Anticonsumismo: qué es, cultura, efectos y ejemplos de movimientos contra el consumismo

Por lo general, son los países con economías capitalistas los que tienen altos índices de cultura de consumo masivo, pero en años recientes los movimientos del anticonsumismo o anticapitalismo se han alzado, han prestado su voz y visión anticapitalista para crear conciencia sobre el problema que representa el consumo excesivo. A continuación, en esta entrada hacemos un repaso por la génesis y los principios del anticonsumismo. 

Sobreconsumo:
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¿Qué es el anticonsumismo?

Cuando se habla de qué es el anticonsumo o anticonsumismo, se refiere a una oposición o resistencia a la cultura o forma de vida  que enfatiza la compra y uso de bienes de consumo, lo que se conoce como consumismo; es decir, va contra de la cultura del consumismo, que sostiene que el consumo acelerado de bienes es económicamente deseable y viable.

Por ejemplo, esto también se asocia con el anticapitalismo, porque son las economías capitalistas las que relacionan mayor producción como mayor consumo y, a su vez, eso se traduce en un buen mercado y clientes más felices. En este caso, el movimiento del anticonsumismo se estableció para condenar ese estilo de vida, y se enfoca en los motivos por los cuales los consumidores compran los diferentes bienes; además, se centra en un problema social que está ligado a la expansión del consumismo. 

Por otro lado, anticonsumismo y vida simple es lo que se pretende exponer con esta ideología que ha creado movimientos sociales del anticonsumismo para seguir esparciendo la realidad de la cultura de consumo que conlleva al agotamiento de los recursos y la degradación ambiental, también se traduce en el consumo competitivo, la distribución desigual de la riqueza y contribuye a que aumente la pobreza global.

Breve historia de la cultura de anticonsumo

La cultura del anticonsumismo se nació de The Theory of the Leisure Class (La teoría de la clase de ocio), una investigación que expandió Thorstein Veblen en 1899, que habla sobre “el consumo conspicuo”, que se refiere a las prácticas de consumo competitivas y extravagantes, así como a las actividades de ocio que apuntan a un grupo de clase social determinado que, en este caso, es la clase alta o superior. 

Desde esa teoría se puede observar el papel que tienen las grandes marcas, las cuales son símbolos de estatus y presencia; genera relevancia en las relaciones importantes y hace que exista una “movilidad social ascendente” que se da por medio de las opciones de consumo, pero no visto desde la necesidad, sino desde la vanidad y del deseo de estar al corriente con las novedades del mercado.  

Veblen, que fue un economista y sociólogo, se interesó en esta relación que existe entre la economía, la sociedad, la cultura y en los antecedentes del consumismo, y con su análisis logró crear un argumento que sostiene que las personas hacían compras para “señalar su estatus económico y sus logros a los demás”; es decir, es una cuestión de cómo te ven los demás, y la necesidad de proyectarse como alguien “pudiente” e importante. 

Es por ello que su teoría se estableció como una crítica a los hábitos de consumo de los ricos y cuestionó sus valores. Además, creó términos como “despilfarro conspicuo” y “emulación pecuniaria”, que significa hacer un esfuerzo por igualar o superar el estado financiero de otra persona.

Partiendo de las ideas de Veblen empezó a reforzar el movimiento anticonsumo y el del altermundismo, para hacer una campaña masiva contra la forma desmedida de “consume hasta morir”. 

Los principios del anticonsumismo

Como hemos dicho al principio, los principios del anticonsumismo se basan en cómo y por qué las personas se vuelven consumistas. Por ejemplo, una de las frases del anticonsumismo que más resuena es la del filósofo y lógico británico, Bertrand Russell, quien dijo: “Es la preocupación por las posesiones, más que cualquier otra cosa, lo que nos impide vivir de forma libre y noble”.

Por otro lado, dicen los expertos que el anticonsumismo está asociado a un “profundo discurso activista y político”, y han advertido que es un área de estudio amplia que necesita la comprensión del movimiento antiglobalización en el ámbito del anticonsumo, así como sus características, componentes y sus límites.

Entonces, la cultura del anticapitalismo y anticonsumo es un contraste ante el materialismo, pero a su vez es una fuente de resistencia contra la su contraparte, la cultura del consumo, y  contra la comercialización; es un acto de conciencia voluntaria en el que el  individuo debe entender las razones para ir contra este mal social, sin que se entienda como una resistencia al éxito y estancamiento económico.

Asimismo, como ejemplos de anticonsumismo, se puede elegir a qué gama de productos y servicios se opone, o si será un caso con productos específicos para limitar el consumo. La idea es buscar que se establezca un consumo sostenible y consciente. También estas las Razones Anti-Consumismo, las cuales son:

  • Simplicidad voluntaria: Una forma de vida en la que el consumo de diferentes bienes y materiales se reduce o restringe para vivir con menos y con un estilo de vida más sencillo. De este modo, quienes pertenecen a los movimientos contra el consumismo evitan los patrones de consumo habituales de forma voluntaria. 
  • Los simplificadores fuertes y los reductores de velocidad: Comparten las características de los simplificadores voluntarios, con la principal diferencia de que suelen ser más radicales en cuanto a lo que eligen reducir o restringir. Por otro lado, los reductores de velocidad trabajan menos, ganan menos y compran menos, pero pasan más tiempo con la familia, amigos, y se enfocan más en perseguir sus objetivos personales
  • Minimalismo: Empezando con “menos es más”, el minimalismo es una reflexión sobre las formas de consumo masivo y desmedido, y hace un esfuerzo por crear un nuevo método para resistir a la cultura consumista; el minimalismo existe en medio del capitalismo, pero también es una forma de anticapitalismo. Es una simplicidad voluntaria y una perspectiva de una vida práctica y libre de cargas innecesarias. 

Rasgos fundamentales de la cultura anticonsumista 

Ahora bien anticonsumo está constituido por las 4R, que son reducir, recuperar, reutilizar y reparar. Para ampliar un poco más las características de movimientos del anticonsumo y de esa cultura, definimos las cuatro R a continuación: 

Reducir 

Como lo indica su nombre, la primera R del anticonsumismo busca reducir el consumo de bienes que pueden ser descartables. Además, se enfoca en la disminución de la compra de bienes que gasten recursos no renovables.

Recuperar 

Por medio del reciclaje, la segunda R se enfoca en recuperar cualquier cosa o bien, mientras sea posible. En este caso, se trata de usar elementos que sean reciclables para crear cosas nuevas o para reparar. 

Reutilizar

Otra forma de recuperar los bienes para evitar la contaminación ambiental creando más desechos, es mediante la reutilización. La tercera R busca que los grupos en contra del consumismo se enfoquen en reutilizar, ya sea comprando productos usados (ropa, zapatos, mobiliario, etc.), y dejando de seguir las modas cambiantes. 

Reparar 

Finalmente, la cuarta R habla de la reparación de objetos que se han roto, pero que aún tienen vida útil a ser reparados. De este modo, se busca crear conciencia sobre el desperdicio y entender que algunas cosas pueden perdurar más si se cuidan bien y, a su vez, no se hacen gastos innecesarios.

Efectos del anticonsumismo

La cultura del anticonsumismo, que generalmente se ve como anticapitalismo, tiene ciertos efectos y repercusiones en distintas áreas, y lo explicamos en esta sección.  

En la ecología

En el aspecto ecológico, los movimientos anticonsumistas buscan crear conciencia sobre el daño que está sufriendo el medio ambiente por el consumo excesivo de bienes y recursos no renovables. 

El consumo de masas se traduce en mayor consumo eléctrico, en más desechos en áreas verdes, y así se añaden otras formas de afectar la biodiversidad de la tierra. Es por ello que el anticonsumismo se enfoca en que se implemente un consumo sustentable, sostenible y amigable con el medioambiente. 

En la economía

En el área de la economía el anticonsumismo se puede evidenciar de dos formas: el boicot y el consumo crítico. La primera forma tiene que ver con la interrupción planeada y temporal del consumo de bienes y servicios específicos; es decir, el usuario fija una posición para que pueda ser repetida por la sociedad y, de esta forma, los productores se ven en la obligación de  abandonar los comportamientos dañinos o puede verse afectado seriamente a nivel económico. 

Por otro lado, la segunda forma tiene que ver con la elección concreta de los productos que se van a comprar. Es decir, las personas que son anticonsumistas evalúan bien el origen del producto, su precio, calidad, y también se basan en sus criterios para no adquirir bienes que, por ejemplo, fueron probados en animales o no son amigables con el medio ambiente. Este tipo de pensamiento ha hecho que muchas empresas cuestionen sus valores, principios y la forma en la que venden sus productos y servicios. 

En la mercadotecnia

Siguiendo la misma línea de pensamiento, el marketing o el área de la mercadotecnia se ve afectado de una forma que podría ser buena o mala, pues cuando hablamos de publicidad y de transmitir un mensaje, este es uno de los medios más efectivos. De este modo, es más fácil crear conciencia sobre los beneficios de un consumo más crítico y responsable, que apoyar campañas que refuercen la idea de que el consumismo es la única forma de vida que existe.

Entonces, las empresas no solo se verán afectadas en su línea económica, sino también en su línea de pensamiento. Por supuesto, no es que todas las empresas de publicidad estarán al tanto de lo que dicen los movimientos anticonsumo, pero cada vez más están cayendo en cuenta de lo que se puede lograr con pensamientos aplicados a las 4R. 

Grupos, organizaciones o movimientos con tendencias al anticonsumismo

El anticonsumismo puede estar conformado por pequeños grupos de personas que promueven la ideología o por grandes movimientos que se encargan de expandir la verdad sobre las consecuencias del consumismo para la sociedad y el medio ambiente. 

Red de Quebec para la Simplicidad Voluntaria

El médico y autor canadiense Serge Mongeau es el cofundador de la Red de Quebec para la Simplicidad Voluntaria, que se creó en 1978, y por eso Mongeau es considerado el padre de este movimiento en Canadá. Con respecto a su visión de llevar una vida simple, dijo que se inspiró en la vida de crisis que vivió su madre en los años 30 y en el escultismo, “que me enseñó a sacar más con menos”.  Asimismo, argumentó: 

«No experimentamos ningún sentimiento de privación en la simplicidad voluntaria. No elegimos tener menos dinero, sino necesitar menos dinero (…) No es la posesión de bienes lo que da sentido a la vida. Cuando revises tu vida, no dirás: ‘¡Oh, yo tenía la mejor cortadora de césped del vecindario!’»

Asimismo, Mongeau advierte que un sistema que se basa en el consumo sin fin “conduce con precisión matemática a la destrucción del medio ambiente, el nuestro”.

Buy Nothing Day

Uno de los principales logros del anticonsumismo es Buy Nothing Day  o El día de no comprar nada, el cual se celebró por primera vez en septiembre de 1992, gracias al artista canadiense, Ted Dave. Esta es una fiesta internacional de protesta, una resistencia global contra el Black Friday (Viernes Negro) y también es una forma de crear conciencia, para recordar que es imperatco reconocer el impacto devastador del consumismo en nuestro planeta. 

El Buy Nothing Day fue fundado en Vancouver, Canadá, y se celebra el viernes después del Día de Acción de Gracia estadounidense; es un día para visualizar el problema social que representa el consumismo sin medidas. Tras la creación del Buy Nothing Day, más de 65 países se sumaron a la causa y comenzaron a aparecer campañas para tener un día de reflexión similar en el Reino Unido, Israel, Austria, Alemania, Nueva Zelanda, Japón, los Países Bajos, Francia, Noruega y también en los Estados Unidos.

Buy Nothing Project

Este movimiento internacional, que se traduce como Proyecto para no comprar nada, inició en 2013 en Estados Unidos, de la mano de Rebeca Rockefeller y Liesl Clark, dos amigas que crearon un grupo en Bainbridge Island, Washington, donde las personas podían encontrarse para intercambiar cosas sin dinero de por medio.  

La idea se expandió por redes sociales como Facebook y cada vez más se fueron sumando más participantes (más de 1,5 millones) al movimiento que se basa en la “economía gratuita” y se empiezan a aplicar las 4R del anticonsumismo, puesto que la gente puede reutilizar, intercambiar y darle una vida útil a sus bienes. De acuerdo a Rebeca y Liesl, la idea de no comprar nada nuevo (o usado) “se ha transformado en un estilo de vida”.

Otra forma de coincidir con esta ideología es hacer eco de su forma de funcionar. En este caso, No Logo es un libro que fue escrito por la periodista Naomi Klein en el año 2000, el cual arroja luces sobre prácticas insidiosas y los efectos del marketing, del poder de las multinacionales y habla de cómo el consumismo incrementaría su presencia en el curso del siglo XXI.

El libro es una crítica cultural que investiga cómo se mueve dinero, el movimiento anticorporativo, el marketing y como abre los caminos para que las personas caigan en el consumo masivo como estilo de vida, proveedor de la felicidad y de estatus social.

Para finalizar, aunque se han sentado las bases sobre las razones para apoyar al anticonsumismo, más que todo como una forma de anticapitalismo, los expertos en el tema sugieren que es necesario que se sigan estudiando, tanto desde el punto de vista de la política pública como la social, para poder ilustrar mejor los efectos del materialismo y del consumo excesivo. Comprender las implicaciones y las propuestas del anticonsumo debería traducirse en el bienestar colectivo.

Generaciones de consolas: características, evolución y juegos destacados de toda la historia de las consolas

El mundo de los videojuegos de sobremesa nació como un intento de darle a los televisores un uso más interactivo; rápidamente las diferentes generaciones de consolas fueron dominando el mundo del entretenimiento, al punto de crear una subcultura para todas las edades. Hoy hablaremos de qué es una consola de videojuegos, tipos de consolas de videojuegos y la historia de las consolas de videojuegos a través de cada una de sus generaciones hasta la fecha.

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Primera generación

La primera generación de consolas de videojuegos nace en 1972 de la mano de Ralph Baer, el legendario padre de los videojuegos. Este ingeniero fue el responsable de diseñar la tecnología que permitía la conexión de equipos externos a un televisor con la idea de crear una “TV interactiva».

Esta idea iría tomando forma hasta la llegada de la Magnavox Odyssey, la primera consola de sobremesa funcional lanzada al mercado. Esta consola no mostraba color, ni audio y, de hecho, no mostraba nada más allá que dos puntos moviéndose por la pantalla, con la intención de que pudieran atraparse el uno al otro; Dos barras blancas en fondo negro que podían pasarse una pelota, un juego de tenis y un punto que podía disparar a otros puntos en la pantalla.

A pesar de ser una idea simple, si se ve desde la perspectiva moderna, aquel hito en la industria del entretenimiento ganó popularidad rápidamente. Con otras compañías visionarias subidas al tren de las consolas nacen juegos como Pong, de la marca Atari.

El juego tuvo tal receptividad que la compañía Magnavox se vio forzada a cancelar el proyecto, ya que las personas solo adquirían la consola para jugar Pong. Años después se lanzó una nueva versión de la consola Odyssey; para entonces ya el mercado estaba abarrotado de copias de los juegos de árcade tradicionales como Sears-Telegames, una versión que lanzó la marca Sears al mercado después de comprar los derechos de Pong.

La primera generación finalmente muere en 1977 gracias a la salida de las consolas basadas en microprocesadores, pero dejaron consolas legendarias como:

  • Magnavox Odyssey – 100.000 unidades el primer año
  • Atari Pong – 55.000 unidades vendidas
  • Tele-Games Pong – 55.000 unidades vendidas
  • Color TV-Game 15 – +1.000.000 de ventas

Segunda generación

La segunda generación de consolas de videojuegos nació junto al lanzamiento de la Atari 2600 quien dominó casi por completo el mercado desde su lanzamiento en 1977 hasta la gran crisis de los videojuegos en 1983. Otra consola con tecnología de microprocesador que, de hecho, salió antes que el Atari fue la Fairchild Channel F, pero no tuvo tanta acogida como la legendaria Atari de los setenta.

La Atari traía como novedad la aplicación de cartuchos intercambiables en su diseño para poder cambiar de juegos de una manera más práctica, creando un campo fértil para la incorporación de la industria del desarrollo de juegos de manera independiente; así como la industria del software lo es con el computador.

Otros elementos característicos de esta generación fueron los controles de tipo joystick y paddle para el control gráfico de los personajes.

Mattel se uniría a la competencia a lo grande con la Intellivision, una de las consolas más conocidas a nivel mundial después de Atari en lo que respecta a la segunda generación, siendo la primera en incorporar un procesador de 16 bits con unos gráficos muy realistas para la época y la capacidad para reproducir sonidos en ciertos juegos con un periférico adicional.

Para competir con el “casi” monopolio de Atari, la compañía Coleco lanzó la Colevision en 1982 cuya identidad característica era la posibilidad de cambiar partes de la consola para mejorar el mantenimiento a futuro. Se lanzaron en total 100 juegos para esta plataforma.

Finalmente, todo terminó a causa de la debacle del mercado de los videojuegos, una recesión que duraría dos años, ocasionado por la pérdida de fe de los usuarios en la industria, juegos de mala calidad pensados para crearse rápidamente y la salida de los ordenadores personales.

Pese al fin de la tecnología de esta generación quedaron para siempre los nombres de las icónicas consolas:

  • Atari 2600 – 30 millones de unidades vendidas
  • ColecoVision – 6 millones de unidades vendidas
  • Intellivision – 3 millones de unidades vendidas

Tercera generación

La tercera generación de consolas de videojuegos se alza como el fénix de la industria justo después de la crisis. Con la quiebra de las grandes empresas estadounidenses, las firmas japonesas se quedaron con el control absoluto del mundo de los videojuegos sacando en 1985 la revolucionaria Nintendo Entertainment System o mejor conocida como NES, la que sería una de las más grandes marcas de consolas de videojuegos.

Otros grandes nombres de consolas salieron durante esta época, todas comercializadas desde Japón hacia el mercado global, como la Sega Master System de la compañía SEGA.

Los diseños principales de estas videoconsolas giraron en torno a los famosos “8 bits” comunes en casi todas durante esta generación. Se les dio mucha prioridad a los componentes compactos y a la practicidad de los equipos.

Varios años más tarde saldrían los nuevos modelos portables, los primeros de la historia, de la mano de Nintendo con el Game Boy y de Atari con la Atari Lynx, siendo la perfecta consola de juegos para niños.

El mercado de las consolas de sobremesa la conquistaría durante casi toda la temporada la Nintendo NES hasta la salida de la Mega Drive, una nueva consola de 16 bits de SEGA, sucesora de la popular Sega Master System. Todo un hito en la evolución de las consolas de videojuegos.

Referente a juegos, quedarán por siempre joyas como Super Mario Bros (NES), Duck Hunt, Dragon Quest, The Legend of Zelda, Sony (SEGA), Spider-Man, The Simpson, Asteroids (Atari), Centipede y Donkey Kong.

En lo que respecta a impacto en el mercado, siguen quedando como parte importante en los museos del videojuego consolas como:

  • SG-1000 – 160.000 unidades vendidas.
  • Master System – 13 millones de unidades vendidas.
  • Mega Drive – 62 millones de unidades vendidas.
  • Atari 7800 – 4.30 millones de unidades vendidas.
https://youtu.be/FWAoaoHDeM0?t=14

Cuarta generación

La cuarta generación de videojuegos y consolas inicia en 1987 cuando la multinacional NEC junto al fabricante de videojuegos Hudson, lanzan al mercado la revolucionaria PC Engine en Japón y, tiempo después, la TurboGrafx-16 alrededor del mundo.

Esta sofisticada consola poseía un procesador de 8 bits a la cual se le incluía un chip gráfico independiente de 16 bits, creando por primera vez sistemas colaborativos de trabajo. Las imágenes y el rendimiento eran en extremo mejores que los antiguos modelos.

Los juegos que más destacaron de esta consola fueron Mega Bomberman, Castlevania, Street Fighter y Military Madness.

Para renovarse en el mercado, SEGA Lanza la Sega Génesis o Mega Drive (en Europa). Esta contaba con un procesamiento de 16 bits. Además de una vasta cantidad de videojuegos (900+). De toda su biblioteca interactiva fue el videojuego de Sonic the Hedgehog quien impulso gran parte de las ventas de la consola.

Para volver aún más competitivo el mercado, Nintendo lanza el siguiente hit de 16 bit: La súper Nintendo. Esta se conocería luego como el estándar de las consolas gracias a sus controles con varios botones y estilo compacto. Arrasó en popularidad nuevamente con franquicias conocidas como Zelda, Super Mario World, Super Mario Kart, Metroid, Bomberman y Donkey Kong.

Para complicar la lucha y forzar el pase a la siguiente generación aparece la Neo-Geo, de parte de la compañía SNK. Una potente consola que incluyo chips gráficos dentro de los cartuchos de sus juegos, una tecnología que se adoptaría de manera global tiempo después.

Entre márgenes de mercado podemos establecer que las consolas más fuertes fueron:

  • PC Engine – 10 millones de unidades vendidas.
  • Mega Drive – 30.75 millones de unidades vendidas.
  • Super Nintendo – 49 millones de unidades vendidas.
  • Sega Game Gear – 16.6 millones de unidades vendidas.

Quinta generación

La quinta generación de consolas daría un salto gigantesco en los gráficos, en comparación con los anteriores. Comienza oficialmente en 1994 con la salida de la SEGA Satum y luego el legendario inicio de la PlayStation de la mano de SONY.

Esta fue conocida como la era de los 32 bits, aunque fue un apodo que duró muy poco dado que, no mucho tiempo después, saldría al mercado la primera consola de video en 64 bits.

La PlayStation fue, de todas las consolas de la quinta generación, la más popular en ventas. Tenía gran facilidad de programación para nuevos juegos, creando así un catálogo impresionante. Su diseño era muy elegante y utilizaba CD-ROM.  Fue la primera consola de su tipo en vender más de 100 millones de unidades. Dejó como parte de la cultura popular varios de los mejores juegos para consola, como Metal Gear Solid, Final Fantasy, Resident Evil y Parasite Eve.

En lo que respecta a la SEGA Satum, fue muy alabada en Japón y desconocida con frecuencia en el resto del mundo, pero dejó para siempre marcados juegos clásicos como Grandia, Street Fighter Zero 3 y Metal Slug. Transformando además las imágenes de consolas futuras.

Finalmente, con la llegada del Nintendo 64 y su gran poder gráfico, de la mano de juegos icónicos como Super Mario 64, The Legend of Zelda: Ocarina of Time o Perfect Dark, cambiaron todas las reglas del juego.

La quinta generación será conocida siempre como la responsable de llevar a la industria del videojuego a la cima del mercado del entretenimiento, sin mencionar que sería la piedra angular para la formación de la cultura gamer moderna alrededor del mundo.

  1. SEGA Satum – 9.26 millones de unidades vendidas
  2. Playstation – 104.25 millones de unidades vendidas
  3. Nintendo 64 – 32.93 millones de unidades vendidas

Sexta generación

Si bien la sesta generación impresionó al mundo con sus 64 bits, nadie se esperaría el gran avance en experiencia visual que darían los equipos de 128 bits, un sinónimo de la sexta generación de consolas de videojuegos. Iniciando formalmente en 1998.

En lo que respecta al diseño, todos los equipos de la sexta generación optaban por controles ergonómicos, juegos más duraderos y profundos, con vista a conectar mejor con los personajes gracias a los sistemas de almacenamiento externos.

Sobre la arquitectura, esta generación hizo que las consolas pudieran competir contra los ordenadores, ofreciendo una potencia visual muy llamativa y juegos mucho más económicos, que popularizaron aún más la ya aclamada industria de entretenimiento.

En cuanto a lanzamientos famosos, comienza la generación con la Dreamcast, la última consola de SEGA. Destacada por ser una de las primeras consolas de videojuegos en incorporar un modem que hacía posible los juegos en línea de una manera muy sencilla. Dejó como legado juegos icónicos, exclusivos de la consola, como Sonic Adventure, Crazy Taxi, Skies of Arcadia y Marvel vs. Capcom 2: New Age of Heroes.

SEGA se retiraba del mundo de las consolas para dedicarse al diseño, programación y montaje de videojuegos para varias consolas. En este momento se alza la titánica PlayStation 2, la consola de videojuegos más vendida en el mundo y la más icónica de todas las generaciones de Playstation.

La PlayStation 2 gobernó prácticamente todo el mercado de la sexta generación siendo la consola de mayor vida útil, la de mayor acogida y la de mayor número de juegos disponibles en todo el mundo. A este punto las acciones de Sony se encontraban por las nubes.

Otra competencia fuerte, si es que existió tal cosa, fue la Xbox de Microsoft, que con su diseño de alto impacto (una caja negra) llamó mucho la atención de los gamers de inicios del nuevo siglo. De entre la lista de juegos de Xbox de primera generación destacan nombres como Halo, Fable, Star Wars y Morrowind. Nintendo que se negaba a rendirse lanzó la GameCube y el famosísimo GameBoy Advance.

  • PlayStation 2 – 155 millones de unidades vendidas
  • Xbox – 24.65 millones de unidades vendidas
  • Nintendo GameCube – 21.74 millones de unidades vendidas
  • Dreamcast – 10. Millones de unidades vendidas

Séptima generación

La séptima generación de videoconsolas inicia en el 2005 con la aparición de la Xbox 360. En la mayoría de los casos, fue común ver equipos de gran poder, capaces de utilizar procesadores multinuclear que facilitaban muchísimo la programación de juegos, haciéndolos más complejos en detalles, gráficos y profundidad de la historia. Además de estos e incluyeron chips de video mucho más potentes que consolas antiguas enteras, dándole un realismo a los juegos nunca antes visto.

Otra característica que marcó a esta generación fue la incorporación de juegos con soporte en línea y características multijugador. Esto debido a la incorporación de banda ancha accesible a nivel global. También se dejaron ver varios accesorios con capacidad para la detección de movimiento.

En lo que respecta a dominancia en el mercado ya SEGA, gigante de las consolas hasta ahora, abandonaba la competencia dejando a tres compañías a cargo del futuro de la comunidad gamer de sobremesa: Microsoft, con la poderosa Xbox 360 y su soporte para la conexión de juegos en línea; Nintendo, con la entretenida Wii y su novedoso sistema de detección de movimiento para juegos interactivos y sin cables al control; La PlayStation 3, que arrastraba la popularidad de la consola anterior.

De entre todas las consolas que dominaron el mercado la PlayStation 3 fue la más criticada, dado los innumerables problemas de funcionalidad y diseño, dejando en evidencia las consecuencias de acelerar las producciones. Esto desencadenó un mayor surgimiento de las consolas de videojuegos en el futuro.

En esta generación, cabe destacar, que los dispositivos portables tuvieron uno de los mejores años, con la llegada de plataformas como la PSP y la línea de la Nintendo DS.

Sobre juegos icónicos de esta generación la lista es abrumadora, pero podemos mencionar a: Metal Gear Solid, The Last of Us, Grand Theft Auto V, The Elder Scrolls V: Skyrim, Zelda, Mario Galaxy, Metroid Prime, Resident Evil4 y Mass Effect.

En lo que respecta a dominancia de consolas podemos establecer las posiciones de la siguiente manera:

  • Wii – 101.63 millones de unidades vendidas
  • PlayStation 3 – 87.3 millones de unidades vendidas
  • Xbox 360 – 84 millones de unidades vendidas

Octava generación

La penúltima de las generaciones de consolas de videojuegos fue conocida como la industria en la nube. Las consolas de octava generación se convirtieron en verdaderos Marketplace digitales donde se podían comprar juegos, descargar películas, escuchar música, hacer streaming y navegar en internet. Todas las consolas de dominancia de esta era siguen aún vigentes actualmente, incluyendo muchos de sus servicios de soporte online, aunque los mercados han cambiado.

El potencial de la octava generacion de consolasdio paso a una de las transiciones más longevas en el mundo de los videojuegos iniciando en el 2012 con el lanzamiento de la Nintendo Wii U quien sorprendió con una pantalla incrustada en los controles que permitía jugar aun con el televisor apagado, siendo además la primera consola de Nintendo en tener ultra resolución.

La PlayStation le siguió con su potente procesador AMD de fácil programación de juegos y salida con definición Blue-ray. Intentando corregir todos los errores de diseño de la consola anterior Sony dedicó mucho dinero y esfuerzo en crear un equipo sólido, que pudiera trabajar en línea para crear experiencias de máxima conectividad e impacto visual exigente.

El último dominante del mercado fue la Xbox One (posteriormente Xbox X) que salió al mercado en el 2013 para competir directamente con Sony y Nintendo. Tuvo una gran recepción, sobre todo por su capacidad interactiva en línea, juegos que incentivaban las competencias entre jugadores y sensores de todo tipo, desde movimiento hasta charla por voz.

En lo que respecta a juegos icónicos, esta generación de consolas nos dejó algunos nombres como Devil May Cry, God of War, Red Dead Redemption, Mario kart 8, The Legend of Zelda, Monster Hunter, Sekyro, The witcher 3, Fallout 4, Monster Hunter y muchos más.

En cuanto a dominancia de mercado por ventas tenemos:

  • PlayStation 4 – 116.6 millones de unidades vendidas
  • Xbox One – 51 millones de unidades vendidas
  • Wii U – 13.56 millones de unidades vendidas

Novena generación

Si toca definir qué son las consolas de videojuegos modernas entonces llegamos a la generación adecuada.

La novena generación apenas acaba de empezar y ya nos ha deslumbrado, superando nuevamente con creces lo que pensábamos que las consolas podían hacer. El primero en dar el paso fue Nintendo con su llamativa Nintendo Switch en el 2017 aunque esto ha sido muy discutido, ya que esta consola portátil era un híbrido entre los modelos tradicionales de sobremesa y los portátiles de gran fama (casi monopólica) de Nintendo. Teniendo muchas características de las viejas generaciones de las consolas.

Como era de esperarse, los actuales gigantes de la industria no se quedaron atrás. Microsoft lanzó su nuevamente potente Xbox Series X a finales del 2020, uno de los equipos con mayor poder gráfico entre todas las consolas de videojuegos hasta la fecha; junto a Sony con su revolucionaria PlayStation 5.

Las consolas de esta generación destacaron por su calidad de video en 4K, potencia de procesamiento muy elevado, tecnología Ray Tracing, potencial de actualizado de hasta 120 frames por segundo y se espera, dentro de poco, actualizaciones potenciales para optar por resoluciones aún más elevadas. Se espera además que esta pueda ser la mejor de todas las generaciones de videojuegos en consola y tal vez… ¿La última?

Entre los juegos más novedosos que se disputan un lugar en la historia de esta generación se encuentran nombres como: Zelda, Montesr Hunter Rise, Super Smash Bros, Residet Evil, Returnal, Spiderman Miles Morales, Assassin’s Creed, Kena, Halo, Hitman y Mortal Kombat 11.

Para el final de la línea del tiempo de las consolas de videojuegos, las ventas apuntan a los siguientes números:

  • Nintendo Switch – 103.5 millones de consolas vendidas
  • PlayStation 5 – 13.3 millones de consolas vendidas
  • Xbox Series – 12 millones de unidades vendidas.

Todas las generaciones de consolas dejaron tecnologías y personajes que quedarán eternamente en el corazón de la cultura popular. Con sus grandes aciertos y desaciertos, se alzaron como un método accesible para conseguir horas de diversión, sana competencia y una oportunidad ideal para explorar otros mundos. Al hablar de la historia de las consolas entonces, hablamos de dispositivos y marcas que cambiaron al mundo para siempre.

Cinco noticias clave del miércoles 9 de febrero

La UNESCO advierte sobre una “crisis sin precedentes” en el sector cultural

En un reciente informe de la UNESCO, la organización reveló que diez millones de empleos se perdieron en las industrias creativas debido a la situación mundial y, además, hay miles más siguen en peligro. En el texto también se dice que existe  una “crisis sin precedentes en el sector cultural” que ha sido exacerbada por una “disminución del gasto público en las artes” en los años previos al confinamiento.

«La red de seguridad social para los artistas en muchos países ya era inadecuada, sin embargo, la pandemia ha puesto de manifiesto cuán vulnerables son los trabajadores en los sectores cultural y creativo», se lee en el comunicado.

Asimismo, la UNESCO instó a los gobiernos del mundo a que garanticen “una mayor protección laboral para la industria creativa”, y esto incluye el establecimiento de un salario mínimo para los trabajadores culturales, así como “mejores planes de pensión y compensación por enfermedad para los trabajadores independientes”.

Alertan sobre una gigantesca roca en Japón que podría ser un «imán» para megaterremotos 

Un nuevo estudio llevado a cabo por investigadores de la Universidad de Texas ha advertido sobre una masa de roca ígnea del tamaño de una montaña que acecha de 3 a 12 millas (4 a 19 kilómetros) debajo de la costa del sur de Japón, la cual podría estar actuando como un «imán» para los megaterremotos. 

Los expertos analizaron 20 años de datos sísmicos utilizando una supercomputadora para producir la primera visualización completa de la roca, que tiene entre 43 y 78 millas de ancho (69 y 125 kilómetros). La roca lleva por nombre Kumano Pluton y se encuentra dentro de la  zona de subducción de Nankai, donde la placa marina de Filipinas desciende por debajo del borde japonés de la placa euroasiática. 

Investigadores dijeron que Kumano Pluton está desviando “energía tectónica hacia puntos a lo largo de sus lados”, exactamente donde se han originado varios de los terremotos más grandes de la región (1944-1946). Con estos hallazgos, los científicos podrán investigar en qué zona podría ocurrir un nuevo megaterremoto.

Astrónomos están luchando para disminuir la “contaminación satelital” de los cielos

Los astrónomos de la Unión Astronómica Internacional (IAU) han mostrado preocupación por la cantidad de satélites activos en el cielo nocturno, los cuales se han más que duplicado desde 2019: 2200 a 5000 aproximadamente. No obstante, indicaron que esto se debe principalmente a Starlink, un proyecto de SpaceX que está enfocado en proporcionar Internet en cualquier parte del mundo a través de ‘megaconstelaciones’ de satélites. Pero son esas megaconstelaciones satelitales las que, desafortunadamente, oscurecen la astronomía de la Tierra con sus rayos de luz reflectantes. 

Esta contaminación lumínica y satelital fue la que llevó a la IAU a anunciar el establecimiento de un nuevo centro para unificar a los astrónomos y hacer retroceder las megaconstelaciones. El centro, que será llamado Centro IAU para la Protección del Cielo Oscuro y Tranquilo de la Interferencia de Constelaciones de Satélites, se encargará de “coordinar la información y las respuestas internacionales” y funcionará como “una voz única y fuerte para la comunidad astronómica”.

Cambiar la dieta puede agregar hasta 10 años a la esperanza de vida humana

La ciencia ha vuelto a hablar sobre los beneficios de llevar una dieta sana y balanceada para recordar que es un plus para la salud, y también puede ayudar a que las personas extiendan su esperanza de vida 10 años más. El estudio liderado por Global Burden of Disease ha encontrado que comer más sano podría prolongar la esperanza de vida entre seis y siete años en adultos de mediana edad, y en adultos jóvenes, podría aumentar la esperanza de vida en unos diez años.

Los investigadores evaluaron cómo variaba la esperanza de vida con cambios continuos en la ingesta de frutas, verduras, cereales integrales, carnes procesadas y bebidas azucaradas, y seguidamente produjeron una “dieta óptima para la longevidad”, la cual incluye más legumbres, como frijoles y lentejas, cereales integrales (avena y arroz integral), frutos secos, y menos carne roja y procesada.

Vale destacar que no tuvieron en cuenta los problemas de salud que pueden afectar la esperanza de vida y otros factores como problemas de salud continuos, genética y estilo de vida, como fumar, beber alcohol y hacer ejercicio.

Encuentran la solución para el mareo causado por el uso de gafas de Realidad Virtual

En la actualidad, las gafas o auriculares de Realidad Virtual (VR) han ganado gran popularidad, pero un efecto negativo en algunas personas es la sensación de mareo. Sin embargo, la ciencia ha descubierto una forma muy simple de controlar el problema: masticar chicle con sabor.

El Instituto Fraunhofer de Comunicación, Procesamiento de la Información y Ergonomía de Alemania hizo una investigación en la que estudiaron a 77 adultos sanos en simulaciones de vuelos, en las que cada uno debía reportar cómo se sentían y, al masticar cualquier chicle con sabor agradable condujo a puntuaciones de enfermedad “significativamente más bajas”. Entonces, mientras más agradable es el sabor de la goma de mascar, menos es la sensación de malestar por mareos. 

Historia del rock argentino: cronología del rock nacional argentino con bandas, cantantes, música…

Argentina es un país conocido por su pasión futbolera, pero también por la interesante historia del rock argentino, la cual se mitificó debido a las primeras bandas de rock nacional, las cuales hicieron que creciera un movimiento musical importante e hizo que los ojos y oídos del mundo se enfocaran en el sonido del rock nacional argentino. Para saber más sobre su historia, te invitamos a leer esta cronología de la historia del rock nacional de Argentina.

Géneros musicales rock:
Los 35 principales subgéneros de la música rock (características, historia, bandas…)

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Origen del rock nacional argentino

Los orígenes del rock nacional argentino tienen sus primeras manifestaciones en cerca del año 1956, tras el nacimiento del rock and roll en Estados Unidos (1954-1955) y también nació gracias a la influencia de The Beatles, el icónico grupo londinense que influenció a otras naciones de América Latina. Pese a que la historia del rock nacional argentino se estableció en los inicios de los años 60, su consolidación llegó 10 años después, entre mediados de los años 60 y mediados de la década de 1970.

Por otro lado, está la forma en la que el rock argentino empezó a construirse. Argentina estaba siendo golpeada por las turbulencias políticas, conflictos en el país y golpes de estado, que hicieron ver una relación entre el rock y la dictadura, que es conocida como “Proceso de Reorganización Nacional”, el cual se dio entre 1976 y 1983.

Todo lo vivido en aquellos tiempos agitados se vio reflejado en las letras de canciones, donde bandas y cantantes de rock nacional expresaron su sentir con respecto a la sociedad y a los conflictos que se vivían. 

Además, la influencia extranjera, duró poco, puesto que los gobiernos prohibieron que se cantaran canciones en inglés, y eso ayudó a que explotara el rock y la música en español, también contribuyó a que los cantantes argentinos de rock incluyeran varios de los ritmos originales de Argentina en sus sonidos para darle un toque más propio, y eso forma parte de las características del rock nacional argentino, recordado por ser el rock nacional en la dictadura militar de 1976.

Cronología del rock argentino

El inicio de historia del rock nacional argentino estuvo potenciado, principalmente, por bandas como Los Iracundos, Los Mockers y Los Shakers, grupos nacidos en Uruguay, que fácilmente atravesaron el Río de la Plata para generar interés en Argentina. Partiendo de ese punto, en “la tierra prometida” empezó a crecer el movimiento del rock con influencias de bandas cercanas a la región y por estrellas como Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, entre otros.

El inicio de la historia del rock argentino

De hecho, fueron Los Shakers quienes en 1965 lograron el éxito mundial con Break it All (Rompan Todo). Desde entonces, la Argentina empezó a ver un aumento en los representantes del rock nacional; como pioneros figuran Los Gatos, una banda liderada por Litto Nebbia, que tenía marcado un beat psicodélico, y fueron los responsables de la canción La Balsa, la cual se estrenó en 1967. La Balsa rápidamente caló en el público argentino y se convirtió en el primer éxito del rock en Argentina cantado en español. Sobre esto, Nebbia se cuestionó: 

«Cuando la gente me dice, ‘Fuiste uno de los primeros en cantar en español’, pienso, ¿en qué otro idioma se suponía que debíamos cantar? (…) Fue esta idea de la década de 1960 en la que no tienes que conformarte con la sociedad, puedes vivir como quieras».

La letra de La Balsa habla sobre la necesidad de huir de un mundo “triste y abandonado” en el que hay que reunir madera suficiente para construir la balsa y adentrarse en el mar.

Un año después, en 1968, se estableció el sello discográfico independiente, Mandioca, que fue el primero en su tipo en Argentina. Seguidamente, entró en escena Manal, una banda que se encargó de explorar con el blues y el soul, formó parte de los primeros años del rock nacional argentino. Luego, el público empezó a escuchar Almendra, una banda liderada por Luis Alberto Spinetta, que se enfocó en temas de fuerte raíz popular; para este momento Nebbia, Spinetta y Martínez, junto a Mandioca, ya eran nombres importantes en la escena musical del país. 

El hard rock y rock progresivo

Tras la disolución de bandas como Manal y Almendra, en el año 1971 el rock nacional argentino empezarían disolverse, y abrió paso a bandas como Pescado Rabiosa, que formó Spinetta y que se afianzó con un blues rock que dejó proyectos como Artaud y Pescado 2. Lo propio hizo Norberto Napolitano, también conocido como Pappo, quien formó parte de Los Gatos y luego creó Pappo’s Blues, una banda que terminó convirtiéndose en una de las más importantes del hard rock en Argentina.

Otros de los cantantes de los 70 argentinos que tuvo repercusión en la música de los 70 y 80 en Argentina fue Charly García, junto a Nito Mestre, quienes formaron Sui Generis; Charly también se lanzó en el rock nacional con La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán. Asimismo, en el rock nacional en la dictadura militar argentina también vio nacer a Vox Dei como representante del hard rock y rock progresivo con su álbum La Biblia, que se estrenó en 1971. 

El tiempo de Soda Stereo y el Nuevo Rock Argentino

Desde la década de 1980, los rockeros argentinos se encargaron de innovar en estilos musicales e hicieron que el rock nacional argentino se diversificara y masificara aún más. En ese tiempo destacaban Los Redonditos de Ricota, Los Twist, Virus, Riff, Los Abuelos de la Nada y, por supuesto, Soda Stereo, una banda que formó Gustavo Cerati junto con Héctor Bosio y Carlos Alberto Ficicchia.

Soda Stereo caló en su nación y también a nivel mundial, se volvió rápidamente un referente de la música rock de América Latina y, a su vez, Cerati se estaba perfilando como uno de los mejores vocalistas y solistas de rock nacional.

No obstante, los ochenta no solo fueron del rock pesado, alternativo y psicodélico, sino que también vieron nacer a  bandas como Divididos,  Las Pelotas, Los Rodriguez, Los Ratones Paranoicos y también a los representantes del “Nuevo Rock Argentino”: Babasónicos, Juana La Loca y El Otro Yo.

En el otro lado del camino, las grandes bandas del rock nacional de Argentina se estaban desintegrando a pesar del furor; ya sea por problemas internos o personales, las voces de Charly García, Luis Alberto Spinetta, Leon Gieco y Fito Páez, quedaron al mando del rock en Argentina como agentes independientes, por el escaso tiempo que la vida le permitió a algunos. Y es así como los músicos argentinos de los 80 rebotaban entre bandas y solistas de renombre.

Bandas del rock nacional argentino

En esta sección enlistamos a las bandas de rock nacional de los 60, 70 y 80 que le dieron un significado a qué es el rock nacional con sus sonidos particulares y la forma en la que ejecutaron los instrumentos del rock nacional argentino.

Almendra

Entre la variedad de estilos de rock nacional, en la historia del rock argentino está Almendra, una banda de rock psicodélico que se fundó en 1967 por Luis Alberto Spinetta, Edelmiro Molinari, Carlos Emilio Del Guercio y Rodolfo García.  En 1969, estos cantantes de rock nacional de los 70 lanzaron un primer álbum homónimo y, seguidamente, en 1970 salió el álbum Almendra II, el cual tuvo sus hits como Muchacha Ojos de Papel y Plegaria para un niño dormido. El grupo se separó en 1970.

Almendra junto a Manal posando para la revista Pelo en 1970 (Autor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Vox Dei

Conocida como “La Leyenda de Quilmes”, la banda Vox Dei formó parte de los inicios del rock argentino de los 70, desde 1967 a 1981, pero desde 1986 a hasta la actualidad, se han encargado de mantener vivo rock and roll argentino de sus momentos. Vox Dei, conformada por Ricardo Soulé, Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Carlos Godoy, hizo historia con La Biblia en 1971. Ese proyecto obtuvo popularidad y reconocimiento debido a la forma en la que el grupo relató el texto santo en canciones como Génesis, Moisés, Profecías y Libros Sapienciales.

Vox Dei cantando La Biblia en 2012 (Gobierno de la Ciudad de Buenos , CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Pappo’s Blues

Seguidamente, Pappo’s Blues (1970-2000) también forma parte de la línea de tiempo del rock nacional argentino, ya que fue una banda de rock/blues que empezó a ser gran referente de la música de la década del 70 en Argentina. La banda estuvo liderada por Norberto «Pappo» Napolitano, y sufrió varios cambios en sus años de actividad. 

En 1971, Pappo’s Blues grabó su primer álbum homónimo, mientras que un año después (y los siguientes) los proyectos empezaron a titularse Pappo’s Blues Volumen 2, Pappo’s Blues Volumen 3, y así sucesivamente hasta llegar a Pappos Blues Volumen 8: Caso Cerrado, el cual fue lanzado en 1995. 

Pappo posando en la portada de Blues Local (Autor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Serú Girán

El rock argentino de los 80 también gozó de los sonidos de Serú Girán (1978-1993), que fue una superbanda de rock nacional argentino, fundada por Charly García, Pedro Aznar y Óscar Moro. Esta icónica agrupación destacó en la movida del rock argentino de los 70 y 80 por sus canciones llenas de poesía y composiciones sofisticadas e innovadoras. De hecho, los llamaban “Los Beatles criollos”, por ser un grupo, por la influencia musical y por el éxito que estaban cosechando. Sus álbumes más conocidos son: Serú Girán (1978), La grasa de las capitales (1979) y No llores por mí, Argentina (1982).

Charly García, Pedro Aznar, David Lebón y Oscar Moro circa 1980 (Autor desconocido, Dominio Público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Redonditos de Ricota

Otro de los grupos y cantantes de rock argentinos de los 80 son los Redonditos de Ricota, también conocidos bajo el nombre de Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota (1976-2000), quienes han sido reconocidos por su música y performance en el escenario. En 1982, lanzó su hit Súper Lógico, que resonó en varias emisoras argentinas y se metió en muchas listas de éxitos del momento. 

Dos años después, la banda era considerada como un referente de la música del rock nacional y luego lanzó Oktubre, un álbum del cual salió el hit Semen-Up. Varios éxitos del grupo incluyen La Mosca y la Sopa (1986), Lobo Suelto, Cordero atado (1993) y Momo Sampler (2000).

Los Redonditos tocando en 1980 (Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Soda Stereo 

Ahora bien, el caso de Soda Stereo como bandas de los 90 en Argentina es especial porque su éxito impactó tanto a nivel comercial como cultural; de hecho, fue una de las bandas argentinas más vendidas de todos los tiempos gracias singles como Persiana Americana, y su gira de 1986, Signos

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Soda Stereo retratado en 1986 (Autor desconocido, Domino público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Soda Stereo, liderada por Gustavo Cerati, fue una de las primeras bandas que trascendieron de su tierra a las fronteras de América Latina, al tiempo que amasaron millones de seguidores en toda la región. Asimismo, fue uno de los grupos argentinos de rock que más acumuló premios y reconocimientos por su destacada performance; canciones como De Música Ligera, En la Ciudad de la Furia, Ella Usó Mi Cabeza Como un Revólver y Juegos de Seducción, fueron una de las canciones que quedaron presentes en la historia del rock argentino.

Cantantes del rock argentino

Después de hablar de las bandas principales que formaron parte de la historia del rock argentino, es momento de hacer un repaso por los solistas del rock nacional. 

Tanguito

José Alberto “Tanguito” Iglesias (1945-1972), quien fue el compositor principal de La Balsa, es uno de los principales influyentes de la música de rock argentino porque ayudó a la progresión del rock argentino del inglés al español. Además, de ser un compositor y artista con gran talento, formó parte de Los Dukes, pero con la banda no tuvo tanto éxito y no le generó las mismas ganancias que las regalías de La Balsa. 

Tanguito y su guitarra circa 1966 (Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Argentina se quedó con las ganas de ver qué magia pudo lograr Tanguito, quien no tuvo suerte con su destino. Como estaba enamorado de la hija de un militar, los agentes de seguridad lo enviaron a un instituto psiquiátrico, donde murió por sobredosis de drogas.

Pappo

Norberto Napolitano, o simplemente Pappo, ha sido considerado como uno de los guitarristas más brillantes y su trabajo ha sido documentado en cualquier información sobre el rock nacional de Argentina. Norberto estuvo trabajando con Los Abuelos de la Nada a finales de los 60 y con Los Gatos diez años más tarde, en 1970. Pero su proyecto más destacado fue su banda Pappo’s Blues.

Pappo (centro) junto a la banda Virus en 1986 (Gabriel Rocca, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Pappo también ha sido reconocido como el ícono del blues argentino, pero sus inicios en la historia del rock argentino también vio luces del hard rock y el heavy metal. 

Charly Garcia

Otro de los cantantes del rock nacional argentino es Charly García, un solista que no pasa desapercibido ante nadie debido a su bigote bicolor y por su actuación en el escenario, donde deja todo en el teclado. Desde sus primeros años en la historia del rock argentino hasta la actualidad, ha sido considerado como uno de los íconos más grandes del rock nacional. 

Charly García cantando junto a Benito Cerati en un tributo a Gustavo Cerati en 2014 (Ministerio de Cultura de la Nación Argentina, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Su gusto por The Beatles, The Rolling Stones y Bob Dylan, hizo que creara la banda Sui Generis, pero no se quedó con ello, y luego se lanzó al ruedo musical con Seru Giran; y como solista también destacó con su álbum Say No More, un álbum que figuró como uno de los más experimentales e innovadores de sus proyectos, el cual incluía la frase que también serviría como una especie de mantra para Charly en los próximos años de su carrera. 

Luis Alberto Spinetta

Seguidamente, Luis “El Flaco” Spinetta (1950-2012) también comparte el título de padre del rock argentino con Charly García. Su voz se hizo escuchar en medio de los tiempos turbulentos en los que la rebeldía poética y musical eran una forma de ir en contra de la dictadura en Argentina.

El Flaco Spinetta posando para la Revista Pelo en 1976 (Rubén Andón, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Spinetta, en 1967, formó la banda Almendra y, tras su separación, El Flaco se mantuvo en la música rock argentina con Pescado Rabioso, que dejó ver los matices más rústicos y agresivos del rock and roll en español. Asimismo, guiándose por los ecos del jazz se proyectó musicalmente con la banda Invisible; siguió su trabajo en solitario y luego formó Spinetta Jade  a principios de los años ochenta, y también marcó la pauta en la  música argentina de los 90 con Los Socios del Desierto.

Fito Páez

Otro cantautor que forjó la historia del rock argentino es Fito Páez, “El Trovador del Rock argentino”, quien a finales de los años setenta inició su carrera como solista con el  álbum Del ’63, que fue lanzado en 1984 con gran éxito y aceptación de la  crítica del rock nacional. Luego sacó su potencia y furia musical a finales de los años 80, con su álbum Ciudad de Pobres Corazones, proyectó que fue una reacción al asesinato de la madre y abuela de Páez en la ciudad de Rosario.

Fito Páez en 2015 tocando junto a la Kashmir Orchestra en el Centro Cultural Kirchner (Ministerio de Cultura de la Nación, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

También representó el rock de los 90 en Argentina con Tercer Mundo, un álbum que buscó reflejar “una ventana al continente americano” basándose en sus viajes por América Latina. Sobre este proyecto, dijo: 

«(…) Las fiestas paganas, los curas se mezclaban con los terroristas, prostitutas intentando quitarle el dinero a los americanos. Me dije a mí mismo, hay un mundo muy intenso y poderoso aquí abajo. Quería reflejar eso». 

De ese álbum Y dale alegría a mi corazón se convirtió en una especie de himno en el fútbol argentino que podía ser entonado por cualquier hincha. Con El amor después del amor (1992), Páez se topó con uno de los discos más vendidos en la historia del rock en español, y así se fue consagrando y manteniendo como una leyenda del rock nacional.

Gustavo Cerati

En esta lista de solistas y cantantes argentinos de rock no puede faltar Gustavo Cerati (1959-2014), quien fue una de las mayores estrellas del rock argentino con gran influencia en su nación y en América Latina. No únicamente con la fundación de Soda Stereo, sino en su papel como frontman y como solista, lo que le valió el premio MTV Latin Legend en el año 2002. 

Cerati tocando con Soda Stereo en Santiago de Chile, en el Estadio Nacional, 2007 (Tomás Jorquera from Talca, Chile, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Cerati ya venía con influencias claras y marcadas, pero decidió hacer música que sonara como un sonido propio, que fuese reconocido como una de las características del rock nacional argentino. Gustavo Cerati aportó frescura e innovación al movimiento del rock en español y, por otro lado, sus letras introspectivas, entrañables y profundas se convirtieron en su sello personal. 

Las 10 mejores canciones del rock nacional argentino

El final de esta entrada queda marcado con las mejores canciones que han formado parte de la historia del rock argentino. A continuación, enlistamos las 10 mejores canciones del rock nacional argentino.

1. La Balsa – Los Gatos 

La Balsa, canción que escribió Tanguito e interpretó Litto Nebbia, se lanzó en 1967 y  desde ese momento quedó fijada como un himno para la juventud argentina, sobre todo entre los jóvenes de clase media de Buenos Aires que le daban play a la canción en fiestas, bares o en las reuniones en parques del país, en los días soleados. 

«… Y cuando mi balsa esté lista, partiré hacia la locura

Con mi balsa, yo me iré a naufragar».

El éxito de Los Gatos se reflejó en cómo fue vista por la sociedad y por la crítica musical; quedaron posicionados como una de las mejores bandas rock local en español, e hizo que  surgieran otras bandas como Manal, Almendra y Arco Iris.

2. Rasguña las piedras – Sui Generis  

Este es uno de los temas más conocidos de Sui Generis, tanto porque está escrita por Charly García, como porque guarda una historia o mito oscuro. Por ejemplo, decían que tenía que ver con el golpe militar del 76 en Argentina, con una hermana de Charly e incluso, que hablaba de una situación trágica con una novia. 

Sin embargo, el mismo Charly dijo que todo lo que se ha dicho sobre Rasguña las Piedras “son boludeces (una estupidez)”, y explicó:

«La canción es pura fantasía poética y la hice un día cualquiera. Estaba viviendo con María Rosa Yorio en una pensión y ella fue a comprar papas o algo así. Cuando volvió, la canción estaba lista».

3. De Música Ligera – Soda Stereo 

Puede que De Música Ligera (1990) sea una de las canciones más sonadas en Argentina y América Latina, porque rápidamente se esparció como una pólvora y se popularizó tanto, que sonaba en todos lados. 

Es una canción interpretada por Gustavo Cerati que habla de un amor y de una decepción, pero el sonido es pesado, intenso y atrapante. Posiblemente, sea un himno clásico en lo que respecta al rock nacional, pero también resalta la voz de Cerati, inigualable y exquisita. 

4. Demoliendo hoteles – Charly García

Esta canción de García forma parte de uno de sus mejores proyectos musicales, Piano Bar (1984), la cual cuenta, de cierta manera, como en un ataque de ira destrozó la habitación del hotel en el cual se estaba hospedando. No obstante, la letra no relata en sí el hecho, sino cómo se sentía:

«Yo fui educado con odio

y odiaba la humanidad

un día me fui con los hippies

y tuve un amor y también mucho más».

5. Jijiji (No lo soñé) – Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Hay algo interesante en esta canción, más allá de que el nombre es una onomatopeya, y es que fue escrita por su vocalista, El Indio Solari y el guitarrista Skay Beilinson, mientras estaban reunidos escuchando y disfrutando de las canciones de Jimi Hendrix. 

Sobre la letra, Solari le dijo a la revista Rolling Stone que no está hablando directamente del consumo de drogas en Jijiji (No lo soñé), sino de la “la psicopatía, de la paranoia, de todos esos males del promedio de la cultura rock”. 

6. Solo le pido a Dios – León Gieco 

En 1978, León Gieco escribió Solo le pido a Dios, una canción que fue prohibida, como otras canciones del rock nacional en la dictadura militar de 1976. La letra coincidía con la situación de la Guerra de las Malvinas y con el conflicto entre Argentina y Chile. En este sentido, la canción simplemente era un canto a la paz que fue censurado; con respecto a la historia de Solo le pido a Dios, Gieco contó lo siguiente:

«(…) Esa canción estuvo prohibida durante la dictadura y después, cuando perdimos la Guerra de Malvinas, la declararon de interés nacional. Me dio repugnancia por la gente que lo hizo, los militares, y dejé de cantarla por tres años hasta 1985 (…) Me sentí usado, son las estupideces que hicieron estos dictadores».

7. Presente (El momento en que estás) – Vox Dei 

Los comienzos del rock argentino también estuvieron marcados por canciones como Presente, que se lanzó en 1970, y se consolidó como uno de los clásicos de la historia del rock nacional argentino. Es una canción melancólica que narra un desamor de la adolescencia, Ricardo Soulé se encargó de la letra, y aseguró que de lo “fina” que es la vida y sus cosas; es decir nada es eterno, solo hay que disfrutar el momento en el que estás viviendo.

8. Y dale alegría a mi corazón – Fito Páez

Otro himno de la música argentina de los 90 es Y dale alegría a mi corazón, una canción que escribió Fito Páez en 1990. Fue un hit que, según cuentan los rumores, está inspirada en el legendario y polémico futbolista, Diego Armando Maradona (1960-2020), para “agrandar” la leyenda del 10 más grande de todos los tiempos. 

Es por ello que los fanáticos del fútbol argentino han adoptado Y dale alegría a mi corazón, como un himno para alentar a sus equipos.

9. Mil horas – Los Abuelos de la Nada

Todas las canciones de esta lista de hits de la historia del rock argentino tienen una historia detrás y un significado, debido al contexto en el cual se desarrollaron. En este caso, Mil horas no escapa de esa génesis; de hecho, dicen los historiadores que la canción puede ser una oda a las drogas o una referencia a la Guerra de Las Malvinas. 

No obstante, Andrés Calamaro, quien escribió la letra, dijo que se enfocó en los tiempos en los que estuvo enamorado de Cecilia Szperling, cuando estaba en el colegio, y él la esperaba cerca de su casa, en la calle Crámer. 

10. Seguir viviendo sin tu amor – Luis Alberto Spinetta 

Para finalizar, el rock se rinde ante las letras de amor de Spinetta, quien lanzó Seguir viviendo sin tu amor en 1991, una canción en la que El Flaco deja caer en los sonidos todo lo que estaba pasando con su esposa. 

Es un llamado a mantener la ilusión de un amor que se está en problemas, es un recordatorio de cómo se puede mantener viva la relación que los ha unido, pero sobre todas las cosas, es una canción introspectiva y profunda. 

Es posible que hayamos dejado a otros hits fuera de esta lista  para escuchar rock nacional, pero era necesario hacer el resumen de la historia del rock nacional argentino lo más centrado posible. Dicho, esto, sin lugar a dudas, es obvio que hay mucho más que decir sobre el rock nacional argentino, y también mucho material auditivo que enlistar, pero los mayores representantes del género están registrados en esta entrada; son personajes y bandas icónicas que quedaron marcados por siempre en la memoria musical de Argentina, toda Latinoamérica y el mundo.

Estrategias de fidelización: significado, tipos, y 5 ejemplos exitosos de estrategias de lealtad en marketing

Aunque pudiesen parecer una idea muy novedosa dentro del marketing, la verdad es que las estrategias de fidelización no son más que algunos conceptos básicos de la relación empresa-clientes, pero llevados al siguiente nivel con la incorporación de herramientas que permitan hacer un seguimiento y mantener una vía de comunicación constante entre ellos. Si hablamos de las mejores estrategias de lealtad, estás se reconocen por ser aquellas capaces de dar una respuesta rápida y eficiente a las necesidades reales de cada cliente de manera acertada, natural y sobre todo personalizada.

Indicadores de rendimiento (KPI):
Cuáles son, objetivos, ejemplos y cómo definir KPIs para tu empresa

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Estrategias de lealtad: La mejor forma de sobrevivir en el mercado actual

Las estrategias de lealtad no son más que la forma en que las marcas estudian cómo lograr la fidelización de clientes. Sin embargo, las técnicas para fidelizar clientes son un asunto bastante delicado que debe ser realizado por personas que realmente hayan sido capacitadas parar realizar dicha tarea.

Cuando investigamos más sobre qué es fidelización del cliente, encontraremos toda una serie de estrategias y herramientas diseñadas específicamente para una tarea específica. Brindarle a la empresa toda la información que necesita sobre sus clientes actuales. Una vez la empresa tiene a la mano todos los datos particulares de cada cliente, entonces es cuando la misma puede empezar a diseñar y ejecutar las estrategias de fidelización que mejor se adapten a sus objetivos.

En la actualidad, las estrategias de fidelización de clientes pueden dividirse en dos tipos los cuales son:

Estrategias de fidelización a corto plazo

De los tipos de estrategias de fidelización, las de corto plazo se caracterizan por ser mucho más directas y enfocadas en ofrecer un beneficio inmediato al cliente una vez que este ha concluido con su compra.

Estrategias de fidelización a largo plazo

Dentro de las estrategias y recursos utilizados para el marketing de fidelización, las estrategias de lealtad a largo plazo van más enfocadas hacía garantizar una experiencia general que resulte mucho más agradable para los clientes. Los servicios de atención posventa y las encuestas están entre los recursos más empleados dentro de las estrategias de fidelización a largo plazo.

Las estrategias de fidelización y el marketing

Si nos enfocamos en lo realmente agresivo e impredecible que son los mercados actuales, resulta mucho más fácil entender qué es la fidelización del cliente y por qué este tipo de estrategias pueden resultar tan beneficiosos para muchas empresas.

Pero el significado de fidelización dentro del marketing es más que solo obsequiar productos con cada compra y ofrecer descuentos. Las estrategias de fidelización se tratan de hacer uso de todas las herramientas y recursos que dispone la empresa para poder garantizarle a cada cliente una experiencia de compra agradable.

De esta forma cada cliente leal a una marca se convierte con el tiempo en un embajador de la misma, cuya función principal es la de comunicar las virtudes y beneficios de los bienes o servicios que presta la empresa a través de sus experiencias personales.

¿Cuáles son las estrategias de lealtad más eficientes?

La verdadera clave para saber cómo fidelizar a los clientes de una marca, empieza por comprender realmente el rol que tiene la confianza dentro del sistema del mercado actual. Por lo tanto, la manera de diseñar estrategas de fidelización efectivas empieza con hacer que exista una confianza mutua entre los clientes y la empresa encargada de hacerle llegar los productos y servicios que este requiere. Pero aunque suena bastante fácil, la verdad este es un proceso que involucra mucho más que solamente hacerles llegar un producto de calidad.

Las estrategias de fidelización en marketing utilizada por las grandes compañías modernas son una serie de procesos y sistemas establecidos para garantizar la satisfacción de los clientes, incluso mucho antes de siquiera se inicie el proceso formal de compra. Actualmente, muchos expertos en marketing y publicidad señalan que la forma más eficiente de estudiar el éxito de las estrategias de lealtad aplicadas por una marca, es observando el comportamiento de sus clientes hacia la compañía.

Como en muchas otras áreas del marketing, la fidelización de la marca con sus clientes es un proceso que solo puede ser ejecutado implementando ciertas herramientas de diseñadas para estimular ciertas emociones específicas del ser humano. Entre  las estrategias de fidelización más comunes tenemos:

Sistema de recompensa inmediata 

Una de las mejores estrategias para fidelizar clientes, es introduciendo un sistema de recompensas dentro de la mecánica que emplea la empresa para comercializar sus bienes o servicios.

A todos nos agrada la idea de sentirnos ganadores, muchas compañías lo saben y por eso implementas estrategias de lealtad basadas en los estímulos positivos.  Cosas como los premios, cupones u obsequios de la compañía, son una muy buena forma de ofrecerle a cada cliente una experiencia de compra mucho más positiva.

Servicios de posventas personalizados

Otro buen método para garantizar la fidelidad del cliente, es haciendo un seguimiento a través de un servicio de posventas. Una parte importante dentro de las estrategias de lealtad, es hacerle entender al cliente lo importante que es para la empresa poder garantizar su satisfacción.

Un servicio de posventas personalizado no solamente permite que el cliente sienta mucho más valorado por la compañía, sino que además le brinda la oportunidad de poder expresarse y entender lo valioso que resulta para la empresa el poder contar con su opinión.

Mail marketing

Una campaña de fidelización a través de Mail Marketing es una de las estrategias de fidelización más comunes que se utilizan hoy en día.

El correo electrónico es uno de los sistemas de mensajerías más privados para la mayoría de las personas. Por eso recibir cada cierto tiempo email por parte de la empresa y redactados específicamente para ese cliente en particular, resulta un método bastante efectivo para establecer un vínculo mucho más cercano entre un cliente y la propia compañía.

Sistemas de mensajería para asistencia  

Mantener una comunicación constante con sus clientes es otro aspecto dentro de las estrategias de fidelización de cualquier empresa. Y si además, se puede contar con un sistema o herramienta que permita mantener dicha interacción en tiempo real mucho mejor.

 Las sugerencias o quejas de parte de los clientes son una parte importante dentro de cualquier empresa que busca crear un vínculo de fidelidad con sus clientes. Por eso es tan curcial contar el apoyo de un personal que se especialice en esta área, ellos podrán estudiar con detenimiento cada caso y hacer lo posible para brindar una solución al problema para qué este no siga siendo un inconveniente para los clientes.

Beneficios por longevidad, frecuencia o recomendación 

Entre los mejores ejemplos de programas de lealtad tenemos aquellos que aplican muchos e-commerce y bancos actualmente, el cual consiste en un sistema de beneficios y recompensas para los clientes que llevan más tiempo con la compañía.

Para muchas marcas, las estrategias de fidelización tienen la finalidad hacer que los clientes recurran a la misma durante mucho tiempo. Por esto siempre es prioritario tener un registro actualizado de los clientes de la empresa, así se puede darle un incentivo adicional a aquellos que llevan más tiempo con la marca o que hagan uso de los servicios y productos ofrecidos con mayor frecuencia.   

¿Cómo se mide la efectividad de una estrategia de fidelización?

En un mercado tan agresivo y competitivo como el que existe de hoy en día, es mucho más importante tener conocimiento de qué es la fidelización de los clientes y cuáles son las estrategias que mejor se adaptan a cada compañía para lograr establecer un vínculo mucho más cercano con los clientes.

Las estrategias de fidelización, son claves para poder no solamente conseguir afianzar a los clientes con los productos y servicios que ofrecen las empresas. También, es una oportunidad perfecta para entender hacia qué sector de la población se está proyectando mejor la marca y cómo replantear su discurso mediático para que les resulte mucho más atractivo.

Pero a pesar de lo que muchos podríamos llegar a pensar, un cliente leal a una marca no necesariamente es aquel que más hace uso de los productos y servicios que la compañía la ofrece. Hablando en un lenguaje netamente de marketing,  existen diferentes tipos de lealtad que un consumidor puede mostrar hacia una marca.

Es por este mismo motivo que al buscar un ejemplo de programa de fidelización, podemos toparnos con múltiples estrategias mediáticas y publicitarias;  todas diseñadas con el propósito de darle a la compañía una imagen mucho más humana para que sus clientes pudiesen ser capaces de realmente crear una conexión afectiva con la misma.

No debemos olvidar que las estrategias de lealtad son parte de las herramientas de mercado que existen en la actualidad para consolidar a una empresa dentro de su segmento de mercado. Esto quiere decir, que existen algunos fenómenos claves que son de gran ayuda para medir su efectividad como por ejemplo:  

Aparición de nuevos clientes por recomendación

El objetivo fijo de todas las estrategias de fidelización es garantizarle a cada cliente una buena experiencia de compra.

Estudios recientes han comprobado que un cliente satisfecho es más que solo una persona que desea recurrir a la misma empresa cada vez que requiera de cierto bien o servicio específico. También son líderes de opinión con la capacidad de influir sobre un grupo determinado de personas, las cuales con el tiempo pasarán a convertirse en nuevos clientes potenciales para la compañía.

Uso del servicio prestado como referencias

Los planes de fidelización de los clientes poseen otros objetivos más allá de únicamente garantizar la lealtad de los mismos. Algunos son diseñados específicamente para que los consumidores comiencen a establecer criterios tener un criterio fijo sobre aquellos elementos que deben forman parte un buen servicio por parte de la compañía.

Entre mejor atendido se sienta un cliente por parte de una empresa, más exigente y  crítico será este cliente con los bienes y servicios prestados por la competencia. Justamente por este motivo, para muchas empresas es tan importante para la búsqueda constante de nuevas formas de mejorar sus estrategias de posventa y fidelización.  

Experiencia general del cliente

La mejor manera de evaluar la efectividad de las estrategias de fidelización y retención de clientes que implemente una empresa, es mediante el análisis de las experiencias de compra de cada de las personas que hacen uso de los bienes y servicios que dicha empresa les facilita.

En la actualidad, diversos estudios han demostrado que la experiencia general del cliente es capaz de influir en muchos otros aspectos más cruciales para la compañía como pueden ser el margen de ventas o las afiliaciones a los programas de beneficios que ofrecen. Mejorar la experiencia de compra del cliente es el objetivo principal de todas las buenas estrategias de lealtad.

Confianza

Una de las claves para saber cómo fidelizar clientes, se basa en establecer un vínculo entre ellos y la empresa que esté basado principalmente en la honestidad.

Toda compañía que planee implementar estrategias de lealtad con sus clientes tiene la responsabilidad de hacer todo lo posible para evitar perder la confianza de las personas que están dispuestas a pagar por los bienes y servicios que esta ofrece. Por lo tanto, la mejor de las estrategias de lealtad que se puede aplicar, es conocer bien los alcances y las limitaciones  para no ofrecer a los clientes ningún tipo de beneficio que la empresa no sea capaz de cumplir realmente.

Relación empresa – cliente

Una buena relación entre la compañía que ofrece los servicios y sus clientes es la prioridad para cualquier estrategia de fidelización. Pues la percepción general que el consumidor tenga sobre los servicios prestados, se verán reflejados directamente en la eficiencia de cada una de las herramientas que forman parte del sistema de lealtad de la empresa.

La forma más eficiente en que una compañía pueda establecer una relación sana con cada uno de sus clientes es ofreciéndoles un servicio de calidad, rápido, honesto y sobre todo; que esté enfocado en satisfacer las necesidades específicas de cada individuo que desea adquirir los bienes y servicios que ofrece la empresa.

Encuestas

Es prácticamente imposible hablar de estrategias para fidelizar al cliente, sin incluir las herramientas diseñadas para recolectar y almacenar todos los datos que la empresa necesita saber con respecto al servicio. Lo cierto es que la forma más rápida de conseguir este tipo de datos es aplicando una encuesta a los mismos clientes.

Como instrumento de recolección de datos, las encuestas cumplen una doble función dentro de las estrategias de lealtad. Pues este le permite a la compañía conocer como sus clientes reaccionan ante los tipos de programas de fidelización que implementan, al mismo tiempo que les da la oportunidad a los clientes de poder expresar su opinión basándose en su experiencia como base para su argumento.

Las 5 compañías que crecieron gracias a sus estrategias de fidelización

Si algo nos debe quedar muy en claro con respecto a las estrategias de lealtad que se usan actualmente en mercadotecnia, es que el alcance de las nuevas tecnologías y la expansión del mercado de los servicios han cambiado por completo la forma de hacer negocios.

Ya no basta con solamente ofrecer un producto elaborado con materiales de calidad, ahora,  la forma en que la empresa es percibida e interactúa con sus clientes son aspectos que tiene que ser abordados con extremo cuidado. Más aún, si dentro de las estrategias de lealtad que se planean ejecutar se encuentra el uso de las redes sociales como herramienta de difusión y promoción.

La opinión de una persona puede tanto atraer a posibles nuevos clientes, como también dañar de forma permanente la imagen de una compañía.

Es por esto que las estrategias de fidelización son abordadas por muchos expertos del tema, como una manera efectiva de darle una cara más humana a las empresas. Si nos basamos en qué es fidelizar al cliente, notaríamos que las emociones juegan un rol primordial dentro de las estrategias de lealtad que aplican las marcas.

Justamente por este motivo, muchas de las marcas más exitosas que conocemos en la actualidad deben una parte importante de su éxito a la buena implementación de estrategias de fidelización. Entre los mejores ejemplos, podemos citar casos como el de:

1. Coca-Cola

Resulta realmente complicado mencionar la palabra marca humana, sin hacer una referencia directa a Coca-Cola tanto en lo que respecta al ambiente corporativo como en lo comunicacional.  Las estrategias de fidelización de Coca-Cola son una muestra clave de cómo la empresa ha sabido adaptarse a los requerimientos del mercado durante los años.

Una de las estrategias de lealtad que le ha brindado mayor éxito a Coca-Cola en los últimos años, es el dejar de lado la venta del producto para concentrarse en vender las emociones que están directamente asociadas con ese producto.

Si bien en el sentido más técnico, Coca-Cola no es más que solo una bebida carbonatada sabor cola. Para muchos consumidores en todo el mundo Coca-Cola se ha convertido en un sinónimo de ciertas experiencias, la mayoría frecuentemente asociadas al entorno familiar.

2. Apple

De todas las marcas reconocidas internacionalmente, ninguna ha mostrado estrategias tan eficientes para captar clientes fidelizados que la compañía del legendario Steve Jobs.

Apple ha sido una de las compañías con un modelo de negocios tan eficiente, que se ha convertido en la referencia para muchas nuevas empresas de diferentes sectores. Esto incluye obviamente las estrategias de fidelización de clientes que aplican y los resultados que han obtenido de su implementación.

Pues a diferencia de lo que muchos pueden llegar a creer Apple no es solamente una empresa más que produce y comercializa productos electrónicos, sino que se trata de una compañía que diseño su propio tipo de tecnología. Esto les ha permitido ganar mucho terreno a lo largo de los años, ya que una persona que adquiere cualquier tipo de producto de Apple inmediatamente adquiere un compromiso de por vida con la marca y todos los servicios y beneficios exclusivos para sus clientes.

3. Starbucks  

Muchos expertos en marketing coinciden en que las estrategias de lealtad con los clientes ha sido uno de los factores claves para Starbucks. Y esto tiene bastante sentido si lo analizamos con detenimiento,  sobre todo considerando su segmento del mercado.

Al igual que otras empresas como Coca-Cola, las estrategias de fidelización que utiliza Starbucks no se encargan de comercializar el producto. Es más un asunto de vender la idea disfrutar la experiencia que ofrece la marca a sus clientes.

Detalles como personalizar los cafés y ofrecer a los clientes la posibilidad de disfrutar su pedido en un espacio acondicionado para tal fin, son muestras claras de cómo un servicio personalizado y una buena atención por parte del personal pueden convertirse en eso que ayuda a diferenciar a una marca del resto de su competencia.

4. Amazon

Amazon por mucho uno de los mejores ejemplos de relación con los clientes, especialmente cuando se trata de un segmento del mercado tan demandante como es el de las ventas de productos y servicios a nivel digital.

Si le preguntas abiertamente a cualquier usuario de esta plataforma digital qué es lo que hace a Amazon tan diferente a otros sitios web tan similares, y este seguramente contestará el servicio. Como hemos venido viendo a lo largo de todo el artículo, un buen servicio es la piedra angular de todas las buenas estrategias de lealtad.

https://www.youtube.com/watch?v=yV7L0TXllxw

El servicio de Amazon Prime se ha convertido en uno de los productos estrellas de la compañía en los últimos 5 años, permitiéndole desplazar por completo a otras plataformas como Hulu o Netflix. Y la clave de este éxito tan aplastante es justamente el programa de fidelización de servicios exclusivos que ofrece Amazon a todos sus subscriptores, permitiéndole a los mismos disfrutar de mucho más beneficios que solamente producciones exclusivas de la cadena.  

5. J.Crew

J. Crew es una compañía norteamericana fundada en el año de 1983 que se especializa en la venta de ropa, accesorios, joyería y calzado. En el año 2018 la compañía experimento un crecimiento importante en las ventas de algunas de sus marcas más importantes después de oficializar la implementación de su nuevo programa de lealtad.

Como muchas estrategias de lealtad, la idea principal de J. Crew era la de brindarle un mayor estímulo a sus clientes con la implementación de un sistema de recompensas el cual les facilitara acceso a algunos beneficios especiales por cortesía de la compañía y sus socios comerciales.

El sistema de lealtad de J. Crew es bastante sencillo de entender,  con cada compra que realice un cliente afiliado al programa de lealtad de la marca este va a acumulando puntos que posteriormente pueden ser canjeados por ciertos beneficios. Con este tipo de estrategias de fidelización la compañía no solo pudo estimular las ventas de ciertos productos, sino que además logró hacer que sus clientes se convirtiesen en embajadores oficiales de muchos de sus socios comerciales.   

No hace falta tener un título en marketing para darse cuenta de que si una marca desea sobrevivir dentro del mercado, esta necesita encontrar nuevas formas de hacerse notar por sus clientes. No importa si se trata de estrategias de fidelización enfocadas en darle mayor seguimiento al área de posventas dentro de la compañía o de planes para brindar un estímulo positivo a los clientes con estrategias de lealtad, lo cierto es que cuando se trata de preferencias de los consumidores; nada puede superar a una estrategia de mercadeo cuya finalidad sea a brindar un buen servicio.

Diosas mujeres: nombres, significado e imágenes de las 30 diosas mitológicas más importantes (griegas, romanas y nórdicas)

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Uno de los legados más importantes de las culturas antiguas es la mitología, simbolizada por los centenares de diosas mujeres y titanes que en momentos de resplandor, fueron venerados por la sociedad de aquel entonces. Si te apasiona este tema o se acerca un nacimiento y quieres ver opciones de nombres de diosas para niña, llegaste al artículo correcto, ya que conocerás a las diosas mitológicas más reconocidas dentro del mundo griego, romano y nórdico, incluyendo el significado de sus nombres e imágenes de obras de arte que representan a estas poderosas féminas.

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Reconocidas diosas del Olimpo griego

Una de las civilizaciones más reconocidas en todo el mundo es la griega, cuyo pasado se fundamenta en diversos mitos y fábulas que tienen como protagonistas a la diversidad de dioses que, de acuerdo a las historias, habitaron alguna vez el Olimpo. Por supuesto, las diosas griegas mujeres también eran dignas de admiración por el pueblo, que les adjudicó diferentes atributos y virtudes y, a manera de veneración, erigieron templos en su honor. Entre las diosas griegas hermosas, cuyos nombres siguen siendo utilizados en el presente, tenemos:

1. Afrodita

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Escultura de Afrodita, ubicada en el Museo Británico. (Servandogotor, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La diosa griega de la belleza y el amor es una de las más populares de esta cultura, además de ser una de las más representadas en obras de arte de talla mundial. Aunque existan otras diosas griegas de la belleza, Afrodita ocupa el lugar más alto en torno a esta virtud, y su nombre guarda relación con el término «aphros» que significa espuma en griego, haciendo alusión a la forma en que nació la diosa al emerger del mar.

2. Atenea

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Escutura de Atenea, ubicada frente al Parlamento de Viena, Austria. (Gryffindor, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Este es el nombre de las diosas griegas más emblemáticos, por tratarse de la antigua protectora de Atenas y de la deidad de la sabiduría, las ciencias y la guerra. Por tanto, su nombre significa la que posee profundos conocimientos, refiriéndose así a la gran inteligencia que poseía la divinidad.

3. Selene

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Cuadro «Selene y Endymion», de Albert Aublet. (Albert Aublet, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre los nombres femeninos griegos más hermosos se encuentra éste, asignado a una de las tres diosas de la Luna. De hecho, la denominación significa luz de luna, derivada del término griego «selas», con lo que se ha hecho conocida a esta hija de Hiperión y Tea.

Se trata de uno de los nombres de princesas griegas comúnmente utilizados en las mujeres.

4. Deméter (Demetria)

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Busto de Deméter, localizado en el Palacio Altemps. (Jastrow, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Un nombre griego de mujer muy popular es el que recuerda a la diosa de la cosecha y la fertilidad. Se le conoce también como la deidad madre por excelencia (de ahí viene su nombre), por su entrega al acudir en búsqueda de su hija Perséfone después de ser raptada por Hades y llevada al inframundo.

5. Artemisa

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Escultura de Artemisa, ubicada en el museo Louvre. (Eric Gaba, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Es la diosa de la naturaleza griega, ligada sobre todo lo que tiene que ver a la vida salvaje, la caza, el bosque, los nacimientos y la virginidad. Su nombre original es Artemis, y fue hermana gemela de Apolo, además de ser considerada pura, virgen, perfecta e impoluta por sus creyentes.

6. Cibeles

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Fuente de Cibeles, Madrid, España. (Carlos Delgado, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

De los nombres de diosas griegas y su significado, Cibeles guarda especial lugar en la memoria colectiva, por tratarse de la madre de todos los dioses, aunque sus antecedentes son muchísimos más antiguos, llegando a considerarse su veneración desde tiempos del Neolítico. Generalmente, es representada a bordo de un carro tirado por leones, como símbolo de superioridad en la madre Naturaleza.

7. Aura

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Cariátide o figura esculpida a modo de columna, representando a Aura, admirada en el museo Louvre. (Jastrow, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otro nombre de diosas griegas muy utilizado es éste, que recuerda a la deidad de la brisa, y precisamente este es el significado de este nombre. Era una diosa veloz como el viento, que solía cazar con su prima Artemisa en los bosques.

Se encuentra entre los nombres griegos para mujer más empleados en países de habla hispana.

8. Iris

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Representación de la diosa Iris en un cuadro de Pierre-Narcisse Guérin. (Unknown author, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otro de los nombres de la mitología griega que tal vez desconocías su origen es éste, que hace referencia a la diosa mensajera del Olimpo, trasladándose a través de un colorido arco que atraviesa los cielos.

9. Perséfone

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Perséfone, esculpida por Christian Friedrich Tieck. (Manfred Bueckels, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Aunque puede relacionarse este nombre con diosas malas, lo cierto es que se trata de la deidad protectora del inframundo, después del rapto sufrido por la doncella por parte de Hades, quien quedó enamorado de ella. Se le vincula con las estaciones del año, ya que de acuerdo a las leyendas, es devuelta a sus padres por el agresor, no sin antes obligarla a consumir unas semillas que hacen que regrese al infierno cada tercio anual.

10. Helena

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Helena de Troya en una obra pictórica creada por Evelyn De Morgan. (De Morgan Centre, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Uno de los nombres de reinas griegas más célebres y utilizados es el de la hija de Zeus y Leda, cuya huida a Troya desató una fuerte guerra entre espartanos y troyanos inmortalizada en la renombrada Ilíada de Homero. Su nombre significa brillante o resplandeciente, quizás haciendo referencia a la belleza de la mujer que posea el mismo.

Algunos nombres de diosas y su significado según la mitología romana

Otra de las culturas antiguas basadas en la mitología fue la romana, enclave que alguna vez albergó a uno de los imperios más poderosos del mundo. Puede que alguna vez hayas visto nombres de diosas griegas y romanas con similares atributos, y esto viene relacionado a que la civilización que hoy alberga a Italia, recibió fuertes influencias de la cultura helénica, sobre todo después de la conquista llevada a cabo por los romanos al territorio griego, adoptando así ideas propias de la religión del pueblo ocupado. De los nombres de mujer diosa más populares dentro de la mitología romana, se encuentran:

11. Venus

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«El nacimiento de Venus», cuadro del artista español Antonio María Esquivel. (Museo del Prado, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Este nombre de diosas y su significado es una clara muestra del sincretismo existente entre la cultura griega y romana, ya que es la deidad equivalente a Afrodita. Por tanto, de los nombres de diosas del amor más recurrentes tenemos a esta divinidad romana, que significa encanto, atractivo o gracia.

12. Diana

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Cuadro «Diana Cazadora», del pintor venezolano Arturo Michelena. (Residencia Presidencial La Casona, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otra diosa fruto de la equivalencia grecorromana, cuenta con los mismos atributos que Artemisa. Su nombre significa princesa iluminadora, y al igual que su par griega, se asocia con la naturaleza y la caza.

13. Irene

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Escultura de Irene ubicada en el Museo Arqueológico de Múnich. (MathiasKabel, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Es, de acuerdo a la etimología romana, paz y riqueza, por lo que las virtudes de esta diosa tienen vínculos con el significado de su nombre, que es bastante utilizado en países hispanohablantes.

14. Juno

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Cuadro «Júpiter y Juno», de Annibale Carracci. (Palazzo Farnese, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Su nombre se traduce como joven esposa, rol que cumplió al lado de Júpiter, dios principal de los romanos. Juno es la deidad de la fertilidad y la maternidad, al igual que protectora del matrimonio.

15. Minerva

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«Minerva Dressing», cuadro de la pintora italiana Lavinia Fontana. (Galleria Borghese, Public Domain , vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otro sincretismo grecorromano es la equivalencia entre Minerva y Atenea. Al igual que la diosa griega, a Minerva se le atribuye el don de la inteligencia y sabiduría, además de servir como protectora de Roma y de los artesanos.

La dualidad mitológica Minerva – Atenea es uno de los mejores ejemplos de la asimilación cultural y religiosas que llevó a cabo el imperio Romano al ocupar tierras griegas.

16. Felicitas

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Moneda del Imperio Romano cuyo reverso muestra a la diosa Felicitas. (Medium69, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Los romanos siempre buscaban alcanzar la prosperidad y la abundancia, por lo que su fe por lograr dichos propósitos se extendió hacia varias diosas. Una de ellas fue Felicitas, muy relacionada con la felicidad que traía la prosperidad, por lo que era frecuente su culto por parte de comerciantes que querían tener buenas ventas y negocios.

17. Victoria

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Relieve de la diosa Victoria, hallado en Itálica, antigua ciudad romana asentada en la actual Sevilla. (Jl FilpoC, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El significado de este nombre es conquistar, acción que se tomaban muy en serio los guerreros romanos al invocar a esta diosa, muy venerada en los ejércitos imperiales. Se dice que, alcanzado el triunfo, los romanos agradecían a la divinidad con sendos desfiles y ofrendas militares.

Es un nombre de uso común sobre todo en países de América Latina, donde se busca que la mujer poseedora de este nombre tenga las mismas cualidades que la diosa romana.

18. Flora

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La diosa Flora pintada por Alexander Roslin. (Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Se trata de la diosa de la primavera, los jardines y las flores, que era adorada por los romanos en la festividad llamada Floralia, la cual representaba la renovación o renacer del ciclo de la vida y se celebraba entre abril y mayo.

No es de extrañar entonces que las ofrendas hacia esta diosa fueran coloridas flores, ofrecidas en medio de suntuosos banquetes y bailes.

19. Aurora

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Aurora en una obra de arte de Jean-Honoré Fragonard. (Museum of Fine Arts, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta divinidad romana simboliza el amanecer, la llegada de un nuevo día y el resplandor propio del rocío. Era hermana de Helios, dios del sol, y de Selene, deidad de la luna; frecuentemente es representada en obras de arte rociando agua hacia la tierra con una jarra.

Cuenta una leyenda que el rocío que encontramos en las mañanas, son las lágrimas de Aurora al recordar a uno de sus muchos hijos, que resultó vilmente asesinado.

20. Fortuna

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Escultura de la diosa Fortuna, que se encuentra en el Museo de Constanza, Rumanía. (Cristian Chirita, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Como su nombre lo indica, esta diosa se asocia con la buena suerte, siendo una de las más admiradas por los romanos al acudir a ella pidiendo prosperidad, abundancia y calidad de vida, por lo que ocupó un lugar especial entre los dioses romanos, contando incluso con un santuario propio. La mayoría de las veces se le ha visto representada portando una cornucopia, otro símbolo de abundancia.

Importantes diosas mujeres mitológicas del mundo nórdico

Aunque no sea tan conocida como las culturas antecesoras, la región nórdica gozó de igual prestigio que las civilizaciones griega y romana, sustentado sobre todo por las leyendas surgidas en tierras escandinavas y que fueron relatadas, sobre todo gracias a la literatura referente a los vikingos. Así, las deidades de las narraciones germánicas también ocupan un lugar importante en la memoria colectiva, por lo que muchos nombres mitológicos de mujer se inspiran en estas creencias. Entre los más populares se hallan los siguientes:

21. Freyja

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Freyja inmortalizada en un cuadro de Nils Blommér. (Nationalmuseum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Existen muchos nombres de diosas de la belleza, y el de Freyja resuena en la región escandinava. Se dice que era portadora de una gran hermosura, sirviendo también como guardiana de la fertilidad, el amor y la lujuria, además de ser motivo de súplicas en algún parto para que llegara a buen término.

22. Sif

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Ilustración de la diosa Sif en el poema Edda. (Anónimo, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La esposa del reconocido Thor, dios del trueno, es la deidad nórdica de la fecundidad y la familia. Dueña de una belleza particular, por lo general se representa como una mujer de largos cabellos dorados o relacionada con un árbol de serbal.

Es una de las deidades más elogiadas dentro de la cultura germánica, la cual ha dedicado cientos de relatos en su honor, sobre todo durante el Medioevo.

23. Frigg

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«Frigg hilando las nubes», cuadro de John Charles Dollman. (H. A. Guerber, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Si bien se relaciona como la diosa principal de la fertilidad, lo cierto es que la esposa de Odín también era invocada por otras bondades, como el matrimonio, la familia, la maternidad y la armonía hogareña. Al igual que ocurría con Freyja, los vikingos pedían a Frigg al momento de un parto, siendo objeto de enorme admiración por el pueblo, que la representaba como reina del cielo y con palacio propio.

24. Hela

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Xilografía de Johannes Gehrts, mostrando a la diosa Hela. (Johannes Gehrts, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta diosa, hija de Loki y Angrboda, era venerada como la deidad de la muerte. Lo curioso en ella es que era representada por una mujer con dos mitades distintas; por un lado, gozaba de una belleza sin límites, mientras su otra mitad se asemejaba a la de un cadáver cuyo olor nauseabundo se percibía a kilómetros.

De acuerdo con la mitología vikinga, Hela fue confinada al infierno o Helheim por Odín por los peculiares rasgos ya descritos, por lo que rápidamente se dio a la tarea de recibir a vikingos muertos.

25. Jord

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Relieve de la Madre Jord, escultura de Stephan Sinding. (Hjart, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta giganta escandinava es la protectora de la naturaleza, la madre tierra y la vida vegetal en general, por lo que no es de extrañarse que su santuario se situara en el bosque para estar en contacto con el ambiente. Desde allí se encargaba de proteger a todo ser vivo, tanto animal como humano, siendo estos últimos visitados frecuentemente por Jord a bordo de un carro remolcado por becerros.

Se considera una de las diosas nórdicas más importantes dentro de la cultura germánica, por la admiración que recibió de parte de los vikingos en pleno esplendor de su existencia.

26. Eira

Esta guerrera valkiria tenía el don de la curación, por lo cual recurría a recetas naturales para aliviar cualquier dolencia o enfermedad del devoto que acudía a ella por medio de oraciones. Por tanto, contaba con un profundo conocimiento del poder de las plantas, al igual que muchas mujeres que realizaban esta práctica, muy extendida en las regiones montañosas.

Se trata de una de las diosas más representativas de la cultura vikinga, por ser practicante de lo que se conoce hoy en día como medicina ancestral o natural.

27. Sigyn

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Loki y Sigyn, representados en un cuadro de Mårten Eskil Winge. (Mårten Eskil Winge, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La diosa nórdica del duelo y la compasión tiene una historia muy particular, ya que se trató de la segunda esposa de Loki, que lo acompañó cuando el dios de las trampas fue encarcelado, dándole su apoyo incondicional para que su compañero soportase el castigo de forma más amena.

Hoy en día, es bastante recordada sobre todo en los relatos míticos de Islandia.

28. Var

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Cuadro de la diosa Var. (SergioB l Twitter).

La diosa benevolente del mundo vikingo era protectora de los acuerdos, los matrimonios y los contratos, por lo que se acudía en oración hacia ella en caso de alguna promesa entre parejas, llegando incluso a castigar a aquellos que osaran incumplir este sagrado compromiso.

De hecho, en algunas leyendas nórdicas, se describe a Var como divinidad poseedora de una gran paciencia para escuchar súplicas y promesas de fidelidad, estando tan comprometida en estos juramentos que vigilaba celosamente su ejecución.

29. Syn

La sirviente de la diosa Frigg era invocada en caso de que una persona fuera enjuiciada, por lo  que se le adjudican dones como la verdad y la vigilancia. Como habitante de Asgard y protegida de Odín, tuvo como tarea esencial la de proteger el reino de agentes extraños al lugar, evocando así su principal atributo como diosa vigilante.

Sus acciones son reconocidas en el mundo gracias a la literatura escandinava, específicamente, por medio de la Prosa Edda, versos donde la deidad es mencionada en múltiples ocasiones, hecho que demuestra lo fundamental que era su papel dentro de la vida en Asgard.

30. Nótt

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La diosa Nótt como «La noche», título de esta pintura de Peter Nicolai Arbo. (National Museum of Art, Architecture and Design, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La abuela de Thor fue una divinidad vinculada con la oscuridad, por lo que era considerada la diosa de la noche, la cual recorría al galope de su caballo Hrimfaxi. Ha sido representada en obras de arte como una mujer sombría de cabellos negros, simbolizando así su rol dentro de la comunidad de dioses. En su vida, se dice que se casó hasta en tres ocasiones, vinculándose con otros dioses nórdicos.

Evocando a las diosas mitológicas más populares del mundo griego, romano y nórdico, se puede ver la diversidad de nombres que en la actualidad siguen utilizándose al ser inspirados por estas divinidades. Las diosas mujeres no solo ocuparon un sitial de honor en la veneración politeísta de estas tres culturas importantes, sino que también, según las numerosas leyendas relacionadas con ellas, tenían en sus manos el destino de la sociedad que en aquel entonces brindaban su fervor hacia ellas. Hoy, estas deidades son recordadas como símbolo del poder ejercido por las féminas, hecho ha quedado inmortalizado por la historia.

Cinco noticias clave del martes 8 de febrero

Implante espinal permitirá que personas paralíticas vuelvan a caminar

Tres parapléjicos podrán caminar, nadar y andar en bicicleta por primera vez en años después de que se les colocara un revolucionario implante de médula espinal. De acuerdo a los investigadores que están a cargo del estudio, el dispositivo, que funciona estimulando la región de la médula espinal que activa los músculos del tronco y las piernas, fue tan efectivo que todos los pacientes pudieron ponerse de pie y caminar solo un día después de que se activó. 

Detallaron que el dispositivo está hecho de cables blandos implantados diseñados para “colocarse debajo de las vértebras, directamente sobre la médula espinal”, e indicaron que puede activar la médula espinal “como lo haría el cerebro de forma natural para que el paciente se ponga de pie, camine, nade o ande en bicicleta”.

Por otro lado, los expertos advirtieron que su dispositivo no es una cura para una lesión en la columna y que la tecnología aún es “demasiado complicada” para usarla en la vida cotidiana. No obstante, consideran que, hasta ahora, el desarrollo del implante espinal ha sido “asombroso’. 

Las heces y la orina de los perros podrían estar dañando las reservas naturales, según un estudio

La Sociedad Ecológica Británica reveló en un nuevo estudio que los perros que se pasean en las reservas naturales aportan una “cantidad significativa de nutrientes al medio ambiente a través de sus heces y orina”, pero podrían estar afectando de forma negativa en la biodiversidad local.

Además, han estimado que cada año las heces y la orina de los perros “añaden una media de 11 kg de nitrógeno y 5 kg de fósforo por hectárea a las reservas naturales cercanas a la ciudad belga de Gante”. Los investigadores también aseguraron que los nutrientes agregados a través de esta forma de “fertilización descuidada” son grandes y podrían ser perjudiciales para la biodiversidad y el funcionamiento del ecosistema.

En este caso, explicaron que la adición de nutrientes a las reservas naturales puede parecer beneficiosa, porque podría traducirse en un mayor crecimiento de las plantas; sin embargo, ocurre principalmente “en un número limitado de especies que demandan nutrientes que superan a los especialistas más raros, lo que reduce la biodiversidad”.

un museo libanés devuelve a Irak más de 300 artefactos presuntamente robados

Recientemente, se anunció que el Líbano devolvió a Irak un tesoro de objetos arqueológicos, incluidas más de 300 tablillas cuneiformes; los objetos presuntamente saqueados de varios sitios arqueológicos iraquíes, y se exhibían en el Museo Nabu, una institución privada en el norte del Líbano fundada por el empresario Jawad Adra y su esposa, la exministra de defensa libanesa Zeina Akar. 

La entrega se dio mediante una ceremonia en el Museo Nacional de Beirut, a la que asistieron el Ministro de Cultura libanés Abbas Mortada, el embajador iraquí en el Líbano Haydar Chayyah Barrak y Adra. En el sitio, Motada dijo que “Beirut está en los corazones de los iraquíes, al igual que Bagdad está en los corazones de los libaneses”, mientras que Barrak expresó su agradecimiento “por la continua cooperación que hizo posible este final feliz”. De forma total se devolvieron  337 artefactos.

El asombro pueden motivar a las personas a ser “más auténticas”, según expertos

Un nuevo estudio de la Universidad de Pekín sostiene que el asombro “despierta la autotrascendencia” y ayuda a las personas a acercarse a su verdadero yo “auténtico”. Definieron al asombro como la sensación de que la persona está “en presencia de algo enorme que desafía su visión del mundo y tu lugar en él”, así que el yo auténtico “es quien realmente eres, teniendo en cuenta tus metas, aspiraciones y valores”.

En su estudio, los investigadores dedujeron que los sentimientos de asombro estaban vinculados “a puntajes más altos de búsqueda auténtica de uno mismo, pero también que estos puntajes a su vez estaban vinculados a sentimientos prosociales más fuertes”.

Asimismo, recordaron que es posible que el miedo o la sensación de amenaza “funcione de manera diferente, y no fomente la autotrascendencia y los sentimientos más prosociales”..

Aseguran que la ropa negra, roja y naranja es blanco fácil para los mosquitos

Científicos de la Universidad de Washington sugieren en su nuevo estudio que los mosquitos, “después de detectar un gas revelador que exhalamos, vuelan hacia colores específicos, incluidos el rojo, el naranja, el negro y el cian”. En este sentido, explicaron que estos insectos voladores se sienten atraídos por los colores rojizos e ignoran el verde, el morado, el azul y el blanco. 

Sin embargo, detallaron que los mosquitos encuentran huéspedes independientemente de la pigmentación general, porque la piel humana “emite una fuerte señal  de color rojo anaranjado a sus ojos”. 

Concluyeron que se mueven por la sangre que es detectada con su olfato, pues cuando huelen compuestos específicos, “como el CO₂ de nuestro aliento, ese olor estimula los ojos para buscar colores específicos y otros patrones visuales, que están asociados con un huésped potencial, y se dirigen a ellos”.

Futurismo literario: qué es, etapas, temas y obras literarias del movimiento de vanguardia futurista

El futurismo literario nació con la fiel necesidad de no solo quedarse plasmado en las artes plásticas. Los escritores que decidieron adentrarse en dicha corriente encontraron en la vanguardia futurista un método de escape para dejar ir sus emociones, utilizando un lenguaje bastante avanzado para su época. En esta entrada, develaremos todo acerca del futurismo en la literatura.

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¿Qué es el futurismo literario?

Muchos se preguntan, ¿en qué consiste el futurismo literario? Y la respuesta es simple: es un género literario que se basó en introducir un nuevo lenguaje, incluyendo más descripción de hechos sin un hilo conductor definido mediante el uso de las nuevas tecnologías de la época. El futurismo como concepto surgió a mediados del siglo XX y se interpuso como una nueva vertiente de la corriente artística futurista. En aquel momento, el futurismo ya se estaba haciendo conocido en otras ramas como en las artes plásticas, aunque no se nombrara como tal.  

Entre la población de Italia resonaba la interrogante qué es futurismo, hasta que el movimiento en general fijó su postura: surgió de la urgencia de dejar atrás a la literatura y poesía convencional, luego llegó a ser parte de otras corrientes del arte. por ejemplo, el futurismo en la poesía abarcó temáticas que iban más allá de amor. La política, la intelectualidad y la moral eran tópicos con fuerte presencia entre el movimiento vanguardista del futurismo.

La vanguardista futurista inició en Italia y con el tiempo influyó en otros países de Europa, en especial en Rusia. Es también conocido como el futurismo en 1909, puesto que en ese año se consolidó como una corriente artística en el ámbito de la literatura.

Épocas de auge de la corriente literaria del futurismo

La historia reconoce que el editor y crítico italiano, Filippo Tommaso Marinetti fue el creador del futurismo literario. El movimiento se consolidó –finalmente- en 1909, pero aunque existen interrogantes acerca de dónde surgió el futurismo, este se originó en Italia, pero se dio a conocer también en Francia y otros países europeos.

Al principio, llamó la atención de los jóvenes, ya que era un llamado abierto a arropar lo que se conocía como la modernidad y los nuevos avances de la sociedad, además de atacar directamente a las instituciones culturales tradicionales como los museos y los teatros. En la primera era, los temas del futurismo eran tajantes, con algunos matices de violencia y con una clara postura a otras dinámicas que estaban surgiendo como la feminidad, el esteticismo vano y el moralismo.

Desde el primer manifiesto publicado por Marinetti, el movimiento atrajo un gran número de intelectuales. Para la época de 1910, el movimiento poético del futurismo era un poco más sólido.

La vanguardia y futurismo llegaron a otras aristas artísticas como lo son la música, la arquitectura, la escultura e incluso se escribieron manifiestos sobre la lujuria y la feminidad. Incluso, para la Primera Guerra Mundial (1914), esa época del futurismo, el movimiento estableció una postura firme y aplaudió la incursión de Italia a la guerra. De hecho, publicaron algunos manifiestos con la finalidad de crear una fuerte reacción en los pobladores.

Declive del periodo del futurismo literario

Para los años siguientes, las obras futuristas tomaron matices diferentes. Un ejemplo claro, es el manifiesto que se denominó –tiempo después- “Remodelación futurista del universo”, publicado por Giacomo Balla y Fortunato Depero en 1915, en él dejaron claro que tenían el objetivo principal de hacer cambios profundos en la humanidad desde la rama psicológica, fisiológicas hasta en el área social.

Después de la Primera Guerra Mundial, para el año 1919, el movimiento futurista se enfocó en la política, cambiando su agenda y establecieron un breve pacto con Fasci di Combattimento (Fasces Italianos de Combate), una organización política creada por Benito Mussolini en Milán.

Dicho hecho desencadenó otras alianzas políticas, cambiando un poco el rumbo inicial del movimiento vanguardista del futurismo.

Fue así como en el año 1922, escribieron una nueva publicación contunden que habla sobre el nuevo giro del movimiento “Manifiesto del Arte Mecánico Futurista”, firmado por Ivo Pannaggi y Vinicio Paladini, esto les permitió que más personas ligadas a la política se acercaran.

En esa época de futurismo, algunos miembros dejaron el movimiento y nuevas caras aparecieron, aun así su influencia continuaba con gran presencia en Italia. Fue hasta 1930 que el futurismo literario perdió su fuerza y esto se debe a que las generaciones futuras del movimiento no jugaron un papel tan activo y otros miembros perdieron su vida en guerras y enfrentamientos.

Algunos libros de historia se señalan que el movimiento terminó para el año de 1944, mientras que otros dicen que unos años antes. No obstante, no se puede dejar de lado que existen obras futuristas que se mantienen vigentes en la actualidad.

Origen del futurismo

Todavía existen algunas dudas sobre cuándo surgió el futurismo o cómo surgió el futurismo, lo cierto es que los registros históricos señalan que Filippo Tommaso Marinetti –el creador de la corriente artística del futurismo- escribió el primer manifiesto en 1908, pero no fue hasta 1909 que se hizo conocido.

La primera vez que se habló en un medio de comunicación sobre la corriente literaria, fue el 20 de febrero de 1909 que apareció en una publicación del diario Le Figaro, originario de París. En dicha publicación se mostró una imagen de su creador.

Entonces, ¿dónde surge el futurismo literario? En Italia y se extendió a otros países de Europa, en especial en Rusia, nación en la cual se creó una vanguardia futurista con una fuerte exposición.

Por su parte, el futurismo literario ruso se originó en 1910, pero –rápidamente- marcó una distancia entre el futurismo italiano, dejando de lado el interés por la tecnología, las máquinas y el afán de cambiar el pensamiento de las masas.

El movimiento vanguardista del futurismo ruso centró sus esfuerzos en la prosa, el verso, el uso creativo de la rima. Aunque, no pasó desapercibido en la política, puesto que algunos miembros escribieron literatura y poesía a favor de la revolución bolchevique.

Historia del futurismo

Como hemos mencionado antes, el creador del futurismo literario fue Filippo Tommaso Marinetti (1876–1944), pero para contar la historia del futurismo es importante hablar sobre los comienzos de Marinetti y qué lo impulsó a crear dicha corriente de pensamiento.

Estudió Derecho entre los años 1895 y 1899, esto le permitió tener acceso a muchos escritos, libros y forjar ideas sólidas sobre las teorías relacionadas a la política moderna. Después de esto, se interesó por la política práctica de Italia, es decir, se involucró más en ese ámbito de lo que ocurría en su país.

Tiempo después, Marinetti comenzó a interesarse un poco más por la literatura, pero nunca se desvinculó de su interés por la política. Existen obras futuristas –hoy conocidas así- escritas por él que sirven como testimonio de su evolución ideológica y en los que figuran los manifiestos futuristas de los años posteriores.

Asimismo, el ímpetu de crear un movimiento literario de tal magnitud pudo haber sido influenciado por su estilo de vida. Nació en Alejandría, Egipto y también tuvo una breve parada en París en 1894, de esa oportunidad, pudo observar los avances modernos de dicha civilización.

Es importante mencionar que: Italia no se estaba quedando atrás, dentro del país se estaban gestando grandes cambios y con la llegada del capitalismo industrial, la nación europea vio grandes cambios en algunos aspectos.  

Un ejemplo claro fueron las ciudades de Turín, Milán y Génova que fueron las primeras en tener sistemas de transporte público.

En aquel entonces, el contexto histórico y social del futurismo era difuso porque de un lado había cambios industriales y por el otro la mentalidad de la sociedad estaba quedando en el pasado.

Esta última situación encendió las alarmas de Marinetti, quien pensaba que los artistas de la época no estaban aprovechando los logros del Renacimiento, entonces fue cuando ideó la manera de que eso cambiara.

Etapas del futurismo literario

Antes de llegar al futurismo en 1909, hubo varias etapas del futurismo literario. Se puede decir que la primera fue en 1908, antes de la fundación formal de la corriente vanguardista, en ese año Marinetti tuvo un intento de fundar una escuela artística con la que tenía la clara intención de derrotar lo que se conocía como el Dinamismo –un movimiento filosófico con mucha presencia en la época-.

Después de eso, viene la segunda etapa de la vanguardia futurista: Presencia en los medios masivos. Como Marinetti era editor de una revista llamada “Poesía”, tenía una plataforma de contactos y así fue como llegó al diario parisino “Le Figaro” y el futurismo como concepto cobró fuerza.

Fue así como el creador del futurismo como movimiento literario aseguró que recibió más de 8.500 cartas de afiliación. Los jóvenes eran los que tenían mayor intención de ser futuristas.

En 1909, el futurismo tenía pocos miembros y solo eran escritores. A parte de Marinetti, también estaban Paolo Buzzi, Enrico Cavacchioli, Corrado Govoni, Libero Altomare, Federico de Maria y en ese momento había dos secretarios: Decio Cinti y Lisa Spada.

Al año siguiente, la historia del movimiento futurista era otra: se había convertido en la corriente artística del futurismo, ¿Por qué? Porque se unieron otras vertientes del arte. Es decir, ya la vanguardia futurista no estaba compuesta por poetas y escritores, se unieron músicos, pintores y otros artistas.

De pasar de tener su centro principal en la ciudad de Milán, el futurismo literario echó raíces en otras ciudades y se fue expandiendo por el resto de Italia con excelente receptividad.

Incluso, años después se hablaba de un futurismo que llegó fuera de las fronteras europeas, se extendió hasta en América Latina.

Del mismo modo, el futurismo literario se fue dividiendo en diferentes ramas, perdiendo el sentido original de su creación.

Características del movimiento del futurismo literario

Como se trata de un movimiento que tuvo varias etapas, es lógico que tenga características que lo diferencian y le permitieron dejar una huella en la era artísticas de Europa.

Urbanismo y modernidad 

Dentro del futurismo literario, el urbanismo y la modernidad se unían. Es decir, ambos elementos estaban presentes en el movimiento artístico. Recordemos que siempre intentaron mirar más allá e imaginar un mundo de posibilidades, a nivel arquitectónico e industrial.

Medios alternativos de difusión

¿Medios alternativos? Sí, el futurismo en la historia demostró que para sobrevivir tantos años debían crear medios alternativos para contar lo que querían decir. Realizaban eventos de diferentes magnitudes para darse a conocer, tales como “tardes futuristas”, en las cuales sus exponentes se encargaban de hablar de las obras más resaltantes.

Del mismo modo, creaban panfletos con los manifiestos que repartían por las calles de Italia, hicieron carteles con poesía futurista y más adelante aparecieron en revistas mostrando la combinación del movimiento artístico futurista. En una misma publicación se podían incluir tanto pintura, como poesía y pronunciamiento de origen teórico.

Un lenguaje propio

Para resaltar de los diferentes movimientos literarios que se estaban formando en aquel entonces, los escritores futuristas recurrieron a crear un lenguaje propio que logrará impactar en los lectores.

Dejaron de lado los eufemismos y apostaron por un lenguaje tajante, tanto que para algunos era considerado violento.

Características de las obras del futurismo literario

Las obras literarias del futurismo tienen cualidades únicas, las cuales les permitió al movimiento tener un hueco en la historia. La vanguardia futurista no era típica y rompió con todos los paradigmas que se tenían en aquella época –mediados del siglo XX-, a pesar de que para muchos fue una corriente que se caracterizó por la violencia y por su postura a favor de la guerra, los escritores lograron reunir un gran número de seguidores.

Innovación

El movimiento poético del futurismo se caracterizó por la innovación y la originalidad. Esa posibilidad de imaginar un futuro y no hablar de lo que sucedía en el presente. Dejar de lado sensaciones de la vida cotidiana para hablar de aquellas que la gente no solía describir como la agresividad, el odio hacia ciertas cúpulas de la sociedad, la necesidad de incorporarse a la guerra y experimentar la exaltación de matar en nombre de tu país.

No mencionar el pasado

Entre los temas del futurismo no era común mencionar el pasado. Los futuristas –desde el principio- se divorciaron del pasado y decidieron enfocarse en el futuro. Dejaron claro en evidencia su rechazo a las formas de artes tradicionales y manifestaron su necesidad cambio.

Por esta razón, las obras literarias del futurismo rompen con los elementos tradicionales de creación y en algunos libros o poemas se evidencia que no hay un hilo conductor de los hechos.

La necesidad de hacer revolución

El futurismo literario se creó con el único propósito de crear una revolución. Esa necesidad de romper con el molde y de tratar temas pocos comunes. La vanguardia futurista creó sus propias reglas y el idealismo influyó en gran parte de las obras.

Adoración por las máquinas

Vanguardia y futurismo: Dos palabras que el movimiento futurista unió para siempre y esto lo demostró en sus obras literarias, ya que expresaban una gran adoración por las máquinas.

Los escritores y artistas futuristas veían con ojos de gloria la aceleración de la industrialización e imaginaban cómo las máquinas podían influir en la vida cotidiana. Sin embargo, dicha situación atrajo diversas críticas, en especial de la zona más conservadora de la población europea.

Sentimiento nacionalista

Entre los temas que aborda el futurismo está el nacionalismo. Las obras y los manifiestos futuristas dejaron claro su posición desde el primer momento. Quizás por esta razón, algunos expertos señalan que al futurismo como un antecedente del fascismo.

Entre las obras futuristas se mencionaban tópicos relacionados al militarismo y la guerra, para ellos los enfrentamientos eran necesarios. 

El tiempo como mecanismo de inspiración

El modernismo y la tecnología eran dos temas apasionaban a los futuristas o a los escritores del movimiento literario del futurismo, es por ello que en sus obras estaban muy presentes elementos que forman parte del tiempo como los son el movimiento, tiempo, fuerza, la energía y la velocidad.

Estos últimos, eran necesario para mostrarle a los lectores o espectadores cómo sería el futuro.

Principales representantes de la vanguardia futurista

El movimiento artístico futurista se extendió por diferentes países de Europa y muchos escritores, poetas, pintores y músicas se unieron a él, existen figuras que forjaron la corriente y estuvieron desde su creación. Es por eso, que reunimos un listado de los principales representantes del futurismo literario.

Filippo Tommaso Marinetti

Por supuesto, en el primer lugar del listado está Filippo Tommaso Marinetti, quien fue el fundador de la corriente literaria del futurismo. Nació en Alejandría, Egipto en el año 1876 y falleció en Italia, en la ciudad de Bellagio, Italia en 1944.

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Retrato de Marinett de 1913 (it:Emilio Sommariva, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Gracias a su Manifiesto del Futurismo, se dio a conocer el movimiento artístico del futurismo, recordemos que fue publicado en 1909. En él hablaba de las “reglas” del futurismo y entre ellas resaltan controversiales afirmaciones como: “Pretendemos glorificar la acción agresiva, la vigilia inquieta, la vida al doble, la bofetada y el puñetazo”.

Su poesía es considerada anárquica y tocó temas controversiales –incluso en esta época- como el racismo y la misoginia.

El estilo de escritora de Marinetti inspiró a otros artistas y su ideología quedó grabada en la historia.

Guillaume Apollinaire

El verdadero nombre de este pensador futurista era: Wilhelm Apollinaris de Kostrowitzky y nació en Roma, Italia en el año 1880 y falleció en París en 1918. Guillermo Apollinaire se convirtió en uno de los pilares de la poesía futurista y formó un papel importante en otros movimientos vanguardista del siglo XX.

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Placa mortuoria de Apollinaire en el bulevar de París (Wikimedia Commons / Mu, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

De sus aportaciones más importantes destacan la elaboración de poemas gráficos utilizando un género futurista llamado caligrama.

Del mismo modo, entre sus publicaciones populares destacan su obra futurista “El poeta asesinado”, la cual era un manifiesto para eliminar a los poetas que no profesaran las hazañas que traería el futuro consigo.

Giovanni Papini

Y entre los pensadores futuristas más importantes, no podría faltar Giovanni Papini. Este autor nació en Florencia, Italia en el año de 1881 y murió –en la misma ciudad-, en 1956. Fue un ferviente ateo en su juventud, sin embargo, después cambió sus ideales y se incorporó en la religión católica. Defendió las ideologías del creador del movimiento futurista y era conocido por sus publicaciones que iban en contra de las tradiciones. Es uno de los autores más principales de la literatura del futurismo.

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La tumba de Papini en el cementario de la Puerta Santa en Florencia, Italia ( Clara Polo Sabat, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre sus obras más importantes se pueden mencionar: “Un hombre acabado” en 1913. Como dato curioso, el escritor argentino, Jorge Luis Borges, sentía gran admiración por Papini.

Obras del futurismo literario

Durante los años del movimiento del futurismo, nacieron muchas obras y manifiestos, sin embargo, en esta selección hay tres que son un clásico dentro de la corriente artística del futurismo.

Mafarka el futurista (1909)

Mafarka el futurista fue la primera obra escrita por Filippo Tommaso Marinetti desde que inició el movimiento artístico.

Es un libro indispensable si se quiere entender más a profundidad qué es futurismo, en ella expresa los primeros manifiesto y establece su posición clara sobre las tradiciones y el futuro.

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Editorial Doble.

El bestiario o el cortejo de Orfeo (1911)

El bestario o el cortejo de Orfeo es un libro que forma parte del movimiento poético futurista y se trata de poemas cortos con una carga de elementos simbólicos y que está acompañado de xilografías hechas por el conocido pinto de la corriente fauvista, Raoul Duf.

Es una obra que forma parte del arte del futurismo en sus primeros años, además que Apollinaire es uno de los escritores más destacados del movimiento.

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Editorial El Desvelo.

Gog (1931)

Esta obra fue escrita por Giovanni Papini y se convirtió en una lectura indispensable al ahora de hablar de futurismo literario. Es considerada por los expertos uno de sus mejores libros.

Se trata de una serie de argumentos filosóficos en los que incorpora elementos del futuro, pero usando un lenguaje clásico de los artes de los distintos futurismos: La sátira, dejando de lado los eufemismos y lo surreal.

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Editorial EPOCA.

El futurismo literario se quedó impregnado en la historia como un movimiento de vanguardia futurista que rompió paradigmas y en las que sus autores no tuvieron miedo para expresar sus emociones de las maneras más cruda posible, además de elevar su voz a favor de posturas poco conocidas y aceptadas en la Europa del siglo XX.

Optimismo inteligente: significado, características, ejemplos y libros de esta habilidad de la inteligencia emocional

Tener una perspectiva favorable de eventos futuros es lo que significa optimismo, cuando se mezcla con la acción obtenemos el optimismo inteligente. Desde la psicología positiva empieza a surgir este elemento tan presente en líderes junto con la inteligencia emocional, frases de autoafirmación entre otras cosas todo para concluir en el verdadero significado optimista.

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Optimismo inteligente, ¿qué es?

¿Qué es optimismo inteligente? ¿qué es optimista? ¿cuál es la definición de optimista? ¿cuál es el significado de optimista?  Y por último ¿qué es optimismo inteligente? Todas estas dudas serán respondidas.

Antes de entender las complejidades del optimismo inteligente hay que comprender el concepto de optimismo, este es definido como la tendencia generalizada de algunas personas a esperar los mejores resultados posibles en la vida. Pero ¿cuál es la diferencia entre el optimismo y el optimismo inteligente?

El optimismo inteligente es un concepto relacionado con la psicología positiva (rama que también estudia la inteligencia emocional) y popularizado en el mundo de los negocios y la superación personal. Su definición es una tendencia a esperar resultados positivos y percibir las cosas de manera más favorable que viene acompañada de una serie de actitudes y conductas.

Diferencia con el optimismo convencional

Es sencillo confundir ambos conceptos debido a su similitud, pero existe una diferencia clave que distingue al optimismo inteligente del simple concepto de optimista.

La diferencia entre el optimismo convencional y el optimismo inteligente es que este último va acompañado por la acción, no es solo percepción, sino que es utilizado para moverse hacia los objetivos.

Características

El optimismo inteligente es una característica de la personalidad que puede ser atractiva para muchas personas, estas son algunos de los elementos que lo conforman o que son relevantes para su entendimiento.

Puede desarrollarse

Esta es una habilidad que con práctica y terapia puede crecer en cada persona, con los ejercicios adecuados e implementados de forma progresiva es posible aprender a manejar las expectativas y la perspectiva en situaciones futuras.

Motivación

Parte clave del optimismo inteligente es el acompañamiento de una motivación dirigida al cumplimiento de los objetivos planteados, es una manera de utilizar la energía y la actitud para obtener resultados.

Útil para la resolución de problemas

Similar al punto anterior sobre la motivación el optimismo inteligente puede ser útil para la resolución de problemas, de la misma forma en la que la motivación puede dirigirse hacia el complimiento de metas, puede también dirigirse hacia la resolución de una situación adversa e inesperada.

Aun así, puede sentirse el sufrimiento

Es importante tener en cuenta que las personas optimistas, sin importar cuanta inteligencia emocional manejen no son inmunes al sufrimiento o la tristeza, estos son sentimientos humanos que conforman parte de la vida y tienen su función dentro del desarrollo humano.

Además, evitar el optimismo falso es clave para evitar el malestar, si la persona no se siente optimista no es saludable intentar forzarlo. Esto pudiese ser el inicio de un círculo vicioso en el que se experimenta malestar y se fuerza un pensamiento positivo, que produce como resultado más malestar. Al contrario, permitirse a uno mismo sentir emociones puede generar perspectivas importantes a la hora de ver de forma positiva eventos futuros.

¿Qué tipo de persona lo utiliza?

No existe un perfil de personalidad específico para estas personas, después de todo esta actitud es solo una de las características de una persona optimista sin embargo se pueden hacer asunciones acerca de qué clase de personas pudiesen interesarse en desarrollarla y utilizarla.

El propio significado de optimismo es popularmente asociado a personas alegres y proactivas, estas son algunas de las cualidades de líderes o de personas en búsqueda de mejorar su productividad laboral, por lo general estas personas son menos propensas a detenerse frente a los obstáculos o después de haber experimentado el fracaso.

Por otro lado, la actitud de estas personas puede incluso llegar a ser contagiosa, cuando su optimismo y determinación es percibido por colegas, compañeros o amigos estos pueden sentirse inspirados o más seguros en sus tareas, especialmente si el optimista en cuestión es el líder o jefe de un equipo.

Beneficios del optimismo inteligente

Ya comprendiendo y entendiendo qué es y cómo se ve el optimista inteligente, hay que describir algunos de los beneficios que experimentan las personas con esta habilidad, están presentes en varios aspectos de la vida diaria.

Beneficios en la salud

Existe una conexión entre la mente y el cuerpo que ha sido estudiada por la psiconeuroinmunología, esta investiga la comunicación entre el sistema neuroendocrino y el sistema inmune.

En términos muy simplificados se puede decir que el estado de ánimo tiene influencia en la salud y en el sistema inmune. Así pues, la actitud positiva que brinda el optimismo inteligente afecta también al estado de salud.

Beneficios en el trabajo

Uno de los beneficios que atrae más gente es el aumento de la productividad, por distintas razones ya sea para lograr obtener mejores resultados en el menor tiempo posible, disminuir la procrastinación o encontrar un puesto laboral más alto.

Lógicamente, una persona más motivada es más propensa a la acción y si dicha motivación va dirigida a los objetivos es más probable que esas personas obtengan más y mejores resultados.

Beneficios para el crecimiento personal

Por último, practicar el optimismo inteligente cuando es posible y acompañada de la atención psicológica puede ser considerablemente beneficial para el crecimiento personal especialmente si la motivación está apuntada a mejorar el estilo de vida.

Por ejemplo, la inteligencia emocional y el optimismo inteligente bien aplicado es útil en el desarrollo e incluso reparación de las relaciones interpersonales como pudiesen ser relaciones con familiares, amigos, parejas y colegas.

Otro escenario en el que el optimismo puede ayudar en la vida personal es durante el periodo de tiempo en el que se busca adoptar un nuevo hábito (hacer ejercicio, empezar a comer alimentos más saludables o mejorar los hábitos de sueño). Los primeros días de la creación de un hábito casi siempre son los más difíciles (y menos placenteros), esta es una de las razones por la cual tantas personas se dan por vencidas rápidamente, pero una actitud positiva es de gran ayuda para sobrellevar esos días tan complicados.

Hábitos para cultivarlo

Por supuesto, lo ideal es acudir a un profesional de la psicología con el cual crear un plan para desarrollar hábitos y moldear el esquema del optimismo inteligente. En caso de que sea imposible acudir con un psicólogo, hay algunos hábitos que pudiesen ayudar a fomentar esta conducta, o ejemplos de optimismo inteligente. Aun así, la primera opción debería ser contactar a un psicólogo profesional.

Dividir en pasos

Es importante manejar las expectativas, es común tener un objetivo final (por ejemplo, terminar un proyecto antes de una fecha determinada) pero ofuscarse en la meta final puede perjudicar el optimismo ya que estas por lo general toman tiempo y es natural sentirse desmotivado cuando la meta se percibe como demasiado lejana.

Es preferible meditar y escribir de forma detallada los pasos necesarios para llegar a la meta, mientras más pasos sean completados más sencillo será tener una actitud optimista hacia el siguiente.

Por ejemplo, en lugar de escribir simplemente “escribir el reporte mensual” es preferible dividirlo así:

  • Organizar el escritorio
  • Definir la estructura del reporte
  • Escribir el primer apartado
  • Escribir el segundo y tercer apartado
  • Revisar y buscar errores
  • Aplicar correcciones

Aprender de lo negativo

Este apartado es de los más importantes, el fracaso es algo inevitable y pensar que no se puede fracasar es un pensamiento peligroso. Sin embargo, obtener algo positivo de estas situaciones es un paso clave para moldear la perspectiva optimista.

Fracasar es frustrante pero tarde o temprano todos lo viven, es importante analizar qué ocurrió y cómo se puede evitar la repetición de los factores que causaron el fracaso.

Situaciones posibles de controlar

Por ultimo entender la naturaleza de las situaciones es una actitud que previene el planteo de objetivos poco realistas y al mismo tiempo el fracaso, hay que evitar confundir esperanza y optimismo inteligente.

Durante el planteamiento de los objetivos preguntar ¿puedo controlar esto? Ayuda. Por ejemplo, un objetivo como “ganar la posición de administrador en la oficina” está sujeto a la voluntad de terceros, porque será el equipo de selección de personal el que decidirá quién se quedará con la posición.

Por otro lado el objetivo “preparar y dar la mejor entrevista de trabajo posible” está mejor planteado porque depende totalmente del individuo, en otras palabras si no cumple el objetivo es por su culpa y no la del equipo de selección de personal.

Frases de optimismo inteligente

La definición o significado de persona optimista fuera de los autores puede ser algo muy personal, así como la forma de expresarla, estas son algunas de las frases que pueden esperarse de un optimista inteligente:

  • Soy capaz de alcanzar mis metas
  • ¿Qué aprendí de esta mala experiencia?
  • Puedo y voy a afrontar esta situación
  • Si no lo logré esta vez, aprenderé de mis errores y lo lograré a la siguiente.
  • ¿Qué beneficios obtuve de esto?
  • Si me lo permites puedo ayudarte
  • Soy una persona valiosa y competente
  • Mañana lo haré mejor que hoy
  • Creo que puedo lograrlo
  • Creo que puedes lograrlo
  • Hoy me siento bien

Resalta que varias de estas frases encajan bajo la definición de afirmaciones positivas, una técnica utilizada en varias ramas de la psicología como la psicología positiva (o como se le conoce a veces la psicología de las emociones positivas) dirigida a mejorar la autoestima y la motivación. Si bien son ejemplos de personas con optimismo inteligente desarrollado, también pueden ser frases para fomentar dicho optimismo.

Libros sobre el optimismo inteligente

Hay disponible mucho material de apoyo en cuanto al tema del optimismo inteligente y la psicología positiva en general, estos son solo algunos de los libros y ensayos al acceso de todos.

Aprenda optimismo

Del autor Martin Seligman uno de los padres de la psicología positiva, este libro está centrado específicamente al tema del optimismo, está acompañado de tests y sencillas técnicas para desarrollar el optimismo inteligente.

Editorial DeBolsillo.

Optimismo inteligente: psicología de las emociones positivas

Este libro sobre el optimismo inteligente aborda muchas de las preguntas y mitos que existen acerca de la temática, como por ejemplo ¿qué significa optimista? O ¿las personas inteligentes son pesimistas? lo cual puede ayudar a tener una idea más clara de la esperanza y el optimismo inteligente.

optimismo-inteligente-libro
Alianza Editorial.

Optimismo y salud: Lo que la ciencia sabe de los beneficios del pensamiento positivo

Otro libro que brinda herramientas para el desarrollo del optimismo especialmente en tiempos de adversidad con la particularidad de que este texto incluye un nivel de experiencia personal del autor, el Dr. Luis Rojas Marcos.

optimismo-inteligente-optimismo-y-salud
Editorial Grijalbo.

Inteligencia emocional

Un título obligatorio para cualquier persona interesada en la psicología positiva, Daniel Goleman llevó el concepto de inteligencia emocional a las masas, este concepto es relevante no solo para el optimismo sino también para las relaciones inter personales e intrapersonales.

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Editorial Kairos.

Considerando la definición de optimismo y de optimismo inteligente, se tiene que las personas que poseen estas actitudes tienen cierta ventaja a la hora de sobresalir en sus campos. Dicho eso el optimismo no es algo que deba forzarse, puede trabajarse, pero es un proceso que toma tiempo y como todo proceso tiene sus altibajos.

Bloqueo del escritor: causas del bloqueo creativo y qué hacer para superarlo (esquemas, ideas, libros…)

El bloqueo del escritor se produce en diversas etapas del proceso creativo. Famosos psicólogos han abordado el asunto estudiando a fondo el problema, el cual radica en la dificultad de generar ideas o desarrollarlas. Daniel Goleman (1946), quien ha llevado a cabo diversas investigaciones sobre la creatividad, es uno de los que tienen mayor autoridad en la materia del bloqueo creativo. Por lo profundo del tema, las estrategias no pueden basarse en dar un paseo, hacer dibujos o hablar con un amigo, como se enfoca en algunas ocasiones.

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Qué es un bloqueo creativo  

Las musas son caprichosas y frecuentemente no aparecen en el momento que las invocamos. El bloqueo al escribir se refiere fundamentalmente a esta metáfora, y suele manifestarse de diversos modos y en distintos momentos del quehacer creativo, lo cual produce frustración y puede ser causante del abandono de un proyecto.

Sin embargo, el bloqueo narrativo es parte del proceso creativo. Según dicen los autores de destacadas obras, la sensación de no tener un tema adecuado, no poder abordar el desarrollo de una idea, o perderse a mitad de camino, es como la noche que precede a la salida del sol.

Todos los creadores, aunque se trate de los más famosos y experimentados, hablan de que en algún momento han sufrido bloqueo artístico. Por esta razón, muchos de ellos han pospuesto durante largo tiempo obras que luego fueron grandes éxitos. Tal es el caso, por ejemplo, de Gabriel García Márquez, que renunció durante ocho años a su famosa novela “El otoño del patriarca”, después de haber escrito una gran parte de ella.

Según los estudiosos de este fenómeno tan usual, existen principalmente cuatro causas del bloqueo creativo del escritor, sobre las cuales comentamos a continuación.

No encontramos una idea relevante

En cuanto a esta circunstancia, puede suceder que no hallemos un tema, o que, por el contrario, acudan tantos a nuestra mente que no sepamos cuál elegir. Los dos problemas ocasionan parálisis, aunque por distintos motivos, y existen las respectivas estrategias para  superar el bloqueo del escritor en ambos casos.

No sabemos por dónde empezar

En este caso, el escritor ha concebido una buena idea y puede que hasta haya visualizado su desarrollo, pero no sabe cómo arrancar. Esto le sucede con frecuencia incluso a los escritores consagrados. Siguiendo con el ejemplo de García Márquez, quien ha hablado mucho sobre la creación de sus obras, él dice que a veces definir la primera frase de una novela le lleva más tiempo que escribir el resto.

Queremos escribir pero nos subestimamos

Muchas personas saben escribir muy bien y producen ideas brillantes, pero creen que no tendrán éxito y se autocensuran. Según Daniel Goleman, que ha estudiado a fondo el tema de la creatividad, existe la marcada tendencia a crearse barreras mentales, imponiéndose un bloqueo de la creatividad que impide desarrollar el potencial.

Empezamos a escribir pero no avanzamos  

El bloqueo creativo mayormente ocurre en esta fase. El escritor ha concebido un tema y lo desarrolla, pero llega el momento que no sabe cómo continuar o cómo concluir, abandonando en consecuencia la obra. De acuerdo a los expertos, esto sucede principalmente por no haber realizado la planificación adecuada. 

Quince maneras de evitar el bloqueo del escritor

Cada escritor tiene sus propios métodos para que las ideas fluyan, y también son muy valiosas las estrategias de los pintores ya que escribir y pintar son dos actividades artísticas muy parecidas. A continuación presentamos quince estrategias que se refieren a métodos para evitar el bloqueo, tanto por falta de ideas como por no poder desarrollarlas adecuadamente.    

1. Tomar nota de los sueños  

Las imágenes oníricas, que brotan de nuestro inconsciente cuando estamos dormidos, son una fuente inagotable de ideas. Dalí se acostaba con un cucharón pesado y dejaba el brazo fuera de la cama. Cuando se aflojaba la mano por el sueño, el ruido lo despertaba y entonces tomaba nota de lo que estaba percibiendo en ese momento. Esta estrategia, más allá de lo que hacía el famoso surrealista, indica la importancia de registrar las cosas que soñamos.

2. Escribir, escribir, escribir   

Un escritor debe escribir todos los días, no importa sobre qué. Bien sea acerca de alguna noticia que leyó o sobre un particular estado de ánimo. Esto se debe a que no sabemos en qué momento llegarán las musas, prendiéndose  la chispa y surgiendo la gran idea. Una famosa frase de Picasso es: “cuando llegue la inspiración que me pille trabajando”.

3. El poder de las imágenes  

A menudo recibimos imágenes poderosas del entorno, pero debemos estar atentos a ellas. Cortázar decía que las ideas le llegaban tal cual un pájaro que se posa en la ventana. Por su parte, Borges comentaba que no buscaba las ideas sino que éstas lo perseguían a él, y Gabriel García Márquez escribió “La siesta del martes”, que consideraba su mejor cuento, al ver una mujer y una niña que caminaban vestidas de negro bajo un sol inclemente.

4. Leer mucho y sobre cualquier tema

Se recomienda diversificar los materiales de lectura y no ceñirse únicamente a novelas o cuentos. La poesía es un insumo muy rico para generar ideas, porque los poetas trabajan con imágenes y expresiones de sentimientos muy potentes. Al respecto, otra anécdota del Gabo es que pudo retomar su libro “El otoño del patriarca” a partir de una lectura sobre animales, donde los elefantes le dieron la pauta para el perfil psicológico del personaje.

5. Visitar museos

Las pinturas transmiten sensaciones y emociones si nos exponemos a ellas durante el tiempo adecuado para que nos hablen. Las expresiones de los rostros pueden generar infinidades de ideas y muchas novelas y cuentos famosos han surgido a partir de la observación de un cuadro. Entre ellos, uno de los más conocidos es el relato corto de Aldous Huxley titulado “La sonrisa de la Gioconda”. Si te preguntas qué hacer cuando no tienes inspiración para escribir, una de las cosas más recomendables es que te des un paseo por los museos.

6. Los cuentos de la abuela  

Las abuelas y en general todas las personas mayores suelen contar cuentos, algunos insólitos, acerca de hechos que le acontecieron en su pasado. Igualmente, en todas las familias existen anécdotas, a veces hasta secretas, sobre alguna persona en especial. Volviendo a García Márquez, este autor dijo que su más famoso libro “Cien años de soledad” en gran parte está inspirado en la forma cómo su abuela le narraba algunas historias.

7. Qué pasaría si… 

Esta es una excelente estrategia, tanto para generar ideas como para construir las historias. Se trata de imaginar hechos inéditos, como por ejemplo qué pasaría si de repente la ciudad se llenara de violetas, o si una mañana amanecieras con alas. Aparte de que pueden surgir conceptos muy interesantes, es fácil visualizar su desarrollo al pensar en todo lo que podría suceder a continuación.

8. Tormenta de ideas  

Esta es una de las estrategias más utilizadas por los escritores. Se realiza una vez que el tema ha sido seleccionado para definir todas sus bifurcaciones. Por ejemplo, si vamos a escribir sobre los unicornios, existe mucha información en la memoria de largo plazo, pero además en el subconsciente, y según Jung también en el inconsciente colectivo. El objetivo sería escribir muy rápido todo lo que se nos ocurra sobre este mitológico animal, para luego concatenar las ideas.

9. La estrella de seis puntas  

Como la Estrella Polar que dirigía a los navegantes, ésta nos conducirá a través  de todo el proceso. Las seis puntas se refieren a las preguntas: quién o quiénes, dónde, qué, cómo, cuándo y por qué. Aunque no se vaya a ser explícito respecto a cada una de las interrogantes, ya que a veces lo que se insinúa tiene más poder de lo que se dice, la estrella es una guía para el escritor en cuanto al desarrollo de la trama.  

10. Planificar 

Si una historia no está bien planificada tiene pocas probabilidades de llegar a feliz término. En su libro “La cocina de la escritura”, Cassany explica muy en detalle lo concerniente a este aspecto. Se trata de delimitar lo que se pretende lograr con la historia, cuál será el tono y el ritmo, a quién estará dirigida, su extensión y cuáles serán los capítulos o partes de la obra. Definir el esquema para escribir un libro es una de las partes más importantes del proceso creativo para evitar bloqueos durante el mismo.

11. La estrategia de los círculos

El círculo es una figura de gran poder y significado. En esta estrategia el objetivo es visualizar tantos círculos como capítulos o partes vaya a tener el texto que vamos a escribir, y en cada uno de ellos anotar la frase de comienzo y la frase final de cada sección. Esto se convertirá en una importante dirección para la narración, porque nos señalará claramente la ruta a seguir.  

12. Escribir el capítulo clave

Aunque no se tenga claro cómo va a comenzar y a terminar la historia, seguramente en nuestra mente tenemos cuál será el meollo de la misma. Esta estrategia se basa en escribir ese capítulo crucial, donde se producen los acontecimientos más importantes de la obra, ya que a partir del mismo el autor puede moverse con mayor facilidad hacia adelante y hacia atrás de la narración.

13. No interrumpir la escritura   

Muchos escritores crean un cuento de un tirón en una sola noche si tienen la inspiración adecuada y han visualizado claramente la historia. Sin embargo, lo más probable es que la labor lleve varios días para su culminación. Al respecto, un consejo muy importante de Hemingway era no dejar la narración sin la claridad acerca de su continuación, ya que parar a destiempo podría implicar un bloqueo en la siguiente jornada. 

14. Superar el miedo

Uno de los factores más relevantes para vencer los bloqueos es eliminar los miedos y la autocensura. Esto se logra obviando la autocrítica y escribiendo con placer acerca de las ideas que hemos concebido. Hemingway también se refería con frecuencia a este elemento paralizante y bloqueador en los escritores, y decía que había que echar a un lado el temor sobre si la obra tendría éxito o no, así como despreocuparse del qué dirán.

15. El refrigerador  

Cuando hemos concluido el trabajo, es necesario “refrigerarlo” por algunos días y luego “descongelarlo” para su revisión. En este nuevo momento descubriremos importantes fallas de las que no nos habíamos percatado, tanto respecto al contenido como en cuanto a lo estético y la claridad en la exposición. Lo importante de esta estrategia es que, en la medida que estemos satisfechos con nuestra creación, será más estimulante continuar escribiendo.

Libros sobre el bloqueo creativo y las formas de superarlo

A través de sus obras, diferentes escritores han compartido sus experiencias y conocimientos acerca de cómo evitar o superar el bloqueo creativo. Los cinco libros que se presentan a continuación, y que recomendamos, son especialmente interesantes por su contenido práctico, que muestran diversas maneras de encontrar ideas para escribir y no perderse por el camino.

El espíritu creativo, Daniel Goleman (2009)

El psicólogo estadounidense Daniel Goleman (1946) se hizo famoso a raíz de su obra “La Inteligencia Emocional”. El principal planteamiento de “El espíritu creativo” es que todos podemos romper los bloqueos a través de ciertas estrategias y además enseña a desarrollar la creatividad en los niños, quienes tradicionalmente aprenden a cómo escribir derecho en una hoja blanca pero no a expresarse creativamente.

Bloqueo del escritor. El espíritu creativo. Daniel Goleman.
El espíritu creativo. Daniel Goleman. (Editorial B de Bolsillo, 2022).

Querer escribir, poder escribir. Javier Chiabrando (2007)

El escritor y facilitador de talleres literarios argentino Javier Chiabrando (1961) es el autor de este libro, que aborda todas las interrogantes acerca del proceso creativo. Mediante su lectura, se aprende cómo escribir tanto un cuento como una novela paso a paso siguiendo interesantes estrategias. Si quieres saber qué hacer cuando no puedes escribir éste es el libro ideal.

Bloqueo del escritor. Querer escribir, poder escribir. Javier Chiabrando.
Querer escribir, poder escribir. Javier Chiabrando. (Versión Kindle, 2018).

La cocina de la escritura, Daniel Cassany (1993)

“La cocina de la escritura” es uno de los tantos libros del filólogo catalán Daniel Cassany (1961) sobre el arte de escribir. Se enfoca en la enseñanza de estrategias para comenzar y la manera correcta de planificar un texto. Adicionalmente, trata sobre el dominio de las técnicas necesarias para que la escritura sea estéticamente atractiva. Si tienes la sensación de “se me ha olvidado escribir”, no puedes dejar de leer este libro.

Bloqueo del escritor. La cocina de la escritura. Daniel Cassany.
La cocina de la escritura. Daniel Cassany. (Editorial Anagrama, 1995).

Sobre el bloqueo del escritor, Victoria Nelson (1985)

Victoria Nelson (1945) es una investigadora y escritora estadounidense que tiene a su cargo el Programa de Escritura Creativa del Goddar College, una universidad de educación no tradicional especializada en creatividad. Éste uno de sus libros sobre el bloqueo creativo, el cual aborda las causas y propone estrategias acerca de cómo salir del bloqueo de escritor.

Bloqueo del escritor. Sobre el bloqueo del escritor. Victoria Nelson.
Sobre el bloqueo del escritor. Victoria Nelson. (Editorial Ariel, 2017).

La gramática de la fantasía, Gianni Rodari (1973)

Esta obra es uno de los clásicos que se utilizan en los talleres de literatura. Su autor es Gianni Rodari (1920-1980), un famoso pedagogo y escritor italiano que en este texto reseña 42 estrategias relativas al proceso de la escritura creativa. “La gramática de la fantasía” es el libro más recomendado para aquellos que han perdido la musa y se plantean cómo recuperar la inspiración para escribir.

Bloqueo del escritor. Gramática de la fantasía. Gianni Rodari.
Gramática de la fantasía. Gianni Rodari. (Editorial Booket, 2002).

Para concluir, y recapitulando lo dicho, el bloqueo creativo le ocurre a todos los que se dedican al arte en cualquiera de sus manifestaciones y sin importar su magistratura. En cuanto a la escritura, los expertos han desarrollado estrategias adecuadas para evitar el fenómeno conocido como bloqueo del escritor, de las cuales se han compartido quince recomendadas por reconocidos investigadores.