Rock progresivo: características, álbumes y bandas esenciales de la música progresiva (Pink Floyd, Yes, Queen…)

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El rock progresivo se encargó de llevar la música progresiva, que evoluciona, a otros niveles que no había alcanzado el rock tradicional. Se convirtió en una bandera del arte y la innovación con composiciones finamente producidas.

Muchos conocen al rock progresivo como un género con “estilo ambicioso”, y hasta lo usan como sinónimo del art rock y el rock psicodélico, y nada tienen que ver aunque estén superpuestos. Esta y otras confusiones vamos a aclararlas mientras te contamos de qué va la música progresiva, quiénes son los máximos exponentes y cuáles son las canciones más épicas que debes escuchar.

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¿Qué es el rock progresivo?

El rock progresivo (prog o prog rock) nace la música psicodélica como un intento de “elevar” la música rock tradicional o rock and roll a “nuevos niveles de credibilidad artística”. Esto se lo debemos mayormente a los británicos, quienes se embarcaron en el viaje de crear un nuevo subgénero, derivado del rock psicodélico, que evolucionó a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970.

Origen de la música progresiva

El movimiento del rock progresivo comenzó con grupos prominentes como los Beatles y los Beach Boys. Ellos produjeron álbumes conceptuales como “Sgt. Pepper ‘s Lonely Hearts Club Band” (1978) de los Beatles y “Pet Sounds” (1966) de Beach Boys, donde experimentaron instrumentos atípicos a los acostumbrados en la música popular. 

Sin embargo, las primeras bandas progresivas más duraderas fueron Yes, que destacaba por los  teclados de Rick Wakeman, la batería de Bill Bruford y la voz de Jon Anderson;  Emerson, Lake and Palmer, que tenía las suites más épicas de la mano de Keith Emerson; y Supertramp (Rick Davies y Roger Hodgson). Estas bandas iniciaron de forma más tradicional antes de empezar con los elementos propios del rock progresivo.

Las letras literarias, compases mixtos y acordes inusuales salieron a relucir mucho más con King Crimson y las creaciones de Robert Fripp, quien tenía una formación más establecida en el género, y esto se evidenció en su álbum debut “In the Court of the Crimson King” de 1969.

Para los inicios de 1970 las bandas psicodélicas como Pink Floyd y las influencias de Jimi Hendrix, King Crimson, los álbumes de Yes y Van Der Graaf Generator (VDGG), ayudaron a darle más forma y definición al rock progresivo y sus derivados.  Luego llegó el rock de Genesis con el álbum “Trespass” (1970) que tiene música melódica, canciones largas y letras algo cursis con matices mitológicos.

No obstante, la ola del rock progresivo que salió de tierra británica no se quedaron ahí, sino que avanzaron hasta Europa, donde surgió Banco del Mutuo Socorro, Le Orme y Quella Vecchia Locanda, todas de origen italiano. Al mismo tiempo, el rock sinfónico estaba floreciendo en Gran Bretaña con influencias de la música progresiva. 

Popularidad del rock progresivo

En el transcurso de los años 70 y 80 ya había discografia de Yes y la música de Genesis había ganado suficiente reconocimiento gracias a figuras como Peter Gabriel, Phil Collins, Tony Banks, Mike Rutherford y Steve Hackett. En álbumes como “Foxtrot” (1972) y Duke (1980), el grupo fusionó melodías pop con estructuras de canciones ambiciosas con las que empezaron a dominar la escena del rock progresivo.

Lo propio hizo Pink Floyd con álbumes conceptuales como “Dark Side of the Moon” (1973), un proyecto que definió la carrera del cuarteto británico, gracias sus experimentos con el prog prog, la exquisita composición de canciones, la cosmovisión de Rogers Waters, y las largas suites instrumentales dirigidas por el guitarrista David Gilmour.

Entre las décadas 1980 y 1990, el rock progresivo había influido tanto en el mundo del rock que aterrizó en la escena del heavy metal. Tanto así que la banda de thrash metal, Metallica, empezó a combinar su estructura musical conceptos líricos en discos como “…And Justice For All” (1988) —catalogado muchas veces como el mejor trabajo de la banda— que ayudó a crear el subgénero conocido como metal progresivo. 

Bandas contemporáneas del metal como Porcupine Tree y  The Mars Volta (prog) se han basado en la tradición de la música progresiva que les ha otorgado reconocimiento y popularidad en el siglo XXI. 

Otros grupos de rock progresivo como Rush (Canadá), y Kansas y Styx (ambas de Estados Unidos) también lograron el éxito comercial al mezclar sencillos cortos en sus álbumes conceptuales. También se unieron a la escena prog Los Jaivas (Chile), Pedro Aznar, Invisible y Vox Dei (Argentina).

Identidad dentro de los múltiples géneros del rock

El término “art rock” se usa a menudo de manera intercambiable para referirse al rock progresivo, pero si bien hay cruces entre los dos géneros, no son idénticos. El art rock suele ser más convencional y menos diverso, a diferencia del prog; hay bandas (como Velvet Underground y Pink Floyd) que pueden estar catalogadas con las dos etiquetas, pero no necesariamente indica que sean harina del mismo costal.

Asimismo, el prog rock y la música psicodélica también están superpuestos, aunque tienen significados diferentes; no toda la música progresiva es psicodélica y no toda la psicodelia es progresiva. Dicho esto, la música progresiva es más compleja e innovadora, tiene compases extraños, canciones largas e influencias de la música clásica.

Por su parte, la psicodelia se basa en crear una atmósfera o sentimiento musical que evoca esos “viajes” provocados por sustancias psicotrópicas, pero esto se origina por medio de los sonidos de la reverberación, flanger, chacina y las secciones instrumentales extendidas.

El rock progresivo, aunque se desarrolló a partir del rock psicodélico el rock progresivo expandió las estructuras del rock and roll e incluyó otras más formales de la música clásica europea (como la Suite; también destaca por sus álbumes conceptuales, el uso de nuevos teclados y sintetizadores, y las interpretaciones virtuosas.

Desarrollo histórico del rock progresivo

Entre 1960 y 1970 las bandas de rock progresivo quisieron ir más de lo establecido en cuanto a límites técnicos y a las composiciones características del rock estándar, y también buscaron romper las estructuras básicas de las canciones populares basadas en versos y coros. Asimismo, optaron por incluir elementos extraídos de otros géneros musicales como el jazz y la música clásica. Desde que empezaron a adaptar el concepto de rock progresivo a la música, se notó el cambio melódico a través de los años. 

Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones mayormente tenían letras fantasiosas y abstractas; además, hacían álbumes conceptuales que contaban una historia épica o se basaban en un tema en general

Como hemos mencionado al inicio, el rock progresivo se desarrolló a partir del sonido generado por las bandas de rock psicodélico que lideraban a finales de los años 60. Y fue entonces cuando los británicos decidieron tomar esas influencias y diversificarlas para ver crecer a bandas como King Crimson , Yes, Genesis, Pink Floyd, y Emerson, Lake and Palmer, que se mantuvieron en el top hasta “el fin” de los días del prog.

Thick as Brick y el furor del rock progresivo

A la escena del prog rock, en 1970, también se unió Jethro Tull con “Thick as a Brick” (el significado de thick es grueso), que se traduce como “grueso como un ladrillo” o “cabeza dura” en el slang británico. Este álbum de 1972 causó furor porque solo tiene una canción dividida en dos partes. 

La concepción de este álbum se dio como una parodia parcial del rock progresivo, no tanto por la duración de las canciones, sino también por las características del prog. 

El líder de la banda Ian Anderson se burló sin preocupación de la falta de humor y de lo pretenciosa que es la música progresiva. Sin embargo, ofreció uno de los mejores ejemplos de lo que es el rock progresivo.

El desencanto del prog rock

No obstante, la euforia por el prog se fue desvaneciendo conforme llegaba en fin de los 70, cuando la música vio llegar al Punk y Disco. Aunque el declive también se debió a que, quizás, bastó con todo el trabajo que se hizo en la primera década; así que en los años 80 no era tan popular. 

Pero, por puesto, hay excepciones como Jethro Tull, Marillion, y Asia, un grupo formado en 1982 por John Wetton, Steve Howe, Geoff Downes y Carl Palmer, que triunfó con su hit “Heat of the Moment” en ese mismo año. El álbum debut de Asia llevó el mismo nombre, se convirtió en un clásico, y fue el más vendido de la época.

Muchas bandas subieron y bajaron, menos Pink Floyd, que se mantuvo constantemente lanzando álbumes importantes como “Wish You Were Here” (1975), “Delicate Sound of Thunder” (1988) y “The Endless River” (2014), y también fue evolucionando la forma en la que creaba la música progresiva.

Características del rock progresivo

Desde sus orígenes hasta sus versiones actuales, el rock progresivo ha mantenido varias características clave que lo han hecho mantener su base de fanáticos amantes de los sonidos e historias bien elaboradas. 

Ambición musical

Como explicamos anteriormente, la música progresiva destaca por ser ambiciosa en cuanto a términos musicales, pues está conformada por armonías sofisticadas, compases mixtos y composiciones innovadoras.

Instrumentación variada

 Las bandas de rock progresivo pueden utilizar el mellotron (un sintetizador viejo de carretes de cinta), el Moog (teclado electrónico de sus inicios) o instrumentos orquestales reales, para crear sonidos con amplias variaciones, y eso hace que no reparen en experimentar con varios instrumentos.

Adopción de la tecnología

Aunque pueden emplear instrumentos “obsoletos” muchos grupos del prog han apostado por el uso de las nuevas tecnologías (con sintetizadores, por ejemplo) época tras época para beneficiar las creaciones de piezas del rock progresivo.

Conexión con la música clásica

Bandas de rock progresivo como Emerson, Lake y Palmer incorporaron pasajes de compositores clásicos, como Tchaikovsky, en su música para producir nuevas técnicas de composición clásica. A como dé lugar, la música clásica estará directamente conectada al prog. 

Álbumes conceptuales

Algo que hemos venido nombrando desde el inicio es que, característicamente, los grupos del prog rock, desde Pink Floyd hasta Yes y Rush, hicieron que los álbumes conceptuales fueran algo suyo, al tiempo que dejaban ver las combinaciones de la filosofía y su capacidad musical. 

Letras literarias

Lo clásico no solo está en lo sonido, pues en las letras de las canciones prog podemos encontrar gran cantidad de inspiración en obras de literatura, poesía y cine. Elementos de la ciencia ficción y el drama forman parte de muchos álbumes prog populares. 

Fijación por lo artístico

El arte es un factor crucial en el mundo del prog, y eso quedó en evidencia con la presentación de álbumes y sus empaques. Por lo general están marcados por un concepto artístico que se puede comercializar; destacan por covers salidos de estudios de diseño, como los trabajos de  Roger Dean (Yes), e Hipgnosis (Pink Floyd).

Con respecto a la performance, los artistas prog comenzaron a incorporar en los años 70  y 80 presentaciones teatrales elaboradas y extravagantes en sus conciertos. Como ejemplo están Genesis, Peter Gabriel, Jethro Tull y Pink Floyd.

Grupos y solistas de la música progresiva

Tras el repaso histórico y la exploración de los orígenes de la música progresiva, es momento de enlistar a los representantes que se vieron influenciadas por los trabajos del rock progresivo de las bandas más grandes del género.

Grupos

Los grupos que nombramos a continuación fueron los más grandes y otros recibieron las influencias de la corriente británica del prog rock:

Pink Floyd

En 1965 Roger Waters en las guitarras, Nick Mason en la batería, Rick Wright en los teclados e instrumentos de viento, y Syd Barrett en la voz, dieron inicio a lo que sería una de las bandas más prolíferas y una pieza fundamental en la movida del rock progresivo. Pink Floyd creó un sonido alucinante, elástico, alternativo y resonante que hacía que los oyentes se sintieran flotando en el espacio; esas melodías se plasmaron en sus álbumes conceptuales que, en su mayoría, hacen exploraciones de temas como la mente, el alma y el cuerpo, el ego, la locura, el narcisismo y también dirigen críticas a la sociedad.

Además de sus álbumes conceptuales y el estilo de música tan marcado que destacaba ente tantos grandes de la escena, Pink Floyd dejó ver su afinidad por el arte en las portadas de sus discos (como «A Saucerful of Secrets» y «The Division Bell») que, sin lugar a duda, son inigualables y dignos de admirar.

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Pink Floyd en concierto. En la imagen Roger Waters, David Gilmour y Nick Mason (National Archives at College Park, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Queen

Desde el momento de su creación, en 1971, hasta sus últimos días de shows en 1995, Queen estuvo destinada a ser una de las bandas más grandes de todos los tiempos. Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon hicieron que la magia sucediera y llevaron al público un sonido marcado por su versión exagerada del rock progresivo fusionado con elementos del heavy metal y la singularidad del music hall de vodevil.

El cuarteto británico hizo complejos arreglos con camp y le dio pie a un sonido de falsa ópera con capas de guitarras y voces superpuestas; algo que no podían hacer otros grupos, porque la creatividad que tuvo Queen no tuvo comparación alguna. Además, la voz de Mercury se hizo inolvidable —Bohemian Rhapsody es un claro ejemplo— y le dio un toque humorístico y glam a la banda. Por otro lado, los álbumes que más brillaron fueron «Sheer Heart Attack», «Queen II» y «The Game».

Queen antes de un concierto en Tokio, 1985 (Koh Hasebe, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Yes

Yes se fundó en 1960 con Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe, Rick Wakeman y Bill Bruford, un quiteto que se encargó de funcionar como uno de los grandes exponentes del rock progresivo, tanto así que se puede pensar que ellos lo inventaron. Sin embargo, ayudaron al crecimiento, desarrollo y la definición de la música progresiva con canciones como «Heart of the Sunrise», «The Gates of Delirium» y «Owner of a Lonely Heart».

Con respecto a su sonido, Yes eclipsó todos los significantes sonoros y visuales que luego se convirtieron en sinónimo de rock progresivo, e hizo cambios alternativos entre firmas de tiempo complicadas, el folk pastoral, mini suites de piano, y la música clásica barroca fusionada con rock & roll puro.

Steve Howe tocando con Yes en Massey Hall, Toronto, Ontario, 2013 (ocad123 de Toronto, Ontario, Canadá, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Renaissance

Se fundó en 1969 con los ex miembros de Yardbirds: Keith Relf y Jim McCarty. Surgió como una especie de banda de folk-rock progresivo, que no logró el estrellato en Inglaterra. Después, la banda recibió nuevas caras, la hermana Jane Keith, Jane (tras la salida de McCarty), y luego se sumaron Jon Camp (bajo), John Tout (teclado) y Terry Sullivan en la batería. Seguidamente, recibieron la voz de Annie Haslam, con formación operística y un rango de tres octavas.

Pudieron ser notados en Estados Unidos, y sus álbumes más ambiciosos quizás fueron “Prologue” (1972) y “Turn Of the Cars” (1973), y aunque continuaron trabajando hasta los 80, la banda se disolvió por problemas personales entre los integrantes. Cada uno ha buscado revivir al grupo por su parte, pero esto implica lidiar con abogados y otros temas legales.

Renaissance en vivo en Trading Places, Inglaterra, 2016 (Steve Knight, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Pendragon

Formada en 1978 como “Zeus Pendragon”, la banda inglesa neo-progresiva inglesa entró en la escena con un sonido arrollador y cinematográfico que se puede oír en “The Jewel”(1985), un álbum fantasioso y dramático, rico en melodías y fusiones de teclados interesantes. 

Los tiempos cambiantes y la polirritmia, más la voz de Nick Barrett resonaron en Europa y Asia con álbumes como “The World” de 1991 y “The Window of Life”de 1993, mientras que “The Masquerade Overture” de 1996 fue el proyecto más vendido de la banda que se mantiene en pie en la actualidad. 

En 2020 volvieron con “Love Over Fear”, que retoma las riendas del prog, pero añade sonidos más duros y dominantes. 

Nick Barrett en vivo en Trading Boundaries, Inglaterra, 2016 (Steve Knight, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Opeth

Directo de Suecia arribó en la música progresiva en 1990 haciéndose llamar la “banda más malvada del mundo”, porque su fuerte es heavy metal y el death metal, pero los cambios hacia el prog se vieron en “My Arms, Your Hearse” de 1998. Así fue mutando el sonido hacia el prog rock con los siguientes proyectos:  “Blackwater Park” (2001), “Ghost Reveries” (2005), “Heritage” (2011) y “Pale Communion” (2015).

Peter Lindgren, Mikael Åkerfeldt y Martín López se encargaron de fusionar los elementos del prog rock con los del death metal para crear piezas basadas en instrumentos acústicos y la composición tradicional de ambos géneros.

Opeth tocando en vivo en el festival islandés Eistnaflug, 2016 (Grywnn, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Los Jaivas 

El 15 de agosto de 1963 los Jaivas se formaron para dar pie a su carrera musical basada en el rock andino y prog rock de la escena chilena. Su trabajo se extendió hasta Argentina cuando huyeron del estallido militar de Chile (1973), y luego viajaron a Francia  en 1977 para escapar del mismo suceso que golpeó a “la tierra prometida”.  La banda se convirtió en una especie de negocio familiar porque afrontaron la pérdida física de varios miembros a través de los años, pero las nuevas generaciones se hicieron cargo, y ayudaron a que los Jaivas se volvieran  una referencia en América Latina. 

Los proyectos más destacados del grupo chile son: “Alturas de Machu Picchu” (1981), “Si tú no estás” (1988) e “Hijos de la Tierra” (1995), álbum que significó el reencuentro que los llevó a regrabar “Todos Junto”, su hit de 1972.

Los Jaivas en vivo en el festival REC de Chile, 2017 (Ksohail, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Vox Dei 

Ricardo Soulé, Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Jorge Carlos Godoy guitarra y voz formaron en 1968, en Quilmes, una de las bandas pioneros del rock argentino y otra influencia en la escena latinoamericana del prog de la época. La banda comenzó a tocar versiones de canciones de grupos como The Rolling Stones hasta que se animaron a escribir sus letras en español. 

Su nombre viene de la frase “Vox Populi, Vox Dei (la palabra del pueblo es la palabra de Dios)” y la adaptaron a Vox Dei. El primer álbum que lanzaron fue “Caliente” (1970) y al año siguiente estrenaron “La Biblia”, el proyecto que fue el boom del momento con temas como “Génesis” y “Profecías”. 

Aunque muchos consideran que es más rock-blues que prog rock, Vox Dei demostró lo contrario con la forma en la que trabajó “La Biblia”; añadió una historia y un misticismo clásico, propios del género. 

Recital de Vox Dei en la Casa Rosada de Argentina (Presidencia de la Nación Argentina, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Invisible

En argentina el rock estaba latente, pero también lo estaba la corriente del prog que vio crecer esta banda conformada por Luis Alberto Spinetta (1973 y 1977), Héctor Lorenzo y Carlos ALberto  Rudfino. El grupo destacaba por la voz de Spinetta y el sonido característico del overdrive que sonara “limpio” entre sus melodías aleatorias, sin dejar de lado los elementos más relevantes del género.

Su hit más destacado fue  “Durazno sangrando” (1975) un álbum conceptual que se inspiró en las escrituras de “El secreto de la flor de oro”, una obra de meditación taoísta. Y, a decir verdad, es la más parecida al prog rock. 

Solistas

En la escena del rock progresivo también destacaron varios solistas y otros artistas que se separaron de las bandas más destacadas de la música progresiva:

Robert Fripp

Robert Fripp (1946) es conocido por ser el fundador y miembro  de King Crimson, desde el álbum debut “In The Court Of The Crimson King” hasta “The Power To Believe”. Fripp aún está vigente con más de 50 años de carrera en su espalda.

Además es muy famoso por el uso y desarrollo de frippertronics y soundscapes, un método para que la guitarra haga más ruido del que puede soportar usando retardo digital, sintetizadores de montaje en rack y otros efectos. 

Robert Fripp tiene su propio sello discográfico, Discipline Global Mobile, que se especializa en relanzamientos de material de King Crimson, así como en proyectos paralelos propios y de muchos de los miembros rotativos del grupo.

Robert Fripp tocando con King Crimson en 1974 (Jim Summaria, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Simon Collins

El legado de Phil Collins (Genesis) se extendió hasta su hijo Simon, quien lleva el rock progresivo en sus venas, formó la banda Sound of Contact (2009-2018) y ahora está como solista con el álbum “Becoming Human” (2020), que combina elementos del prog con el pop electrónico futurista y la música experimental. 

En este proyecto se inspiró en su pasión por la cosmología y la astronomía, y también profundiza en el viaje hacia la transformación personal. Simon se enfrentó al abuso de drogas y pasó un mal momento, pero, como lo dice el nombre del álbum, es un humano; busca sanar y aprender de sus errores por medio de la música. 

Por otro lado, con su nueva visión Collins pretende hacer que el prog rock progrese de verdad; sin embargo, no deja de lado los esfuerzos de artistas como Steven Wilson y Porcupine Tree.

Simon Collins cantando con Sound of Contact en 2013 (DrGoon, CC BY-SA 1.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Peter Gabriel

Peter Gabriel es mejor conocido como músico, porque estuvo en Genesis junto a Phil Collins, pero dejó la banda para trabajar en solitario en 1975 y, desde entonces, ha lanzado once álbumes (entre ellos el cuarteto “Peter Gabriel”) y ha escrito bandas sonoras para películas.

En 1980 fundó WOMAD (Mundo de las artes musicales y la danza), un festival que se ha presentado en más de 30 países y le sirvió como inspiración para crear Real World Records en 1989. El objetivo de su nueva adquisición es brindar acceso a instalaciones de grabación de última generación a los artistas de todo el mundo para ayudarlos a difundir su música. 

Gabriel se mantiene en constante movimiento para aportar todo lo posible a la evolución de la escena musical británica. 

Foto de Peter Gabriel en 2008 (Joi, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Luis Alberto Spinetta

«El Flaco» Spinetta (1950-2012) fue un polifacético artista considerado uno de los músicos más importantes y respetados Argentina y América Latina. Destacó con cada proyecto porque le gustaba la complejidad instrumental, lírica y poética, algo que se vio reflejado en varios de sus grupos como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto. 

Spinetta obtuvo varios reconocimientos por ser un ícono del rock latino y de su país. El folklore y el tango fueron piezas cruciales que influyeron en su formación musical, desde la niñez hasta el fin de sus días; sus hits más valorados son: “Alma de diamante” (1980), “Durazno sangrando” (1975).

Luis Alberto Spinetta en la portada de la cuarta edición de la revista «El Expreso Imaginario (Autor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Pedro Aznar 

Pedro Aznar (1959) es un multiinstrumentista argentino que formó parte de grupos como Spinetta Jade y Madre Atómica, y también se hizo notar por sus trabajos de mezcla y masterización musical.

En carrera como solista ha trabajado en los arreglos de muchos artistas latinos y norteamericanos, y se ha encargado de hacer sus composiciones poéticas y musicales para seguir creando arte, el cual  parte de la “conciencia mayor” que le ha otorgado el budismo, y también le ha servido de inspiración.

Pedro Aznar en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (México), 2018 (Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Álbumes esenciales del rock progresivo 

Es difícil hacer una elección tan cerrada habiendo tantos álbumes de rock progresivo que son una joya; sin embargo, no está mal una lista corta para los iniciados en el tema. 

Pink Floyd – Delicate Sound of Thunder

Cuando cumplió los 22 años de existencia, Pink Floyd decidió revivir a “Delicate Sound of Thunder” (1988) con una nueva versión en vivo (2020) más un documental que le da a los fanáticos todo lo que no se esperaban tener. Además, DSOT cuenta con ocho canciones que quedaron fuera de los lanzamientos originales debido a las limitaciones de los formatos respectivos en aquel entonces. 

El álbum remezclado y remasterizado suena mejor que antes, los sonidos se pueden apreciar mucho más. No obstante, el proyecto tiene opiniones encontradas; algunos lo sienten como “pobre” y “exageradamente comercial”, mientras que otros fácilmente pueden dar 5 estrellas por el show y la música. Por supuesto, todo es una cuestión de fanáticos viejos versus los nuevos.

Lo cierto es que la crítica también considera que en DSOT es una pieza irreal y fantástica que recuerda todo el trabajo que hizo Pink Floyd en el género y su evolución.


Pink Floyd – Wish You Were Here

Es otra joya convertida álbum conceptual que no solo trata sobre el exlíder de la banda, Syd Barret, sino que hace una especie de statement contra el comercialismo. Y es irónico, pues la banda ha sido una máquina de best seller, pero las letras se encargan de dar vida a esta obra maestra que en cada canción Cada expresa un lado del ser humano.

«Wish You Were Here» (1975) es un proyecto lleno de nostalgia, rabia, misterio, y busca exponer lo oculto dentro de cada persona. Este álbum es emocional, intenso e introspectivo. Además, deja claro cómo es trabajar con armonía y con el propósito de crear algo más que música para vender.


Pink Floyd – The Dark Side of the Moon

En «The Dark Side of The Moon» (1973)Pink Floyd arroja detalles mundanos y cotidianos que no pasan desapercibidos por el canal auditivo de las personas porque, sencillamente, tiene el toque maravilloso y característico de la banda. Los sonidos se pasean por paisajes lentos, atmosféricos y los efectos sonoros están cuidadosamente fijados para lograr una resonancia emocional.

Pero lo que le da al álbum un verdadero poder es que la música está sutilmente texturizada; evoluciona desde el pesado art rock neo-psicodélico hasta el jazz fusión y el blues-rock antes de volver a la psicodelia y el rock progresivo. Por supuesto, es una variedad de detalles que hay que tener en cuenta, pero no hay otro disco que esté tan bien definido como este y que, a su vez, los define como grupo.


Queen – A Night At The Opera

Con “A Night At The Opera” (1975) lanzó sobregrabaciones extraordinarias y metódicas para dejar que los oyentes se toparan con efectos orquestales y corales ricos difíciles de ignorar. Aunque es uno de los álbumes más caros de la historia, vale la pena oírlo y tenerlo.

ANATO también incorporó ricas réplicas de varios estilos musicales, como el hard rock, también hay algo de doomy, musical hall y piano eléctrico. Pero esto no quiere decir que haya abandonado las bases del rock progresivo, pues sin lugar a dudas hay drama y efectos de psicodelia.

Por este tipo de descripciones que a la música progresiva se le considera “ambiciosa”, pero es la verdad. De lo contrario, el prog rock no hubiese alcanzado tanto nivel y éxito comercial.


Yes – Close To The Edge

«Close to the Edge» (1972) sigue siendo uno de los álbumes más icónicos de todos los tiempos cuando de música progresiva se trata. Es un proyecto que rompió con las convenciones, redefinió las fronteras del género, sirvió como inspiración para muchas otras bandas de la corriente prog; y probablemente, haya influido para la creación de grandes hits como “Bohemian Rhapsody”.

El álbum tiene una combinación de las letras psicodélicas y las melodías vocales en forma de himnos que encajan perfectamente con algunos de los pasajes instrumentales más feroces e intrincados. Asimismo, destaca por sus suites perfectamente matizadas, la fluidez de las composiciones y los sublimes toques de la guitarra de Howe.

Genesis – Selling England By The Pound 

“Selling England By The Pound” (1973) de Genesis, la banda más ilustre del prog, explora un universo caprichoso con ritmos extraordinarios y letras ingeniosas, y eso es algo muy característico de la banda. Sin embargo, este proyecto va un poco más allá de lo que representa el arte musical innovador.

Al oyente lo lleva por un  viaje auditivo y lo ubica en un ambiente folclórico inglés, que a su vez parece ser un cuento de hadas bastante teatral. En cada melodía se refleja el trabajo limpio y sutil que ha hecho cada instrumento; además, la selección lírica es tan peculiar como encantadora.


Jethro Tull – Aqualung

“Aqualung” (1971) fue el álbum más vendido de la banda en los 50 años de carrera de la banda y sorpresivamente no fue conceptual, pero sí aplicó la fusión y creación incidental de los elementos propios e innovadores del rock progresivo.

El proyecto de JT, la misma banda que se burló magistralmente del género, se pasea por temas como la moralidad, la religión y la espiritualidad, y destaca por sus letras profundas y poderosas. Asimismo, la musicalidad tiene una combinación creativa de Martin Barre, John Evan y Clive Bunker.


King Crimson – In The Court Of The Crimson King

Que este álbum esté al final del top no quiere decir que sea menos importante. De hecho, “In The Court of The Crimson King” (1969)es el epítome del rock progresivo y, en su momento, fue toda una revolución en la movida de prog. KC agarró elementos musicales ya establecidos y le dio un toque refrescante a su proyecto y al género. 

El concepto del álbum no indica que pueda ser prog rock, pero en realidad está lleno de composiciones musicales inquietantes y elegantes. Es fluido, dinámico, y puede irrumpir suavemente con un pico orquestal maravilloso.


Canciones emblemáticas del rock progresivo

En esta sección hablamos de las canciones más emblemáticas del rock progresivo que debes escuchar y que han sido unas de las más escuchadas por los fans del género. 

Pink Floyd – Dogs

Pink Floyd dio a conocer esta tremenda pieza de 17 minutos cuando lanzó “You’ve Got To Be Crazy” en vivo en 1974, pero hicieron algunos ajustes significativos para la versión final de estudio de “Animals” (1977) y decidieron llamarla “Dogs”.

Dogs habla de la crueldad humana y el engaño en un álbum que se enfoca en los defectos de la humanidad (a modo de comparación con los animales), y también aborda el descontento social, la lucha por adaptarse y el mundo empresarial.

Genesis – The Carpet Crawlers

“The Carpet Crawlers” (1999) deja al oyente transitando por un viaje surrealista del alma, buscando dirección a cada paso, tratando de alcanzar el conocimiento de lo que representa como persona. Esta es una balada/ópera emocional, pero cruda que se apoya en la narrativa característica de la música progresiva.

 Peter Gabriel y Phil Collins logran una armonía maravillosa entre los solos de guitarra y los sintetizadores brillantes.  TCC invita a las personas a descubrir y preguntarse cuál es su verdadero significado en la vida y cómo pueden trascender más allá de lo que conocen en la vida terrenal. 

Yes – Awaken

“Awaken” (1977) es probablemente el núcleo de “Going for the One”. Esta canción destaca entre las demás porque tiene una sinfonía de rock parecida a “Close to the Edge”(1972), pero está llena de cambios drásticos en la textura y el tono. Es una obra completa en vigor y armonía.  

Por otro lado, también tiene matices espirituales sobre el despertar de la conciencia, y se fusiona con armonías complejas y ritmos que no dejan espacio para la duda.

 “Awaken” contiene órganos de iglesia épicos, bajo y batería intensos, también partes de guitarra suaves y fuertes, voces melodiosas y letras interesantes que esperan ser escuchadas varias veces para tener un sentido.

Led Zeppelin – All my Love 

“All my love” del álbum “In Through The Out Door” (1979) no es una canción de amor, como muchos creen, sino que representa un homenaje al hijo de Robert Plant, Karac, quien murió en 1977 a causa de un virus estomacal cuando tenía cinco años. Es una triste historia, pues en ese momento Led Zeppelin estaba de gira en Estados Unidos, así que la banda decidió “honrarlo con alegría”. 

Cuando se entiende que no es una letra de amor, tienen más sentido los versos  etéreos y surrealistas, combinados o alegorías literarias y metáforas oscuras; esta canción solo se tocó una vez en vivo en 1980, en un concierto en Alemania.

Almendra – Plegaria para un niño dormido

En 1969, cuando Luis Alberto Spinetta estaba a la cabeza de Almendra, lanzó esta canción en forma de crítica a las injusticias del mundo. Si escuchamos detenidamente la letra de Plegaria para un niño dormido, podemos entender  que es un canto a la inocencia.

En este top 5 pudo entrar cualquier otra canción épica británica, pero “Plegaria para un niño dormido” no pasa desapercibida. Toca un tema tan doloroso desde la dulzura, de manera simple, sencilla y “limpia”, algo típico de Spinetta.

Puede verse como una canción de amor o como una súplica para que la sociedad abra más los ojos y cesen las injusticias contra aquellos que están desprotegidos. Dijo El Flaco: “No hay ningún atentado en la plegaria, es una cosa toda dulce. Hasta la denuncia se hace con dulzura”.

Bohemian Rhapsody – Queen

Publicado como el primer sencillo de A Night At The Opera, Bohemian Rhapsody es la canción más popular de Queen y una de las obras musicales más reconocibles y conocidas de toda la historia de la música popular. Llegando casi a los 6 minutos de duración, para la época era bastante extraño que una canción tan larga fuese lanzada como sencillo promocional. Sin embargo, Bohemian Rhapsody llegaría al número 1 de las lista británica de éxitos para quedarse ahí durante varias semanas.

Hay obras inconclusas, como “Smile” de The Beach Boys, que pudieron ser uno de los mejores álbumes de la historia (o no), pero, en contraste, te mostramos todo lo bueno y artístico que tiene el rock progresivo. Asimismo, fue interesante entender que la música progresiva se originó de un subgénero musical que imita los efectos de las sustancias psicotrópicas. La música es magia y eso no se discute. 

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