La NASA anunció que en 2031 sumergirá la ISS en Point Nemo
Recientemente, la NASA anunció que a principios del año 2031 los vestigios de la Estación Espacial Internacional (ISS) quedarán sumergidos en una parte remota del Océano Pacífico conocida como Point Nemo. En el informe, la agencia espacial dijo que han detallado que la ISS está en sus años finales tras un trabajo continuo desde el año 2000. Asimismo informó que:
«El sector privado es técnica y financieramente capaz de desarrollar y operar destinos comerciales de órbita terrestre baja, con la ayuda de la NASA (…) Esperamos compartir nuestras lecciones aprendidas y experiencia operativa con el sector privado para ayudarlos a desarrollar destinos en el espacio seguros, confiables y rentables».
Por otro lado, agregó que los demás miembros de la asociación de estaciones espaciales de 15 naciones estarán trabajando juntos “para garantizar que no haya una amenaza para la viabilidad a largo plazo de la ISS”, y recordaron que la ISS no puede durar eternamente.
Arqueólogos hallaron evidencia de los colonos griegos que pisaron Italia por primera vez
Arqueólogos que estaban trabajando en Velia, una ciudad en el sur de Italia que fue el hogar de una importante colonia griega hace mucho tiempo, descubrieron los restos de antiguos cascos de guerreros, así armamentos desgastados y una estructura de templo que se cree que fue construida por colonos que buscaron expandirse en el territorio italiano.
De acuerdo a los informes, los hallazgos se remontan a la Batalla de Alalia, que tuvo lugar en el siglo VI a.C, y explicaron que cuando ocurrió esta guerra “una fuerza griega de barcos foceanos logró la victoria sobre los etruscos y sus aliados cartagineses en una batalla naval frente a la costa de Córcega”.
Las excavaciones en Velia, en la región de Campania en Italia, también contaron con el descubrimiento de paredes de templos y vasijas inscritas que dejan ver su vínculo sagrado y a quiénes veneraban. El gobierno italiano dijo que este es el “templo arcaico más antiguo dedicado a Atenea” y aseguró que “es importante seguir invirtiendo con convicción en la investigación arqueológica” que sigue entregando piezas importantes de la historia del Mediterráneo.
Advierten que la exposición a la luz antes de dormir puede interrumpir el sueño de los niños
Un estudio liderado por la Universidad de Colorado Boulder, encontró que “la más mínima exposición” a la luz antes de ir a la cama podría interrumpir el sueño de los niños, argumentaron que la luz hace que los niveles de melatonina disminuyan en la hora anterior a la hora de acostarse, “lo que podría interrumpir el sueño de un niño mucho después de que se apague la luz”.
El estudio también sugiere que los niños en edad preescolar, en particular, son “muy susceptibles a los impactos fisiológicos de la luz nocturna”, y es sensibilidad varía en intensidad en distintos niños. Es por ello que los científicos hicieron un llamado a los padres a que controlen los niveles de claridad a los cuales están expuestos sus hijos antes de dormir.
La gente prefiere interactuar con robots femeninos en los hoteles, según un estudio
De acuerdo a una nueva investigación de la Universidad Estatal de Washington, las personas se sienten más cómodas hablando con robots femeninos que con robots masculinos que trabajan en roles de servicio en hoteles. Para llegar a esta conclusión, los expertos hicieron una encuesta a unas 170 personas en escenarios hipotéticos; la encuesta también encontró que la preferencia era más fuerte cuando los robots tenían más características humanas.
Además, resaltaron que las personas se sienten más cómodas cuando interactúan con mujeres porque “existe un estereotipo de roles” en estos servicios. También explicaron que este tipo de estudios sirven para que los desarrolladores de la inteligencia artificial en robots puedan identificar qué se puede mejorar para que los robots estén más presentes en distintas áreas laborales.
Aseguran que el olfato de los humanos se está volviendo menos sensible al olor corporal
Un equipo de investigadores de China asegura que no todas las personas experimentan los olores de la misma manera, ya que pueden variar en intensidad. Sin embargo, se enfocaron en los olores corporales y sostienen que la sensación del olor a sudor de los humanos puede estar disminuyendo un poco.
Según los científicos, esto se debe a una mutación en el receptor del olor corporal, que hace que sea más difícil detectar un olor desagradable. No obstante, no se trata únicamente del sudor, puesto que incluso los receptores del olor del perfume pueden estar disminuyendo en intensidad.
Este descubrimiento, de acuerdo a los expertos, respalda la hipótesis de que la sensibilidad del sentido del olfato de los humanos y otros primates, se fue degradando con el pasar de los años “debido a cambios en el conjunto de genes que codifican nuestros diversos receptores del olfato”.
Composiciones audaces, cambios de sonido arriesgados y una fuerza inevitable: El rock llegó para cambiar todo lo que se conocía de la música hasta ese momento. El rock tomó más relevancia en los años 60, cuando muchas bandas estadounidenses y grupos americanos se arriesgaron a combinar el rock con blues e incluso jazz. En esta entrada te presentaremos un listado de grupos de rock más famosos, comenzando en los años 60 hasta la actualidad.
Bandas de glam metal: Los 12 mejores grupos de hair metal de la historia (actuales, de los 80 y 90, en español…)
La música americana de los 60 se define como el inicio de la era más rockera de Estados Unidos. Algunos grupos musicales americanos de los 60 hicieron uso de influencias de la década de los 50, 40 y 30 para crear sonidos nuevos e innovadores. A continuación, un listado de las mejores bandas de rock americanas de los años 60.
1. Beach Boys
De los grupos de rock de los 60, Beach Boys tiene un lugar especial en la historia de la música de Estados Unidos. Sus canciones se caracterizan por la fusión, armonía vocal y fuerte composición.
Lo que hoy se considera el gran debut de la banda se suscitó en 1961, cuando salió a la luz “Surfin”, un tema que fue capaz de mezclar todo lo que estaba bien en ese momento: La juventud, el amor y la playa, además de tener pequeñas influencias de la música de los años 30 americana.
El grupo original estaba formada por Brian Wilson, líder y compositor de la banda, sus hermanos Carl y Dennis, su primo Mike Love y un amigo de la infancia Al Jardine. Durante su trayectoria han recopilado 29 álbumes de estudio y una cantidad aproximada de 71 sencillos. El último disco de la banda es “The Smile Sessions” (2011).
De las canciones de Beach Boys, “I Get Around” es una de las más populares, puesto que se convirtió en el primer tema número uno de la banda.
2. The Byrds
Los éxitos de The Byrds también tienen un lugar único en la música americana de los años 60. Se encargaron de popularizar el folk-rock en esa época y aunque su período fue breve, siempre serán recordados como un grupo musical de América que no le tuvo miedo a la innovación.
Un personaje que influyó en la calidad vocal de la banda fue Bob Dylan, este hecho quedó en evidencia cuando lanzaron su primer disco de estudio “Mr. Tambourine Man”, el cual salió a la venta en 1965 de la mano de Columbia Records.
El primer sencillo del álbum lleva el mismo nombre y posicionó a la banda entre los grupos de rock más famosos. ¿Cuál fue la clave de su éxito? Concuerdan los expertos que la armonía y la combinación luminosa de la guitarra de 12 cuerdas.
En 1991 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, siendo una de las bandas de Estados Unidos más importantes.
3. The Velvet Underground
La historia del rock estadounidense le tiene un sitio especial a “The Velvet Underground”. Se formó en la era de los 60 en New York. La banda fue formada –originalmente- por Lou Reed y John Cale, más adelante se unieron Sterling Morrison, Maureen Tucker y Nico.
El éxito les llegó de un flashback a The Velvet Underground y gran parte de la responsabilidad la tiene el artista plástico Andy Warhol, quien les presentó a la cantante alemana Nico y se convirtió en su manager. Como dato curioso de esa combinación salió el primer disco de la banda: “The Velvet Underground & Nico” (1967).
Dicho álbum se convirtió en uno de los debuts más importantes de la escena rockera en Estados Unidos, en aquel entonces. Se utilizaron elementos de la música vanguardista, un diseño controversial para la portada del disco (diseñado por el propio Warhol) y la innovación del free jazz, un sonido poco conocido entre la música americana de los años 60.
4. The Doors
Hablar de bandas estadounidenses de rock es hablar de The Doors, una de los grupos de música americanos más importantes de la escena musical de los años 60. Se conformó en 1965 y se disolvió en 1970, nació en Los Angeles, California y sus integrantes fueron: Jim Morrison, Ray Manzarek, John Densmore y Robby Krieger.
Por supuesto, el miembro más recordado es Jim Morrison, un cantante de rock americano que resaltó por sus letras, talento y personalidad. Al morir Morrison, a la edad de 27 años, The Doors produjo dos discos más, pero no llegó a la cúspide del éxito hasta que decidieron disolverse.
La importancia de la banda radica en su combinación de la música clásica con blues mezclado con toques de jazz. Sin embargo, no se limitaron, puesto que con el tiempo la banda abarcó más géneros y fusiones hasta llegar al cabaret alemán.
La banda estadounidense fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1997, en el 2007 recibieron un premio Grammy por su trayecto musical y también son reconocidos por ser el primer grupo de rock americano en obtener ocho discos de oro de manera seguida.
5. Love
Para terminar el conteo de los grupos americanos de los 60, está Love, una banda de rock que se originó a finales de la década y marcó el inicio de las letras de rock con consciencia social. La banda estadounidense paseó por varios géneros musicales: el pop, el folk, jazz, blues hasta incorporar toques psicodélicos a sus letras.
Arthur Lee y Bryan MacLean, miembros principales de la banda, se hicieron realmente conocidos por sus composiciones.
Los primeros dos discos de Love tuvieron un éxito moderado, hasta llegar al tercer disco “Forever Changes” (1968), considerado –hasta el momento- como uno de los clásicos del folk rock estadounidense.
Grupos americanos de los 70 que dejaron su marca en el rock
La época de los 70 hace alusión a la fusión del rock con otros géneros musicales. Las bandas americanas apostaron por el cambio y la innovación, ¿cuál fue el resultado? Canciones que siempre serán recordadas.
6. The Eagles
Entre las bandas de rock de los 70, The Eagles está en el top 1. El grupo musical inició en 1972 y se disolvió en el año 2016.
Hasta la llegada de The Eagles nadie se habría imaginado una combinación entre el country y el rock. Los miembros originales de la banda eran Don Henley, Glenn Frey, Bernie Leadon y Randy Meisner.
Iniciaron como un grupo de apoyo de Linda Ronstadt y se catapultaron como una de los mejores grupos rock americanos.
¿Una obra maestra de The Eagles? En esta pregunta solo entra una respuesta: “Hotel California” en 1976.
Durante su carrera coleccionaron un total de siete discos de estudios, ha vendido más de 200 millones de discos y en 1998 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock And Roll.
7. Steely Dan
Steely Dan es una de las bandas de rock americanas que se formó a mediados de 1971. Son conocidos por su soft rock y folk rock, además de incluir otras fusiones con el jazz y letras audaces. De los grupos de los 70 americanos, este dúo es apreciado por sus composiciones inteligentes.
Walter Becker en la guitarra, junto a Donald Fagen en el teclado y la voz se convirtieron en un hito dentro del listado de grupos de rock de los 70 en Estados Unidos.
En su haber reposan éxitos como “Do It Again” y “Reelin’ in the Years”.
Finalmente, en el año 2001 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll y están incluidos en la lista de los mejores dúos de la historia de la revista Rolling Stone.
8. Aerosmith
Casi imposible que Aerosmith no estuviera en esta lista de las mejores bandas americanas de la historia. Forma parte de los grupos de rock de los 70 porque justo se formó en 1970 en la ciudad de Boston, Estados Unidos.
Sus miembros continúan hasta la actualidad y son: Steven Tyler, Joe Perry, Tom Hamilton, Brad Whitford y Joey Kramer.
Hasta el momento suman 12 años de estudios, el último lanzado en el 2012 y llamado “Music from Another Dimension!”.
A pesar de los altibajos, disputas y malos entendidos de la banda, pocas han logrado una hazaña similar. En sus primeros años de trayectoria, sus primerizos álbumes de estudio vendieron un millón de copia cada uno.
Entre sus canciones más importantes destacan: “Dream on”, “Sweet Emotion” y “I don’t want to miss a thing”.
9. Ramones
Entre los grupos americanos de los 70 es indispensable nombrar a Ramones. A mediados de 1974 se formó la banda y le dieron un giro al rock estadounidense al mezclar letras más pesadas y al unir el género con el punk.
Aunque la banda se disolvió en 1996, sus éxitos continúan resonando. Entre los más populares se puede mencionar “Blitzkrieg bop”, “I wanna live” y “Baby, i love you”.
Publicaron 14 álbumes de estudio, en el 2002 fueron incluidos en el Salón de la Fama de Rock and Roll y recibieron un premio Grammy por su trayectoria en el 2011.
10. Kiss
En enero de 1973 se fundó una de las bandas más legendarias de la movida del rock and roll estadounidense y sí hablamos de Kiss. No es posible hacer un listado de los mejores grupos de rock americano y no incluir a esta banda americano.
Desde el principio, en la ciudad de New York, llamaron la atención de sus fanáticos por sus extravagantes maquillajes. Aunque sus primeros discos pasaron desapercibidos, en 1975 con “Alive!” Llegó el éxito de la banda.
Grupos americanos de los 80 que se convirtieron en un hito mundial
Después de dos épocas movidas para el rock estadounidense, llegaron los 80 y con esa década numerosos cambios que se mantienen vigentes. Legendarias bandas americanas que se formaron en aquel entonces, siguen presente y su sonido suena intacto.
11. Guns N’ Roses
Entre los rockeros más rockeros de los 80 está Guns N’Roses, dicha banda se formó en a mediados de 1985. La energía cruda de la banda combinado con el metal fueron los ingredientes del éxito.
La banda es liderada por Axl Rose y Slash. Cosechan un gran número de canciones que marcaron a toda una generación. En el 2012 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
12. Metallica
De las bandas estadounidenses de heavy- metal: Metallica tiene un sitio importantísimo. Se formó en 1981 y sus canciones con el tiempo se fueron reinventando hasta lograr que la banda sea considerada uno de los mejores grupos de rock americano.
Metallica definió un nuevo concepto de heavy metal, amplió los límites y durante años luchó para que la llama no se apagara.
Entre sus discos de estudios más importantes están: “Ride the Lightning” (1984) y “Metallica, Master of Puppets” (1986).
13. Motley Crue
Siguiendo en la onda del heavy-metal, otra banda popular entre los grupos de rock de los 80 es Motley Crue. El grupo de rock apareció en la escena musical en 1981 con su disco “Too Fast For Love”.
En la década de los 80 esta banda, sin duda, logró dominar la escena rockera estadounidense con éxitos como “Home Sweet Home”, «Girls, Girls» y “Dr. “Feelgood. Durante esa época vendieron más de 20 millones de copias en Estados Unidos.
14. Bon Jovi
Para algunos es difícil recordar la época de los 80 sin mencionar una mítica banda de rock: Bon Jovi.
Jon Bon Jovi, líder y vocalista, buscó a Richie Sambor y lo incluyó en su banda. Para el año de 1984 ya tenían sello discográfico y lanzaron su primer disco. Ese LP incluyó la canción – regrabada- “Runaway” y rápidamente se había cumplido su sueño: Se convirtió en un éxito en Estados Unidos.
Durante sus años de gloria, la banda americana se paseó por diferentes géneros: hard rock, pop rock y glam rock.
15. Red Hot Chili Peppers
Red Hot Chilli Peppers apareció en la escena musical estadounidense en 1983, por esta razón forma parte de grupos de los 80 americanos. Originalmente eran Anthony Kiedis, en el bajo Flea, en la batería Jack Irons y en la guitarra Hillel Slovak.
En 1984 lanzaron su primer disco homónimo, en él quedó claro la fuerza de la banda, demostrando su combinación única de funk y rock.
A pesar de los cambios de miembros y diversos problemas que atravesado la banda, Red Hot Chilli Peppers tiene un lugar guardado en el listado de grupos de rock históricos en Estados Unidos.
Bandas estadounidenses de los 90 que hicieron historia
Para los años 90, Estados Unidos era otro y por lo tanto la escena del rock también había cambiado. Los sonidos evolucionaron y las letras cobraron un matiz distinto. Aun así, esta época fue determinante para la evolución de las bandas de rock americanas de las épocas siguientes.
16. Nirvana
En el repertorio musical americano, las canciones de Nirvana son clásicos. En la actualidad, Nirvana es un hito musical y una de las mejores bandas de rock de la historia.
La agrupación se formó a final de la década de los 80, pero tuvo gran repercusión en la década siguiente, es así que forma parte de los grupos de rock de los 90.
Durante los 90, la banda vendió más de 50 millones de copias. Dicho grupo surgió en Seattle y se volvió un icono de la cultura pop, incluyendo en la moda, peinados y forma de actuar de los jóvenes de la época.
El período de Nirvana fue breve, solo lograron tres LP de estudio, un álbum en vídeo, su legado culminó cuando Kurt Cobain decidió terminar con su vida en 1994.
17.Pearl Jam
Otra banda de estilo “grunge” que está presente en el rock americano y sus grupos es “Pearl Jam”. Se formó en 1990 y alcanzó la fama gracias a sus temas grunge atemporales como «Even Flow», «Alive» y «Jeremy.
Durante la época de los 90 fue una era dorada para la banda, llegando a cosechar ventas en platinos y más.
18. The Smashing Pumpkins
Esta banda estadounidense se formó a finales de la época de los 80, sin embargo, tomó mayor relevancia en los 90. Se hizo conocida por mostrar una faceta distinta del rock alternativo.
Su álbum debut fue “Gish” en 1991, pero no fue su disco más importante, más adelante sorprendieron con “Siamese Dream” y es considerada su obra maestra.
19. Green Day
De la era de los 90, Green Day es una de las bandas de rock americanas con mayor relevancia. Conformada por Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool, su éxito se gestó en 1994 cuando lanzaron “Drookie”, un material compuesto por poderosas canciones como lo son “Welcome to Paradise” y “Basket Case”.
El éxito de Green Day marcó lo que sería llamado como la “ola punk” de los 90, impulsando el éxito de otras bandas como Blink-182.
20. Foo Fighters
Foo Fighter se adentró en la escena musical en 1994. Para muchos, esta banda es considerada las “cenizas de Nirvana”, ya que su líder Dave Grohl, era el baterista del último grupo. Sin embargo, supo adentrarse en el mundo del rock de Estados Unidos y mantenerse.
El álbum “The Color and the Shape” (1997) logró mantenerse en la cúspide y después de eso, el camino fue más ligero para esta banda americana.
Grupos de rock americanos actuales más famosos
A través de las décadas, el rock americano ha evolucionado. Las primeras bandas dejaron un legado en los grupos de rock americanos actuales y estos continúan innovando su sonido para dejar claro que el repertorio musical americano seguirá con más fuerza en los años venideros.
21. Blink 182
Blink 182 es más que una banda punk-rock más populares hasta el momento. Se formó en 1992 por Tom DeLonge, Mark Hoppus, y Scott Rayno.
Hasta el momento, esta banda estadounidense es considerada uno de los pioneros del punk-rock visto un poco más agresivo.
22. Linkin Park
Linkin Park es una banda de rock americana que es recordada y adorada por la generación millennials. Se conformó en 1996, pero no fue hasta el año 2000 que lanzaron al mundo su primer disco “Hybrid Theory”.
La banda cosechó grandes éxitos y es considerada uno de los grupos de rock americanos más importantes de la historia contemporánea.
Linkin Park sufrió un duro golpe cuando su vocalista, Chester Bennington, terminó con su vida en el 2017, y aún no han logrado reponerse.
23. Paramore
Los éxitos de Paramore todavía resuenan en la cabeza de las generaciones más jóvenes, además de la nostalgia de un pronto regreso.
Esta banda estadounidense de pop funk alternativo se fundó en el 2004, cosechando éxitos inigualables gracias a su estilo único y poderosas letras.
24. Imagine Dragons
Es casi imposible hablar de la escena del rock estadounidense actual sin hablar de Imagine Dragon. Nació en Las Vegas, Nevada en el año 2008 y sus canciones continúan vigentes hasta hoy.
25. Twenty One Pilots
En el 2009 apareció –por primera vez-, la banda estadounidense Twenty One Pilots, en Ohio, siendo uno de los dúos de rock más importantes en la actualidad. El nombre de la banda está inspirado en una obra de Arthur Miller, cuyo nombre es “All My Sons”.
En el 2017 recibieron un Grammy por ser el mejor dúo pop/rock y todo indica que continuarán cosechando canciones dignas de corear.
El rock y los grupos americanos tienen diferentes matices y tonalidades, aun así todas estas bandas estadounidenses son reconocidas por su fuerza, carisma y el afán de querer ser diferentes… Es que el rock siempre busca la forma de transformarse y ser más.
Los distintos tipos de bienes cumplen, en su mayoría, con la función de satisfacer determinadas necesidades de las personas. Desde protección, sustento, diversión u otras, cada bien o activo responde a un requerimiento humano. Pero, a qué se le llama bienes jurídicos o qué es bien en economía o para la cultura. A continuación una completa clasificación de bienes culturales, jurídicos y económicos.
Modelo económico neoliberal: Qué es, características, principios y teorías del neoliberalismo económico
La economía como la ciencia que estudia la producción, las riquezas y el aprovechamiento de los recursos, plantea una clasificación de bienes económicos y reales destinados a satisfacer las diversas necesidades humanas. Si deseas saber qué es un bien en economía y cómo se catalogan, continúa leyendo.
Microeconomía
A grandes rasgos, la microeconomía hace énfasis en los bienes y servicios que satisfacen necesidades específicas y analiza la demanda, los precios y el mercado para quien se producen determinados bienes. La clasificación de bienes en la microeconomía incluye dos tipos; a saber, los sustitutivos y los complementarios.
Entre los tipos de bienes en microeconomía se encuentran los sustitutivos que están estrechamente relacionados con la demanda. Así, se entiende por bien sustitutivo cuando aumenta el precio de uno de ellos, se incrementa, por vía de consecuencia, la demanda de otro de iguales características. Por ejemplo, Coca Cola puede ser un bien sustitutivo de Pepsi; ya que cuando suba el precio de Pepsi, los consumidores pueden aumentar la demanda de Coca Cola.
Complementarios
Los bienes complementarios son aquellos que su consumo o uso se encuentran directamente vinculados con el uso o consumo de otro bien, ya sea porque se consuman simultáneamente o porque el uso de uno dependa del consumo del otro. El café y el azúcar, una impresora y sus cartuchos de tinta, son claros ejemplos de lo qué son bienes complementarios. En este tipo de bienes cuando uno de ellos sube su precio, el otro sufrirá una baja en su demanda. Pero, cuando los precios bajan, se aumenta la demanda del otro bien.
Macroeconomía
La macroeconomía se encuentra vinculada al conjunto de políticas, recursos y tecnologías que se disponen para el desarrollo económico de un Estado. Se refiere a las estructuras, comportamientos y capacidad de las naciones para el cumplimiento de sus objetivos económicos. A partir de allí, se podría esbozar una primera clasificación de bienes desde la macroeconomía.
Bienes públicos
El concepto de bienes públicos se refiere a los activos que se encuentran bajo la gestión y tutela del Estado para su conservación, distribución, uso y consumo. Este tipo de bien conforma la clasificación de los bienes del Estado y presenta características muy particulares. Una de ellas, es la accesibilidad que tienen todos los ciudadanos con relación a ese bien; y que la imposibilidad de discriminar ese acceso a un usuario o grupo de usuarios en particular.
En el caso de los bienes privados se destacan dos características principales: la exclusión y la rivalidad. Estas se refieren a la posibilidad de impedir el uso del bien a aquellas personas que no son titulares o propietarios del mismo. Por su parte, la rivalidad se vincula con la incapacidad que tienen otros de consumir el producto.
Según escasez
El nivel de escasez de los bienes también determina su condición y permite realizar una clasificación de bienes según la relación que existe entre la demanda y la disponibilidad. Es decir, se puede considerar un bien escaso cuando la necesidad es mayor a la disponibilidad del mismo. En ese sentido, la clasificación de bienes según su escasez puede ser de dos tipos:
Bienes libres
Los bienes libres son conocidos por su abundancia en la naturaleza; carecen de dueño y de procesos de transformación o apropiación. Su condición de libertad y fácil acceso de este tipo de bienes hace inviable su comercialización o adjudicación de precios. Entre los ejemplos de bienes libres se encuentran el aire, la luz solar o la lluvia.
Bienes económicos
¿Ahora, qué son los bienes en economía o qué son los bienes económicos? Este tipo de bienes económicos una disponibilidad limitada, por lo que su consumo puede derivarse en la extinción del mismo. Este tipo de bienes se caracteriza por tener un precio o valor y son adquiridos en el mercado a través de una prestación. En los ejemplos de tipos de bienes económicos se pueden encontrar los servicios de transporte, el agua mineral, teléfonos celulares, el petróleo, electrodomésticos, entre otros.
Según su proceso de elaboración
La economía también realiza una clasificación de los bienes económicos de acuerdo con el proceso de elaboración o producción. De esta forma, se distinguen los bienes intermedios de los productos o bienes finales.
Entre los tipos de bienes en economía se encuentra los bienes intermedios. Estos bienes son aquellos que son trabajados y transformados para producir uno o varios bienes finales. ¿Pero, a qué se le llama bienes finales?
Bienes finales
Los bienes finales son aquellos que resultan de un proceso productivo para llegar a manos del consumidor final. Se crean a partir de la transformación de otros bienes económicos. Un televisor, un celular, una portátil son algunos de los ejemplos de bienes finales que buscan satisfacer una necesidad del consumidor.
Según su funcionalidad
Otra importante clasificación de los bienes en economía se realiza según su funcionalidad, ya sean de consumo o de inversión o capital, los distintos tipos de bienes económicos buscan cubrir las necesidades del mercado y de la sociedad en general.
Bienes de consumo
Se entiende por bienes de consumo a todos aquellos tipos de bienes que son el resultado final de la cadena productiva y se elaboran para la satisfacción de las necesidades y demandas principales del consumidor.
Entre los tipos de bienes de consumo se ubican dos subtipos: los bienes duraderos y los bienes perecederos. Los primeros cuentan con una vida útil larga y su consumo o uso puede repetirse en el tiempo; mientras que los segundos presentan un ciclo de rotación mayor ya que se extinguen con su consumo; por ejemplo los alimentos.
Bienes de inversión
Los bienes de inversión o de capital son todos aquellos que participan en el proceso productivo para la generación de bienes de consumo. Están constituidos por los inmuebles, equipos, maquinarias e instalaciones que forman parte del patrimonio de la empresa y son necesarios para la fabricación de los productos finales de consumo. De manera que una cosechadora en una finca, las computadoras, las máquinas de las fabricas son buenos ejemplos de bienes de capital o de inversión.
La relación que existe entre el precio del bien y el ingreso que puede generar para sus titulares permite discernir entre otros tipos de bienes para su clasificación. De esta forma, se encuentran los bienes normales, de lujo o inferiores.
Bienes normales
Se llaman bienes normales, según la renta, a aquellos bienes cuya demanda dependerá directamente de la rentabilidad de los consumidores. Es decir, en la medida en que aumente la renta de las personas, aumentará la demanda de tales bienes. En la realidad, la mayoría de los bienes son normales y algunos ejemplos de ellos son el maquillaje y productos de belleza, servicios, electrodomésticos, entre otros.
Bienes inferiores
Por su parte, los bienes inferiores son los que se ven afectados negativamente por la rentabilidad de los consumidores. Esto quiere decir que si el precio aumenta, la demanda caerá; y cuando la renta de las personas se incrementa, dejan de consumir estos productos. Esto ocurre con los alimentos económicos o productos de mediana calidad, y se debe a que en la medida en que el poder adquisitivo de los consumidores sea mayor preferirán productos con mejor terminación.
Bienes de lujo
Otro de los tipos de bienes, según la renta, son los llamados bienes de lujo. Estos están al alcance de los consumidores con mayor poder adquisitivo, quienes pueden pagar más por un producto o servicio exclusivo. En estos bienes, la fijación de los precios no implica mayores consecuencias.
Tipos de bienes según el derecho
La clasificación de los bienes en general no es la misma que la clasificación de los bienes en derecho civil, ya que categoría o distinción que tenga un bien en particular dependerá los posibles efectos jurídicos que recaen sobre él. ¿Cómo se clasifican los bienes según el derecho?
Según su naturaleza
Los bienes, según el derecho se pueden clasificar según su naturaleza en bienes muebles y bienes inmuebles. Estos últimos se clasifican a su vez en inmuebles por destinación e inmuebles por incorporación.
Bienes muebles
Los bienes muebles son uno de los principales tipos de bienes y se caracterizan por ser susceptibles de ser trasladados de un lugar a otro, sin que se vea afectada su integridad ni se deterioren.
Bienes inmuebles
Por su parte, los bienes inmuebles son aquellos que no pueden ser trasladados ya que se encuentran inmovilizados por sí mismos. Se caracterizan por estar incorporados al suelo de manera orgánica y natural. Dentro de esta categoría, se encuentra una clasificación de bienes inmuebles que los distinguen.
Bienes inmuebles por destinación
Este tipo de bienes están comprendidos por los muebles que el propietario del suelo los a dispuesto allí para su uso, explotación y beneficio. Algunos ejemplos de inmuebles por destinación es el ganado que el propietario dispuso en la finca de su propiedad o la maquinaria en los campos de cultivo.
Bienes inmuebles por incorporación
Se entiende por bienes inmuebles por incorporación a todos aquellos muebles que se agregan a un inmueble determinado, siempre que tenga un carácter de perpetuidad. Por ejemplo, los artefactos de cocina cuando se incorporan al departamento.
Según su esencia
Además de la clasificación de los bienes por su naturaleza como muebles o inmuebles; también se pueden distinguir los tipos de bienes por su esencia, ya sea porque sea que tengan existencia material o que sean una abstracción o tengan una condición de intangibilidad.
Bienes corporales
Este tipo de bienes puede ser percibido por cualquiera de los sentidos, son susceptibles de valoración económica y son completamente determinables. Entre los ejemplos de bienes corporales se pueden identificar a un automóvil, una casa, un libro, etc.
Bienes incorporales
Los bienes incorporales, por el contrario, no pueden percibirse por los sentidos. Solo pueden ser percibidas a través del intelecto. Son bienes que pueden ser determinados y contar con un valor económico. Los bienes incorporales se encuentran relacionados con derechos reales y personales como los créditos, las servidumbres, la vida, la salud, la identidad, etc.
Por su posibilidad de fraccionamiento
De acuerdo con la posibilidad de fraccionamiento que presente un bien o un objeto se podrá clasificar en divisible o indivisible.
Bienes divisibles
Se entiende por bienes divisibles a aquellos que pueden ser fraccionados en distintas partes sin que se vea afectada su integridad o corra riesgo de destruirse. Por ejemplo una porción de terreno puede ser dividida en parcelas sin que el todo ni ninguna de las partes pierdan su integridad o funcionalidad
Bienes indivisibles
Los bienes indivisibles son aquellos que no son susceptibles de fraccionarse o dividirse sin perder la función del todo o las cualidades del conjunto. Entre los ejemplos más comunes de cosas indivisibles son un caballo, una obra de arte, etc.
Según la unidad que lo conforma
Entre los tipos de bienes en derecho civil se encuentran los que se catalogan en una clasificación de bienes conforme a la unidad que lo conforma. Así, se reconocen los bienes simples y compuestos en esta clasificación. ¿Pero, qué significa bienes compuestos o bienes simples?
Bienes simples
Tal como ocurre con los bienes indivisibles, los bienes simples son aquellos que no admiten su descomposición ya que representan una unidad inescindible. Los bienes simples pueden constituirse por tanto por bienes corporales como por bienes intangibles. Entre los ejemplos de bienes simples se pueden mencionar los televisores, motocicletas, bicicletas, refrigeradoras, etc.
Bienes compuestos
Los bienes compuestos están conformados por varios bienes simples que conservan su individualidad pero que representan una unidad jurídica, susceptible de valoración económica. Uno de los ejemplos de los bienes compuestos se encuentran las colecciones de arte, una colección de libros, etc.
Por la posibilidad de sustitución
También se puede hacer una clasificación de bienes según su susceptibilidad de ser sustituidos por otros. De esta forma, se distinguen los bienes fungibles de los no fungibles.
Bienes fungibles
Este tipo de bienes son los susceptibles de ser intercambiados, sustituidos o subrogados por otros bienes de características y valores similares. Se caracterizan por la importancia que se les da al peso, medidas, valor o número. El dinero es el ejemplo por antonomasia de las cosas fungibles, pero también puede ser el trigo, el café, las telas, et.
Bienes no fungibles
En contraposición, los bienes no fungibles al momento de la restitución no pueden ser sustituidos por otros bienes, aunque sean similares. En los bienes no fungibles sus características son de tal relevancia jurídica que la ley no permite ni su intercambio ni su subrogación. Por ejemplo, un automóvil, un barco, o una casa.
Por su relación con otros bienes
La relación o interacción que tienen unos bienes con otros, permite distinguirlos y clasificarlos en bienes principales y bienes accesorios.
Bienes principales
Los bienes principales son aquellos que cuentan con una existencia propia y no dependen de ninguna manera de otros bienes o cosas. Se caracterizan porque pueden existir por sí mismos y para sí mismos. Un ejemplo de bienes principales es una casa, un terreno o automóvil.
Bienes accesorios
Por otro lado, se encuentran los bienes accesorios que son aquellos bienes no pueden subsistir por sí mismos ya que están subordinados a otras cosas o bienes, de los cuales se deriva su condición jurídica. Una de las principales características de los bienes accesorios es que no pueden ser transmitidos por si solos, por cuanto su transmisión siempre dependerá del derecho o bien principal.
Por la falta de dueño
Dentro de la clasificación de los bienes en México se pueden distinguir los bienes vacantes y los bienes mostrencos, que están relacionados con la falta o inexistencia de dueño aparente. Esta clasificación general de los bienes carentes de dueño, también rige en otros países como Ecuador y Colombia.
Bienes vacantes
De acuerdo con la legislación mexicana, los bienes vacantes son bienes inmuebles que se encuentran ubicados dentro del territorio nacional y que aparentemente carecen de dueño; o que se desconoce la existencia de algún propietario.
Bienes mostrencos
Por su parte, los bienes mostrencos se tratan de bienes muebles, tesoros, alhajas que se encuentren abandonados o perdidos y que no se les conozca ningún dueño o titular aparente.
Por su titularidad
De acuerdo a la titularidad se puede distinguir los bienes y su clasificación en el derecho. Los tipos de bienes y contratos celebrados entre las personas como el matrimonio permite separar los bienes de cada cónyuge de los bienes de la comunidad conyugal. La legislación de cada país determina sus propias reglas para calificar qué es un bien propio y qué son los bienes gananciales y cómo distinguirlos.
Bienes propios
Los bienes propios son aquellos que pertenecen a cada uno de los cónyuges por separada, bien porque fueron adquiridos antes de la celebración del matrimonio o bien porque se adquirieron de forma gratuita durante la vigencia del vinculo matrimonial.
Bienes gananciales
Se conocen como bienes gananciales a todos aquellos bienes que forman parte de la comunidad de bienes del matrimonio, ya sea porque hayan sido adquiridos por uno de los cónyuges o por ambos, siempre que se encuentre vigente el vínculo matrimonial.
Tipos de bienes culturales
Se denomina bienes culturales a todos aquellos bienes que cuentan con un valor histórico, intelectual o estético, de tal relevancia que representa la creatividad humanidad en cualquiera de sus manifestaciones, ya sea científica, literaria o artística.
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) define en su articulado al patrimonio cultural, y por ende, a los bienes culturales, como “un conjunto de testimonios artísticos o simbólicos” que han sido transmitidos entre las diferentes culturas a lo largo del tiempo.
¿Cómo saber cuáles son los tipos de bienes culturales y cómo se identifican? La principal clasificación de bienes culturales distingue los bienes tangibles de los intangibles. Los primeros entendidos como una expresión de las culturas, a través de manifestaciones materiales; mientras que los segundos se constituyen por aquella parte invisible que integra la cultura en sí misma.
Bienes culturales tangibles
De esta manera, los bienes culturales tangibles comprenden los objetos y sitios que cuentan con gran relevancia histórica o artística que determina la identidad de una nación o región. Este tipo de bienes se su clasifican, a su vez, en bienes tangibles muebles o bienes tangibles inmuebles.
Bienes tangibles muebles
Al igual que en la clasificación de los bienes jurídicos se define los bienes muebles; los bienes tangibles muebles son aquellos bienes que pueden ser trasladados de un lugar a otro sin que se vea afectada su integridad. Estos bienes integran las siguientes manifestaciones materiales.
Pinturas
Constituidas por distintas manifestaciones artísticas, mediante el uso de pigmentos y otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas, que recogen la representación de la realidad o del imaginario del artista sobre un lienzo.
El retrato de la Mona Lisa (Josh Hallett, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Esculturas
Talladas en mármol, madera o piedra; las esculturas son producto de las artes de talla y cincel, de fundición y modelado y representan las distintas manifestaciones artísticas o culturas de diversas regiones y en distintas épocas.
El David de Miguel Ángel (Xosema, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Libros
Con la invención de la imprenta, en 1440, los libros pasaron a ser producidos masivamente y pudieron tener un mayor alcance y distribución. Sin embargo, estas manifestaciones escritas ya existían desde mucho tiempo atrás. Con una confección mucho más artesanal, los libros se tallaban en madera, escamas o seda. Se uso el papiro y el pergamino; hasta los libros cosidos de la Edad Media. Todos estos escritos constituyen ese conjunto de bienes materiales con relevancia cultural e histórica.
Los libros son bienes culturales tangibles (kerttu, Pixabay)
Bienes tangibles inmuebles
Los bienes culturales tangibles inmuebles están constituidos por aquellas manifestaciones artísticas, históricas y materiales que son imposibles de trasladar o mover sin poner en riesgo su estructura o integridad. Los bienes tangibles inmuebles comprenden a las obras de ingeniería o arquitectura como puentes, monumentos, edificaciones que cuenten un gran valor cultural, artística o histórico que representen a una época o una población.
Edificaciones
Las grandes construcciones arquitectónicas que embellecen y representan regiones, países o ciudades forman parte de las creaciones humanas que enaltecen e identifican una población, una cultura o su idiosincrasia. Imponentes monumentos históricos que representan una época o un evento determinado, cuya relevancia ha marcado la formación de una nación o un pueblo son bienes culturales de gran importancia para la sociedad. Algunos ejemplos de este tipo de bienes tangibles pueden ser la Torre Eiffel, Francia, El obelisco de Buenos Aires, la Gran Muralla China o el Taj Mahal en India.
La torre Eiffel es un icono importante de la ciudad de París (nkoks, Pixabay)
Sitios arqueológicos
Comprendidos por restos de edificaciones, ruinas, elementos estructuras, suelos de ocupación y otros materiales, los sitios arqueológicos representan la actividad humana que existió en tiempos remotos. Su relevancia radica en la posibilidad de reconstruir la historia y de comprender la evolución de pueblos, civilizaciones antiguas, sus costumbres y su estilo de vida en determinadas zonas del mundo. Entre los ejemplos de este tipo de bienes culturales se encuentran el Templo de Luxor en Egipto, Machu Pichu en Perú, la ciudad prehispánica de Teotihuacan en México.
Imagen del templo Angkork, Camboya (Kolibri5, Pixabay)
Ciudades
Por su gran valor histórico y cultural; así como por la importancia que ha tenido para el desarrollo de la humanidad, algunas ciudades del mundo son consideradas patrimonio cultural de la humanidad.No solo por su belleza o sus características, sino también por el aporte significativo que hace al asentamiento de las personas y de su interacción con el entorno. Las ciudades como Venecia, Ciudad del Cuzco, Quito o la ciudad amurallada de Bakú han sido designadas como patrimonio cultural por la Unesco por las tradiciones significativas para el mundo o porque han sido sede de acontecimientos relevantes para la humanidad mundial.
Venecia, Italia, una de las ciudades declaradas como Patrimonio de la Humanidad (Michelle_Raponi, Pixabay)
Bienes intangibles
Los bienes intangibles se encuentran conformados por el conjunto de conocimientos, expresiones y manifestaciones que son capaces de transmitir la identidad y la cultura de una sociedad en un espacio y una época determinada.
Además, este tipo de bienes se caracterizan por ser susceptibles de transmitirse por generaciones, a través de la oralidad y las costumbres. Aunque no pueden cuantificados, fomentan la diversidad cultural y cuentan con un valor simbólico.
Esta clasificación de bienes incluye las distintas manifestaciones artísticas, religiosas y culturales como la danza, los rituales, las festividades, la música, entre otros.
Danzas
Las expresiones dancísticas representan la identidad y la idiosincrasia de los pueblos originarios y de las distintas civilizaciones; muestran las costumbres, las creencias y las prácticas de los distintos pueblos. El Tango, la capoeira o el flamenco son manifestaciones culturales propias de sus regiones que han sido reconocidas por el mundo entero como expresión inequívoca y representativa de un país.
El chamamé es un baile tradicional de Argentina (Antonio Constantino Ferraro, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Música
La combinación armónica de sonidos y silencios es uno de los lenguajes universales por excelencia. Las distintas manifestaciones musicales que han identificado las diversas épocas de la humanidad, son bienes intangibles de tal relevancia que han permitido el desarrollo y la evolución de la cultura en el mundo. Tan diversos y disímiles que van desde el reggae, el canto bizantino de Grecia o el fado portugués; la música es uno de los más importantes y poderosas formas de comunicación que ha tenido el hombre desde el inicio de los tiempos.
La música es considerada un importante bien cultural para la humanidad (User:Mercebcn, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Ritos
La fe y las creencias son símbolos representativos de generaciones, pueblos enteros y de la necesidad del hombre de dar fundamento y sentido a la vida y la justicia. Los ritos y ceremonias son manifestaciones que distinguen las diversas culturas y costumbres dentro de una región. La Unesco ha declarado como patrimonio cultural algunos importantes ritos como la ceremonia ritual de los voladores en México o el Yaokwa de Brasil.
Una mujer y su hija prenden velas durante la Noche de Muertos (Ángel Rafael Almarza Villalobos, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Festividades
Las festividades están constituidas por costumbres inveteradas que dan estructura a las distintas comunidades que las practican, fomentando su identidad y las distinguen de otras sociedades o regiones. Algunas festividades se relacionan con algún acontecimiento natural, histórico o religioso. Las festividades de Año Nuevo, los carnavales de Barranquilla son alguno de los ejemplos de este tipo de bienes inmateriales.
En 2021, se incluyó las Fiestas de Tarija, Bolivia, como Patrimonio de la Humanidad (Ernestopradodiaz, CC0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
En conclusión, con el uso de los distintos tipos de bienes disponibles las sociedades ven satisfechas sus necesidades y sus requerimientos para el desarrollo y la subsistencia. Ya sea desde el punto de vista del derecho, de la economía o de la cultura, la clasificación de bienes ayudan a determinar la función y alcance de los activos en los patrimonios personales y colectivos.
Una correlación en psicología es un estudio en el que se busca determinar si el cambio de una variable afecta o no (y de qué manera) a otra, pero ¿qué significa correlación ilusoria? Desde su descubrimiento hace más de 50 años ha sido estudiada y observada junto a otros sesgos cognitivos como el de disponibilidad, así como su relación con los estereotipos y el pensamiento mágico.
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La correlación ilusoria en psicología es definida como la tendencia a percibir la existencia de una relación entre dos cosas, cuando en realidad no existe tal relación o es considerablemente más débil a lo que se percibe.
Esto puede ocurrir con la asociación de características llamativas que, con el paso del tiempo, o con la propia repetición o exposición a dichas variables se generan los sesgos cognitivos.
Este fenómeno interfiere con la cognición social de las personas, lo que quiere decir que les dificulta de una u otra forma la integración a aspectos específicos de la sociedad, especialmente si la persuasión de estas ideas es muy intensa.
Orígenes
A pesar de que en la actualidad es utilizado en ramas como la psicología social o la sociología, este concepto originalmente fue desarrollado por Chapman y Chapman (1967) para explicar errores dentro de la práctica de la psicología clínica.
Durante su investigación se enfocaron en el diagnóstico que algunos psicólogos obtenían con la aplicación de tests proyectivos como el T.A.T. (test de apercepción temática) C.A.T. (children aperception test), H.T.P. (house tree person), el test de Rorscharch y especialmente el test de la figura humana de Machover, utilizando este último para sus experimentos.
La teoría psicoanalítica explica el funcionamiento de los test proyectivos como, una actividad que le otorga una ruta de escape al contenido del inconsciente del paciente gracias al mecanismo de defensa conocido como proyección (de ahí el nombre test proyectivo).
En el caso de la figura humana de Machover se le pide al paciente que dibuje a una persona, ese dibujo es analizado e interpretado por el psicólogo que observa la existencia o ausencia de ciertos elementos específicos en el dibujo, para obtener información sobre la personalidad de su paciente.
En sus experimentos Chapman y Chapman (1967) le entregaron los dibujos (previamente manipulados) a un grupo de psicólogos expertos y no tan experimentados junto a una lista de síntomas y descubrieron que existía un nivel de inconsistencia entre los diagnósticos. En algunos casos se especula que la propia experiencia de algunos de estos psicólogos se interpuso en el camino de observar los elementos que debían analizar y por el contrario sus experticias les hicieron trabajar casi por inercia.
Influencia en las personas
Las correlaciones ilusorias pueden entrar en la categoría de sesgos cognitivos, los cuales son definidos como una forma de malinterpretación de la información disponible que afecta el procesamiento de los pensamientos, el juicio y como resultado final la toma de decisiones.
Existen muchos tipos de sesgos cognitivos y no es raro que la persona promedio tome decisiones bajo la influencia de estos sin darse cuenta, ya sea el cómo dirigirse a un grupo de personas en particular, cómo invertir su dinero o reservarse alguna información, los sesgos cognitivos y por ende las correlaciones ilusorias afectan notoriamente las vidas de las personas diariamente.
Características de la correlación ilusoria
El fenómeno de correlación ilusoria reúne características muy interesantes que agregan aún más misterio sobre esta situación. Las siguientes son algunas de ellas.
La principal característica es que la correlación ilusoria es que prevalece gracias a la falta de información, precisamente porque al contar con todos los datos la correlación se vería desmantelada. Por el contrario, si solo se toma en consideración un pequeño número de casos es sencillo generalizar el resultado a ocasiones futuras.
Atajo cerebral
El cerebro busca constantemente formas de optimizar sus procesos, en el proceso de toma de decisiones es mucho más sencillo tomar información puntual y generar una correlación desinformada, que analizar todos los datos disponibles para juzgar si existe o no una relación en primer lugar.
Al contrario, cuando el significado ilusorio es retado genera en la persona una disonancia cognitiva (conflicto entre las ideas).
Rápida propagación
Otro aspecto relevante es como estos sesgos son perpetuados, ya que los sesgos no ocurren solo a nivel micro (individuos) sino a nivel macro (comunidades por ejemplo), se ha visto que las correlaciones ilusorias son más atractivas y prácticas para el cerebro estas mismas características son las que le permiten propagarse fácilmente.
Ejemplos de correlación ilusoria
Los siguientes ejemplos de correlación ilusoria servirán para conocer más a profundidad el fenómeno y al mismo tiempo identificarlo de ser necesario. Algunos de los casos más comunes son los siguientes.
Magia primitiva
La magia o creencias mágicas son un ejemplo que ha estado presente por siglos, la coincidencia de que un amuleto o ritual mágico haya acompañado al efecto esperado es algo que data desde la época de las cavernas.
Una tribu realiza un ritual de adoración a una deidad con el fin de acabar con la sequía, unos días después empieza a llover, esto genera el sesgo de correlación ilusoria pues se relacionan dos variables bajo la casualidad en lugar de tener en cuenta el ciclo del agua.
Observaciones clínicas
El descubrimiento del fenómeno de correlación ilusoria vino acompañado por el ejemplo del sesgo dentro de la práctica clínica, en el que se ignoran algunos signos y síntomas a favor de la experiencia del profesional lo que pone en peligro la integridad del paciente.
Ejemplo, un paciente asiste a consulta expresando sentimientos de tristeza y desánimo, su psicólogo encuentra similitudes con pacientes que ha atendido en el pasado y lo diagnostica con depresión ignorando que no cumple con todos los criterios para hacer tal diagnóstico.
Prejuicios y estereotipos
Uno de los campos más asociados con la correlación ilusoria son los prejuicios y estereotipos pues es una de las formas más aparentes y comunes en las que se presenta. Se aprecia la generalización de unos individuos a todo un grupo, raza, nación o sociedad.
Un ejemplo puede ser que alguien ve una noticia acerca de una ola de crímenes centrada en una zona residencial y crea el sesgo ilusorio de que todos los residentes del conjunto son criminales.
El efecto halo
El efecto halo como es conocido popularmente es un prejuicio dirigido a lo positivo, en el cual después de observar una cualidad positiva en alguien se empiezan a atribuir otras características positivas sin ningún tipo de evidencia.
Por ejemplo, alguien ve a una persona atractiva y con buenos modales al otro lado de la calle, después de ese encuentro llega a la conclusión de que es una persona inteligente, responsable y con dinero.
La suerte
Otro de los casos más comunes es la percepción de la suerte, al ignorar información estadística o datos acerca de las probabilidades se suele pensar en la buena o mala suerte.
La mayoría de los juegos de azar tienen cálculos estadísticos útiles para comprender la probabilidad de obtener ciertos resultados, sin embargo, es común ver a los jugadores ejecutar pequeños rituales o utilizar algún amuleto de la suerte con la creencia de que eso aumentará las probabilidades de ganar.
La correlación ilusoria y otros sesgos cognitivos
Los sesgos cognitivos son un amplio y profundo tema diversificado en varios tipos y categorías, hay algunos que resaltan y pueden ser asociados con las correlaciones ilusorias.
Heurístico de disponibilidad o accesibilidad
Este sesgo es conocido por varios nombres entre ellos están heurístico de disponibilidad, heurístico de accesibilidad y sesgo de disponibilidad. Todos estos se refieren a cuando una persona calcula la probabilidad de que ocurra algo basándose en la facilidad o dificultad que tenga para generar ejemplos de ese evento.
Al igual que otros sesgos este está relacionado a la experiencia y perspectiva personal, por lo tanto, es limitado y no toma en cuenta datos confiables sobre la ocurrencia de los eventos.
Ilusión de control
Otro sesgo es la ilusión de control, en donde las personas creen tener influencia o directamente controlan eventos alrededor de ellos, cuando realmente no es el caso.
En párrafos anteriores hay un ejemplo de sesgos de correlación ilusoria relacionado con la magia y otro con la suerte, estos pueden ser vistos como ilusiones de control.
Optimismo ilusorio
Aunque no lo parezca no todos estos fenómenos son negativos, bajo las circunstancias correctas algunos pueden generar efectos positivos en las personas, como en el caso del optimismo ilusorio.
El estrés ilusorio hace referencia a la creencia de tener más probabilidades (a comparación con el resto de la población) de que les pasen cosas buenas y menos probabilidades de que les ocurran cosas malas. Este sesgo ha sido estudiado y relacionado con menores indicadores de depresión y menores cantidades de estrés post operatorio.
La correlación ilusoria y los sesgos cognitivos están presentes en la vida diaria y en muchas presentaciones, entender sus orígenes y tipos dan mayor perspectiva a fenómenos sociales y psicológicos, así como también ayuda a comprender algunos comportamientos humanos. Nadie es inmune a ellos, pero reconocerlos es un paso importante.
Advierten que el calentamiento global podría acabar con los corales de todo el mundo
Científicos han reiterado su preocupación sobre los impactos fatales del calentamiento global y han advertido que el futuro de estos ecosistemas tropicales no podrá ser posible si las aguas alcanzan temperaturas de 1,5 °C. El cambio climático está provocando olas de calor marinas más frecuentes en todo el mundo y a pesar de que los corales se han adaptado para vivir a temperaturas específicas, no podrán soportar olas de calor elevadas.
Un efecto negativo es que los corales pueden blanquearse al perder el color de las algas que viven dentro de su tejido, que a su vez los nutren a través de la fotosíntesis; es decir, que eventualmente pueden morir. Las olas de calor más frecuentes significan menos posibilidades de vida para los corales.
Si la temperatura global llegase a alcanzar los 1,5 °C de calentamiento, esto provocaría la desaparición de entre el 70 y el 90 % de los arrecifes de coral del mundo, lo que supone una catástrofe ambiental, ya que muchas especies dependen de los arrecifes de coral.
Arqueólogos han descubierto templo budista que sobrevivió al saqueo en Pakistán
Una misión de arqueólogos italianos ha descubierto un antiguo templo budista que data del siglo II o III a. C., aproximadamente, en la ciudad de Barikot, en la región de Swat, al norte de Pakistán. El monumento religioso se construyó sobre un podio absidal que alberga una base cilíndrica que sostiene cúpula típica de los santuarios budistas; también encontraron una escalera y una serie de salas de vestíbulo que conducen a un patio público con vista a la calle.
Los arqueólogos italianos y paquistaníes también hallaron una serie de trincheras vacías que, según indicaron, sufrieron un intento de saqueo “recientemente”. También explicaron que el descubrimiento podría arrojar luz sobre la expansión del budismo en Gandhara, una región antigua que abarca Kabul, Peshawar, Swat y Taxila.
Por otro lado, argumentaron que haber descubierto este “gran monumento religioso creado en la época del Reino Indo-Griego atestigua que este fue un importante y antiguo centro de culto y peregrinación”, y aseguraron que la región de Swat era una tierra “sagrada para el budismo” en aquel entonces.
Mirar videos ASMR puede ayudar a calmar la ansiedad, según un estudio
Un nuevo estudio científico sostiene que los videos ASMR (respuesta meridiana sensorial autónoma) que suelen generar una sensación placentera de hormigueo provocada por susurros y toques suaves, puede ayudar a reducir la ansiedad. Científicos de la Universidad dijeron que cinco minutos de este tipo de videos pueden dar con una “variedad de desencadenantes relajantes” que reducen la ansiedad de quienes experimentan el fenómeno.
Asimismo, explicaron que la sensación que produce mirar videos de ASMR en YouTube, Facebook, Instagram o TikTok, generalmente “comienza en el cuero cabelludo y desciende por la parte posterior del cuello y la parte superior de la columna”, y esto puede ayudar a las personas a relajarse, aliviar el estrés o dormir. Los expertos afirmaron que este material puede servir como “una intervención psicológica adecuada para las personas ansiosas en general”.
«Socle du monde»: El cubo hecho de USD 11,7 millones en oro tiene su propia seguridad
Recientemente, el Central Park de Nueva York se convirtió en el hospedaje temporal de un cubo compuesto por 186 kilogramos de oro puro de 24 quilates, el cual fue concebido por el artista alemán Niclas Castello, quien lo ha catalogado como una escultura conceptual llamada Socle du monde (base del mundo). La obra no está a la venta, pero su valor en oro ronda los USD 11,7 millones de dólares (EUR 9,74 millones) y tiene su propio sistema de seguridad.
Sobre la obra, Castello afirmó que la idea era “crear algo que esté más allá de nuestro mundo, que sea intangible”. Además, dijo que el cubo tendrá su soporte en la criptomoneda
$CAST, para poder ser comprada en línea.
Desarrollan un nuevo vidrio liviano y fuerte que supera a la versión a prueba de balas
Científicos del Instituto Tecnológico de Massachusetts han desarrollado un nuevo material que está formado por capas de diminutos discos moleculares que se apilan para formar láminas, y ha sido perfilado como un “nuevo vidrio” que deja atrás a la versión a prueba de balas, y puede ser usado en un futuro para pantallas de teléfonos superresistentes, y también como material de construcción.
Explicaron que cada capa se mantiene unida por enlaces de hidrógeno y esto hace que sea tan liviano como una pluma, pero fuerte como el acero. Este tipo de polímeros bidimensionales se creía imposible de materializar, pero los expertos han demostrado su funcionamiento; las uniones especiales entre cada disco evitan que se tuerzan fuera del plano.
El material, que es una especie de plástico, puede moldearse en objetos tridimensionales, como botellas de agua, mediante moldeo por inyección, y tienen “propiedades muy inusuales” que ayudarán a “habilitar cosas nuevas”, de acuerdo a los expertos.
Retrofuturismo no es una palabra nueva ni recién inventada, es una corriente que ha fascinado a la humanidad desde tiempos inmemoriales. ¿Una sociedad que se transporta en autos voladores? Es una escena que se ha transmitido en el cine durante años y pensar que –algún día- pueda suceder causa gran furor, ¡sorpresa! El estilo retro es esto y mucho más.
Dieselpunk: Qué es, mundo, estilo, ejemplos y diferencias con cyberpunk, clockpunk, biopunk, solarpunk…
De retrofuturismo hay diversos conceptos vagando por Internet, esto evidencia que aún existen muchos debates al respecto. Aunque, ¡alto! No significa que sea complejo de entender.
Se puede decir que el retrofuturismo o estilo retro es una mezcla de ciencia, arte y ficción. Es la nostalgia del pasado traída al futuro y también la posibilidad de sentir el futuro en el presente. Es utilizar elementos que ya existieron, transformarlos e imaginar un mundo de posibilidades.
Del mismo modo, también se define como un estilo o movimiento artístico que es capaz de representar combinaciones estilísticas y estilos antiguos, usando tecnología futurista y vestimenta futurista.
El retrofuturismo representado en el arte
El estilo retro está presente en el arte, cine, en la moda y en la vida diaria, aunque muchos no se den cuenta.
De hecho, el retrofuturismo tiene diferentes vertientes y corrientes. En la moda del retrofuturismo, las vestimentas se ven representadas con elementos victorianos o típicos del siglo XIX acompañado de tecnología futurista.
En el cine hacen uso de estéticas vintage para dar un aire de nostalgia, pero representando hazañas futuras.
Una película capaz de ilustrar este ejemplo es “Viaje a la luna” de George Méliès (1902). En esa época no se pensaba que el hombre sería capaz de viajar a la luna, pero antes de que sucediera, el cine hizo su magia de plasmarlo. Por supuesto, en los años venideros la ficción fue superada por la realidad.
El estilo retro o retrofuturista también ha sido representado con elegancia en las artes plásticas. Hay piezas que retratan diseño de retrofuturismo, quizás unas de las más icónicas son las esculturas de Umberto Boccioni. El nombre de la serie es “Formas únicas de continuidad en el espacio”.
Historia del retrofuturismo
Es probable que la gente se haya imaginado cómo sería el futuro desde que tiene consciencia. Sin embargo, la corriente retrofuturista no es tan antigua como muchos creen. El concepto se acuñó, por primera vez, en los años 80, aproximadamente.
Aunque algunos libros de historia hablan del retrofuturismo de los 50, retrofuturismo de los 60 y retrofuturismo de los 80, aún no se conoce con exactitud cuándo apareció el término. No obstante, muchos años antes, el arte, el cine y la literatura plasmaban esa necesidad de visualizar cómo sería el futuro.
En el año 1936, una revista japonesa llamada Shonen Club publicó “World Transportation Invention Competition”, una serie ilustrada en la que se observa lo que sería el futuro de los medios de transporte, basándose en conceptos de inventores de esa época.
Dentro de la serie, se observan inventos que existen en la actualidad, tales como un automóvil con ruedas esféricas y barcos de combate con forma de tanque.
El primer artículo sobre retrofuturismo
La primera vez que se habló en un medio de comunicación masiva sobre el “retrofuturismo”, fue un anuncio de Bloomingdale de The New York Times en el año 1983. El artículo describía un acero plateado con una elegante apariencia retrofuturista.
El Oxford English Dictionary registra dicho anuncio como el primero en el que se usa la palabra, por esta razón se convierte en un artículo con gran relevancia cuando se habla de estilo retro o retrofuturismo.
Pese a esto, el movimiento se fue gestando con fuerza una década anterior, gracias a los avances tecnológicos. En la época de los 70s, apareció el primer ordenador personal, un hecho histórico para aquel entonces.
Desde esa oportunidad, el retrofuturismo continúa inspirando diferentes corrientes de pensamientos, además de influir de manera frontal en el arte, el cine, la literatura y la moda.
Características del retrofuturismo
Como todo movimiento o corriente, el retrofuturismo posee algunas características que lo representan. Entre las más comunes destacan las estéticas vintage que se utiliza en la vestimenta futurista, los colores y los elementos espaciales.
La característica más importante del retrofuturismo es cómo utiliza lo que sucedió en el pasado para dar una idea de cómo sería el futuro, mientras los espectadores lo miran desde el presente. El tiempo es vital para plasmar esta corriente artística y de pensamiento.
Es decir, el estilo retro deja en evidencia cómo las decisiones humanas cambian con el tiempo y cómo esto puede afectar o mejorar la vida de las personas de las siguientes generaciones.
Colores con estilo retro
La necesidad de representar el pasado en el futuro se evidencia a través de los colores. Por lo general, cuando se trata de retrofuturismo, las paletas de colores juegan un papel fundamental.
Los colores que representan al estilo retro vienen en variedades de tonos y así son plasmados en los diferentes subgéneros retrofuturistas.
En primera instancia, no se basan en colores primarios sino en tonos cremas y marrones amarillentos hasta llegar a los azules, verde azulado, verde salvia para finalmente variar hacia tonos como el melocotón y rosa pálido.
Cabe destacar que dependiendo del subgénero, la tonalidad de los colores aumentará o se mantendrán. En el caso del cyberpunk, estos suelen ser mucho más sobrios y en algunos casos varían hacia el neón.
Estéticas vintage
En la moda retrofuturista, uno de los principales elementos presente son: las estéticas vintages combinadas con colores retros platinados.
Es fácil reconocer un atuendo con estilo retro porque suelen ser de una pieza. En los diseños las figuras geométricas son las protagonistas, además de hacer uso de lentejuelas y gafas de sol que parecen espejos.
Por supuesto, estos atuendos son acompañados –generalmente- por botas que hacen alusión a la era espacial.
El retrofuturismo y la era espacial
Un elemento presente en casi todos los subgéneros retrofuturistas es hacer alusión al espacio o el universo.
Es común observar, por ejemplo, en el cine naves espaciales, robots y futuros distópicos sobre la humanidad, además de utilizar objetos como autos voladores, rascacielos gigantes, entre otros.
Elementos geométricos
Como se mencionó en un apartado anterior, cuando se trata de diseño de retrofuturismo las figuras geométricas tienen un espacio importante.
En las artes visuales se representa el estilo retro con figuras curvilíneas, una apariencia minimalista, pero sin dejar de lado los colores característicos, además de los elementos puntiagudos que suelen decir “presente”.
En la arquitectura retrofuturista son comunes los ángulos dramáticos, el uso de materiales como el plástico y neón, no dejando de lado la tecnología y la inspiración de sueños espaciales y cohetes.
Una clara representación de esto es la conocida “Aguja Espacial”, ubicada en Seattle, Estados Unidos.
Subgéneros retrofuturistas
El retrofuturismo es una corriente o un movimiento que se continúa gestando, pero no se puede dejar de lado que surgió hace décadas y por esa razón se categoriza en vertientes, debido al desarrollo que ha tenido.
Steampunk
¿Es posible unir la época victoriana con la era actual? La respuesta es “sí” y el movimiento steampunk es la muestra. Pero, ¿qué es el steampunk? Según datos históricos, inició en la década de 1970, pero antes de ver en la moda a las conocidas chicas steampunk, fue una corriente que comenzó en las letras, es decir, en la literatura.
El estilo steampunk está influenciado por varias corrientes y pensadores. Esta vertiente de retrofuturismo muestra que sí es posible tener un futuro usando escenarios del siglo XIX. Algunos libros que han inspirado a la literatura steampunk de hoy son “Frankenstein” de Mary Shelley y el “Retrato de Dorian Gray” de Oscar Wilde.
El arte steampunk muestra elementos típicos de la época victoriana. (Viki_B, Pixabay).
Asimismo, el steampunk y retrofuturismo combinan la filosofía de la era victoriana con la creatividad moderna acompañado de la autosuficiencia, un ejemplo de esta última afirmación es la creación de un robot steampunk que ha servido para reivindicar este movimiento.
Dentro del movimiento o moda steampunk también hay divergencias o estilos muy propios como el steamgoth, el cual se basa en una versión más oscura del arte steampunk.
Atompunk
La era de los 50 inspiró lo que conoce en la actualidad como el movimiento atompunk. Dicha vertiente, utiliza su propio diseño de retrofuturismo y ha sabido mantener su lugar a través del tiempo.
La inspiración de dicho subgénero está en la era atómica, la era espacial, la conocida arquitectura Googie y el desarrollo tan rápido de las potencias tanto espaciales como industriales en Estados Unidos.
(RoySnyder, Pixabay).
Hablar de atompunk es también mencionar la importancia de las maquinarias e imaginar la posibilidad de que los pájaros de trueno vuelen y vivir en mundo con máquinas del tiempo.
Cyberpunk
Dentro del cyberpunk el surrealismo es uno de los ingredientes principales. Se caracteriza por los antihéroes, atrapados en un mundo lleno de maldad, desidia y tecnología avanzada.
De acuerdo al diccionario “Britannica”, el término fue acuñado por primera vez por el escritor Bruce Bethke, él se encargó de escribir una novela con ese término en 1982. ¿De dónde viene el nombre? Proviene de la palabra “cibernética” y punk, un tipo de música cacofónica que se volvió muy popular en los 70.
(thisisorka, Pixabay).
El cyberpunk se puede ver reflejado en series como Blade Runner, películas como Ghost in the Shell, en la música electrónica y por último en la moda estilo funky.
Bitpunk
Al unir elementos del steampunk con el cyperpunk nació el bitpunk. Esta vertiente del restrofuturismo combina la tecnología y la nostalgia que resuena en las generaciones actuales y sí se trata de la Gen X y millennial.
(crow_imagenes, Pixabay).
Para ubicarse mejor en dicha vertiente, los críticos consideran que la película Spork de 2009 pertenece al movimiento bitpunk, al igual que las cintas Tron y Tron Legacy.
Dieselpunk
En el dieselpunk hay un elemento clave: los motores diesel, es probable que de ahí provenga su nombre. Sus inicios se remontan en la Primera Guerra Mundial, pero el movimiento se consolidó un poco más en la segunda.
Ejemplo de arte del dieselpunk (Stefan Prohaczka, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El acero, la arena, el cromo y la suciedad son componentes claves de ese subgénero del retrofuturismo. Sobre el dieselpunk se puede mencionar la nostalgia que refleja, el patriotismo sin ironía y un pavor por el crecimiento del modernismo.
Solarpunk
El solarpunk –también llamado greenpunk- es uno de los movimientos retrofuturistas más nuevos. Este término se dio a conocer en el 2008. Plantea un futuro casi perfecto: En armonía con el medio ambiente, los animales y mucho más igualitario.
Al mismo tiempo, abarca la tecnología impulsada por la energía renovable y plantea las ventajas de la economía circular.
(Stergo, Pixabay).
Este movimiento artístico intenta adentrase en temáticas muy actuales como lo es el cambio climático, la igualdad de género y la brecha salarial.
El retrofuturismo en el cine
Sin lugar a dudas, el cine ha servido como plataforma para mostrar el retrofuturismo y el estilo retro a la perfección.
A lo largo de los años, diversos largometrajes han tratado de plasmar el futuro y la evolución de la humanidad. A continuación, una lista de las películas steampunk y de retrofuturismo en general.
Trilogía Regreso al futuro (1985 – 1990)
En el primer lugar está la trilogía de “Regreso al futuro”, un conjunto de viajes al pasado y al futuro que marcaron a toda una generación. La cinta es conocida por sus “predicciones”, entre ellas están: el sensor de huellas y las gafas inteligentes.
Regreso al futuro enmarca esa necesidad de averiguar qué tecnología gobernará en el futuro
Metropolis (1927)
Fritz Lang siempre será reconocido por traer al mundo del cine “Metropolis”, una cinta muda con un gran despliegue de elementos visuales y bastantes adelantados para esa época. Muestra un mundo distópico futurista y surrealista, cuyo elemento principal es la industrialización y los robots malvados.
En Metropolis el ingrediente principal son los robots malvados
Fuerza vital (1985)
Una de las cintas con más aires retrofuturistas es “Fuerza vital”, es basada en el libro The Space Vampires de Colin Wilson y fue dirigida en la gran pantalla por Tobe Hooper. El argumento se basa en una tripulación de astronautas que descubren a unos humanoides.
Lo más llamativo de la película es el maquillaje y la edición. Es una joya del cine de estilo retro.
“Fuerza vital” es un clásico dentro de la corriente retrofuturista
La invención de Hugo (2011)
Dentro de las películas steampumk destaca “La invención de Hugo” de 2011, convirtiéndose en una de las más exitosas de esta corriente. Tiene todos los ingredientes para el éxito: superación, ingenio y la nostalgia victoriana típica de la vertiente steampumk.
Y en caso de que no recuerdes qué es steampunk: Es un subgénero retrofuturista que utiliza elementos característicos del siglo XIX.
Cómo crear tu propio mundo retrofuturista
Ahora bien, en el cine están presentes muchas vertientes retrofuturistas, pero no hay que olvidar que el movimiento también está muy presente en otras corrientes artísticas como lo son las artes plásticas, las letras y la moda.
Si te apetece crear un mundo retrofuturista y adentrarte en una de las vertientes. Solo es importante tomar en consideración todos los elementos que acompañan al estilo retro.
Paso uno: Una época
El primer paso para lograr iniciar con tu mundo futurista es ubicar la época en la que deseas narrar la historia o el arte que desees plasmar. Debes elegir la época perfecta para ti y que sea del pasado mirando al futuro o un futuro bastante lejano.
Deben ser dos épocas que –al mismo tiempo- puedan complementarse. En sí, una debe depender de la otra.
Ten presente que puedes conseguir inspiración en la música, en películas o en libros.
Paso dos: Haz una lista de elementos a usar
Después de definir las épocas y las fechas, es recomendable hacer una lista de los elementos que deseas que compongan tu obra, es decir, estilo de vestimenta, armaduras, medios de transporte y la vertiente retrofuturista o si deseas una combinación de ambas.
Por ejemplo, puedes usar elementos típicos steampunk y unirlos con la vertiente solarpunk.
Paso tres: ¡Comienza la historia!
Después de tener claro las fechas, las épocas y la vertiente futurista es momento de elegir: ¡La historia!
La historia es quizás lo más importante del mundo futurista, debes ambientar todos los elementos. Colocar nombre a los personajes, sus gustos, sus nombres, su forma de pensar.
Y por último, no se debe dejar de lado que el retrofuturismo o estilo retro es una corriente que continuará con gran presencia, ya que los seres humanos sienten gran atracción por las predicciones y por saber cómo lucirá el futuro.
Cada vez se utilizan más las terapias de tercera generación, cuyo objetivo es cambiar las conductas problemáticas teniendo en cuenta la relación del paciente con el problema y su entorno. En las terapias de conducta de tercera generación se considera que el origen de los malestares emocionales y conductas problemáticas se deben, en gran medida, a los antecedentes sociales y culturales del paciente.
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Las terapias de tercera generación, también conocidas como terapias de tercera ola, surgieron en la década de 1990, su finalidad es que el paciente trabaje los síntomas basándose en comportamientos y razonamientos, prestando especial atención a los síntomas, malestar emocional y a la relación que sostiene el paciente con el problema y el entorno que lo rodea.
Su perspectiva se dirige hacia la persona afectada por el problema, ya que toma en cuenta su experiencia y contexto para comprender mejor su situación y ver qué le impulsa a desarrollar conductas inapropiadas. La relación entre terapeuta y paciente es fundamental para producir nuevos cambios en las circunstancias de la persona. A través de la comunicación entre ambos se busca cambiar el comportamiento del paciente originando cambios profundos.
La respuesta a esta pregunta no es tan sencilla como se puede imaginar, ya que aún se utilizan estrategias de las generaciones anteriores. Los siguientes tratamientos son consideran tipos de terapia de generación:
Terapia de aceptación y compromiso (ATC): ayuda a los pacientes a descubrir sus valores fundamentales y a lidiar con el dolor que puede estar relacionado con la búsqueda de una vida más feliz. Su objetivo es crear una vida significativa para sus pacientes donde pueda aceptar el dolor inevitable que puede acompañarles.
Psicoterapia analítica funcional: se basa en un diálogo compartido entre el paciente y el terapeuta para realizar los cambios necesarios. Se enfoca en lo que el paciente dice y hace durante las sesiones de terapia, permitiéndole ver cómo se comporta en su vida diaria y qué está causando que el problema persista.
Presta especial atención tanto a la conducta verbal como a la forma en que se expresa, ya que permite al terapeuta observar y atribuir las conductas que está realizando.
Terapia dialéctico conductual: ayuda a aquellos pacientes que necesiten manejar correctamente sus conductas y emociones, de forma que controlen sus conductas impulsivas causadas por algún trastorno mental o psicológico, de modo que tanto paciente como terapeuta acepten las vivencias y lo que estas suponen para el paciente. Ambos buscan un equilibrio entre el cambio de comportamiento y la autoaceptación.
Terapia integral de parejas: parte de la idea de que las diferencias que hay entre la pareja no deben considerarse como obstáculos. Por el contrario, busca monitorear los conflictos de tal manera que se acepten y así aumentar su nivel de intimidad.
EMDR y trauma complejo: sus iniciales significan desensibilización y reprocesamiento por movimientos oculares en inglés. Su objetivo es ayudar a los pacientes a superar cualquier problema relacionado con el trauma y manejar la ansiedad actuando en las redes de neuronas que intervienen en la memoria y emociones.
Terapia de activación conductual: este tratamiento es más para personas que sufren de depresión. Se basa en la práctica de actividades que interrumpen la inactividad de la persona. Para obtener un resultado positivo, lo ideal es asignar al paciente actividades fáciles, agradables, progresivas y bien planificadas, especialmente al inicio del tratamiento.
Terapia cognitiva con base en atención plena: esta terapia combina la meditación de atención plena con el aprendizaje de nuevas conductas y/o habilidades en la terapia, como la interrupción de todo pensamiento que provoque estados de ánimo ansiosos o deprimidos.
Según algunos estudios, esta terapia debe llevarse a cabo durante mínimo ocho semanas. De esta forma, los pacientes pueden mejorar su calidad de vida y reducir los síntomas de depresión y/o ansiedad.
Terapia breve estratégica: se enfoca en el presente del paciente, buscando descubrir el círculo vicioso de comportamientos que mantienen el problema, luego elimina este bucle y le da al paciente la oportunidad de aprender nuevos hábitos para comenzar de nuevo.
Reducción del estrés basada en atención plena: como su nombre indica, se basa en la meditación, buscando aliviar el estrés, tanto en personas sanas como en aquellas con enfermedades físicas o mentales. Favorece la atención y concentración, además de promover la espiritualidad.
¿En qué se diferencian con las terapias de primera y segunda generación?
Hasta ahora en psicología se han originado tres olas o generaciones de terapias que se han sucedido tomando aprendizaje de la anterior mejorando su nivel de efectividad y comprensión de procesos mentales y conductuales.
Una de las características de la primera y segunda generación de terapias es que sus enfoques eran más mecánicos en comparación con la tercera.
La primera generación se basaba en entender la conducta como una mediación entre las relaciones entre estímulos y las consecuencias de las respuestas a ellos. Los terapeutas provocaban los cambios de conducta trabajando sobre los datos que obtenían de los comportamientos observados, aunque se vio muy limitada debido a que no se tomaban en cuenta las emociones ni cogniciones.
En la segunda generación, el terapeuta se enfocaba en cambiar los esquemas de creencias y pensamientos del paciente que pudieran generar conductas problemáticas. No obstante, se concentraba totalmente en eliminar todo lo negativo, por lo que se corría el riesgo de causar comportamientos rígidos que también podían ser no funcionales. Además, generalizar esta terapia al contexto de la persona en ocasiones se volvía complicado, existiendo riesgo de alguna recaída.
Por su parte, la tercera ola tiene un enfoque más cercano al contexto que presenta cada paciente, teniendo en cuenta no solo los síntomas, sino mejorar la situación cotidiana y la vinculación con su entorno y así generar un cambio permanente y real que permita superar el malestar.
Se basa principalmente en el poder del diálogo entre terapeuta y paciente para que ambos trabajen activamente en un cambio de conducta, en lugar de ser un medio donde el terapeuta solo indica estrategias al paciente, como era frecuente en las generaciones anteriores.
La mayor clave de esta terapia es la aceptación del presente, en lugar de la resignación. Todo esto después de que, entre el terapeuta y paciente, hagan un análisis donde comprendan la causa del problema, con el objetivo de lograr cambios reales y así reducir los síntomas.
Las terapias de tercera generación entienden que cada persona es un todo con su propia historia y circunstancias vitales. Para hacer esto, se elabora un tipo de mapa concreto sobre el contexto del paciente, donde se consideran los síntomas y los problemas reales, además de cómo interactúa y se siente dentro de su entorno, así como su historia y la situación actual.
¿Cuáles son las teorías celulares? Antes de la existencia de postulados de la teoría celular, habían muchas ideas de como surgían los seres vivos, pues muchos defendían que los seres vivos surgían por generación espontánea. Con el descubrimiento del microscopio y posteriores experimentos, esta teoría fue descartada, pero aún se desconocían muchas cosas referentes a las células. Cuando se consolidaron los enunciados de la teoría celular, continuaron los avances para desvelar el resto de misterios que guardaban las células y las características de la teoría celular.
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La teoría celular es una de las teorías más importantes de la biología. Establece que todos los seres vivos del planeta están compuestos por células, su estructura y su papel en el organismo. La teoría de la célula fue desarrollada gracias a los avances en el campo científico, en el que destacan la creación del microscopio.
No hay un año de la teoría celular como tal, pues la teoría de las células fue desarrollada entre 1830 y 1855, con los aportes de Matthias Jacob Schleiden, Friedrich Theodor Schwann y Robert Remak. La importancia de la teoría de evolución celular dio la razón biogenistas, que defendían que la vida solo podía surgir de otra vida, a diferencia de lado los abiogenistas, que defendían que la vida surgía de forma espontánea.
A pesar de la evidencia, la teoría celular y sus características, continuó en debate todo el siglo XIX, hasta los experimentos Louis Pasteur donde quedó totalmente desechada la teoría de la generación espontánea en el ámbito científico, lo que permitió el desarrollo de la teoría celular en las próximas generaciones.
Tipos de células según la teoría celular
Las células son unidades básicas funcionales y morfológicas que forman parte de todos los seres vivos, que comparten funciones como evolucionar, alimentarse, crecer, interactuar y reproducirse. Existen dos grupos para clasificar a las células según si poseen núcleo o no:
Células procariotas
Se caracterizan por no poseer un núcleo, que contiene el ADN. En estas células el ADN se ubica en el citoplasma, en lugar de estar rodeado por la membrana nuclear. Estas suelen estar presentes en organismos unicelulares, como lo son las bacterias. Los organismos con esta clase de células fueron los primeros en aparecer y siguen estando en la actualidad.
Células eucariotas
A diferencia de las procariotas, estas poseen un núcleo donde se almacena el ADN de la célula, suelen ser más grandes que estas se encuentran principalmente en organismos pluricelulares como los hongos, animales o los seres humanos. También poseen otros orgánulos aparte del núcleo, como la membrana plasmática o citoplasmática, ribosomas, mitocondrias, vacuolas, etc. Estas se pueden clasificar de la siguiente manera:
Son las células que constituyen a las plantas. Se diferencian del resto por tener una pared celular rígida formada por celulosa, su forma de “celdas” y otras formas geométricas. Tiene varios orgánulos ausentes en las células animales, como cloroplastos, eucoplastos y cromoplastos. Además, las vacuolas (orgánulos de almacenaje) en las células vegetales son muchísimo más grandes, llegando a ocupar un 80 % de la célula y está presente en todos los organismos vegetales.
Célula animal
Estas células carecen de cloroplastos, pues a diferencia de las plantas, no están diseñados para llevar acabo la fotosíntesis, pues son seres heterótrofos, es decir, obtienen la materia orgánica que sus organismos requieren el medio que los rodea. Tampoco poseen una pared celular, cloroplastos ni vacuola.
Estas células tienen una avanzada organización que genera tejidos formadores de órganos, pues estas células estar altamente especializadas, capaces de formar tejido muscular, epiteliales, sanguíneas o nerviosas.
Célula fúngica
Estas componen a los hongos, unos organismos intermedios entre plantas y animales, ya que son heterótrofos (no contienen cloroplastos) pero sí que presentan una pared celular, pero está compuesta por quitina mientras que la vegetal está compuesta por celulosa y una membrana celular con ergosteroles. Sus células pueden formar hifas, unas delgadas y alargadas como hilos que forman al cuerpo del hongo.
Destacan por tener organelos como los organelos de Wöroning que regulan los productos citoplásmicos, los lomasomas para la excreción extracelular y el Spiztenkörper, una estructura que funciona centro organizador del crecimiento de las hifas y de la morfogénesis.
La historia de la teoría celular empieza con la creación del microscopio por el comerciante holandés Zacharias Janssen en 1590. Más tarde, el científico inglés Robert Hooke en la teoría celular aportaría en 1665 una mejora en el microscopio. Hooke puso un corcho en el microscopio por lo que no vio células como tal, simplemente vio una serie de celdillas de bautizándolas como “célula” que significa “habitación pequeña”.
Marcello Malpighi, un biólogo italiano, estudió diversas estructuras biológicas, realizando los primeros estudios histológicos sobre diversos órganos de plantas y animales, Malpighi puso nombre a muchas estructuras vegetales. Para el, la materia viva estaba compuesta de diminutas glándulas que separaban o mezclaban los fluidos corporales. Si bien esto no era del todo correcto, estos descubrimientos dieron pie a la teoría celular.
Antecedentes
El primer en ver a una célula y con quien empezarían a desarrollarse los antecedentes de la teoría celular fue Anton van Leeuwenhoek, un comerciante neerlandés conocido como el “padre de la microbiología”. Leeuwenhoek empleó diversos microscopios de su propia autoría para observar la calidad de las telas que comerciaba, pero luego uso otras sustancias, logrando ver animales unicelulares, bacterias, glóbulos rojos y espermatozoides, derribando la creencia de la época que la esperma contenía bebés en miniatura en el año 1672.
Nehemias Grew concluye que los tejidos de las plantas están compuestos esencialmente por pequeñas piezas refiriéndose a ellas como “vesículas” e introdujo el término de “parénquima vegetal”. En 1759 Caspar Wolff estudió la metamorfosis que sufren las plantas, concluyó que todos los seres vivos tienen una unidad fundamental de forma globular llamada célula.
Xavier Bichat definió por primera vez un tejido como un conjunto de células con forma y funciones similares. En 1802 Gottfried Reinhold Trevinarus, un naturalista y médico alemán propuso que las células eran entidades reales y podrían aislar tejidos. Años más tarde, en 1817 Johann Heinrich afirmaba que los tejidos estaban formados por células individuales que no eran huecas. El microscopio tuvo varias mejoras por parte de Henri Dutrochet en 1824, lo que permitió establecer diferencias entre el tejido animal y vegetal, y descubrir el proceso de ósmosis.
Robert Brown, botánico escocés advirtió en 1831-1832 que las células vegetales poseían un núcleo, que llamó “un corpúsculo” al estudiar los orquídeas, y a partir de ahí se descubrieron más estructuras de la célula. A François Vincent Raspail se le acuñe la frase omnis cellula e cellula («toda célula deriva de una célula»). El científico determinó que las células toman del ambiente a través de la aspiración los elementos necesarios para su formación.
Un par de años más tarde, Félix Dujardin descubrió que las células no están huecas, pues contiene una sustancia gelatinosa que llamó sacorda, describiéndolo como una sustancia homogénea, insoluble en agua adherente y retráctil. Hugo von Mohl en 1844 demostró que el protoplasma es la fuente de los movimientos, identificando (llamándolo “utrículo vital”) la membrana citoplasmática de las células vacuolares y es el primero en describir el comportamiento del protoplasma en la división celular.
Desarrollo formal de la teoría celular
Fue con los aportes de los alemanes, Theodor Schwann y Jakob Schleiden dieron desarrollaron formalmente la teoría. En 1838 Schleiden formuló que todas las plantas están formadas por células, más tarde, su colega Schwann extendió esta afirmación a los animales, llegando así a los dos primeros principios de la actual teoría celular.
El tercer principio de la teoría celular fue difundido y añadido por Rudolf Virchow en 1855, pero hay evidencia que sugiere que esta idea hurtada del científico polaco Robert Remak, quien era su colega y que lo habría publicado en un artículo en 1852. A Virchow se le suele acuñar erróneamente la frase de Vincent Raspail, pues fue él quien la popularizó.
La evolución de la teoría celular continuó luego de su formalización, pues otros científicos continuaron haciendo importantes descubrimientos sobre los elementos que conforman la célula. En 1864 Pasteur descubre que al someter a los líquidos a altas temperaturas, se eliminan los microorganismos, y que estos no se generan de forma espontánea, pues en los caldos que hirvió en su experimento no crecían nuevos microorganismos.
De forma totalmente independiente, Mendel en 1865 presentó sus experimentos la transmisión de caracteres en guisantes, y que hoy constituyen la base de la genética. En esa misma época, Pasteur demostró a través de sus experimentos que los microorganismos no se formaban espontáneamente, refutando así la teoría de la generación espontánea y demostrando que todo ser vivo procede de otro ser vivo anterior.
En 1869, la molécula de ADN fue descubierta por Friedrich Miescher estudiando el esperma de salmón y el pus de heridas abiertas. Como la que encontró solamente en los núcleos lo llamó Nucleína (llamada actualmente ácido nucleico).
Walter Fleming en 1879 descubrió la cromatina, un compuesto de la célula que no se conocía hasta el momento, pues para verlo Walter uso colorantes para teñir el material en el núcleo celular. Esta cromatina sufría alteraciones a lo largo de la vida de una célula y especialmente en el proceso de división celular, pues estas se aglutinaban formando unos bastones que se duplicaban antes de dividirse la célula. Estos bastones recibieron el nombre de cromosomas.
Con los estudios de Santiago Ramón y Cajal en 1888, se descubrió que el sistema nervioso, incluido el cerebro, está compuesto de entidades individuales, las actuales neuronas. Con este descubrimiento, la teoría celular se extendió a todos los tejidos del cuerpo, pues se demostraba que el tejido nervioso estaba formado por células llamadas neuronas.
En el año 1904, Walter Sutton se dio cuenta del paralelismo entre los factores de Mendel y los cromosomas. Ambos se presentaban en pares, y de cada par uno era heredado del padre y otro de la madre, concluyendo que las unidades mendelianas (los genes) se ubica físicamente en el cromosoma.
En 1953 ames Watson y Francis Crick se comunicaron con la revista Nature, para dar la descripción de la estructura del ácido desoxirribonucleico, más conocido como ADN. Este descubrimiento fue gracias a Rosalind Franklin, pues ella tomo la fotografía a las moléculas del ADN, sin embargo, a diferencia de Watson y Francis Crick, no recibió reconocimiento por su descubrimiento. Con los estudios de ADN se han podido realizar desde pruebas de paternidad hasta resolver casos en la medicina forense.
Postulados de la teoría celular
¿Cuáles son los postulados de la teoría celular y quién los propuso? La formación y postulados de la teoría celular fueron logrados gracias a una serie de antecedentes llevados a cabo científicos a lo largo de los años junto con una serie de importantes avances en la tecnología. Todo esto permitió que Matthias Jakob Schleiden, Theodor Schwann establecieran y Robert Rermak una serie de principios que describen el mundo celular.
¿Cuáles son los postulados de la teoría celular? Al inicio fueron los postulados de la biología celular eran 3, pero con los nuevos descubrimientos se añadió un cuarto.
La célula es la unidad básica estructural
El primer de los 4 postulados básicos de la teoría celular hace referencia a que todos los seres vivos, ya sean plantas o los animales están formados por células y por productos secretados por éstas. Puesto que todos los organismos las poseen, las células constituyen la unidad estructural fundamental.
Los organismos pueden ser de una sola célula (unicelulares) o de varias (pluricelulares). Los estudios de Caspar Wolff fueron las precursoras del primer postulado celular y fue propuesto gracias a los descubrimientos de Matthias Jakob Schleiden y Theodor Schwann.
La célula es la unidad básica funcional
El segundo postulado de la teoría celular se refiere a las funciones de las células, pues esta realiza las mismas funciones que los demás seres vivos: respiración, digestión, excreción, etc. Por lo tanto, en este postulado celular se deja en claro que todos estos procesos químicos ocurren dentro de la célula. Los trabajos de Matthias Jakob Schleiden y Theodor Schwann permitieron la formulación de este enunciado.
Todas las células que existen proceden de otras células anteriores
El tercer postulado de la teoría celular deja en claro que una célula solo puede provenir de otra célula (omnis cellula e cellula). Según la perspectiva evolutiva, evolutiva, la excepción a este postulado serían las primeras células que surgieron de reacciones químicas. Él Trabaja de Robert Remak junto con los antecedentes de François Vincent Raspail hicieron pósinble este postulado.
Las células son una unidad genética
El cuarto postulado de la teoría celular se agregó con el descubrimiento del ADN. Consiste en que las células contienen el material hereditario (ADN) donde se encuentran todas las características de la célula y que esta le transmite a sus células hijas.
Autores que aportaron a la teoría celular
¿Quiénes formularon la teoría celular? Como ya se mencionó con anterioridad, fueron 3 los autores de la teoría celular los que establecieron los 3 de los 4 postulados de la célula. Si bien los principios de la teoría celular se establecieron con estos autores, los científicos mencionados en los antecedentes fueron parte fundamental para su desarrollo, incluso cuando sus nombres no salen cuando se pregunta quiénes propusieron la teoría celular.
Matthias Jacob Schleiden
Nació el 5 de abril de 1804 en Alemania. Estudió la carrera de derecho, pero la abandonó para dedicarse a la botánica. En 1833 viajó a Berlín para trabajar en el laboratorio de Johanes P. Müller, un anatomista y fisiólogo quien dio importantes aportes en estos campos y que influenciarían a Schleiden. En el laboratorio conoció a otro científico alemán, el fisiólogo Theodor Schwann, con quien trabajaría y formularían las dos primeros postulados sobre la teoría celular.
Para ello estudió las plantas al microscopio, llegando a la conclusión de que estaban compuestas por unidades reconocibles o células. En 1837, afirmó que el crecimiento de las plantas se produce gracias a que se generan células nuevas que se propagaban a partir de los núcleos de las viejas.
Matthias Jacob Schleiden.(Carl Wilhelm Traugott Schenk, Public domain, via Wikimedia Commons/Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Friedrich Theodor Schwann
Nació el 7 de diciembre de 1810 en Neuss. Estudió medicina en la Universidad de Bonn en 1829, donde fue discípulo del ya mencionado Johannes Müller. Durante su carrera realizó importantes descubrimientos fisiológicos. Llegó a ser profesor de anatomía en Lovaina y Lieja. En cuanto a sus aportes a las teorías del origen celular, pues desarrolló importantes avances en el microscopio, con los que estudio a los seres vivos.
Schwann estudió las células de varios animales y embriones, concluyendo que todos los seres vivos, incluidos los animales, están conformados por las células.
Friedrich Theodor Schwann.(See page for author, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons/ Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Robert Remak
Nació el 26 de julio de 1815 en Posnania, Alemania, en una familia judía ortodoxa. Estudió medicina en la Universidad de Berlín y obtiene la licenciatura de Medicina en 1837, especializándose en la neurología. Al igual que los anteriores casos, fue alumno de Johannes Peter Müller. Debido a su origen judío, tuvo problemas para ejercer como profesor, puesto que se les tenía prohibido enseñar.
Tuvo importantes descubrimientos antes de los 30 años, además tradujo muchos trabajos de medicina a polaco. En 1852 publicó uno de sus descubrimientos: las células se multiplican por escisión de su núcleo, no a partir de un protoplasma originario. Con esto, se afirmaba que las células animales y vegetales poseen un único origen intracelular, por lo que todas las células surgen de células embrionarias por división progresiva.
Rudolf Ludwig Karl Virchow, compañero de Remak, se vio fuertemente influenciado por la teoría celular, en especial por los trabajos de John Goodsir de Edinburgh y por las investigaciones de Robert Remak, y llegó a las mismas conclusiones que él, aunque al inicio no estaba convencido de los resultados de su compañero. Virchow, en 1885, tomo las ideas de Remak y las publicó, tomando su idea como propia, junto con la frase en latín “toda célula proviene de otra célula”.
El descubrimiento de Remak desarrolló el tercer anunciado, pero su descubrimiento hasta el día de hoy se le atribuye a su compañero, puesto que Virchow contaba con más prestigio, hasta el día de hoy se le adjudica este logro.
Robert Remak. (See page for author, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons/Recorte, mejora de tono y resolución de la original)
Últimos avances de la teoría celular
Los postulados de la teoría celular y sus autores generaron un cambio en la forma en que se estudiaba la biología, y desde entonces se han hecho numerosos descubrimientos que han enriquecido la teoría celular. Un ejemplo de esto fue la teoría cromosómica de Sutton y Boveri, que sirvió para elaborar el cuarto enunciado.
Células madre
Las células madres son algo que ha estado muy presente en muchas noticias en los últimos años. Se tratan de las células que sirven como materia prima para nuevas células hijas o células más especializadas, como lo son las células sanguíneas, cerebrales, del músculo cardíaco o células óseas. Su importancia radica en que pueden ser empleadas para comprender como funcionan las enfermedades, para ser usadas en la medicina regenerativa o emplearlas para probar medicamentos.
Las células madre se encuentran en los embriones de 3 a 5 días, en el líquido amniótico y los tejidos adultos, como la médula ósea o la grasa. Debido a esto, existen estrictas normas éticas para extraer estas células, y se suelen obtener de óvulos ya fertilizados pero que no se implantarán en el útero de una mujer y que previamente los donantes aceptaran entregarlas. Por otro lado, las células madre adultas no tienen la misma versatilidad y duraderas que las de los embriones.
Las células y la grasa
Las células dendríticas, un tipo especial de célula inmunitaria que se encuentra en los tejidos, como la piel, y estimula las respuestas inmunitarias. Los estudios indicarían que también influirían en el metabolismo, manteniendo un equilibro entre la energía que se consume (calorías) y la que se acumula, transformándose en tejido graso.
El experimento se llevó a cabo en ratones, donde se descubrió que la ausencia de un subtipo de estas, desencadena el desarrollo de obesidad hepatomegalia, diabetes tipo 2 e hígado graso. Los científicos observaron que estas células promueven que se activen dos tipos de linfocitos (las células del sistema inmunitario, las NKT y NK) llamadas “asesinas naturales” pues representan la primera línea de defensa del cuerpo, también afectarían en el tejido graso. Según otros estudios, estos linfocitos posibilitan dicha reparación, mediante la eliminación de células dañadas en el tejido graso.
Las células “comen” lo que tienen alrededor
El estudio proveniente de Universidad Estatal de Ohio descubrió que las membranas celulares se curvan, por lo que forman unas especies de “bocas” que le permite a la célula «comer» lo que hay alrededor. Así como lo que las personas comen influyen en la forma del cuerpo, así aplicaría para las células, pues lo que comen serían importantes para mantener la salud de estas.
Entender de la forma en que las células consumen lo que hay a su alrededor y como lo expulsa puede ayudar al tratamiento de enfermedades, pues se sabe que el proceso se rompe en varias enfermedades, por lo que estos estudios permitirían avances en los tratamientos.
¿Qué es la teoría celular y sus postulados? Se trata de la teoría que explica que todos los organismos vivos están compuestos de células, siendo sus postulados de la teoría celular los pilares de esta. Los enunciados de la teoría celular tuvieron un cambio luego que se descubrio, por lo que no se descarta que en un futuro estos postulados vuelvan a sufrir algún cambio. La importancia de esta teoría radica en que se puede entender cómo los organismos se crean, crecen y mueren, convirtiéndose en la base de la biología.
El arte dada surgió a inicios del siglo XX con interesantes aspectos vanguardistas, lo que, en su momento, hizo de esta tendencia una de las más atractivas de su contexto y un importante referente para las posteriores corrientes artísticas que se inspiraron en el movimiento dada. ¿Quieres saber más sobre el arte del dadaísmo? Aquí encontrarás toda la información relacionada a este innovadora corriente, desde sus orígenes, avances, características fundamentales y algunas de las principales obras del dadaísmo dentro de la pintura, escultura y poesía.
Dadaísmo literario: Características, historia, autores y obras de los principales movimientos de la literatura dadaísta
Conociendo más sobre la definición y origen del dadaísmo
Dentro del arte, se han visto diversas corrientes y escuelas con rasgos específicos que permiten demostrar la evolución, desarrollo y técnica en importantes momentos de la historia de esta disciplina, progreso que se refleja gracias a las oleadas de autores que, sin duda alguna, lograron consagrarse en lo más alto de sus carreras.
La época del dadaísmo significó una de las más importantes dentro de la vanguardia en el mundo del arte, y es por ello que sigue siendo referente dentro de la disciplina en general en tiempos actuales. A continuación, se muestra en detalle los aspectos teóricos del arte dada, a fin de comprender mejor esta corriente creativa.
Se trató de un movimiento artístico interdisciplinario surgido en Alemania en 1916 formando parte de las denominadas vanguardias históricas del siglo pasado, originadas en un intento de oponerse a los códigos establecidos dentro de la cultura y el arte en general, influenciado más que todo por el panorama político y social de aquel entonces. Se considera un antiarte, con una serie de principios y valores que hicieron del arte dada un estilo de vida y una nueva ideología.
Aunque se hizo notable más que todo dentro de la poesía, pintura y escultura de principios del siglo pasado, también tiene sus manifestaciones a través de la arquitectura dadaísta y otras artes como la fotografía, música, dramaturgia y otras disciplinas.
Principios y fundamentos de la obra dadaísta
Por ser catalogado por sus seguidores como un antiarte, fue asumido más que todo como una forma de vivir, por lo que el dadaísmo destacó en su momento por los principios que fueron expresados por los creadores influenciados bajo este movimiento y que no tardaron en generar controversia en la crítica especializada del arte y el público en general.
Aspectos como rebeldía, irreverencia, abstracción, imperfección, espontaneidad, entre otros fundamentos, fueron las demostraciones del dadaísmo en una marcada oposición a lo que se encontraba establecido dentro del arte en general, rodeado de positivismo y convencionalismo regido por la eterna búsqueda de la belleza, delicadeza, refinamiento y excelencia que, hasta ese entonces, eran notorios en las obras de arte.
Por otra parte, el movimiento poético del dadaísmo tuvo como principios fundamentales el uso de la ironía, sátira, burla y expresiones absurdas y a veces consideradas sin sentido, vistas a través de las denominadas figuras retóricas del dadaísmo, donde el lenguaje literario se manipula de forma libre y hasta ilógica y expresiva, pero que era catalogada como la forma más precisa de manifestar belleza en los versos. Esta habría de ser una de las más importantes características del dadaísmo literario en general, lo que lo ayuda a diferenciarlo de otras corrientes.
Influencia del dadaísmo en el arte en general
Las vanguardias del dadaísmo expresadas en prácticamente todas las áreas artísticas, fueron prominentes en corrientes posteriores, siendo la más destacada la tendencia surrealista, que vino a ser la concreción de lo que quería lograr el dadaísmo apenas fue originado. Por otra parte, todas las disciplinas creativas se verían notoriamente marcadas con el rompimiento del arte dada con todos los códigos estéticos afianzados hasta su surgimiento, lo que llevó a ser un punto determinante en las áreas que durante siglos, rindieron culto a la perfección y belleza para dar paso a una tendencia irracional y cargada de rebeldía.
Para dar un ejemplo, la arquitectura del dadaísmo significó un giro radical en el diseño de edificios, que eran creados a partir de materiales tradicionales hasta la llegada de la tendencia vanguardista, donde comenzaron a desarrollarse proyectos arquitectónicos a maneras de esculturas, combinando elementos como hormigón, cúpulas de cristal, acero y otros recursos poco ortodoxos dentro de la construcción.
Repaso por la historia del dadaísmo
El contexto histórico del dadaísmo dejó profunda huella en el arte a nivel general, representando un antes y un después en la disciplina, visto en las creaciones y obras de arte de esa era artística que sirvieron de influencia para los movimientos originados posteriormente. Te traemos un recorrido por el origen y desarrollo del dadaísmo en géneros artísticos destacados como la pintura, arquitectura, literatura, poesía y escultura, donde la corriente se expandió por medio de los principales exponentes del dadaísmo y sus obras reconocidas hoy en día.
Inicios
Originado en 1916 en Zúrich, ciudad que para ese año, servía de refugio para numerosos artistas y creadores de diferentes nacionalidades que llegaron a tierras suizas después de los horrores de la Primera Guerra Mundial. El arte dadaísta tuvo entre sus precursores a los escritores Hugo Ball, Tristán Tzara y André Breton, quienes crearon las primeras obras del dadaísmo literario, específicamente, panfletos y manifiestos que eran leídos en el Cabaret Voltaire, punto de encuentro de los autores rebeldes.
La postura satírica e irónica de éstos y otros autores, que usaban la burla como oposición al arte burgués, fue replicada en otras disciplinas como la pintura y la ilustración, con dibujos humorísticos que adornaban los escritos de los representantes de los movimientos literarios del dadaísmo, y tal fue el éxito de esta corriente, que para 1917 se apertura la Galería Dadá.
Cabe acotar que el término «dada» o «dadá» fue muy discutido en su momento, pero la versión fehaciente del origen del nombre del movimiento es la que relata que Tristán Tzara halló esta extraña palabra en un diccionario, dadá, que en francés se traduce como «caballo de batalla», pero que fue perfecta para el rumano al adjudicarla como una denominación que, al final, no tiene significado alguno dentro del movimiento, lo que expresa el carácter sinsentido de esta corriente.
Dadaísmo en América
Mientras esto sucedía en Suiza, otros artistas refugiados, esta vez en Nueva York, hicieron lo suyo para afianzar el arte dadaísta en Estados Unidos, resaltando de ese grupo la figura del escultor francés Marcel Duchamp, que creó piezas a partir de objetos simples como urinales, taburetes, piezas de bicicletas, entre otros componentes comunes, dado así origen a sus reconocidos ready-mades, esculturas surgidas por acción y voluntad del autor de la pieza, dando un vuelco artístico a elementos cotidianos como los ya mencionados para exponerlos como si de obras de arte se tratasen. Aunque generó conmoción en un principio, ésta y otras expresiones fueron aplaudidas más adelante por los colegas dadaístas europeos y norteamericanos.
La consagración de las obras del dadaísmo en tierras neoyorquinas vino de la mano de la fundación en 1915 de la revista 391, gracias al pintor Francis Picabia y al fotógrafo Alfred Stieglitz, quienes usaban este espacio para mostrar sus piezas bajo esta tendencia y otras más de artistas que asumieron este movimiento como una ideología antiartística.
Expansión a otras regiones
Con el éxito obtenido en Europa y América, el arte dadaísta se desplegó en otras latitudes, como Alemania, Francia y Japón, asumido más que todo por jóvenes artistas que querían expresar su descontento a los aconteceres vividos en esa época, de corte bélico, devastador y caótico. Lo ofrecido por la política, religión, filosofía y otras áreas importantes, no era lo que se veía en las desoladas calles de los países que sufrieron la barbarie de la Gran Guerra, por lo que el dadaísmo vino a ser un movimiento con marcado carácter crítico ante estas experiencias, impulsadas más que todo por el positivismo y sostenidas por la sociedad burguesa.
Decadencia
El desgaste del dadaísmo se dio principalmente porque la opinión pública vio excesiva y grotesca la práctica provocadora y escandalosa que buscaban generar las obras del dadaísmo. Aunque se llevó a cabo incluso una Feria Internacional Dadá en Alemania a mediados de 1920, este hito histórico no impidió que importantes representantes del arte dadaísta abandonaran al mismo para intentar desprenderse de la polémica generada, como lo hizo André Breton, que dio los primeros aportes hacia el posterior movimiento vanguardista, el surrealismo, que vendría a marcan el arte onírico e imaginativo desde 1924.
Aspectos fundamentales de las obras y autores del dadaísmo
Las características y representantes del dadaísmo que mostraremos a continuación, reflejan las particularidades presentes dentro del movimiento del arte dada, mismo que logró ocupar un puesto entre las notables corrientes artísticas del siglo pasado y que pueden verse en las obras de arte del dadaísmo que engalanan a museos, galerías, calles de ciudades importantes y librerías de renombre. Entre estos rasgos están:
Surgimiento de nuevas técnicas artísticas
Las obras del dadaísmo fueron impulsoras de innovadoras técnicas como los mencionados ready-mades, puestos en escena por Duchamp, y el fotomontaje o collage, método aplicado dentro del mundo de la fotografía. Ambos ejemplos, en su momento incomprendidos por el ojo especializado, hoy en día son prácticas comunes dentro de las disciplinas descritas, y como ellas, muchas más se originaron gracias al arte dadaísta.
Rechazo al positivismo por medio de la irracionalidad
A manera de contraponerse a las posturas fijadas por los artistas adheridos al positivismo, donde la razón debía prevalecer en todas las obras, el dadaísmo supo hacer de la irracionalidad su herramienta principal.
Ironía y provocación en sus obras
En pinturas, esculturas y poemas del dadaísmo, es posible hallar muestras de humor absurdo o negro, ironía, sátira y otros recursos artísticos utilizados para provocar al sector conservador artístico y a la opinión pública, en una manera de quebrar el orden fijado por los tradicionalismos.
Antiarte antes que todo
El dadaísmo fue considerado por sus propios creadores y afectos como una corriente antiartística, apropiado por sus simpatizantes como un estilo de vida, una ideología y/o un medio de subversión que evidenciaba las tensiones sociales y políticas de ese contexto, siendo un claro de ello los mismos impulsores de este movimiento, creadores obligados a refugiarse lejos de sus países de origen a causa de los horrores de la guerra.
Oposición a los cánones de belleza, razón y ley
Entre las características de la poesía dadaísta, pintura, escultura y otras áreas artísticas de esta corriente, se encuentra la contradicción revelada en las piezas de arte que, si se comparan con otras creadas bajo patrones tradicionales, simbolizan imperfección, caos, desequilibrio, pero también motivan al artista a expresarse libremente, sin ataduras ni técnicas rígidas.
Uso del arte como protesta del entorno social y político
El dadaísmo surgió no solo para oponerse a la rigidez y perfección establecida en el ámbito artístico, sino también como medio de protesta a la situación política, económica y social que se estaba generando en ese entonces a causa de las confrontaciones bélicas que, desde el punto de vista de esta corriente vanguardista, tiene en el paradigma positivista su principal responsable.
Principales artistas del dadaísmo y sus obras
Como toda corriente, el arte dada mostró lo mejor de los creadores que se iniciaron e identificaron con el movimiento hasta hacerlo popular. En las siguientes líneas, conocerás los principales representantes del dadaísmo dentro de la poesía, pintura y escultura, áreas donde el dadaísmo se hizo sentir en su máxima expresión.
Poesía
La literatura dadaísta destacó desde sus inicios con la diversidad de publicaciones inspiradas bajo esta corriente, siendo la más resaltante la poesía, cuyos versos irreverentes, espontáneos y liberales llegaron a generar controversia en su momento pero, actualmente, son admirados por el público. Dentro del dadaísmo en la literatura, destacan los siguientes poetas:
Tristán Tzara (1896 – 1963)
Se trata de uno de los autores representativos del dadaísmo. Fue un escritor francés de origen rumano, catalogado como uno de los fundadores del arte dadaísta, influenciado a su vez por las opiniones del escritor Hugo Ball cuando compartieron ideas en su exilio en Suiza. Tzara fue el que le dio nombre al movimiento, además de ser autor del primer manifiesto creado bajo esta tendencia antiartística, escrita en 1918.
Retrato dadaísta de Tristán Tzara, pintado por Robert Delaunay. (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Entre sus obras más afamadas se encuentran los Siete manifiestos dadaístas, La primera aventura celeste del señor Antipirina y Veinticinco poemas, publicaciones destacadas dentro del periodo del dadaísmo en el ámbito literario.
André Breton (1896 – 1966)
Otro de los pioneros del dadaísmo en literatura, fue un escritor francés que compartió en Suiza con los pioneros de la corriente y dio aportes a la misma, a la que se sumó por un espacio de tres años. Sin embargo, a pesar de ser un miembro activo de este movimiento, comenzó a desligarse por la controversia que generó el dadaísmo en la opinión pública, hasta que lo abandonó en 1920 pero sin olvidar las ideas y principios de esta tendencia, las cuales sirvieron a Breton de base para promover otro de los importantes movimientos vanguardistas del mundo artístico, como lo fue el surrealismo.
(Henri Manuel. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
De su mano se escribieron obras como Nadja, Arcano, El amor loco y Los vasos comunicantes, las cuales recuerdan el paso de Breton por el dadaísmo al presentar rasgos característicos de esta ideología.
Pintura
Las pinturas del dadaísmo fueron las primeras muestras del desprendimiento de esta corriente de los patrones tradicionales establecidos dentro del arte, ya que reflejan la posición fijada por los creadores adheridos a este movimiento, ligada con los principios de ironía, escándalo, protesta, contradicción e imperfección. Encontramos dentro del periodo del dadaísmo pintores de la talla de:
Max Ernst (1891 – 1976)
Este pintor francés de origen alemán fue uno de los principales creadores de la pintura dadaísta, conjuntamente con piezas de tendencia surrealista. Se caracterizó por su comportamiento provocador y polémico, como la ocasión en la que organizó una exposición interactiva para el público, que debía pasar por un pasillo de urinarios, o tenía la opción de destruir un enorme trozo de madera a hachazos, todo ello amenizado con poemas grotescos recitados por una niña vestida como si fuese a recibir su primera comunión. Aunque dicha exposición sería prohibida tiempo después, impulsaría otras más provocativas e irreverentes.
(Unknown author, CC0 1.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Entre sus cuadros más reconocidos se encuentran El elefante Célebes, Ubu Imperator e Loplop presenta a Loplop, obras sobresalientes de la época del dadaísmo de Ernst.
Francis Picabia (1879 – 1953)
Aparte de ser pintor, el francés también destacó dentro de la escritura, simpatizando en el dadaísmo, surrealismo y cubismo, siendo uno de los máximos referentes del arte abstracto. Con obras que van desde reflejos de técnicas impresionistas hasta formas mecanomorfas y con llamados futuristas, propias del dadaísmo, se convirtió en un representante notorio de este movimiento en la pintura, adoptando una postura irónica y rebelde propia de los adeptos a esta ideología.
(Guillaume Apollinaire. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Entre sus creaciones resaltan Máscara abierta, Reloj de alarma y Parada amorosa.
Escultura
Otra de las destacadas áreas donde encontramos notables artistas es en la escultura dadaísta, tan llena de abstracción, rompiendo con los esquemas convencionales que se tenían fijados dentro de este tipo de arte. Sus principales exponentes son:
Jean Arp (1866 – 1966)
Escultor franco – alemán, también conocido como Hans Arp. Fue impulsor del dadaísmo dentro de la escultura, cuyas obras se caracterizaron por representar imágenes oníricas y mostrar abstracción e imperfección, como lo hizo también en su desempeño como poeta y escritor.
(Vincent Steenberg. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Simpatizó también con el surrealismo y fue creador del bioformismo artístico, y conocidas en el mundo son sus piezas Pastor de nubes, La estrella y Concreción humana, obras que combinan lo mejor de las corrientes que inspiraron a Arp durante su carrera.
Marcel Duchamp (1887 – 1968)
Creador de los ready-mades, objetos cotidianos transformados en obras de arte sin siquiera hacerle modificación alguna, se hizo famoso rápidamente por estas creaciones, las cuales hoy pueden admirarse, por ejemplo, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este escultor y pintor francés fue impulsor de corrientes vanguardistas, aparte del dadaísmo, como lo fue el surrealismo y el futurismo, donde sus creaciones influyeron enormemente en el arte abstracto a nivel general.
(Anónimo. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
De sus piezas destacan Fuente y Rueda de bicicleta, notorios referentes del ready-made que dio aclamación mundial a Duchamp.
Algunas de las importantes obras del arte del dadaísmo
En este artículo, por supuesto, no podíamos dejar de hablar de las obras representativas del dadaísmo en las artes que ya hemos hecho mención, siendo ellas claras manifestaciones de esta interesante tendencia que sigue maravillando a los amantes del arte vanguardista. Entre ellas tenemos:
Poesía
De los poemas del dadaísmo más famosos, destacamos los siguientes:
Danza de la muerte
Escrito en 1916 por el poeta alemán Hugo Ball durante su exilio en Suiza, donde destacó por ser uno de los precursores de la literatura dadaísta. En el siguiente fragmento, se observa la esencia sinsentido de los poemas del dadaísmo que querían reflejar los autores de la época:
«Así asesinamos, así asesinamos, Todos los días lapidamos Colegas nuestros en la danza de la muerte. Álzate hermano ante mí, ¡Hermano, tu pecho! Hermano que debes caer y morir».
Elegía
Redactado por Tristan Tzara durante los primeros momentos del movimiento dada en Zúrich. En este poema se presenta la ausencia de signos de puntuación tan particular en los poemas del dadaísmo:
«Y ahora me alegro cuando en el patio ladran los perros ladran los perros y cuando llegas para quedarte conmigo hasta mañana hasta mañana».
Agua salvaje
Otro poema de autoría del rumano Tristán Tzara, que forma parte de los versos escritos bajo la tendencia dadaísta. Se nota la ausencia de signos de puntuación y el estilo incoherente en sus líneas, algo que en su momento llegó a escandalizar al conservador mundo literario:
«el ruido ordenado en la periferia del resplandor es un ángel que sirve de cerradura a la seguridad de la canción una pipa que se fuma en el compartimiento de fumadores en su carne los gritos se filtran por los nervios que conducen la lluvia y sus dibujos…»
Pintura
Entre las artísticas imágenes del dadaísmo, tenemos las siguientes piezas:
Parada amorosa
Creada en 1917 por Francis Picabia, esta obra de arte pintada al óleo sobre cartón, muestra la fascinación que tenía el pintor hacia lo mecánico o científico, representación gráfica que acompañaba de un título que parecía incoherente para el público pero que, a su vez, hacía volar la imaginación del espectador.
(Artsy).
Ubu Imperator
Este cuadro de Max Ernst, pintado en 1923, representa a Ubú rey, personaje de una obra teatral escrita por el francés Alfred Jarry. El protagonista del cuadro es reflejado en la pintura como una peonza roja, dando vida al objeto por medio de este emperador. La pieza se exhibe en el Museo Nacional de Arte Moderno en París.
(Fred Romero. CC BY 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
L. H. O. O. Q.
Se trata de una intervención hecha por el artista Marcel Duchamp a la célebre Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Este ready-made muestra a la reconocida Gioconda con unos detalles muy peculiares: un bigote y una barba, agregados de forma burlesca por Duchamp para mostrar su espíritu rebelde.
(Marcel Duchamp. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Escultura
La escultura dadaísta tiene en su diversidad de piezas referentes a las creaciones que detallaremos a continuación:
Fuente
La pieza se trata simplemente de un urinario invertido y exhibido como una fuente. El concepto fue presentado en 1917 por Marcel Duchamp en Nueva York, generando polémica la primera vez que fue exhibido.
(Marcel Duchamp. Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Rueda de bicicleta
Otro de los célebres ready-mades de Marcel Duchamp, donde se muestra una rueda de bicicleta fijada sobre un taburete. Esta pieza, una de las primeras esculturas dadaístas del francés, también tiene expresiones cinéticas, ya que la rueda gira sobre el objeto al que se encuentra adherido.
(Historia Arte).
Preludio a un brazo roto
¿Puedes imaginar este rimbombante título para una pala? Pues Duchamp lo hizo de nuevo. Simplemente, en 1915 tomó este objeto cotidiano, le colocó un nombre artístico y lo exhibió como una gran pieza creativa.
Anticipo de un brazo roto (1915).
Como se puede observar, el arte dada marcó una época muy resaltante, al oponerse a los códigos determinados por las anteriores corrientes que precedieron este movimiento, por medio de una postura irracional y rebelde que generó polémico en sus inicios, pero que tiempo después, vino a fomentar otras corrientes de corte vanguardista. Aunque el movimiento duró poco tiempo, las diversas obras del dadaísmo que hoy podemos disfrutar, nos muestran cómo por medio del arte, un nutrido grupo de creadores elevaron su voz de protesta y decidieron cambiar el rumbo de esta disciplina para siempre.
Olas del feminismo es un término que se usa para representar los diferentes momentos de las luchas feministas en la historia. La expresión comenzó a usarse 1968 con un artículo publicado por Martha Weinman Lear en el New York Times, titulada “La segunda ola feminista”. Pronto la expresión se hizo popular y se usó para definir estos períodos de tiempo. Respecto a cuántas olas del feminismo hay, en la historia del movimiento feminista existen diferentes corrientes que discrepan en cuanto a la cronología de las diferentes etapas de las olas feministas. Según la corriente anglosajona se divide en las tres olas del feminismo, mientras que el feminismo teórico concibe cuatro.
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Muchos opinan que los inicios del feminismo tienen lugar durante la Ilustración. En esta época de las luces, el pensamiento crítico toma protagonismo y la polémica de la jerarquía entre los sexos es un tema que toma vigencia.
Es en ese momento que tiene origen un discurso nuevo sobre el feminismo. En el siglo XVIII, siglo de la razón, la desigualdad es un tema que debe ser discutido. Frente a las posiciones de destacados filósofos como Rousseau, que exceptuaba a las mujeres de los derechos ciudadanos, el feminismo en la Ilustración se organizaba en movimientos en pro de la igualdad civil.
En el origen del feminismo, activistas, amas de casa y todo tipo de mujeres se daban cita en clubes donde se discutían, se hacían planteamientos y se formulaban estrategias para divulgar el movimiento.
Autoras feministas como Wollstonecraft, escritora y filósofa inglesa, defienden la posición de que las diferencias entre hombres y mujeres vienen dadas por la falta de oportunidades y educación que el sistema ofrece a las mujeres. En el libro Vindicación de Derechos de la Mujer (1792) alega contra la exclusión rousseauniana de la mujer. La obra se convierte en un clásico de la primera ola del feminismo. Fue criticado por algunos sectores, ya que no se hace referencias a las reivindicaciones políticas, como el derecho al sufragio.
El feminismo en la historia ha sido un proceso difícil. Como dato curioso, en 1776, en la ciudad de Nueva Jersey se autorizó de manera accidental el voto femenino por un error que mencionaba en la definición de sufragismo y en la ley, la palabra “personas” en lugar de “hombres”, pero fue abolido tiempo después.
La primera ola del feminismo (1789-1848)
La primera ola del feminismo comienza a partir de la Revolución Francesa en 1789 (siglo XIII). El feminismo moderno tiene aquí su punto de partida con los movimientos producidos en ese momento histórico, cuando por primera vez existe una participación política organizada.
El feminismo vive el difícil clima político reinante de Francia en 1789. Muchas valientes mujeres se propusieron hacer valer sus derechos y tomaron un activo papel en la política del país, en un momento donde la mujer era considerada “ciudadana pasiva”.
En octubre de ese año miles de mujeres marcharon desde el mercado de París al Palacio de Versalles para exigir que el rey atendiera la dramática situación de la falta de alimentos. Las mujeres del feminismo de primera ola sentaron importantes bases históricas del movimiento.
La Declaración de Derechos de la Mujer y la Ciudadana, de Olympes de Gouges (asesinada en la guillotina posteriormente), donde se declara que las mujeres son libres e iguales a los hombres ante la ley, fue fuente de inspiración para muchas activistas.
La Revolución Francesa
La Revolución Francesa tiene como uno de sus objetivos la igualdad jurídica, igualdad de derechos políticos y libertades, sin embargo, la contradicción pronto se hace notar, ya que las mujeres no estaban incluidas en estos principios tan aclamados.
Es así que de forma colectiva la voz de la mujer comenzó a expresarse. Algunos ilustrados franceses como Condorcet ayudaron en el proceso, reclamando el reconocimiento al rol social de la mujer.
Aunque las mujeres se identificaron entre sí como un colectivo oprimido, la época de la Revolución Francesa fue una derrota para estos primeros movimientos feministas. En la primera ola feminista las mujeres seguirían siendo las madres y las esposas de los ciudadanos. El exilio o la guillotina fue el final de aquellas que tuvieron una relevante participación política.
En 1804 se resumen las mejoras revolucionarias en el napoleónico Código Civil, donde los derechos civiles de los hombres son negados a las mujeres. Se las consideró como menores de edad, en poder de sus esposos, padres e incluso hijos, y se consideró el hogar su ámbito exclusivo. Se excluyeron de la educación media y superior. También se crearon leyes específicas para la mujer en relación al aborto y al adulterio.
Movimiento de la Templanza
El movimiento de la Templanza se forma en Estados Unidos, concretamente en Boston, Massachusetts, en 1826. La organización crece rápidamente y en 1831 ya existían al menos 24 grupos en todo el país. Estas feministas de la historia tenían el objetivo de prohibir o limitar el consumo de alcohol, que tanto daño estaba causando en muchos hogares de ese país, en una especie de “reforma moral”.
Sus participantes hacían panfletos, caricaturas, canciones y discursos sobre el daño del consumo de alcohol. Las mujeres se organizaron para defender sus hogares, pero también para tener un papel y trato igualitario en las actividades públicas.
El movimiento abolicionista en Estados Unidos
Mientras se desarrollaba el movimiento de la templanza (movimiento sobre todo de mujeres blancas de clase media), en ese mismo país se daba la lucha de la raza afroamericana por los derechos humanos más básicos. Las mujeres ejercieron un papel protagónico en esa lucha. Muchas mujeres blancas se unieron a esta causa.
Sarah Mapps Douglass, Jarena Lee, Maria Stewart y Sarah Louise Forten se pronunciaron y lucharon contra la esclavitud, pero también por otros derechos ciudadanos como la educación.
Entre los años 1820 y 1830, las mujeres afroamericanas se organizaron formando grupos religiosos, sociales y literarios para apoyar a las comunidades. En 1831 forman la Free Produce Society, y algunas sociedades literarias como la Sociedad Literaria de las Damas de Color, La Asociación Literaria Femenina, etc.
Feministas importantes de la primera ola
¿Qué son las feministas? ¿Cuál es la primera mujer feminista? Es difícil determinar cuál es la primera feminista de la historia, sin embargo, en esta primera etapa destacan nombres como Susan Brownell Anthonynse, Elizabeth Cady Stanton, Virginia Bolten, Elisa Leonida Zamfirescu, etc.
La segunda ola del feminismo (1848-1960)
Durante 1840 se realizó la primera Convención Mundial contra la Esclavitud, en Londres. Muchas mujeres activistas asistieron al evento (Lucretia Mott, Elizabeth Cady Stanton y otras), sin embargo, fueron relegadas al papel de simple espectadoras, negándoseles el derecho a intervenir. Solo los hombres participaron del evento.
Fue así que estas mujeres del feminismo de segunda ola decidieron formar su propia asociación en defensa del derecho de la mujer. Transcurrieron ocho años para que Stanton, Mott y trescientas mujeres más se reunieran a celebrar la primera Convención sobre los Derechos de la Mujer.
La Declaración de Sentimientos
En 1848, se encuentran en Seneca Falls (Nueva York) este grupo de mujeres y hombres seguidores de la causa. En el evento de discutió y votó por la “Declaración de Sentimientos”, creada por Stanton. Su mensaje era semejante al escrito durante la Revolución Francesa por Olympes de Gouges. En él se declaraba que “todos los hombres y mujeres son creados iguales”.
El documento tocaba otros temas como el derecho a la propiedad, la educación de la mujer, el liderazgo y el derecho al voto. Esto fue solo el principio. Posteriormente se comenzaron a reunir de forma regular y el movimiento feminista creció. Por 70 años se luchó por el derecho al voto. También participaban en otras luchas sociales, pero el voto se consideraba el elemento clave para alcanzar los demás derechos.
La lucha afroamericana
Por otra parte las mujeres afroamericanas, excluidas por lo general de estas reuniones de mujeres blancas, luchaban por su propia cuenta, no solo contra el sexismo, también contra el racismo y el clasismo. Frances Ellen Watkins Harper fue una de las grandes luchadoras por el derecho al voto, junto a Lucy Stone (abolicionista blanca), Frederick Douglass y un grupo de valientes hombres y mujeres.
La segregación racial continuó y con frecuencia las mujeres afroamericanas debían unirse a otros grupos pro sufragio. En el año 1876 se solicitó que fueran agregados 94 nombres de mujeres negras a la “Declaración de Sentimientos”, a través de una carta enviada por Mary Ann Shadd Cary.
Los logros de la segunda ola
Jeannette Rankin, primera mujer elegida para formar parte de la Cámara de Representantes (Estados Unidos, 1916). El mismo año, Margaret Sanger abre una clínica de control de natalidad, a pesar de que en New York estaba prohibida la distribución de anticonceptivos.
En la segunda ola del feminismo finalmente se logró el derecho al sufragio en 1920, solo de las mujeres blancas. Debido a la discriminación racial reinante en ese país, las mujeres afroamericanas tuvieron que esperar mucho tiempo más.
En los años 30 la mayoría de los países desarrollados habían aceptado el derecho femenino al voto, con excepción de Suiza que lo aceptó en 1970. Este derecho abrió caminos a otras reivindicaciones y derechos civiles.
La tercera ola del feminismo (1960-1990)
En este período el feminismo es internacional y se organiza como institución. A pesar de ser un espacio de tiempo relativamente corto (con relación a los anteriores) se hace complejo e introduce nuevos conceptos y términos (como patriarcado), además explica la forma en que la sociedad impone los roles a los géneros.
El feminismo de la tercera ola surge como consecuencia de una mentalidad progresista que comienza a manifestarse en Europa en los años 60. En la tercera ola, dentro del contexto del feminismo del siglo XX, se lograron algunos derechos fundamentales (educación, trabajo, voto…), y se seguían haciendo demandas sobre todo en lo concerniente a los derechos sexuales y reproductivos.
Las mujeres vivían aún en un mundo machista y patriarcal. El desarrollo económico no se correspondía con el desarrollo social y el mundo seguía siendo desigual. La lucha del feminismo moderno se enfrentó entonces a las arcaicas reglas morales y éticas tradicionales, hasta entonces arraigadas en el colectivo.
Algunas de las representantes más insignes de este período son Betty Friedan con su libro Mística de la feminidad, Simone de Beauvoir con El segundo sexo y Shulamith Firestone con Dialéctica del sexo.
En esta tercera ola feminista se comenzaron a ver algunos tímidos avances en relación a la violencia de género, protección contra despidos injustificados por embarazo, permisos por maternidad, etc.
Algunas de las principales corrientes del feminismo fueron: Feminismo liberal, Feminismo radical, Feminismo de la diferencia y Feminismo igualitario. Estas corrientes feministas difieren en cuanto a como enrumbar el movimiento y la forma de explicar qué es feminismo o su concepto de qué es feminista.
Feminismo liberal y Feminismo radical
Según Feminismo liberal, la situación de la mujer no es opresiva sino una situación de desigualdad que se puede resolver reformando el sistema. Una de sus máximas exponentes es Betty Friedan, líder feminista y escritora estadounidense. Fue la fundadora de NOW (Organización Nacional de Mujeres) en 1966 y luchadora en temas como el aborto, salarios igualitarios, permisos por maternidad, etc.
El Feminismo radical mira la desigualdad como una consecuencia del sistema patriarcal. Nace como una contestación al Feminismo liberal. Su nombre “radical” es en alusión a la palabra raíz, ya que este movimiento busca acabar el problema de raíz, en lugar de la modificación de las estructuras existentes del Feminismo Liberal.
Esta corriente aboga por la abolición de todas las situaciones que contribuyen a la cosificación de la mujer, como la pornografía y la prostitución, ya que se cree que las mujeres que caen en estas prácticas no lo hacen libremente, sino empujadas por una necesidad económica. El feminismo liberal por su parte considera que estas materias sociales deben ser reguladas por el estado, pero dando libertades individuales para que las personas decidan qué hacer.
Feminismo de la diferencia y el Feminismo igualitario
El Feminismo de la diferencia se basa en la no aceptación del patrón impuesto por los hombres. Quiere la igualdad de derechos, pero no ser igual al hombre, pues esto supondría la aceptación de su modelo.
Esta tendencia busca un camino hacia un mundo igualitario, pero no para la integración de la mujer al mundo actual, viciado y con estructuras creadas por el género masculino, sino para su transformación en un mundo donde la mujer realmente encaje.
El Feminismo igualitario, por el contrario, afirma que somos iguales (hombres y mujeres) y que ellas pueden encajar en estas estructuras previamente diseñadas por el mundo masculino.
La cuarta ola del feminismo (1990 a la actualidad)
La cuarta ola va desde los 90 a nuestros días. Aparecen nuevos conceptos y modelos como el ecofeminismo, el feminismo racial, etc. El feminismo en la actualidad es consciente de que las estructuras instaladas por siglos son las bases que sostienen la jerarquía que aún el hombre ejerce sobre la mujer.
Las luchas de la cuarta ola
La cuarta ola se ha definido también como el ciberfeminismo, término acuñado debido a la apropiación de la tecnología y los medios digitales como forma de comunicación. El actual movimiento feminista se ha enfocado en los derechos de la diversidad de géneros (homosexual, transexual) y la lucha contra la violencia hacia la mujer. Además se basa en el respeto por la diversidad de cualquier índole (cultural, racial, sexual, etc.)
La cuarta ola también tiene como bandera la lucha por la despenalización del aborto, contra el feminicidio, el acoso sexual y exige el fin de los privilegios históricos del hombre sobre la mujer. Se organizan marchas, movimientos con alcance internacional y se usan medios digitales para difundir el mensaje y luchar por la causa.
El violador eres tú
El uso de los medios digitales hacen fácil la propagación de los mensajes que muy pronto se vuelven virales, como el caso, por ejemplo, del performance colectivo “El violador eres tú” de Santiago de Chile 2019, visto en todo el mundo.
El Movimiento “#MeToo» es un nombre que también se ha usado para definir esta cuarta ola contemporánea. Fue a partir del 2017 cuando surgió como una forma de denuncia contra el acoso y la agresión sexual.
Esta frase fue usada por mucho tiempo por Tarana Burke, una famosa activista social. Posteriormente la actriz Alyssa Milano le dio vigencia y animó a muchas mujeres a contar sus experiencias a través de Twitter con la etiqueta #MeToo, para demostrar lo extendido del comportamiento misógino. La acogida de esta propuesta fue tan estrepitosa que se convirtió en un movimiento donde incluso las celebridades expusieron sus experiencias.
Ni una menos
“Ni una menos”, una consigna contra el feminicidio, nacida en Argentina en 2015 y que trascendió a muchos países del mundo. La primera marcha se realizó en 80 ciudades de ese país.
El movimiento se extendió por casi toda América Latina y el mundo: Uruguay, Ecuador, Perú, Venezuela, Bolivia, Colombia, Paraguay, Nicaragua, Honduras, Chile, México, Guatemala, Costa Rica, Bolivia, República Dominicana, España, Turquía, Italia, Francia, Alemania, Canadá, Estados Unidos, China, Suiza, Holanda, Bélgica, etc.
Según informes de las Naciones Unidas, 90 mil mujeres murieron en el mundo por feminicidio solo en 2017, el 57% asesinadas por sus parejas. En años recientes de pandemia los casos aumentaron exponencialmente debido al confinamiento y la permanencia obligatoria en el hogar.
El resumen de la historia del feminismo de la cuarta hola está en proceso, pero se puede decir que es un período donde se lucha por los derechos de la diversidad de género y contra la violencia, tanto en el espacio público como privado. Además es una corriente de masas, debido a las posibilidades de interrelación que ofrecen las redes sociales. Es un movimiento valiente e intrépido que abiertamente ha pasado de la teoría a la acción.
Las olas del feminismo han sido momentos de duras luchas libradas por valientes mujeres de todo el mundo en diferentes contextos históricos. Todas estas batallas fueron significativas y necesarias. Algunas olas feministas han logrado fuertes cambios sociales y políticos, otras en cambio, sirvieron para sentar las bases para que esos cambios fueran posibles.
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