Apple Watch, se encargará del proyecto del coche autónomo. Lynch cambió el rumbo de la idea de un nuevo automóvil para la empresa de la gran manzana que, previamente, deseaba estrenar un coche moderno con las funciones limitadas de conducción autónoma.

Sobre las características del automóvil futurista de Apple se sabe que el diseño es minimalista, que posiblemente incluya otros productos, funciones y servicios de la empresa; no tendrá salpicadero, sino un iPad en el medio para controlar el coche. Vale destacar que, si Apple logra su cometido, tendrá que demostrarle a la Administración Nacional de Seguridad del Tráfico en las Carreteras​ (NHTSA) que no tendrá problemas con la ley en los distintos estados. 

Científicos advierten que este medicamento puede inducir a conductas de riesgo

De acuerdo a un estudio realizado por unos científicos de la Universidad Estatal de Ohio, el acetaminofén, que es recetado para el dolor, es una de las drogas más consumidas en Estado Unidos, y en el resto del mundo también está aumentando aceleradamente su ingesta.

Este medicamento, que también se conoce con otros nombres como Panadol, paracetamol y Tylenol, produce un aumento en las conductas de riesgo que, paulatinamente, podría desencadenar en el abuso de drogas.

De acuerdo a los expertos, el acetaminofén puede disminuir las emociones negativas cuando las personas “consideran actividades de riesgo y simplemente no se sienten tan asustadas”.  Asimismo, los científicos de Ohio advirtieron que necesitan ampliar las investigaciones sobre el tema “y otros medicamentos de venta libre sobre las opciones y los riesgos que asumimos”.

Paul McCartney aseguró que los Beatles siempre fueron para las personas trabajadoras

Recientemente, en una entrevista en la que hablaba del documental The Beatles: Get Back (2021), Paul McCartney dijo que su música siempre estuvo dirigida a las personas trabajadoras. Para darle peso a su declaración contó que el 30 de enero de 1969 estaban tocando en el techo de 3 Saville Road y recibieron quejas de los empresarios locales.

De acuerdo a McCartney, les gritaban desde la calle y preguntaban por qué estaban interrumpiendo sus labores. De hecho, cuenta Paul, un hombre quedó grabado en la toma diciendo: “Es un poco una imposición interrumpir absolutamente todo el negocio en esta área”.

Sobre eso, McCartney dijo que siempre existirá alguien que odie lo que haces y esa es la “naturaleza de The Beatles”. Asimismo, declaró que, en realidad, su música es para “los trabajadores que entendían y sabían lo que estábamos haciendo”. The Beatles: Get Back será estrenada el 25 de noviembre en Disney+.

Memética: qué es, características, ejemplos y los mejores libros sobre la teoría de los memes

El meme, en la acepción original que le dio Richard Dawkins, hace referencia a un módulo de información contagioso o «unidad de cultura» que, de forma análoga a un virus, se propaga entre los individuos que integran un sistema social. A pesar de que el concepto de meme y, a grandes rasgos, la teoría de los memes iniciaron como parte de una hipótesis sobre la transferencia de información cultural, en la actualidad existe una emergente disciplina científica llamada memética consistente en una teoría de los memes y en su estudio sistemático.

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¿Qué es la memética?

Existen varias acepciones sobre lo que puede entenderse como meme y como memética. En su acepción original, propuesta por Richard Dawkins en El gen egoísta (1967), la memética consiste en el procesamiento de información cultural en el cerebro y su transmisión a través de los mecanismos de enseñanza, imitación y asimilación.

Memética - Richard Dawkins
Richard Dawkins en una presentación de su libro ‘The Greatest Show on Earth: The Evidence for Evolution’ el 29 de septiembre de 2010 en Nueva York (David Shankbone, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Más recientemente, nuevos investigadores, como Aaron Lynch y Susan Blackmore, han utilizado el término memética para referirse a una emergente disciplina orientada hacia el acercamiento entre meme y ciencia, o, dicho de otra manera, hacia el estudio científico de los memes y sus efectos culturales.

Puede decirse que existe una teoría del meme desde 1967, momento en que Dawkins publicó su ya mencionada obra. Sin embargo, dicha teoría se diversificó tras ser aplicada en terrenos distintos al de biología evolutiva, existiendo más bien, en la actualidad, una serie de teorías sobre el meme. Pero, ¿qué es un meme? Como se verá, la cuestión no es tan fácil como decir: computadora, define meme.

¿Qué es un meme?

Tal como sucede con el término memética, no existe una exclusiva Definición de memes. Al contrario, existen varias acepciones del término incluyendo definiciones científicas y definiciones no científicas. Por ejemplo, para el común de los usuarios de redes sociales, un meme es una imagen graciosa que suele consistir en un formato que se replica modificando su contenido, pero no su forma o lógica inherente.  

Sin embargo, tal como puede advertirse, ese no es el único significado posible de meme. La definición de memes también tiene una vertiente científica. Tal es el caso de la definición propuesta por Dawkins, según la cual un meme es un módulo de información o unidad mínima cultural que: 1) se almacena en el cerebro, 2) tiene el carácter de ser “contagiosa” y 3) sirve para transmitir ideas, conceptos, creencias y costumbres, entre otros.

En la actualidad suelen entremezclarse los conceptos de meme y referencia. Muchas escenas o frases de películas son utilizadas como memes, es decir, como parte de una “unidad cultural” o módulo informativo que transmite creencias, conceptos o ideas, y en tal sentido son tanto memes como referencias de las películas de las cuales forman parte.

La teoría de los memes

El concepto de meme de Dawkins surgió originalmente como una versión cultural del concepto de gen. Si los genes son segmentos cortos del ADN que permiten la transmisión de información genética hacia la descendencia, los memes son unidades mínimas de información que permiten la transmisión de información cultural entre individuos y la evolución cultural.

Para aclarar qué es un meme, Richard Dawkins explicó que este puede ser entendido como una unidad de cultura “contagiosa” que se trasmite de cerebro a cerebro a través de la educación, la imitación y la asimilación. A pesar de que esta transmisión puede ocurrir entre todo tipo de personas y en cualquier dirección, Dawkins resaltó el rol cumplido por los memes en la transmisión del “patrimonio cultural” de padres a hijos y de maestros a pupilos.

Después de todo, como buen biólogo evolutivo, el objetivo de Dawkins no fue otro que demostrar como la genética sirve de analogía para el análisis de complejos procesos como la reproducción del ámbito social y la evolución de la cultura. Por ello, Dawkins consideraba al concepto de “meme” como uno ampliamente abarcador, puesto que incluye no solo creencias, conceptos, ideas y costumbres, sino también técnicas, destrezas y habilidades.

La memética como disciplina científica

La memética no tuvo pretensión de ser una disciplina científica de la mano de Dawkins, sino de la mano de algunos investigadores posteriores. Entre estos estudiosos destacan Susan Blackmore, Aaron Lynch, Francis Heylighten, Elan Moritz, Daniel Dennett, entre otros. Todos ellos tienen en común la idea de que lo memético puede ser estudiado desde una perspectiva científica, sea desde la genética, la biología, la sociología, la etología e incluso la historia.

A pesar de sus grandes esfuerzos, sus planteamientos no han sido acogidos satisfactoriamente por los círculos científicos. Algunos científicos todavía ven a la memética y al memetismo como una pseudo-ciencia, es decir, como una incipiente rama del saber que no goza de todos los caracteres para ser considerada como una verdadera disciplina científica.

Por ejemplo, en un ensayo titulado Memetics: A dangerous idea, Luis Benítez-Bribiesca expresó que “para empezar, no existe una definición clara sobre que es un meme. Nadie sabe realmente que es esta «unidad de transmisión cultural»”, demostrando así su gran desconfianza sobre la ciencia de la memética como una disciplina realmente científica.

La importancia de los memes en la actualidad

Gracias a diversos estudiosos de las ciencias sociales y humanas, existen definiciones sobre el meme en filosofía y el meme en psicología. Sin embargo, el meme también tiene una gran relevancia en la vida cotidiana de los usuarios de las redes sociales. Para estos últimos, los memes son una diversa fuente de entretenimiento y transmisión de ideas culturales.

Puede decirse que, en la actualidad, los memes forman parte de la cultura popular, puesto que forman parte de las comunidades que surgen en redes sociales. Bien sea que se trate de grupos artísticos, grupos de discusión política, clubs de fans de un personaje público o de una serie o saga de películas, estos suelen producir memes para su propio entretenimiento.

Además, los memes también suelen expresar perspectivas y creencias compartidas de grupos sociales, por lo que también existen memes propios de cada país y, más aún, memes de cada región dentro de un mismo país, que expresan parte de su realidad social. Por ello, aunque la memética no sea considerada una ciencia, los memes son de gran relevancia en la actualidad.

Historia de la memética

La memética, tal como se mencionó al inicio, ha tenido varios significados a lo largo de la historia. A continuación, se presenta un oportuno antecedente a la memética como proceso de evolución cultural, la sociología de Gabriel Tarde. Luego se presenta la memética tal como la entendió el biólogo evolucionista Richard Dawkins y finalmente se presentan los avances de la memética en otros ámbitos del saber humano.

Antecedentes: La sociología de Gabriel Tarde

Aunque resulta erróneo decir que fue un pionero de la memética, el sociólogo francés Gabriel Tarde fue uno de los primeros pensadores en describir algo muy parecido al efecto meme. Tarde propuso el concepto de «imitatividad» como la clave de la vida social. Consideraba que los seres humanos se hacían semejantes entre sí a partir de la imitación, que la vida no era más que una distribución constante de creencias y deseos y que la sociedad era la «organización de la imitatividad».

Para Gabriel Tarde, autor de Las leyes de la imitación y la sociología (1893), toda costumbre, creencia o hábito se propagan a través de la moda y la imitación. Gracias a la innovación surgen nuevas prácticas que imitar, y solo se convierten en sociales en la medida en que tienen una aceptación por parte del público. Tarde también afirmaba que las innovaciones competían entre sí, y que incluso podrían llegar a neutralizarse mutuamente.

Sin lugar a dudas, aunque el planteamiento de Tarde es muy anterior al surgimiento del neologismo meme y de memética, sus ideas tienen un elevado parecido con la hipótesis propuesta por Dawkins en 1976, especialmente en lo relativo a la competencia espontánea que surge entre memes en términos de su aceptación y difusión. 

La memética en la biología evolutiva

Los orígenes de meme se remontan a las relaciones entre memes y biología. Tal como se ha mencionado a lo largo del artículo, el inventor del término meme no fue otro que el biólogo evolutivo Richard Dawkins. Dawkins estableció varias relaciones entre memes y cerebro al definirlos como las unidades mínimas responsables de la evolución cultural.

Según el famoso genetista y divulgador científico, la evolución cultural puede entenderse de forma análoga a la evolución genética de la especie. Mientras que, en términos biológicos, los genes favorables a la vida son los que se reproducen, en el caso de la cultura se reproducen los memes favorables a la coexistencia del cuerpo social.

Dawkins fue el primero en plantear una suerte de psicología del meme, al menos al señalar que los memes se ubican en el cerebro. Los memes del cerebro serían las ideas, creencias, hábitos, prejuicios, concepciones, técnicas y destrezas transmisibles hacia las futuras generaciones con relación a una función social o adaptativa asociada con los mismos.

La memética en otras disciplinas

Algunos autores han llevado la idea de la memética de Dawkins hacia otros terrenos del saber tales como la filosofía de la mente o la cibernética. Desde la filosofía de la mente está el caso de Daniel Denett, con obras como Consciousness Explained (1992) en la que recopila información desde la neurociencia, psicología y la inteligencia artificial, y su Darwin’s Dangerous Idea (1996) en el que estudia en detalle el pensamiento de Charles Darwin.

Desde la cibernética destaca Francis Heylighten, quien se concentra en los memes que circulan en internet, los factores que influyen en su mayor o menor éxito y muy especialmente en el papel que juegan estos durante eventos políticos. Una de sus obras más importantes se titula Evolution of Memes on the Network: from chain-letters to the global brain (1996).

Críticas a la teoría de los memes

Los sistemas de memes o clasificaciones de memes no es algo fácil de realizar, y eso es un aspecto que no ha pasado desapercibido para sus críticos. La definición de meme es sumamente amplia puesto que incluye casi cualquier tipo de pensamiento concebible, cualquier perspectiva y cualquier práctica o destreza transmitible. Por ello, autores como Benítez-Bribiesca consideran a la memética como una “cóctel disparatado” de conceptos.

Por su parte, la investigadora Maria Kronfeldner, especializada en filosofía de las ciencias sociales y filosofía de ciencias de la vida, considera que la memética no aporta nada realmente novedoso al campo de la evolución cultural. En su obra Darwinian Creativity and Memetics (2011) cuestiona la agudeza de la analogía entre genes y memes.

Elementos presentes en la transmisión de memes

En la memética, y en especial en la vertiente que relaciona memes con historia, se analizan tres factores o elementos presentes en su transmisión: su longevidad, su fecundidad y la fidelidad del meme al ser transmitido.

Longevidad

Los memes varían en cuánto la longevidad o permanencia que tienen en el cerebro o mente de una persona. Lo mismo es aplicable hacia un grupo social en su conjunto. Tanto en un caso como en otro, los memes pueden tener una permanencia efímera, media o existencial.

No obstante, es importante recordar que un meme no solo consiste en las imágenes graciosas y recurrentes de las redes sociales, sino también en opiniones, creencias, ideas y conceptos que se transmiten tanto en el mundo virtual como en el mundo exterior.

Los medios de comunicación de masas y las redes sociales plantean una intensa exposición a nuevos memes, por lo cual todos estos entran en constante competencia unos con otros por ocupar más espacio en las mentes de los usuarios. Este tipo de memes suelen tener una duración efímera puesto que son suplantados por nuevas ideas o son olvidados en cuestión de días.

Por otra parte, una sociedad o grupo social puede verse envuelta en un meme de longevidad intermedia en situaciones coyunturales. Ideas tales como “la economía no va bien”, o “todo es culpa de los inmigrantes” pueden permanecer durante años o décadas en las mentes de las personas y reproducirse de padres a hijos y entre pares de una misma sociedad. Finalmente, otros memes tienen una duración existencial puesto que tienen que ver con convicciones derivadas de la crianza, la religión o la profesión.

Fecundidad

Un segundo aspecto importante de la teoría de los memes es su fecundidad. No todos los memes son igualmente fecundos, lo cual significa que no tienen un gran calado en grupos sociales o en el conjunto de la sociedad analizada. Por el contrario, un meme con gran fecundidad puede seguir existiendo en otras mentes a pesar de desaparecer de algunos cerebros.

Por esta razón se entiende que la fecundidad de los memes depende en gran medida del entorno social en que los mismos surgen. En situaciones de crisis económica es mucho más factible que las ideas xenófobas proliferen entre los ciudadanos de un país, debido a que se asocia el declive de la vida cotidiana con la llegada de miembros ajenos a la sociedad. Cosa similar sucede cuando la economía mejora y prolifera una percepción positiva del gobierno de turno, aun cuando su aporte en el mejoramiento económico sea realmente reducido.

Fidelidad

Por último, la fidelidad también es un elemento considerado en la teoría de memes. Esta se refiere a la conservación del mensaje original del meme. En otras palabras, tiene que ver con las variaciones que sufren los memes durante su transmisión entre individuos.

Un meme se transfiere entre padres e hijos, entre maestros y estudiantes o entre pares. En dicho proceso de transmisión cultural, que puede ser a través de la imitación, la educación y la asimilación, el meme puede sufrir cambios o mutaciones. Un meme tendrá más fidelidad en la medida en que los cambios sufridos no alteren su esencia original.

Por el contrario, un meme tendrá menor fidelidad en la medida en que sufra grandes mutaciones que incluso permitan considerar la aparición de nuevos memes. En este caso el meme original no logra transmitirse, sino versiones alteradas del mismo que distan mucho del original.

Los memes más populares

En la actualidad podría escribirse un diccionario de memes de gran extensión dado que existen muchos ejemplos de qué es un meme en su acepción contemporánea, tales como el meme basado o el meme No hay sistema. No obstante, los memes de redes sociales no siempre han sido tan diversos e impredecibles como en la actualidad. A continuación, encontrarás una lista con ejemplos de memes más populares a lo largo de la historia.

Rage comics

Es difícil, por no decir imposible, indicar qué meme o cuál meme dio inicio a la producción masiva de imágenes graciosas para redes sociales. Sin embargo, los llamado Rage comics jugaron un papel determinante en este proceso, especialmente entre el 2010 y el 2014. Memes como Trollface, Forever Alone, Raisins, Challenge Accepted y similares, marcaron el comienzo de los memes en internet.

Trollface

El meme de trollface era utilizado para representar situaciones en que alguien se burlaba de otra persona, tomaba ventaja de una situación o hacia alguna jugarreta. Este tipo de meme fue muy popular y llegó a presentar variaciones con un trollface decepcionado, cuando sus astucias no salían del modo esperado.

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Ejemplo de meme trollface.

Forever Alone

El Meme de Forever Alone también forma parte de los Rage Comics. Era utilizado para representar a personas con muy poca vida social o con muy mala suerte en las relaciones sentimentales. En las viñetas de Rage Comics se representaba una situación cotidiana que finalmente terminaba con el dibujo de Forever Alone.

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Ejemplo de meme Forever Alone.

Raisins

Raisins consiste en una cara de asombro o estupefacción. Fue uno de los memes de Rage Comics más famosos puesto que se utilizaba con frecuencia para representar situaciones de sorpresa ante hechos inadvertidos, los cuales generaban mucha gracia ente los lectores.

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Ejemplo de meme Raisins.

Memes y comunidades de internet

Muchos memes sirven como punto de encuentro para comunidades de fanáticos de algún producto cultural, o para personas que comparten algún oficio o afición. Existen memes de estudio que representan las situaciones cómicas y cotidianas de los estudiantes y existen memes de libros que producen humor a partir de uso de plantillas y referencias.

También existen memes de cultura, especialmente de la cultura pop, tales como memes de sagas populares como Star Wars, Harry Potter, El Señor de los Anillos, entre otros. Incluso existen memes sobre oficios científicos, tales como memes para biólogos, memes de genética, memes de geología, memes de sistemas, entre otros.

Muchas de estas comunidades se valen de los “memes” entendidos como plantillas para reproducir sus propias ideas, conceptos, creencias, asociadas con sus intereses particulares. Un ejemplo es el uso del meme “No lo sé Rick, parece falso” extraído del famoso programa El Precio de la Historia, el cual es usado por las comunidades más diferentes entre sí.

Memes contemporáneos

En la actualidad son demasiados los memes existentes como para hacer una lista exhaustiva de todos ellos con explicaciones sobre su uso y significado. Sin embargo, sí se puede presentar una breve descripción sobre los más populares durante los últimos años.

Swole Doge vs Cheems

Doge y Cheems son memes basados en dos perros de la raza Shiba-Inu que se popularizaron en internet en momentos diferentes. Doge surgió en el 2013, a raíz de una foto de una perrita llamada Kabosu, mientras que Cheems se popularizó en el 2017 por una foto de Balltze, otro famoso perro shiba-inu famoso en la comunidad de Instagram.

En el 2020 se popularizó un nuevo formato llamado “Swole Doge vs Cheems” consistente en una versión de Doge musculosa enfrentada al cabizbajo Cheems. Este meme se utiliza constantemente para contraponer partes fuertes y débiles en un mismo tema, debate, o situación análoga, por lo cual expresa muy bien las valoraciones de los grupos sociales.


Esconde tu dolor, Harold

Hide the pain Harold, o Harold esconde tu dolor, es otro meme de gran fama protagonizado por el ingeniero eléctrico y ex modelo para fotos de Stock, András István Arató. András se hizo famoso porque su expresión sonriente frente al ordenador no resulta muy convincente, por lo que los usuarios crearon el chiste de que realmente está escondiendo su dolor.

El meme de Hide the pain Harold sirve para expresar situaciones frustrantes de la vida cotidiana, a pesar de que esa nunca fue la intención de András o del fotógrafo que lo retrató.

Novio distraído

El novio que mira a otra mujer mientras camina con su novia es un famoso meme de internet que se utiliza para expresar la preferencia entre dos cosas distintas. De manera similar a Swole Doge vs Cheems, sirve para valorar positivamente algo en contraposición con otra cosa que no se considera igualmente interesante. Esta lógica también permite expresar ideas y creencias de grupos sociales y de comunidades en internet.

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Ejemplo de meme de novio distraído.

Auto desviándose

Finalmente, otro ejemplo famoso es el auto desviándose. Un famoso meme utilizado para contraponer dos decisiones. Por lo general una “buena” y una no tan buena, pero que es la que se escoge a último momento. Este tipo de memes refleja ciertos patrones de comportamiento o preferencias de los grupos sociales que se identifican con el contenido del meme.

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Ejemplo de meme «auto desviándose».

Libros sobre memética

Son muy diversos los libros sobre memética, pero si hubiese que escoger algunos de los más representativos y necesarios para introducirse a esta área de conocimiento, las obras de los biólogos evolutivos, Richard Dawkins, Susan Blackmore y del escritor especializado en matemáticas y filosofía, Aaron Lynch.

El gen egoísta (1976)

Se trata de la obra principal en que se plantea el concepto de memética. Dawkins propone el concepto de meme como el equivalente cultural de gen. De forma análoga al gen, ubicado en las moléculas de ADN, el meme, ubicado en los cerebros, transmiten información cultural entre individuos a través de la educación, la imitación y la asimilación.

Dawkins propone en este libro el concepto de memética como el de un proceso concreto que permite comprender la evolución cultural y no como una ciencia autónoma.

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Editorial Bruño, 1990.

Thought Contagion (1996)

Siguiendo los planteamientos de Dawkins, Daniel Bennet y Douglas Hofstadter, Aaron Lynch profundiza en el incipiente campo de la memética para tratar de dar respuesta a como se propagan las ideas y creencias en las sociedades contemporáneas. Partiendo de ejemplos de la vida cotidiana, este autor busca entender como ciertas ideas tienen gran éxito al propagarse de forma similar a un virus, en un verdadero contagio de pensamiento.

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Editorial Basic Books (1998).

La máquina de los memes (1999)

Susan Blackwood sigue un planteamiento muy parecido al de Gabriel Tarde, pero fundándose en las ideas de Richard Dawkins. Blackwood señala que lo que caracteriza al ser humano como especie no es otra cosa que imitación. Lo que distingue al homo sapiens de otras especies del reino animal es la capacidad de replicar ideas, costumbres, pensamientos y habilidades. Siguiendo ese razonamiento, la autora propone que los memes moldean nuestras mentes así como los genes han moldeado nuestros cuerpos.

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Editorial Oup Oxford (2000).

La memética aún está en sus primeros pasos, tal como ha ocurrido con otras disciplinas que no se consideraban científicas en primer lugar. En tal sentido, es totalmente posible que la teoría de los memes obtenga en el futuro la dignidad de ciencia que en la actualidad se le niega en algunos círculos científicos.

Ficción histórica: qué es, características y 30 obras clave de este género (novelas históricas, películas…)

La relación entre la ficción y la historia se hace estrecha en las artes. Es por eso que la ficción histórica en la literatura navega a sus anchas mezclando la realidad y riqueza de un pasado histórico con la novedad y creatividad de la fantasía. No puede resultar de esta fusión nada desapegado al ingenio, la novela histórica como género elementalmente cargado de ficción explota este encuentro entre lo falso y lo cierto, lo real e imaginario.

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¿Qué es ficción histórica?

La ficción histórica es un subgénero de la novela histórica, que es un subtipo narrativo, pero puede aplicarse al resto de las artes. Mayormente se utiliza en el cine y la literatura histórica, pero también es aprovechado por los creadores de comics, anime y mangas con mucha más popularidad. Consiste en mezclar hechos reales de la historia con hechos de ficción creados por el autor/escritor.

Es el más común de los subgéneros de ficción y su término se simplifica en: cualquier novela fantasiosa puesta en el pasado de la historia humana con características reales del periodo elegido y que tiene lugar en un tiempo real. Pueden utilizar historias y personajes históricos reales y ficticios. Prescinde del respeto de los acontecimientos hasta cierto punto, pero su objetivo es didáctico e informativo, y por supuesto, artístico.

Cualquier novela es de origen una obra de ficción en base a una historia humana real. Existen desde novelas de ficción histórica, que se concentran en un período específico de la historia o abarca una narrativa fantasiosa sobre personas verdaderas, hasta historias de fantasía sucedidas en un escenario real. En conclusión, cuando nos referimos a novelas, hablamos de obras de ficción narrativa.

Características de las novelas de ficción histórica

Revisando la definición de novela histórica vale recordar que utiliza argumentos de ficción como toda novela, pero con la característica primordial de ubicarse en un contexto histórico especifico, por lo que los acontecimientos reales así como otros detalles tienen el mayor peso en la trama. Los personajes entre tanto pueden ser una mezcla entre real e imaginario. Otras características:  

  • El autor debe realizar una investigación sobre los hechos donde planea ubicar la historia, debe dominar la información histórica y cuidar los detalles para hacerlo creíble.
  • La ficción histórica utiliza los mismos recursos y elementos narrativos de la novela histórica.
  • Siempre está presente la brecha generacional, es decir, una distancia considerable entre la época en la que se desarrolla la historia y en la que se escribe. Generalmente se guarda una distancia no menor a los 30 años.
  • Se da la distorsión de la historia, a través de la introducción de omisiones, el uso de hipérboles o anacronismos.
  • La novela de ficción histórica debe tener un carácter popular, mediante el retrato de la realidad social y el sentido crítico.
  • La novela histórica introduce la experimentación del lenguaje.
  • La ficción histórica se basa en el realismo en la mayoría de sus elementos: escenarios, personajes, objetos, vestuario, música, lenguaje, medios de transporte y comunicación, tecnología y costumbres.
  • El tiempo pasado es usado generalmente en historias de aventura o tragedia, principalmente. Las guerras en particular son un tema predilecto para la ficción histórica: La revolución francesa, la segunda guerra mundial, la guerra de Vietnam son los mayores ejemplos.
  • Para las novelas de aventura los hechos inventados predominan sobre la historia, que se utiliza como escenario para la acción de los personajes. En la literatura histórica los hechos históricos predominan sobre los ficticios, el pasado se dispone como una especie de evasión o refugio de la realidad actual, pero a su vez permite leer una crítica a la historia presente.

Orígenes de la ficción histórica

Contar sucesos históricos es recurrente en las artes, las pinturas y esculturas siempre han tenido el objetivo de fijar la memoria histórica de un modo muy personal del artista.  Batallas y mitos se repiten en los cuadros de los museos en todo planeta, por ejemplo.

La literatura no podía saltarse esta oportunidad, la novela histórica es un subgénero narrativo enmarcado en la corriente del romanticismo y data del siglo XIX, cuando se publicó una serie de novelas ambientadas en el marco de la Edad Media de Inglaterra. Walter Scott publicó obras como Waverley e Ivanhoe colocadas en el siglo XII.

Con el tiempo las novelas históricas respondiendo al deseo general de exaltación del pasado y el sentido nacionalista,  tomaron su auge tanto en Europa como en América y entonces destacaron escritores como Víctor Hugo, Teodore Fontane, Lev Tolstoi, entre otros.  Obras como Ilíada, y la Odisea  son ejemplo de ficción histórica, y cuentan la vida de los griegos con elementos de fantasía.

Diferencia entre ficción histórica y novela histórica

En ocasiones, los términos «ficción histórica» y «novela histórica» se usan indistintamente, pero lo cierto es que son conceptos que refieren a cosas distintas. Brevemente, los vamos a diferenciar.

Ficción histórica

Se trata de un concepto global que puede encontrarse en las artes en general, no respeta normas histográficas por lo que no sigue al pie de la letra los hechos y al tiempo añade elementos de la ficción, siempre con un objetivo educativo, no especulativo. 

La recreación de acontecimientos históricos con destellos personales de imaginación y creatividad, ha sido proyectada de diversas formas a través de las artes, desde expresiones plásticas como la pintura y escultura, hasta otros medios muchos más modernos como el cine, la televisión y las historietas. 

Novela histórica

Otro modo de recrear el pasado es a través de la literatura histórica. La novela histórica siempre se desenvuelve en un contexto histórico verdadero explicada de un modo personal por el autor. Debe diferenciarse de la novela de ambientación histórica, la cual presenta personajes y eventos inventados y ubicados en un pasado remoto. También se separa de la denominada historia novelada, en la que no se incluyen ningún tipo de elementos de ficción y la lírica que​ es un género histórico en el que el escritor expresa sentimientos y emociones subjetivas.

30 obras de ficción histórica

Existe una infinidad de obras que promulgan la ficción histórica desde tiempos ancestrales, desde el inicio de las civilizaciones y mucho antes de eso de manera más supuesta. Sin perder vigencia este género extiende sus tentáculos hasta el día de hoy, superando el reposo de una inesperada pandemia y sacando a la luz nuevos proyectos cargados de genialidad para las nuevas generaciones.  A continuación una breve compilación de obras que han destacado hasta el presente:

1. Yo, Claudio (libro)

En el final de sus días, con miedo de ser asesinado en medio de una conspiración, el emperador Claudio, también llamado Clau Clau Claudio o Claudio el idiota, decide legar por escrito su  larga y extenuante vida, desde el momento en que gobernaba su tío abuelo Augusto, por medio del cual su esposa Livia manipulaba a todos con su poder. Ambientada a comienzos del Imperio Romano, cuando reinaban el siniestro Calígula y Tiberio.

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Alianza Editorial.

2. Espartaco (película)

Espartaco fue un hombre de la tribu maidoi que fue vendido como esclavo y convertido a gladiador  por orden de Léntulo Batiato. Cansado de ser agraviado suscitó y administró la rebelión de los aprisionados contra la República romana, en el 73 A.C. Recorriendo el país fue sumando esclavos a su ejército de rebelión con el firme propósito de llegar al sur de Italia y regresar a  sus hogares.

3. Guerra y paz (libro)

Son más de 500 personajes históricos e inventados incluidos es su trama, para el desarrollo de relatos relacionados a las conflictos que soportó el ejército napoleónico. También narra detalles de las batallas de Austerlitz, Borodinó y las vicisitudes de Alejandro en la corte. El libro gira en torno a la vida de cinco familias aristocráticas rusas que en el año 1812 permanecen en medio de la invasión de Rusia por parte de las tropas francesas.

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Editorial Alba.

4. El nombre de la rosa (libro/película)

Una novela gótica, la crónica medieval y policíaca, narra la investigación que realizan fray Guillermo de Baskerville y su pupilo Adson para desentrañar los crímenes cometidos en una abadía benedictina en el año 1327. Es una reflexión sobre el miedo a Dios, a los placeres mundanos, a la lógica y al conocimiento. Transcurre en el turbio ambiente religioso del siglo XIV.

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Editorial DeBolsillo.

5. Kuroshitsuji (manga/anime/serie de televisión)

Kuroshitsuji no Sekai, programa de televisión de acción y fantasía oscura, escrita por Yana Toboso. Sigue la historia de un conde de trece años llamado Ciel Phantomhive, quien es líder de la familia Phantomhive y heredero de la mansión ubicada en Londres en la era victoriana. Ciel huérfano,  soporta un sinfín de abusos físicos, mentales, sexuales y quemado con la «marca de la bestia». En mitad de una ceremonia de sacrificio para convocar a un demonio, este declara su obediencia a Ciel y mata a todos los miembros del culto. Desde entonces el Mayordomo Negro se encarga de resolver los crímenes que azotan a la ciudad. 

Para los que se preguntan cuántas temporadas tiene Kuroshitsuji, van hasta la fecha tres temporadas de Kuroshitsuji o temporadas de Black Butler, que hacen un total de 49 capítulos de Kuroshitsuji Y para los fanáticos existen un manga de 27 tomos de Kuroshitsuji y la película de Kutoshitsuji, Book of the Atlantic publicada en 2017 en Japón. Es conocido en España como el anime Black Butler  

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Imagen promocional de la adaptación animada (Square Enix).

6. Oushitsu Kyoushi Haine (Anime/manga)

El anime Haine o El tutor real sigue la  historia de  Heine Wittgenstein, un hombre adulto que por su apariencia es permanentemente confundido con un niño. Ha sido ordenado por el rey al palacio real de Glanzreich para trabajar como tutor de los cuatro príncipes menores de edad: Kai, Bruno, Leonhard y Licht. En el anime The Royal Tutor, ōshitsu kyōshi haine tiene la misión de educar al próximo rey, pero delante hay 4 príncipes excéntricos.

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Imagen promocional (Bridge).

7. El Sultán (libro)

Este libro turco narra el ascenso al poder de Suleimán el Magnífico, una de las figuras más relevantes del Imperio Otomano, uno de los imperios más grande. Este libro aborda cómo promovió la ampliación del imperio otomano, haciendi que la novela el Sultán, géneros de ficción histórica y biografía estén unidos.


8. Gosick Blue (libro/anime)

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Imagen promocional de Gosick Blue. (Bones)

Desde un inventado país europeo, Saubure en el año de 1924, la trama se concentra en Kazuya Kujo, quien es el tercer descendiente de un soldado imperial japonés. Es un estudiante de intercambio de la Academia Santa Margarita, donde se sumerge en el mundo de las leyendas urbanas e historias de terror. Gosick blue es la secuela de la serie de novelas ligeras, seguido por Gosick Red, Gosick Pink y Gosick Green.


9.  Innocent Rouge (manga/serie)

Una pugna que romperá los cimientos del futuro de Francia, es protagonizada por los verdugos Charles-Henri Sanson y su hermana Marie-Josèphe. En la Versalles de 1772 comienza la revolución carmesí de los inocentes. La trama es protagonizada por el hermano mayor de la familia de verdugos Sanson, mientras Marie vive despreocupada. El manga es una secuela de la serie Innocent de Sakamoto. 

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Portada del primer tomo de la novela ligera (Ediciones Milky Way).

10. Kingdom (manga) 

El manga Kingdom cuenta la historia de dos personajes nacidos en el período de los Reinos Combatientes de la antigua China. Xin y Piao son dos huérfanos de guerra en el reino de Qin y tienen aspiraciones de hacerse Grandes Generales de los Cielos, para superarse y salir de sus humildes y subordinadas vidas.

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Portada del primer tomo del manga (Shueisha).

 11. Mary Shelley (película)

Se trata de una película biográfica de los primeros años de la escritora Mary Wollstonecraft Godwin, quien a sus 16 años descubría su apego por las novelas góticas de terror. Detalla como la hija de dos escritores concibió su más emblemática obra, Frankenstein.

12. Lo que el viento se llevo (libro y película)

Georgia, 1861. En una refinada mansión sureña de Tara habitada por la arrogante joven Scarlett O’Hara, quien suspira por el amor de Ashley, el prometido con su apacible prima Melanie. En la última celebración antes de iniciarse el período de  guerra, Scarlett conoce al inquieto y ambicioso Rhett Butler, quien solo tiene la propósito de hacerse millonario y conquistarla.

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B de Bolsillo.

13. Última estación (libro)

Ignacio Quirós no tenía la mínima sospecha de que al subir al tren correo nº 421 iba a encontrarse de frente con su pasado. La enmarañada vida de los protagonistas transcurre en la Madrid de la postguerra. La novela menciona el incidente ferroviario más impactante de España, sucedido el 3 de enero de 1944 en Torre del Bierzo. La dictadura franquista ocultó la verdad de esta tragedia.

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Editorial Quaestio.

14. Los miserables (libro/teatro/película)

Novela que examina la sociedad francesa de ese período, se entorna durante los acontecimientos de la Rebelión de junio de 1832. Jean Valjean, un ex condenado al que confinaron por veinte años por robar un trozo de pan, se transforma en un hombre íntegro que cuida a la hija de una mujer que ha debido deshonrarse para salvarla. Es una crónica de la historia del siglo XIX, desde Waterloo hasta las barricadas de 1848.

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Editorial Penguin Clásicos.

15. Gladiador (película)

Relata la biografía del general romano Máximo, quien era el guerrero más valioso del emperador Marco Aurelio. El hijo de este, Comodo, se muestra celoso del prestigio y del amor que su padre le dirige a Máximo. El valiente luchador debe protegerse de la maldad de Comodo quien ordena su arresto y asesinato, sin embargo no puede evitar la muerte de su familia. Máximo se hace gladiador para vengar la desaparición de su mujer e hijos.

16. Apolo XIII (película)

El Apolo XIII es propulsado a la luna en abril de 1970. Durante el trayecto hacia el satélite desde la tierra, ocurre una explosión en el espacio que les hace perder el rumbo de la nave espacial y además todo el almacén de oxígeno con el que disponían. La trama se centra en la angustiosa odisea de los astronautas frente a este imprevisto y la atención del mundo entero sobe esta aventura.

17. El color purpura (libro/película)

Cuenta la historia de Celie a principios del siglo 20, quien era una joven negra de catorce años, embarazada por su padre, un hombre autoritario y cruel con quien sufre una vida de humillaciones. El color purpura hace un recorrido al cambio y la transformación que la protagonista va experimentando, pero su vida transcurre después de que la esclavitud fue abolida y antes de la aparición del movimiento a favor de los derechos de las mujeres.

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Cartel promocional de la adaptación fílmica (Warner).

18. Salvando al soldado Ryan (película)

Rescatando al soldado Ryan, como se conoce en Latinoamérica, es una  producción  estadounidense, entornada en Normandía cuando fue invadida durante la Segunda Guerra Mundial. Cuenta que tras llegar a Normandía, unos soldados norteamericanos exponen sus vidas para salvar al soldado James Ryan, cuyos tres hermanos ya habían muerto en batalla durante la guerra.

19. El pianista del gueto de Varsovia (libro)

El pianista polaco de origen judío, Wladyslaw Szpilman, vivía refugiado con su familia en el gueto de Varsovia, pero en 1939 los alemanes invadieron Polonia. Aunque logra salvarse de ser deportado gracias a la ayuda de algunos amigos, debe mantenerse escondido y aislado por largo tiempo. Para sobrevivir sortea constantes momentos de peligro y ver desde muy cerca el exterminio nazi. 

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Editorial Leyendo/escribiendo.

20. Forrest Gump (libro)

Sentado en un banco en Savannah, Georgia, el joven Forrest Gump espera un autobús y entre tanto cuenta su vida a las personas que se sientan junto a él. Su evidente retraso mental no le impide hacer cosas maravillosas aún sin entender bien lo que pasa, interviene en algunos de los hechos más importantes de la historia de los Estados Unidos.

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Versión italiana del libro. (Editorial Sonzogno).

21. Bastardos sin gloria (película)

Durante la segunda Guerra Mundial en Francia, Shosanna tuvo que ver la ejecución de su familia por orden del coronel nazi Hans Landa. Después de huir adopta una nueva identidad como propietaria de un cine, quien junto a un grupo de soldados judíos y una agente alemana encubierta, planea la misión que hará caer a los jefes del Tercer Reich. El objetivo era reunir al grupo militar OSS, llamado Los Bastardos, para la venganza.

22. La ladrona de libros (película/libro)

En la Alemania antes de la II Guerra Mundial, Liesel y su hermano son enviados a vivir con una familia adoptiva, pero el niño fallece. Para la protagonista, una niña alemana, el poder de las letras de los libros y la imaginación es su forma de huir de la dura circunstancia que la rodeaba. La historia cuenta los horrores que vivieron las familias en ese episodio de la historia y las pericias que hacia la joven para hacerse de los libros que era su escapatoria a la cruel realidad.

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Editorial Debolsillo.

23. El arca de Schindler (libro)

Los nazis invaden Polonia. Los judíos son internados en guetos y enviados a campos de concentración. Un empresario alemán, Oskar Schindler quien pertenece al Partido Nazi, elabora un arriesgado plan para salvar a mil 200 judíos del Holocausto, como empresario adinerado dedicó sus ahorros en sobornar a funcionario corruptos y comprar judíos para protegerlos. Fue adaptada al cine como La lista de Schindler, recibiendo un Óscar a Mejor Película.


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Editorial Círculo de Lectores.

24. Titanic (película)

La película narra una historia de amor en medio de una de las más grandes tragedias de naufragios en la historia, más concretamente en el año 1912. Jack es un joven pintor que logra ganar un pasaje para viajar a América en el Titanic, el transatlántico más grande y seguro nunca antes construido. En el trayecto conoce a Rose una joven comprometida con un millonario presumido. Entre ella y Jack surge el amor en medio del impedimento familiar, el juicio moral de la época y un enorme iceberg en las aguas frías del Atlántico que provoca el hundimiento de la lujosa embarcación.


25. La letra escarlata (libro y película)

Situada en la inflexible sociedad de la Nueva Inglaterra de principios del siglo XVII,  cuenta la despiadada situación que debió soportar Hester Prynne, tras ser señalada de adulterio y obligada a llevar en el pecho una marca, la letra A en color púrpura, de adúltera. El impactante y lacerado acto de pasión lo protagonizan en la novela tres personajes de esta comunidad puritana: Hester una mujer independiente y de espíritu libre sometida al escarnio público; el reverendo Dimmesdale quien goza de prestigio pero vive atormentado por la culpa; y Chillingworth, la figura traidora y vengativa de la historia.

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Editorial Debolsillo.

26. La Ilíada de Homero (libro)

Se trata de un poema épico relativo al acoso de la ciudad de Troya por parte de los griegos para salvar a Helena, esposa del rey Menelao, quien fue raptada por el príncipe troyano. Esta epopeya la integran veinticuatro cantos, que estructuran el último año de la guerra de Troya. Se centra en el valiente soldado griego Aquiles, su cólera contra Agamenón, quien le robó a su esclava, Briseida y por la muerte de su íntimo amigo Patroclo.

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Editorial Verbrum.

27. Retrato en sepia (libro)

Desarrollada a fines del siglo XIX en Chile, Allendes elaboró la historia de una saga familiar que inició con Hija de la Fortuna. La historia se lee desde la voz de una joven que indaga sobre sus raíces y remueve la memoria y los secretos familiares. Aurora del Valle, para hacer frente a la soledad comienza a investigar las esquinas de su pasado y de un trauma que suprimió de su mente todo recuerdo de los primeros años de su vida. Atormentada por pesadillas y el cuidado de una abuela ambiciosa y dominante.

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Editorial Debolsillo.

28. Los Inmigrantes (libro)

Esta novela da forma a la vida de Dan Lavette desde el momento en que sus padres emigraron a Estados Unidos hasta que se hace un hombre independiente. Su propia historia es el reflejo en la vida de turcos, griegos, polacos, húngaros, italianos, franceses, japoneses y otros extranjeros que abandonaron sus hogares en busca de nuevos y mejores horizontes de progreso. La trilogía resume la vida de tres familias californianas en el marco de la nostalgia de una patria y la mescolanza de costumbres, mitos y el apego a una nueva nación que les garantiza cobijo y futuro.  

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Editorial Círculo de editores.

29. Los reyes malditos (serie literaria)

En el marco de la monarquía francesa, la saga comienza cuando el rey francés Felipe El Hermoso, atrae una maldición a su familia cuando persigue a los templarios. Esta serie de novelas históricas describe cómo Felipe IV fue injuriado por el gran maestre de los caballeros templarios, Jacques de Molay, después de atacar a la orden y negarse a pagar a los caballeros del temple el rescate de su abuelo Luis IX y liberarse de los egipcios en la VII cruzada.

Las siete novelas que componen la serie literaria son: El rey de hierro (1955); La reina estrangulada (1955); Los venenos de la corona (1956); La leyes de los varones (1957); La loba de Francia (1959); La flor de lis y el león (1960) y De cómo un rey perdió Francia (1977).

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Portada de El Rey de Hierro, primer libro de la saga (Editorial B de Bolsillo).

30. Los gritos del silencio de Roland Joffé 1984 (película)

En 1972 el periodista Sydney, colaborador del New York Times, es enviado a Camboya como corresponsal de guerra. Al llegar conoce a un nativo, el joven Dith Pran, quien se convierte en su guía e intérprete y con quien forja una gran amistad. En 1975, al caer el gobierno camboyano, los EE.UU se retiran del país y toda la familia de Dith emigra a Norteamérica, excepto él que se queda al lado de Sydney.


Esta es apena una muestra de las obras de la ficción novela histórica más destacadas de todos los tiempos. Desde textos que son de consulta obligatoria en las escuelas como La Ilíada, pasando por novelas históricas emblemáticas en el mundo de la literatura como El nombre de la rosa; producciones cinematográficas que no pierden vigencia como Espartaco, hasta el anime más actual y difundido como Kiroshitsuji. Cada obra de novela histórica le da al espectador la ventaja de aprender de manera entretenida sobre el pasado y ampliar su entendimiento sobre los hechos en el ámbito político, cultura, social y humano.

Pintores contemporáneos: los 25 pintores actuales más importantes y sus obras de arte más famosas

El arte contemporáneo, también llamado “el arte de hoy” o “artes actuales”, abarca gran variedad de obras de arte producidas durante finales del siglo XX y principios del XXI. Pero lo que más destaca del arte moderno es que está representado por pintores contemporáneos (hombres y mujeres) que tienen su propio enfoque y estilo distintivo, que no solo marca diferencia con otros pintores actuales, sino que le otorga la versatilidad al movimiento artístico. A continuación, en esta entrada enlistamos a los artistas actuales más relevantes para que conozcas su arte.

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Cindy Sherman

La estadounidense Cindy Sherman (1954) es conocida como la maestra de la fotografía contemporánea orientada hacia la crítica social. También es una de las principales exponentes del arte contemporáneo por su trabajo con imágenes que cuestionaron, desde 1980, la influencia de los medios de comunicación sobre las mujeres, las identidades colectivas e individuales. 

A finales de los años 70, Sherman apretó el obturador para explorar los roles sociales o personajes comunes que representaba la mujer; la mejor forma de hacerlo fue con ella como protagonista. 

Cindy Sherman (centro) junto a Tom Heman de Metro Pictures (izquierda) y Patsy Reddy (derecha), gobernadora general de Nueva Zelanda, en la Casa de Gobierno en Wellington, 2016 (Gobierno de Nueva Zelanda, Oficina del Gobernador General, CC BY 4.0, vía Wikimedia Commons vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Sus autorretratos se volvieron pinturas famosas modernas porque se convirtieron en una especie de juego de roles con poses sugerentes, con miradas misteriosas, incómodas o sin vida, con maquillajes extravagantes y tétricos.

Con sus seriados “Sin Título”, Sherman hace uso de lo cotidiano y lo transforma con maquillaje, vestuario y la escenografía que recrea un fondo tan real como lleno de ilusiones que proyectan finos e icónicos retratos; busca emular conceptos propios de ser una celebridad, las conductas humanas llenas de tabúes, la búsqueda de la sexualidad y la confianza en sí mismo.


Jenny Holzer

La estadounidense Jenny Holzer (1950), quien empezó a desarrollar su lado artístico desde la infancia, es la responsable de que los letreros LED en vallas publicitarias, parquímetros y letreros perfectamente ubicados capten la atención de los espectadores. Las frases cortas y sencillas sobre problemas sociales como “La propiedad privada creó delincuencia” y “el abuso de poder no es una sorpresa” (1977-9) buscan generar debates y el despertar de la conciencia humana. 

Retrato de Jenny Holzer (Wiki Artis/, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Holzer es una de las representantes del arte moderno porque busca activar el pensamiento crítico a través de las frases luminosas, que actúan como meditaciones verbales sobre el poder, el trauma, el conocimiento y la esperanza.

Sus proyectos más recientes son “It Is Guns” (2018-19), que nació como una respuesta a los tiroteos masivos en los Estados Unidos, y “Expose”(2020), que fue una crítica al gobierno estadounidense por el mal manejo de la pandemia de coronavirus.


Liu Xiaodong 

Liu Xiaodong (1963) probablemente es uno de los más grandes pintores modernos gracias a sus obras con pinceladas fuertes, colores vivos y formas precisas. En sus inicios, sus pinturas de arte moderno hay un estilo que muestra en encuadres recortados entornos naturales, lugares complejos y las emociones de la gente. 

Xiaodong, quien obtuvo influencias del  pintor británico Lucian Freud, plasma intimidad y sensibilidad, y eso hace que su pintura sea poderosa y conmovedora. De acuerdo a Liu, prefiere dejar en el lienzo “escenas que son parte de la vida, de la existencia cotidiana de alguien y elijo sitios que me interesan”.

Liu Xiaodong creando una pieza en Taiwán (Christopher Adams, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Además de mostrar una historia personal cuando pinta a alguien, también captura su entorno y estado de ánimo. Por ejemplo, una de sus pinturas contemporáneas famosas es “Niño Gordo” (1996), un joven que está sentado en una mesa con una expresión triste y perdida. 


Miquel Barceló

“Todas las distinciones entre abstracto y la pintura figurativa han desaparecido”, dijo Miquel Barceló en 1984. Miquel, quien nació en 1957 en Mallorca, España, se suma a los nombres de artistas pintores por la diversidad de su trabajo, que va desde pinturas gestuales a gran escala, hasta esculturas de cerámica y bronce. 

Miquel Barceló firmando su obra en Lanzarote, las islas Canarias (Ramón Pérez Niz, CC BY-SA 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Inició su carrera en el mundo de pintores internacionales con arte conceptual orientada hacia temas ecológicos, por lo que ha trabajado con materiales orgánicos, tierra y piedra en sus pinturas, inspirándose en el arte de Antoni Tapiès y Anselm Kiefer. Por otro lado, en sus obras Barceló toca temas como el misticismo español y su tradicional pintura barroca.

Algunos de sus trabajos que lo volvieron uno de los mejores pintores figurativos son la obra de cerámica a gran escala para la catedral de Palma de Mallorca, y una pintura en el techo de la Oficina de las Naciones Unidas en Ginebra, Suiza.


Cecily Brown 

La londinense Cecily Brown (1969) está en la lista de pintores porque ella es una de las mejores artistas del arte moderno tanto a gran escala como en sus pinceladas que exponen la audacia de lo abstracto.

Las obras de arte actuales de Brown están llenas de cuerpos eróticos y que toman vida entre la mezcla de colores vivos y vibrantes. Además, hace pinturas que hacen creer que están en constante movimiento, emanan gran carga erótica y enérgica, deja a la vista su expresión abstracta y figurativa. 

Asimismo, en su trabajo, Cecily hace referencia a otras obras de arte contemporáneo y sus autores como Paolo Veronese, Peter Paul Rubens y Francis Bacon, y también se apoya en la cultura popular, destacando la fluidez visual y temática. 



Takashi Murakami 

Takashi Murakami (1962), conocido como el “Warhol de Japón” (en referencia al artista Andy Warhol), es uno de los autores del arte contemporáneo más famosos por su fusión entre las bellas artes y la cultura pop. Los trabajos de Murakami a menudo hacen referencia a dibujos animados coloridos de anime y manga —como Sr. DOB y Superflat— para dar vida al arte abstracto.

No obstante, las raíces de Murakami han sido bien recibidas a nivel mundial, tanto así que, sí hablamos de firmas de pintores famosos, la de él es una de las más destacadas, pues ha colaborado con firmas de la moda como Marc Jacobs y Louis Vuitton.

Murakami en el Festival de Arte GEISAI, 2006 (Yamashita Yohei de Tokio, JAPÓN, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Takashi, quien se convirtió en uno de los pintores famosos modernos del siglo XXI, explora los vínculos entre las técnicas tradicionales de grabado y el manga japonés en la sociedad de posguerra, y creó un matiz estético y subversivo que forjó desde la infancia. De acuerdo al artista, en ese tiempo, “los estrechos espacios residenciales de Japón y los escapes mentales de esos espacios” tomaron forma para inspirar su arte.



Luo Zhongli 

Otro de los pintores famosos contemporáneos es Luo Zhongli (1948), uno de los principales artistas modernos realistas de China. A diferencia de las pinturas abstractas de los demás pintores del siglo XXI, los retratos fotorrealistas de Luo son otro nivel de arte. Los trabajos de Zhongli son una especie de venta que permite al espectador asomarse para revisar la vida y el alma de las personas plasmadas en la pintura.

Zhongli representa el rostro de la gente de las zonas rurales de China con increíble detalle, fuerza y magnetismo. Su obra más conocida es Padre (1980), un retrato empático de un anciano que se lleva un cuenco a la cara. 

Sobre esa obra, dice que “dediqué ese espacio a un agricultor, simbolizando el comienzo del tiempo de las personas” y, a su juicio, no solo deben pintarse los rostros de la gente famosa sino de las demás personas que nos representan. 



Anya Kielar

Anya Kielar (1978) es una neoyorquina que se destaca entre pintores famosos actuales con la creación de collages, pinturas y dibujos bidimensionales y tridimensionales, experimentando con una variedad de técnicas y materiales. En sus obras se ven las influencias tomadas del teatro, la moda, la fotografía, el estilo modernista temprano y los artefactos antiguos. 

Muchas de sus obras también exploran las representaciones y los significantes de la feminidad. Asimismo, expone composiciones juguetonas y rebeldes, que hacen recordar a los “Rayogramas” de Man Ray.



Barbara Kruger

En esta lista de pintores contemporáneos famosos no puede faltar Barbar Kruger (1945), la artista conceptual estadounidense conocida por su combinación de tipo e imagen que examinan los estereotipos y los comportamientos del consumismo con texto superpuesto a imágenes de los medios de comunicación. Sus obras tienen la característica fuente “Futura Bold Oblique”  en blanco y negro, con detalles en rojo, y están inspiradas en el artista constructivista Alexander Rodechenko.

El trabajo artístico de Kruger, al igual que Holzer, se basa en frases cortas como “Pensando en ti”, “Compro y después soy”, “¿Cuándo fue la última vez que te reíste?”. Es decir, el lenguaje en imágenes es el medio de expresión que Barba utiliza para difundir sus ideas de muchas formas: en camisetas, carteles, impresiones, fotos y vallas publicitarias. 

En sus propias palabras, Kruger trata de “abordar el tema de lo que significa vivir en una sociedad que aparentemente es a prueba de choques, pero que todavía se ve obligada a mantener el secreto”.



George Condo

George Condo (1957) otro de los pintores artísticos estadounidenses conocido por sus pinturas y grabados figurativos únicos en su tipo. El trabajo de Condo se puede observar en los retratos fracturados e imágenes agresivas, que mezclan técnicas  de Pablo Picasso y Willem de Kooning.

Retrato de George Condo en 2012 (Sophie Caby, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Un dato curioso de la vida de Condo, es que conoció a Jean-Michel Basquiat en Nueva York, en una exposición, y este le propuso crecer en su carrera en el arte, para que sus pinturas abstractas de rostros y cuerpos, empezaran a destacar entre los demás artistas modernos. 

Condo describe lo que hace como “cubismo psicológico” y sus pinturas están adornadas con personajes absurdos, recortados, y a menudo carnavalescos. Además, explora “los momentos privados, los momentos inactivos o los aspectos invisibles de la humanidad”, en cada trazo que empieza y termina.



John Currin

El estadounidense John Currin (1962) también se suma a la lista de pintores famosos por ser uno de los pintores más influyentes de la pintura en la actualidad. Currin combina las técnicas de pintores del Renacimiento (como Lucas Cranach) con una actitud satírica. De hecho, explica que muchos de sus temas en la pintura “están destinados” a parecer acertijos.

El arte de Currin también nace de  la pornografía danesa, así que las figuras suelen ser voluptuosas (The Bra Shop es un ejemplo), cabello largo, mejillas sonrojadas y cuellos largos; tiene una carga erótica que no se puede esquivar, pero está finamente cubierta con técnicas de pintura clásica, bordes suaves, fondos apagados, composiciones tradicionales e iluminación natural.

Sin embargo, no todas las obras de Currin están sexualizadas. Un ejemplo es “Rachel in Fur” (2002), donde muestra a su esposa, la artista Rachel Feinstein, con un abrigo suave y grandes gafas de sol, mirando hacia abajo con una sonrisa leve.



Jenny Saville

La británica Jenny Saville (1970) es una de las artistas plásticos famosos por sus retratos desnudos estilizados de voluminosos cuerpos femeninos. Entre sus obras más conocidas está el autorretrato “Branded” (1992), en el que la artista distorsiona su propio torso y senos a través de la pintura, haciendo que ambas partes del cuerpo sean colgantes e imponentes. 

Saville mezcla lo grotesco con una sutileza innegable y, para ella, la carne humana “es lo más hermoso de pintar”. Se inspiró en los cuerpos que vio cuando viajó a Estados Unidos, los cuales eran voluptuosos y algunos con sobrepeso, pero eso le sirvió como base para mostrar “la carne” en sus obras. 



Cajsa von Zeipel

Continuando con los artistas plasticos del mundo, tenemos a Cajsa von Zeipel (1983), una artista sueca especializada en la escultura a gran escala, y aborda temas como la identidad de género, el queer y la normatividad social. Sus esculturas de yeso son blancas, generalmente orientadas hacia lo clásico, no obstante también salta hacia técnicas más complejas.

Von Zeipel se diferencia de otros artistas plásticos contemporáneos porque construye sus figuras femeninas con silicona de color pastel haciendo eco de la estética de la ciencia ficción y la fantasía. No obstante, debajo de este material  hay partes de maniquíes, lo que ella proyecta como objetos que se utilizan típicamente para construir el deseo en los espacios capitalistas. 

Cajsa hace cortes, reconecta sin un orden específico, construye cuerpos que se alejan de lo que todos conocen como “normal” y deja que las figuras adopten movimientos asombrosos. No hay forma de ignorar su arte. 



Zhang Xiaogang 

Otro de los pintores contemporáneos más destacado es Zhang Xiaogang (1958), oriundo de China, quien expone la noción de identidad dentro de la cultura china del colectivismo. Asimismo, su trabajo no se parece al de otros artistas famosos actuales, pues él se centra en el concepto de familia, inspirándose en fotografías familiares del período de la Revolución Cultural.

Sus retratos son surrealistas, pero estilizados, y son ejecutados en pintura al óleo suavemente renderizada para mantener una estética formal y rígida.

Fotografía tomada a Zhang Xiaogang en 2018 (Jindřich Nosek (NoJin), CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Antes de convertirse en el gran pintor que es en la actualidad, Xiaogang se vio obligado a trabajar en la construcción y otros trabajos ocasionales, no podía enseñar pintura como él quiso; esto lo llevó a la depresión, el alcoholismo, y luego la hospitalización en 1984. 

A finales de los 80 descubrió un álbum de fotografías antiguas de su familia y con eso consiguió inspiración para crear la serie “Bloodlines”, el trabajo por el cual obtuvo todo el reconocimiento que merece.



Jeff Koons

Jeff Koons (1955) es uno de los artistas del arte contemporáneo más populares de Estados Unidos por su estética neo-pop y exposiciones irónicas de los objetos de consumo diario. Koons explica que busca hacer un trabajo “no haga que los espectadores sientan que se les está hablando mal, para que sientan una participación abierta”.

Jeff Koons en el Festival de Cine de Tribeca, 2009 (David Shankbone, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Koons se hizo famoso en la década de 1980, desarrollando obras icónicas como “Michael Jackson and Bubbles” (1988), la serie “Made in Heaven” (1990-1991) y “Puppy” (1992). Otro elemento característico de sus obras es el tamaño de las esculturas, y también los materiales de peso y durabilidad que Jeff escoge para que su arte no sea efímero.



Yayoi Kusama

Yayoi Kusama (1929) es una artista japonés que trabaja en pintura, escultura, cine, instalaciones y arte performance. Su fuerte es el uso de puntos y espejos repetitivos, que forman patrones para dar vida a la obra, y Kusama asegura que “con un solo lunar no se puede conseguir nada. En el universo está el sol, la luna, la tierra y cientos de millones de estrellas”, en síntesis, todo lo que ella crea es un universo que cada espectador debe descubrir.

Foto de Yayoi Kusama cuando recibió la Orden de la Cultura en noviembre de 2016 (文 部 科学 省 ホ ー ム ペ ー ジ, CC BY 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Yayoi Kusama sigue “la filosofía del universo a través del arte” para producir la repetición estereotipada, muy característica de sus obras. 

Kusama produjo pinturas basadas en alucinaciones que experimentó cuando era niña e instalaciones como “Infinity Mirror Room” (1965). No obstante, aunque tenía éxito y reconocimiento en ese entonces, su salud mental no era la mejor, por lo que vivió días de oscuridad en Japón desde 1970 hasta 1993, cuando representó a su país en la Bienal de Venecia de 1993, y volvió a sus andanzas en el arte, hasta la actualidad. 



Chloe Wise

Chloe Wise (1990) es una artista canadiense reconocida por sus bolsas de pan de imitación y retratos de jóvenes que imitan las selfies de las redes sociales. Es quizás la artista contemporánea más joven de la lista, se graduó en 2013 de la Universidad de Concordia, Montreal, donde cursó Arte de Estudio e Historia del Arte. 

En 2014 saltó a la fama por la serie “Bread Bag”, y un año más tarde lanzó los sándwiches que forman una bolsa Prada en “American Classic” y una acumulación de panqueques con el logo de Chanel en “Pancake No. 5.

Es tan sencillo como genial. Wise combina lo que es real con la vida que muestran los influencers en las redes sociales; habla de esa presencia y de las apariencias en la Internet.



Rudolf Stingel

El italiano Rudolf Stingel (1956) es uno de artistas contemporáneos famosos porque emplea variedad de materiales como caucho, alfombras, aluminio pintado, espuma de poliestireno y pintura, para darle forma a sus obras que buscan la reflexión sobre la autenticidad y el contexto en el arte contemporáneo. 

Stingel destacó por primera vez a fines de la década de 1980 por sus pinturas en plata mezcladas con varios colores primarios, y desde entonces ha desafiado el tiempo, memoria y percepción del espectador.

Las exposiciones de sitios específicos de Stingel se han vuelto cada vez más inmersivas, pues transforma galerías y museos en obras de arte totales, tal es el ejemplo de su exposición “Live” (2010) en el museo Neue Nationalgalerie de Berlín.



Mark Grotjahn

Mark Grotjahn (1968) es un artista estadounidense mejor conocido por sus pinturas abstractas que entablan un diálogo complejo basado en las ideas del constructivista ruso Kazimir Malevich, el pintor Field Barnett Newman y la pintora Bridget Riley.

Grotjahn suele explorar en sus obras el punto de fuga de la perspectiva, que utiliza como catalizador para crear pinturas expresivas y de colores brillantes. Además, hace esculturas de máscaras con láminas de bronce y cajas de cartón; sus obras destacan por la geometría y la energía de lo abstracto.



Christine Wang

La estadounidense Christine Wang (1985) convierte memes en pinturas para exponer la idea de cómo el medio se ha convertido en parte de la sociedad a medida que la realidad se vuelve cada vez más digital. 

Wang y su arte moderno registran la actualidad desde distintos puntos de vista y experiencias. Por ejemplo, “Feminist” (2020) —o lo que las mujeres hacen es llorar— es una reconstrucción acrílica de un meme con formato de cuatro cuadrados que transmite la broma interna a los espectadores, ya que responde al zeitgeist cultural (actitud colectiva).


Emily Mae Smith 

Emily Mae Smith (1979) es una artista contemporánea estadounidense que crea composiciones animadas a modo de crítica social y política. Lo hace con astucia, al tiempo que se apoya en los distintos movimientos de pintura histórica, como el simbolismo, el surrealismo y el arte pop. 

Sus pinturas, que desafían el género, hablan a través de un vocabulario de signos y símbolos que abordan temas actuales como el género, la clase social y la violencia. Además, aborda los mitos falocéntricos de la historia del arte y crean imágenes desde la perspectiva feminista.



⁠Yoshitomo Nara

El arte del japonés Yoshitomo Nara (1959) expresa a los niños en una variedad de complejidades emocionales, desde la resistencia y la rebelión hasta la quietud y la contemplación, y también celebra la libertad introspectiva de la imaginación y del individuo. A simple vista, estas imágenes pueden evocar soledad o tristeza, pero también energía y emoción.

Yoshitomo Nara en una conferencia de prensa en el Museo de Yokohama, 2012 (Hsinhuei Chiou, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El trabajo de Nara abarca pintura, dibujo, fotografía, instalaciones a gran escala y escultura en cerámica, bronce y plástico reforzado con fibra. Sus influencias en el arte nacen de la música, su infancia y las vivencias de la actualidad.



Damien Hirst 

Damien Hirst (1965) es un artista británico que emergió en la escena artística internacional a finales de la década de 1980. Su trabajo destaca por las instalaciones, esculturas, pinturas y dibujos que examinan las relaciones complejas entre el arte y la belleza, la religión y la ciencia, y la vida y la muerte. 

Damien Hirst en la exposición “The Complete Spot Paintings 1986-2011”, Nueva York, 2012 (Andrew Russeth, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Su trabajo va más allá de las creencias contemporáneas, y busca exponer las incertidumbres que se encuentran en el corazón y la mente de los espectadores.



Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010) fue una artista franco-estadounidense del siglo XX, muy reconocida por sus esculturas abstractas, dibujos y grabados, y quizás mejor conocida por sus esculturas “Maman”, que son parecidas a insectos arácnidos. 

Inquietud y curiosidad es lo que aún causan las obras de Bourgeois, quien extrajo recuerdos de la infancia para volverlos arte,  así como los análisis psicológicos de la sexualidad, el dolor y el miedo. En sus palabras: 

“El único acceso que tenemos a nuestro inconsciente volcánico y a los motivos profundos de nuestras acciones y reacciones es a través de los choques de nuestros encuentros con personas específicas”. 



Jean-Michel Basquiat

El estadounidense Jean-Michel Basquiat (1960-1988) formó parte de una nueva generación de artistas pop de 1980. Se hizo notar gracias a sus pinturas y dibujos neoexpresionistas  que mezcló con sus días de artista callejero, y también añadió  elementos textuales para hacer críticas sociales y culturales.

Jean-Michel Basquiat (medio) junto a Andy Warhol, (izquierda), Bruno Bischofberger y Fransesco Clemente (derecha), Nueva York, 1984 (Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons/ Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Basquiat, quien murió a los 27 años por una sobredosis de drogas, no fue a la escuela de arte, pero usó su creatividad y la influencia de los cómics, los dibujos animados, el jazz, el punk y el hip hop para ir gestando el gran artista en el que se convirtió. Su arte quedó para la eternidad gracias a su esencia intensa, frenética y fluida.



Es evidente que el arte moderno no tiene una definición única, no se puede encasillar. Como hemos dicho en cada caso, estos pintores contemporáneos han tenido influencias (como el gran Andy Warhol), visiones, sueños, y los han plasmado de forma diferente mientras evolucionaron y se convirtieron en los pintores actuales que servirán como referencia para las nuevas generaciones.

Desarrollador de videojuegos: qué estudiar para trabajar de programador de juegos (carreras, cursos…)

La industria de los juegos de video está en constante evolución, por eso las oportunidades laborales para un desarrollador de videojuegos son cada vez más atractivas. Sin embargo, eso también incide en la calidad de los profesionales a los que se les exige más conocimientos y mayores competencias. Para ser un excelente diseñador de videojuegos hay que mantenerse actualizado de las nuevas tendencias y tecnologías. ¿Entonces, qué estudiar para hacer videojuegos completos y de calidad? Averígualo ahora.

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¿Qué es un desarrollador de videojuegos?

Un desarrollador de videojuegos es un profesional de la programación que se encuentra capacitado para diseñar y crear todos los niveles y etapas de un videojuego. Además cuenta con habilidades técnicas e informáticas para participar en todo el proceso de desarrollo de los videojuegos que, no solo implica el producto final, sino también su conceptualización, prototipado y hasta las pruebas finales.

También puede ser desarrollador de videojuegos toda aquella persona creativa con altas destrezas en matemática, informática o arte creativo con habilidades para la codificación y resolver problemas.

¿Cómo trabajan?

Aunque los desarrolladores de videojuegos mayormente forman equipos de trabajo multidisciplinarios, donde cada diseñador de juegos aporta sus habilidades y talento creativo para desarrollar las dsitintas etapas del juego como lo son todo lo referente al sonido, diseños gráficos, narrativa e historias; también hay programadores de videojuegos que trabajan de forma individual e independiente, sobretodo aquellos que saben cómo se desarrolla un videojuego para dispositivos móviles y que se comparten por la web.

Se pueden desarrollar videojuegos tanto para PC como para consolas y hasta dispositivos móviles. Aunque también el diseñador de videojuegos puede llevar adelante la temática y desarrollo para videojuegos en línea. El proceso creativo abarca diseño de niveles, creación de personajes, ambientación y hasta pruebas de funcionalidad. Los diseñadores de videojuegos suelen trabajar para estudios de producción, empresas de ingeniería en videojuegos y, a veces, pueden trabajar de forma independiente o freelance.

Los programadores de videojuegos tienen la tarea de realizar diversas funciones durante el proceso de creación del proyecto, entre las cuales se pueden encontrar las referidas a la codificación del motor base del juego, la generación de guiones y hasta la resolución de problemas de códigos.

Funciones de un diseñador de videojuegos

En el proceso de creación de los videojuegos intervienen profesionales y especialistas de las áreas de desarrollo y diseño que ejecutan y llevan adelante las labores de confección y materialización de los proyectos en cada una de sus etapas.

Un buen desarrollador de videojuegos no solo es hábil en el manejo de las distintas plataformas y aplicaciones para hacer videojuegos, sino que cuenta con diversas destrezas que le permiten desempeñar tareas fundamentales en cada etapa de la realización de los proyectos.

Entre las funciones que ejerce un desarrollador o diseñador de videojuegos se encuentran:

Construye la narrativa del juego

El desarrollador de videojuegos también se involucra en el concepto que regirá la historia del juego, la narrativa y el desarrollo de la aventura. También puede ser responsable de los guiones, los diálogos entre los personajes y los escenarios donde se lleva a cabo la acción del juego.

Mecánica del juego

Otra de las funciones importantes del desarrollador de videojuegos es la definición y estructuración de la mecánica del juego parte por parte. El profesional de crear juegos se encarga de establecer el argumento central del juego y a partir de allí trabaja y gestiona el videojuego por proyecto.

Interviene en el diseño gráfico

 Con el uso de las herramientas de software de videojuegos disponibles, el diseñador de videojuegos participa en el proceso creativo de las interfaces y prototipos gráficos que conforman el juego. También se involucra en la creación de animaciones y modelos de personajes en 2D o 3D, escenarios y objetos, según lo que requiera el proyecto.

Desarrolla el prototipo

Una vez planteado el concepto del proyecto, el desarrollador de videojuegos tiene la tarea de implementar un software ejecutable que hace posible que otros jueguen y experimenten el concepto del videojuego tal como se ha ideado. Esto les permite a los creadores de videojuegos a revisar los requerimientos técnicos y la viabilidad del juego.

¿Cuánto ganan los desarrolladores de videojuegos?

Los aficionados a los videojuegos pueden verse atraídos a desarrollar carrera de programación de videojuegos e insertarse en este mercado laboral al conocer cuánto gana un programador de videojuegos. Este campo laboral se encuentra en constante crecimiento  y brinda grandes oportunidades de desarrollo profesional y personal, por lo que puede llegar a ser muy atractivo y reuditable para los talentos creativos.

Según la Oficina de Estadísticas Laborales de los Estados Unidos, la perspectiva laboral para los trabajadores del área de creación, arte y animación multimedia durante los años 2019 y 2029 se proyectará un incremento del 4%, lo que representa un buen panorama para la escala de salarios en ese tipo de puestos.

Algunas páginas de estadísticas laborales  como Glassdoor han publicado cuánto gana un desarrollador de videojuegos en 2021. De acuerdo con la información publicada, se deduce que el salario promedio nacional de un desarrollador de videojuegos es de $ 83,739 anual. El rango de salario promedio es de alrededor de $ 52 mil a $ 127 mil. En EEUU, el país de los juegos de carreras, el promedio de los salarios de un desarrollador de juegos junior es de $ 71.724 dólares.

La experiencia del profesional de desarrollo de juegos no solo determina cuánto gana un diseñador de videojuegos, sino que también se toma en cuenta que el artista se capaz de dominar determinadas habilidades que consideran “Premium” en el ramo. Así, un desarrollador de videojuegos que sea capaz de programar servidores de juegos podría cobrar más que los programadores gráficos, por ejemplo, por sus diseños de videojuegos.

De igual forma, la demandas y las tendencias del mercado también influyen en el salario de los diseñadores de videojuegos por lo que es muy importante mantenerse actualizado en las nuevas tecnologías para dominar las habilidades y  formas de cómo se hacen los juegos que están de moda.

Tipos de desarrolladores de videojuegos

Muchas son las tareas y labores que pueden desempeñar un diseñador de videojuegos. La industria del entretenimiento multimedia interactivo es tan amplia que hay grandes posibilidades de desarrollo y profesionalización. Aunque hay muchos formas de trabajar en el área de videojuegos, esta es una de las clasificaciones más comunes: Desarrolladores de tercera parte, indies y desarrolladores internos.

Desarrolladores de tercera parte

Se conoce como desarrollador de videojuegos de tercera parte a aquel que puede publicar, diseñar y desarrollar videojuegos sin que se encuentren comprometidos con una plataforma en particular.

En la mayoría de los casos, este tipo de desarrolladores son contratados por empresas de videojuegos para que se encarguen de la creación y programación del juego. Pero, aunque son los responsable de “construir” el mundo del juego; serán los editores de videojuegos -la empresa contratante- quien determina y decide los objetivos y el control creativo de la plataforma.

Electronic Arts

Fundada en 1982, la empresa creadora de videojuegos estadounidense Electronic Arts se dedica a la programación y publicación de videojuegos y contenido de entretenimiento digital interactivo para consolas, dispositivos móviles y computadores conectados a internet. Cuenta con un amplio catalogo de videojuegos de diversos géneros y tipo entre los que destacan los deportivos, de plataforma, simulación, de conducción, entre otros. Entre sus clientes se destacan PlayStation 5, Nintendo Swtich y XBOX.

FIFA 22

Uno de los más populares juegos de futbol de Electronic Arts es sin dudas FIFA, y la última versión promete ser una de las más espectaculares. Con su tecnología Hypermotion, le permite al juego una mayor jugabilidad para ofrecer un mayor realismo a los movimientos y a los partidos.

Medal of Honors: Above and Beyond

El juego de realidad virtual envolvente le brinda al jugador una experiencia llena de acción y combate desarrollada en la Segunda Guerra Mundial. EL juego lanzado a finales del año 2020 ofrece modo de jugador individual o multijugador.

Lost in Random

Lleno de magia y aventuras, Lost in Random es un juego de aventuras con una increíble historia y excelentes graficos, con un estilo que recuerda a las películas de Tim Burton. Disponible para PC y consolas como Nintendo Switch.

Ubisoft

Ubisoft se fundó 1986 por los hermanos GUilemont con el objetivo de brindar videojuegos de alta calidad que se adaptaran a todos los gustos. Actualmente es una de las empresas desarrolladoras de videojuegos con presencia en más de 50 países y que crea juegos para las plataformas más populares.

Just Dance 22

Con 40  nuevos hits musicales y los clásicos de siempre, Just Dance 22 es uno de los mejores juegos de baile. EL juego brinda la posibilidad de personalizar las listas de reproducción y modo multijugador.

Assasins’s Creed Valhalla

Disponible para Xbox Series, PlayStation 5 y PC, Assasins’s Creed Valhalla es un gran juego de aventura vikinga en la que el jugador podrá crear su propio imperio y asentamiento vikingo para participar en emocionantes batallas y grandes incursiones.

Mario + Rabbids: Sparks of Hope

La aventura con Mario y los Rabbids no tiene fin. El 2022, Electronic Arts lanzará este videojuego para Nintendo Switch que llevará al jugador a una aventura galáctica por todo el espacio para salvar al universo.


Epic Games

Con sede en Cary, la empresa estadounidense Epic Games es líder en el desarrollo de videojuegos desde la década de los 90. Es la empresa creadora del famoso juego de guerra Fortnite. Sus juegos están disponibles para plataformas como Android, iOS, Windows y otros.

Batle Breakers

Es un juego de acción y rol gratis que puede descargarse en dispositivos móviles y en la PC para jugar en cualquier  momento. Lanzado en 2019, es uno de los más recientes proyectos de estudio diseñador de videojuegos Epic Games que definitivamente saben muy bien qué son videojuegos divertidos.  


Robo Recall

En 2017, Epic Games lanzó para Windows y Oculus Quest, el juego de acción y disparos en primera persona Robo Recall que cuenta con impresionantes gráficos, buena música y efectos de sonidos, acompañados de una excelente jugabilidad que aumenta la buena experiencia de los jugadores.


Fortnite: Cúbico

Continúan las aventuras y la acción con el juego estrella de esta empresa desarrolladora de videojuegos. Fortnite Cúbico temporada 8 ya está disponible en la página oficial de Epic Games.


Desarrolladores internos

Un editor propio se refiere a empresas que fabrican plataformas de juegos, como Microsoft y Xbox, mientras que los desarrolladores propios son estudios internos o han sido adquiridos por dichas empresas y se desarrollan exclusivamente para esas plataformas. Aparte de Microsoft, Sony (PlayStation) y Nintendo (Switch) son las otras dos principales empresas propias de la actual generación de consolas.

ND Cube de Nintendo

Es una empresa japonesa que desarrolla videojuegos exclusivos para la serie Nintendo. Este es uno de los estudios de videojuegos que pueden considerarse desarrolladores internos. Sus proyectos pertenecen a la serie de juegos Nintendo para GameBoy, Wii y otras consolas de la casa nipona de videojuegos.

Super Mario Party

Lanzado en 2018, este juego de fiesta y diversión forma parte de la serie de Mario Party, que incluye varios minijuegos para la plataforma Nintendo Switch.


Animal Crossin: Pocket Camp

Se trata de un juego gratuito de simulación social para sistemas móviles iOS y Android que forma parte de la serie exclusiva de Nintendo: Animal Crossing. El juego se lanzó en 2017.


Wii U Party

Para la consola Wii U, el estudio NDCube creó Wii U Party siguiendo la dinámica de la la franquicia de los juegos de fieste exclusivos de Nintendo.


Santa Mónica Studio

Este es uno de los estudios desarrolladores de videojuegos exclusivos de Sony Interactive Enterteinment que diseña y crea juegos para las plataformas de PlayStation. Uno de sus juegos emblemáticos es la serie de God of War, cuyo primer lanzamiento fue en 2005 para PS2.

God of War

El título de acción y aventuras God of War desarrollado por Santa Mónica Studio exclusivamente para PlayStation 4, será reversionado para la plataforma Microsoft Windows para el próximo mes de enero de 2022.


The Order: 1886

Lanzado en 2015, el juego de caballeros desarrollado en conjunto con Ready at Down, es otro de los grandes videojuegos creados por la empresa creadora de videojuegos Santa Monica Studio para PlayStation.


God of War: Ragnarok

Una nueva Aventura para Kratos y Atreus en la más reciente secuela de God of War. Se trata de God of War: Ragnarok, el juego exclusivo para PS4 y PS5 que será lanzado a principios del 2022.


Desarrolladores independientes

Los desarrolladores independientes de videojuegos no mantienen una relación comercial o laboral con ningún estudio. Suelen publicar sus propios juegos en internet  y por lo general no cuentan con grandes presupuestos o apoyos financieros de distribuidores importantes. Sin embargo, son profesionales talentosos que saben realmente cómo se crean los videojuegos que gustan a los usuarios de todas las plataformas y dispositivos.

Ketcahpp Games

Esta empresa francesa desarrolladora de videojuegos independiente se hizo famosa con su versión del popular juego de rompecabezas 2048. Fundada en 2014 en París ha diseñado juegos para iOS y Android como Fisherman, Stack o Pineapple Pen.

2048

Inspirados en la idea original del juego de Gabriele Cirulli, Ketchapp desarrolló esta versión del juego de rompecabezas en 2014, el cual se convirtió en uno de los más populares en los dispositivos móviles.


Rush

Otro de los populares juegos para Android e iOS desarrollados por Ketchapp Games es Rush. Se trata de uno de los mejores videojuegos de carreras y velocidad para dispositivos móviles, con gráficos sencillos y una excelente hilo musical.


Knive Hit

Con una mecánica sencilla y unos gráficos simples pero llamativos, Knive Hit es uno de los juegos desarrollados por Ketchapp más adictivos. El juego de reflejos y habilidades está disponible para las plataformas iOS y Android.


Supergiant Games

Supergiant Games se fundó en 2009 en la ciudad de San Francisco por los diseñadores de videojuegos Amir Rao y Givon Simon. Este estudio independiente ha desarrollado populares juegos para casi todas las plataformas, consolas y dispositivos móviles.

Bastión

Quizá uno de los más populares videojuegos de este estudio independiente. Diseñado en 2011, Bastión es un juego de rol de aventuras distribuido Warner Bros y compatible con las plataformas de PlayStation 4, iOS, Linux y Microsoft Windows.


Hades

Disponible para PlayStation 4, PlayStation 5, Nintendo Switch y otras plataformas, Hades es un juego de rol de acción desarrollado por Supergiant Games y lanzado en 2020.


Pyre

Lanzado en 2017, Pyre es un gran juego RPG de acción por equipos para PC y PlayStation 4. El juego desarrollado por este estudio independiente permite la función versus que le permite al jugador combatir con sus amigos.


Shiro Games

Se trata de un estudio independiente de videojuegos con sede en Francia. Fundado por Sebastien Vidal y Nicolás Cannasse en 2012. El estudio se hizo popular con el lanzamiento de su juego estrella Evoland.

Wartales

El más reciente juego de este estudio independiente es Wartales, un increíble juego de rol inspirado en la época medieval con una gran carga de mercenarios y aventuras. El juego está disponible para Microsoft Windows.


Darksburg

Lanzado en 2017, este es un juego de accion roguelite cooperativo en el cual el protagonista deberá unirse para intentar escapar de los peligros de infectados en un pequeño pueblo. Se puede ejecutar en Windows.


Evoland: Legendary

Se trata de la compilación de las dos versiones del juego estrella de Shiro Games: Evoland. La propuesta combina estilos de graficos y jugabilidad diferentes como combates por turnos, rol, entre otros. Fue lanzado en 2019 para plataformas de Xbox One, Nintendo Switch y PS4.


Carreras académicas vinculadas con el desarrollo de videojuegos

 Convertirse en un gran diseñador de videojuegos requiere además de habilidades en la programación y el diseño, una formación y conocimientos técnicos que le permitan programa y desarrollar los proyectos. ¿pero, qué estudiar para hacer videojuegos de calidad?

Ingeniería en Informática

Un ingeniero en Informática tiene la formación y los conocimientos necesarios para formar parte del proceso de programación y desarrollo de videojuegos, así como del diseño y programación  gráfica. Además debe tener la capacidad de aplicar soluciones computacionales a los distintos imprevistos, basadas en los estándares de los videojuegos. Entre las habilidades más destacadas con las que debe contar un ingeniero en informática son:     

  • Inglés avanzado. La mayoría de las herramientas de creación digital están en ese idioma. Además de la posibilidad de comunicarse con compañeros y colegas de otros países para un trabajo en conjunto.
  • Manejo y conocimientos de motores de juego  tales como Unity, Godot o Unreal Engine.
  • Facilidad para trabajar en equipo.
  • Creativo y metódico.

Estudios de ingeniería en desarrollo de videojuegos

La ingeniería en desarrollo de videojuegos es la carrera para crear videojuegos más completas. Entre las principales responsabilidades del desarrollador de videojuegos se encuentra no solo la arquitectura general del software de videojuego, sino también se involucra en el diseño y la implementación de todos los demás aspectos técnicos del juego. El ingeniero en videojuegos trabaja tanto en la aplicación móvil como en el servidor, en la mecánica y lógica del juego y otros aspectos técnicos importantes.  

Además de los conocimientos técnicos fundamentales para diseñar juegos, el desarrollador de videojuegos debe contar con las características y habilidades que a continuación se detallan:

  • Métodos y herramientas de gestión de proyectos:
  • Conocimientos sobre tecnologías y soluciones AWS
  • Liderazgo y manejo de equipos multidisciplinarios.
  • Amplios conocimientos de principios y tecnologías front-end / back-end.

Ingenieros en Audio

Además de la licenciatura en programación de videojuegos, otra de las carreras profesionales necesarias y muy útiles en el desarrollo de un videojuego es la ingeniaría en audio. Estos profesionales están capacitados para crear, diseñar y mezclar los sonidos del juego fundamentales para brindar la atmosfera donde se desarrolla la acción de los personajes. También se encargan de realizar las grabaciones de sonidos reales, y todos los efectos de sonido que amerite el proyecto.

Las cualidades más valoradas en un ingeniero de audio para la creación de videojuegos son:

  • Composición musical
  • Manejo de FMOD o Wwise.
  • Tener la capacidad de re-elaborar proyectos
  • Trabajo en equipo.

Diseño gráfico

El diseño gráfico es otra de las carreras relacionadas con videojuegos y su desarrollo. Estos creativos pueden colaborar con el diseño del videojuego, la creación de iconos y personajes, tipografías, menúes y otros elementos gráficos para juegos de PC, consolas o dispositivos móviles.

  • Trabajo en equipo.
  • Proactivo y resiliente.
  • Altas habilidades de comunicación
  • Manejo del idioma ingles
  • Conocimientos en diseño 2D y 3D

No obstante, la oferta académica de las distintas carreras de videojuegos en universidades e institutos, un desarrollador de videojuegos también puede ser un entusiasta autodidacta y completar su formación profesional con cursos y talleres de instituciones y plataformas de gran reconocimiento que ofrecen actualizaciones y programas de educación en el área de videojuegos. A continuación los mejores cursos de Domestika para ser un gran diseñador de videojuegos.

Los mejores cursos para crear y diseñar videojuegos

La formación constante y la actualización de conocimientos es importante en todas las profesiones, y las carreras relacionadas con los videojuegos no podían ser la excepción. Afortunadamente, existe un gran oferta de cursos y talleres de calidad que ayudan al diseñador de videojuegos a perfeccionar sus destrezas. Estos son los mejores cursos para desarrollar videojuegos.

Introducción al diseño de personajes para animación y videojuegos

Basándose en las formas geométricas básicas y a partir de ellas, este curso ofrece las claves para crear personajes originales que formen parte de la historia de un videojuego. Con un método sencillo y amigable, en cada clase se obtendrán las herramientas para diseñar los protagonistas animados de los juegos.

¿Qué vas a aprender en este curso?

El estudiante aprenderá a distinguir un personaje animado de un personaje de videojuego. Podrá construir personajes originales basados en fundamentos como peso, acción y dinámica.

¿A quién va dirigido el curso?

  • Ilustradores.
  • Quienes deseen mejorar su técnica de dibujo.

Temario

  • Introducción.
  • Anatomía para todos.
  • Movimiento y forma.
  • Diseño y personajes de videojuegos y de animación.
  • Proyecto final.
  • Certificación: Sin certificado oficial.
  • Requisitos: Sin requisitos específicos.
  • Duración: 5 horas 15 minutos.
  • Horario: Flexible.
  • Precio: 10,99 USD (224,427 pesos mexicanos / 9,51 euros).
  • ¿Dónde puedes estudiarlo?:

Online en la plataforma e-learnig de Domestika.


Creación de video juegos de plataformas con Unity

El especialista en videojuegos, Steve Durán brinda en este curso los consejos y trucos más útiles para la creación completa de videojuegos de plataformas con una alta calidad usando la plataforma Unity.

¿Qué vas a aprender en este curso?

Una vez aprobado el curso, el alumno dominará las técnicas básicas para desarrollar videojuegos de plataforma desde cero. Además, tendrá la habilidad de trabajar la estructura básica del nivel y podrá agregar elementos de fondos, partículas, menús, entre otros.

¿A quién va dirigido el curso?

  • Apasionados e interesados en el desarrollo de videojuegos.

Temario

  • Introducción.
  • Creación del videojuego: elementos.
  • Creación del videojuego: escenario y otros.
  • Mejoramiento.
  • Proyecto final.
  • Certificación: Sin certificado oficial.
  • Requisitos: Sin requisitos específicos.
  • Duración: 3 horas 9 minutos.
  • Horario: Flexible.
  • Precio: 11,99 USD (10,38 euros / 244,848 pesos mexicanos).
  • ¿Dónde puedes estudiarlo?:

Online en la plataforma e-learnig de Domestika.


Unreal Engine 4 para videojuegos

Unreal Engine 4 es una de las mejores herramientas para el diseño y desarrollo de videojuegos. Este curso ofrece los conocimientos y técnicas básicas para dominar la herramienta y crear videojuegos desde cero.

¿Qué vas a aprender en este curso?

El participante obtendrá las habilidades para crear un videojuego desde la mecánica y hasta la aplicación de inteligencia artificial. También podrá agregar comandos y controles de animación, manejar widgets y crear elementos interactivos, entre otros aspectos que completan el juego.

¿A quién va dirigido el curso?

  • Apasionados e interesados en el desarrollo de videojuegos.

Temario

  • Introducción.
  • Personajes.
  • Mecánicas de juego.
  • Interfaces gráficas
  • Inteligencia artificial.
  • Certificación: Sin certificado oficial
  • Requisitos: Sin requisitos específicos.
  • Duración: 8 horas 13 minutos.
  • Horario: Flexible.
  • Precio: USD 11,99 (10,38 euros / 244,848 pesos mexicanos). 
  • ¿Dónde puedes estudiarlo?: USD 11,99 (10,38 euros / 244,848 pesos mexicanos).

Online en la plataforma e-learnig de Domestika.


Introducción al diseño de videojuegos

De la mano del diseñador de videojuegos, Arturo Monedero, los participantes podrán adentrarse en el mundo de los juegos de video. Conocerán para qué se crearon los videojuegos y cómo diseñar su propio proyecto.

¿Qué vas a aprender en este curso?

Al finalizar el programa, el alumno tendrá la capacidad de crear un documento de diseño de videojuego para desde allí poder crear videojuegos originales e interesantes. Podrá definir el tipo de cámara que usará el juego, sus controles y el guion narrativo de la historia.

¿A quién va dirigido el curso?

  • Aficionados a los videojuegos.
  • Aprendices de desarrollo de juegos.

Temario

  • Introducción.
  • Conceptos básicos.
  • Documentos principales.
  • Finalización de documento de diseño.
  • Proyecto final.
  • Certificación: Sin certificado oficial.
  • Requisitos: Sin requisitos específicos.
  • Duración: 2 horas 37 minutos.
    Horario: Flexible.
  • Precio: 10,99 USD (224,427 pesos mexicanos / 9,51 euros).
  • ¿Dónde puedes estudiarlo?

Online en la plataforma e-learnig de Domestika. 


Concept Art para videojuegos

Este curso teórico práctico brinda las herramientas necesarias para iniciarse en el área del concept art especializado en los videojuegos. Además, muestra el flujo de trabajo creativo, los posibles problemas artísticos y de diseño.

¿Qué vas a aprender en este curso?

Al finalizar este curso, el estudiante tendrá la capacidad de crear, a partir de un brief, una pieza de concept art para videojuegos, tomando en consideración algunos aspectos técnicos como la animación, niveles y texturas.

¿A quién va dirigido el curso?

  • Diseñadores.
  • Ilustradores.
  • Interesados en el concept art.

Temario

  • Introducción.
  • Qué es concept artista especializado en videojuegos.
  • Creación básica de thumbnails/composición.
  • Desarrollo del thumbnail.
  • Proyecto final.

Certificación: Sin certificado oficial.

Requisitos: Sin requisitos específicos.

Duración: 4 horas 55 minutos.

Horario: Flexible.

Precio: 

¿Dónde puedes estudiarlo?

Online en la plataforma e-learnig de Domestika. 

https://www.domestika.org/es/courses/239-concept-art-para-videojuegos

Desarrollo de videojuegos shoot’em up en 2D con Unity

Con este curso, el especialista en videojuegos, Hernán Espinosa guiará al estudiante en el uso de Unity para la creación completa de un juego de disparos en 2D, que incluya los niveles, las naves y los jefes finales.

¿Qué vas a aprender en este curso?

El estudiante será capaz de crear enemigos de forma dinámica y configurar su dificultad e inteligencia. Entenderá la importancia de las físicas del juego, dominarlas y aplicarlas para mejorar la experiencia del juego.

¿A quién va dirigido el curso?

  • Interesados en crear videojuegos.

Temario

  • Introducción.
  • Iniciación del proyecto
  • Control del input.
  • Cómo armar el enemigo.
  • Jefes finales.
  • Metajuego.
  • Proyecto final.
  • Certificación: Sin certificado oficial.
  • Requisitos: Sin requisitos específicos.
  • Duración: 9 horas 40 minutos.

Horario: Flexible.

  • Precio
  • ¿Dónde puedes estudiarlo?

Online en la plataforma e-learnig de Domestika. 


En definitiva, hacer carrera como desarrollador de videojuegos es posible gracias a las nuevas tecnologías y oportunidades que brinda el mercado. Desde el autoaprendizaje hasta los estudios profesionales en universidades e institutos, existe una buena oferta de programación académica para forjarse un futuro como diseñador de videojuegos. Es hora de poner manos a la obra y materializar ese proyecto que has tenido en mente siempre.