Las predicciones sobre el futuro en materia de transformación tecnológica, otorgan un lugar privilegiado a los entornos digitales en el contexto mundial. Para nadie es un secreto que ha ocurrido un cambio de paradigma en cuanto a la forma de relacionarse de los individuos. Prueba de ello es que los medios digitales se han popularizado.
Identidad digital: Qué es, para qué sirve, ejemplos y cómo lograr un correcto resguardo de identidad virtual
Se refiere a las aplicaciones, herramientas o portales de Internet que permiten la interacción del usuario con plataformas digitales, marcas, organizaciones, negocios o entes educativos.
¿Qué es un entorno digital? Se refiere a espacios virtuales que garantizan la comunicación directa con los internautas. En otras palabras, son medios digitales que favorecen la comunicación inmediata sin necesidad de la presencia física que caracteriza a los modelos tradicionales de información o negocio.
El estallido de la pandemia del Covid-19 sobrevenido en el año 2020, precipitó el crecimiento exponencial del uso de las plataformas digitales. De hecho, actualmente prevalece la virtualidad en la comunicación entre las personas y organizaciones.
Cabe destacar que la popularidad de las redes sociales así como de las empresas que venden productos y servicios digitales, se ha incrementado notablemente a raíz de la pandemia del coronavirus. Por ello, los negocios digitales representan una gran oportunidad de crecimiento en medio de la crisis.
Usos que reciben los entornos digitales
Los entornos digitales tienen diversas utilidades y para ello es conveniente conocer qué significa entorno en los diversos sectores de la sociedad, a saber: educativo, cultural, laboral, sanitario, financiero y de otras ramas del sistema en general.
Educación a distancia
La educación a través de plataformas digitales representa una útil herramienta durante los confinamientos surgidos a escala mundial, en medio de la pandemia. Pese a que la educación presencial se ha restablecido en algunos lugares, la tendencia es mantener el modelo de aprendizaje virtual ante la aparición de nuevas variantes.
El principal desafío de la educación a distancia es aprender a configurar entornos digitales para obtener una mejora en los aprendizajes. Es necesario que los educadores estén familiarizados con el uso de la tecnología para que sepan cómo interactuar con la información y las enseñanzas que ofrecen al alumnado.
Trabajo remoto
El teletrabajo implica que el empleado pueda ejercer sus labores desde casa. Para nadie es un secreto que la dinámica de trabajo en la mayoría de las organizaciones y empresas del planeta se transformó a raíz de la pandemia. A largo plazo, los expertos prevén que la estrategia de trabajo remoto o a distancia, se mantendrá a largo plazo.
Telemedicina
Se refiere a la prestación de servicios de medicina a distancia. Los profesionales de la salud están utilizando cada vez más las plataformas digitales para atender a sus pacientes, dado que pocas son las personas que tienen interés de acudir de manera personal a centros de salud. Incluso, las citas médicas on line se han acrecentado.
Comercio electrónico
El uso de las tecnologías de información y las telecomunicaciones en medio de la crisis del coronavirus, ha puesto en auge el comercio electrónico y los negocios digitales, incluidos los emprendimientos, caracterizados por la comunicación virtual o digital.
Los estudios económicos recientes demuestran que las ventas on line de alimentos, productos de higiene, aseo personal y limpieza, han aumentado exponencialmente. Le siguen las compras de música digital, accesorios y muebles.
Las plataformas digitales sirven para favorecer el entretenimiento y recreación de los internautas en su vida cotidiana, haciendo prevalecer el concepto de comunicación digital. El aumento de las restricciones de movilidad ha beneficiado la utilización de redes sociales como Tik Tok, Instagram, Facebook, Twitter, Youtube, WhatsApp, entre otras.
Fintech
El Fintech, fintec o tecnología financiera es una industria reciente que ofrece servicios bancarios en tiempo real. Las empresas de tecnología financiera, hacen uso de plataformas digitales de crédito y medios de pago a favor de los usuarios, quienes tienen la posibilidad de hacer avances de efectivo para realizar compras en negocios on line y en tiendas físicas.
La velocidad de los desembolsos de las sociedades de comercio fintec se debe a su presencia en los entornos digitales. De hecho, las compañías de tecnología financiera compiten contra los bancos y las entidades financieras tradicionales, cambiando radicalmente el concepto de entorno respecto a las transacciones habituales.
Ventajas de los entornos digitales
Interacción inmediata con el usuario o internauta
Evita traslados innecesarios en automóviles, favoreciendo la sostenibilidad.
Preeminencia de competitividad del e-commerce ante modelos de negocio tradicionales.
Impulso al emprendimiento digital entendido como modelo de negocio exitoso.
Participan en la venta y distribución de gran variedad de bienes y servicios.
Desventajas de los entornos digitales
Existe un margen de vulnerabilidad de seguridad informática respecto a la configuración de entornos digitales, sobre todo en los países con escasas normas jurídicas en materia de protección de datos.
Riesgo de caída mundial o fallas masivas del Internet, como la ocurrida el 4/10/2021 fecha en la que dejaron de funcionar diversas redes sociales en simultáneo; lo cual aunque no representa un hecho habitual, presenta un mínimo margen de posibilidad.
Características de los entornos digitales
Las plataformas virtuales presentan las siguientes características:
Las plataformas virtuales son una herramienta eficaz a la hora de agilizar la comunicación instantánea y en tiempo real entre el usuario y la organización. En el ámbito laboral, los escenarios digitales permiten la comunicación constante entre los empleados, colaboradores, clientes, jefes y directivos de un equipo de trabajo.
Comodidad en la interacción
Las herramientas digitales aportan comodidad del internauta en el momento en que decide interactuar a través de las plataformas virtuales. Así pues, la comunicación en el escenario digital, alcanza mayor nivel de tráfico, debido a la comodidad que representa su uso, impulsando nuevas formas de socializar y dejando atrás la presencialidad.
Realidad aumentada
¿Qué es el entorno con realidad aumentada? Es una acepción que se utiliza para referirse a las tecnologías que garantizan que el usuario pueda obtener una visión de la realidad mediante un dispositivo tecnológico y al mismo tiempo, logre observar imágenes graficas del lugar seleccionado.
Inmediatez
La principal característica de los entornos de realidad virtual es la inmediatez, por cuanto facilitan una comunicación en tiempo real que se entabla entre el usuario y la plataforma digital. Si se define entorno en una palabra, la inmediatez es su lema.
Protección de datos o confiabilidad
La confiabilidad es una característica de la información almacenada en sitios seguros de Internet y esto solo se consigue con una adecuada protección de datos de los usuarios, respaldada por la ciberseguridad. Ahora bien, no todos los entornos virtuales son seguros, para ello se debe estar al tanto de la definición de comunicación digital.
La seguridad informática en tiempos pandémicos sigue siendo un tema debatido a escala global. No obstante, puede decirse que Europa es el continente líder en protección de datos y ciberseguridad, tal como lo evidencia el reciente índice de ciberseguridad global emitido de acuerdo al informe de la Unión Internacional de Telecomunicaciones de las Naciones Unidas (UIT) de fecha 29 de junio de 2021.
Ahorro y sostenibilidad
Al acceder a los entornos digitales, el internauta evita traslados innecesarios a tiendas físicas, con lo cual ahorra dinero y al mismo tiempo evita el uso de vehículos automotores en aras de garantizar la sostenibilidad del medio ambiente.
Clasificación de los entornos digitales
De seguidas se exponen las particularidades de los diferentes tipos de entornos digitales, incluidas sus características, así como la definición de entorno social de cada tipología.
Entornos digitales educativos
Se caracterizan por ser espacios dedicados a la enseñanza y el aprendizaje mediante el uso de herramientas virtuales así como facilidades informáticas. Lo que distingue a estos entornos de los modelos educativos tradicionales es que el proceso de formación se desarrolla fuera de los espacios físicos e instalaciones de la institución educativa.
Entornos digitales de servicios médicos
Se caracterizan por acercar virtualmente al paciente con el médico. Los entornos digitales de salud han transformado el ejercicio de la medicina, ya que permiten aproximar los servicios sanitarios al paciente, ofreciéndole inmediatez de respuesta mediante el uso de herramientas digitales.
Entornos digitales de cultura y entretenimiento
Se trata de espacios denominados cibercultura, esto es, las distintas plataformas y redes sociales que el internauta usa para la comunicación inmediata, entretenimiento, arte, música y cultura en general. Lo que las caracteriza a estas redes es que su uso prolongado por parte del cibernauta, puede causar dependencia. Así pues los nativos digitales (familiarizados con el uso de Internet) son el resultado de estos espacios.
Entornos digitales de tecnología financiera
La inclusión financiera de la tecnología digital se distingue por la rapidez de las transacciones que el usuario realiza. De modo que, los espacios digitales de tecnología financiera representan un reto para el sector bancario tradicional, el cual queda obligado a reinventarse frente a las empresas Fintech, y así evitar su desaparición. La tecnología financiera prevalecerá a futuro respecto a la definición de medios digitales.
Entornos digitales del trabajo a distancia
Lo que distingue al trabajo remoto de las formas presenciales de prestación de servicios laborales es la flexibilidad. El empleado prefiere trabajar desde la comodidad de su hogar, ahorrando tiempo y dinero en traslados hacia la organización. La tendencia apunta a que el teletrabajo no desaparecerá en la era post-pandemia.
Entornos digitales del comercio electrónico
También conocido como e-commerce o comercio en línea, el cual se caracteriza por la compra y venta de servicios o productos a través de la utilización de plataformas digitales. Las páginas web y redes sociales son los espacios privilegiados para el comercio por Internet, ello se debe principalmente al surgimiento de emprendimientos digitales lucrativos.
Para nadie es un secreto que en tiempos pandémicos, los productos más vendidos se han comercializado vía on line, lo que obliga a las tiendas físicas a reinventarse.
Ejemplos de entornos digitales
¿Qué entornos digitales conoces? Aquí te explicamos diferentes ejemplos de entorno digital, haciendo énfasis en los medios más importantes de la actual era tecnológica. Incluso, te explicaremos qué son los medios digitales y ejemplos.
SM Educamos
Se trata de un ecosistema educativo digital cuyas conexiones de incrementaron notablemente a raíz de la crisis del coronavirus. Es el entorno digital educativo más utilizado de España. Representa uno de los mejores ejemplos de medios virtuales de aprendizaje.
Página principal de SM Educamos.
Educa en digital
Es una academia implementada por el Gobierno de España que impulsa el entorno de internet, favoreciendo digitalización del modelo educativo con la finalidad de garantizar la educación on line en todo el territorio de la península ibérica.
Página principal de Educa en Digital.
Visita virtual Museo Nacional del Prado
Se trata de una visita on line para visualizar y recorrer las colecciones de obras presentes en las instalaciones del Museo Nacional del Prado. Se trata de uno de los mejores ejemplos de medio digital. En la página web del referido museo puede adquirirse la entrada en español o inglés a un precio de 2,5 euros.
Página principal del sitio web del Museo del Prado.
El médico interactivo
Es un espacio de medicina digital ubicado en España, con presencia en México. Representa uno de los más claro ejemplos de identidad virtual. Este portal web de se especializa en ofrecer servicios sanitarios vía on line.
Página principal de El médico interactivo.
Google Workspace
Es una aplicación de teletrabajo creada por Google, el cual además proporciona otros productos digitales y aplicaciones empresariales con nombres de dominio personalizados por el usuario de la web. Los entornos virtuales y negocios digitales hacen uso frecuente de esta herramienta digital.
Esta herramienta digital es útil para realizar videollamadas, colaboraciones en documentos y chats de grupo, para con ello, facilitar la labor de quienes trabajan en remoto desde cualquier lugar.
Página principal de Google Workspace.
Zoom
Es una herramienta digital para programar y realizar reuniones entre los participantes que reciban el código de acceso con la invitación respectiva. Es una de las aplicaciones virtuales más utilizadas en el ámbito laboral y su uso se aceleró a raíz de la pandemia.
Esta plataforma ha reforzado la protección de datos para la identificación del entorno en internet. Zoom es especialmente utilizada para videoconferencias y así mismo, impulsa los entornos digitales de aprendizaje a todo nivel.
Página principal de Zoom.
Amazon
Es la empresa líder mundial del comercio electrónico. Además del e-commerce, ofrece servicios de computación a gran escala. Se trata del icono más representativo del comercio en línea. En 2020, Amazon se consolidó como la empresa más valiosa del planeta, conforme al reporte mundial de Brand Finance Global 500.
Página principal de Amazon.
WhatsApp
Es la aplicación de mensajería instantánea más utilizada del planeta. Se trata de una aplicación virtual que permite la comunicación instantánea entre usuarios de teléfonos inteligentes o vía web. Esta red es uno de los tipos de entorno social con mayor cantidad de usuarios registrados a escala global.
Página principal de Whatsapp en su versión Web, previo a la sincronización con el teléfono del usuario.
Facebook
Es la red social más utilizada del mundo. Se trata de un entorno digital propiedad del conglomerado estadounidense Meta, empresa propietaria de diversas redes sociales a escala global. WhatsApp e Instagram son también propiedad de Meta, empresa líder en diversos tipos de medios digitales con alcance mundial.
Página principal de Facebook previo al ingreso de los datos del usuario.
Tik Tok
Es una de las redes sociales más populares del planeta. Esta aplicación propiedad de empresa china ByteDanc, permite compartir videos personalizados de entretenimiento. Se trata de un entorno digital multilingüe de videos cortos, mayormente grabados desde teléfonos inteligentes.
Página principal de Tik Tok en su versión web.
En la tecnología del futuro, los entornos digitales resultan útiles para prosperar. No hay duda de que el funcionamiento de la sociedad, se ha transformado irreversiblemente a raíz de la pandemia. Adaptarse a los cambios tecnológicos es la única forma de permanecer vigente en todos los sectores, sean sociales, económicos, educativos, laborales, financieros y políticos. No obstante, no hay que pasar por alto que los medios digitales son herramientas al servicio del ser humano y no al revés.
Si eres un amante de la música y no discriminas entre géneros musicales, eso significa que puedes apreciar el valor histórico y cultural que representan las revistas musicales. Para destacar a las revistas de música más importantes de géneros como rock, el EDM y el jazz, te invitamos a seguir leyendo esta entrada.
Periodismo cultural: Qué es, características y labores de un periodista cultural en México y España
Iniciando con el género pesado, en esta sección de revistas musicales nombramos a las revistas musicales de España y del mundo que son las más importantes en la actualidad.
1. Mojo
La actualidad de la música queda al descubierto en Mojo, una revista británica que navega entre el rock clásico y el pop. Está vigente desde el año 1993, y destaca por sus artículos de música escritos de forma ligera y deja ver su gran capacidad de investigación. se nota que
Mojo circula de forma mensual y se ha mantenido vigente porque puede abarcar lo clásico, lo nostálgico, y también gran parte de la cultura popular moderna, que no puede pasar desapercibida. Sus páginas regalan a los lectores historias interesantes, se centran en la música para reportajes completos, ofrecen excelentes recomendaciones, fotografías icónicas y entrevistas dignas del periodismo musical de clase alta. Es una de las revistas más sólidas y está en el Reino Unido.
2. Rockdelux
En esta lista de grandes revistas de música está Rockdelux, la revista española musical que no tiene prejuicio musical alguno, pese a que su nombre indica que pueder ofrecer material de rock de lujo. En 1984, la revista musical española empezó a circular en papel para ser “testigo, altavoz y, a menudo, también protagonista de las escenas y tendencias musicales más innovadoras, abiertas y transgresoras” de la nación, pero en 2020 pasó al mundo digital de amplio alcance; hasta ese entonces imprimió 394 números.
Como dice la compañía, en su etapa online ha dado cabida al hip hop nacional e internacional, así como “la electrónica, al rock, al trap, a la música de vanguardia, al reguetón, al pop y la world music”. Asimismo, tomaron parte del showbiz y hacen reseñas del cine, TV, cómics y series en tendencia; la literatura “más transgresora y menos academicista” también hace vida en Rockdelux.
3. Rock Sound Magazine
En 1999, el Reino Unido vio llegar a Rock Sound Magazine, una de las revistas sobre rock que ganó rápidamente popularidad gracias a su cobertura de la música under y menos comercial; se ha encargado de llevarle a los lectores un contenido selecto y fresco que no se encuentra fácilmente en otras revistas del género.
Además, muchos consideran que es la mejor de las revistas inglesas por sus reseñas de todos los estilos de rock. También aborda otros géneros como el metal, punk, hardcore, emo, indie y darkwave. El objetivo de Rock Sound es que los lectores puedan “descubrir la mejor música nueva antes que nadie”.
4. Rockcor
Las canciones rusas famosas y las más underground siempre estarán en Rockcor, la primera revista ilustrada de Rusia que se enfoca en la música rock, y salió a la luz en 1991; desde entonces se volvió muy popular entre el público joven amante del género.
Desde hace más de 30 años figura como una de las webs de música más estables. Su núcleo de funcionamiento son el clásico el rock and roll y los subgéneros del metal como el black y death; las críticas, reseñas, curiosidades y entrevistas exclusivas con músicos do calibre también forman parte de la columna vertebral de Rockcor, un magazine que también se ha hecho muy conocida en varios de los países de la Unión Europea.
5. Revolver Magazine
La música de los 2000 empezó a sonar y, en medio de todo el pop, llegó Revolver Magazine para posicionarse como “la revista de rock más ruidosa” que se haya conocido en el mundo. La revista mensual estadounidense se ha caracterizado por publicar todo el contenido referente al hard rock y el heavy metal.
Edición #158 de la revista Revolver, diciembre de 2021.
El contenido de la revista es jovial, engancha a los amates del rock pesado con su variedad de entrevistas y portadas que se enfocan en los nuevos lanzamientos de las bandas y los artistas que más suenen en el momento. Asimismo, se dirige a las subculturas under, las emergentes y las del heavy metal y el punk
Revolver también hace reseñas de instrumentos y tiene un espacio destinado especialmente a los lectores, para que reciban consejos de distintas celebridades, sección para que los lectores reciban consejos de personajes del mundo del rock y el metal.
Pop
Esta es quizás la parte más extensa de la lista de revistas de música, puesto que la cultura pop ha sido la más dominante y vio nacer a varias revistas musicales importantes.
6. Rolling Stone
La primera vez que Rolling Stone se dejó ver como una revista impresa, fue en el año 1967, cuando circuló con la portada del icónico John Lennon. Desde la déada de los 90 en adelante, la revista opacó las distintas promociones de periódicos y revistas; ciertamente lideró por varios años el top de revistas musicales gracias a sus llamativas letras rojas y a la forma en la que se ha comunicado con el público.
La icónica foto de Lennon en la portada de la revista Rolling Stone.
La cultura pop se convirtió en la razón de ser de Rolling Stone, pero la revista no solo se quedó en la música popular, sino que empezó a hablar de shows y series televisivas, muestra las mejores primicias y entrevistas con estrellas importantes de Hollywood y, además, la política también es su punto fuerte.
Otro aspecto relevante son sus fotografías provocativas, las portadas con personajes destacados del entrenamiento y la política, así como sus reconocidos Tops, donde reune lo mejor de lo mejor.
7. Billboard
Así como Rolling Stone, Billboard ha sido una de las revistas musicales que más ha impactado en la historia de la música a nivel mundial. Lo que empezó en 1894 como una publicación orientada a la publicidad que buscó lanzar las noticias más destacas de la industria, al tiempo que estaba “dedicada a los intereses de los anunciantes y agentes publicitarios”, se convirtió en un referente de la cultura pop.
En sus inicios, las portadas anunciaban carnavales, ferias y distintas atracciones (como el burlesque) que estaban latentes en entre finales de 1800 e inicios de 1900. No obstante, para el año 1960 se había convertido totalmente en una revista que compartía historias, noticias y reseñas musicales.
Pasó de lo impreso a lo digital y se enfocó en los artistas y en “las grabaciones y en los equipos de reproducción de música”. Billboard se lee en más de 100 países y se consolidó como una de las mejores revistas de música online donde aparecen las estrellas más grandes del showbiz.
8. Pitchfork
En la era digital, Pitchfork es uno de los mejores aliados de los amantes de la música. La revista, que nació en 1995, lanza al público toda la novedad musical que necesitan saber sin incurrir en el spam. No ha tenido una versión impresa, pero eso no la alejó de convertirse en una de las de periodismo musical más destacas del mercado estadounidense.
Pitchfork tiene un enfoque de amplio espectro, así que es probable que cubra todas las categorías musicales, si lo requiere. Asimismo, la revista digital da espacio a los artistas emergentes en la misma medida en la que da protagonismo a las estrellas más importantes del momento.
Además, hace cobertura de shows y variedad de eventos; sabe cómo poner en el radar a los artistas nuevos de todos los géneros, invita a la reflexión, informa oportunamente, y tiene la potestad de dar las calificaciones (del 1 al 10) a los proyectos musicales, un hecho tan controvertido como celebrado.
9. The FADER
La revista neoyorkina The FADER se fundó en 1999, con la idea de ser una revista de DJs que competería con los magazines “para blancos y para negros”, así que básicamente estaría en el medio. Sin embargo, decidió tomar el rumbo de escribir sobre música en general con buenas historias y una fotografía documental prolija.
Kanye West en la edición #58 de la revista The FADER (Diciembre, 2008).
De hecho, tuvo dos versiones, una más orientada al hip hop, y otra al rock indie. En la década de los 2000 The FADER ya tenía un norte fijo y se posicionó como una revista que no crecía en colores o segregaciones; solo se enfocó en mostrar la música para todas las personas.
En la actalidudad, The FADER no solo es una de las mejores revistas musicales, sino que es un referente de moda, estilo de vida, y cultura pop, que no ve límites entre los géneros musicales ni las razas.
10. Consequence
En 2007 nació Consequence (antes Consequence of Sound), un magazine online con sede en Chicago y Nueva York, que se hace llamar “el eslabón perdido entre la cultura pop dominante y el underground”. Es una de las revistas de música que ha amasado millones de lectores tanto por sus fuentes fidedignas, como por su precisión y carácter en cuanto la música, el cine y la televisión, y los demás elementos digitales del siglo XXI.
Consequence se mueve con destreza en la cultura pop y otras industrias artísticas. Asimismo, se caracteriza por tener contenido constante en su sitio web, donde los lectores puede elegir escuchar los podcasts o leer las entrevistas, reseñas e investigaciones detalladas y entretenidas.
11. NME Magazine
En 1952 salió a la luz como New Musical Express, un tabloide londinense que pasaba desapercibido a lado de otros medios impresos de entretenimiento. Sin embargo, la suerte le sonrió a NME a finales de ese año, tras publicar su primera UK Singles Chart, una lista de los doce singles de rock indie más vendidos en las distintas tiendas del Reino Unido.
Cover del 17 de Diciembre de 2021 de la revista NME.
Ese fue el inició de sus días de ser una de las revistas musicales más destacadas y polémicas de UK, con dominio en el área de la música, el cine y la cultura popular. Finalmente, en 1996 pasó a ser un medio digital y, a su vez, se mantuvo distribuyendo sus números impresos hasta el 2018.
El año siguiente, en 2019, la revista celebró la inauguración de su sede en Australia como medio digital, con el objetivo de cubrir entrevistas, lanzamiento de álbumes, etc. Además, cuenta con sus propios galardones, los NME Awards, que premian a la mejor música que sonó en un año.
12. Classic Pop Magazine
Classic Pop Magazine es una de las revistas de música más jóvenes de esta lista, pues se imprimió por primera vez en 2016, el año en el que murió el icónico cantante británico, David Bowie; por esta razón Classic Pop Magazine lanzó su primer número de febrero- marzo de con el rostro de Bowie en la portada, para rendirle homenaje al cantante de Lazarus.
Al igual que los otros nombres de esta lista, Classic Pop Magazine aborda distintos géneros musicales y subgéneros del pop (como el synthpop), elabora listas de interés musical, denota una profunda admiración por Bowie en su contenido, crea reviews de álbumes y tiene secciones especiales de Q&A para conectar con los lectores. Es un magazine un poco nostálgico, pero agradable, que se mueve por las raíces clásicas del pop.
Clásica
Aunque suene increíble, la música clásica tiene revistas musicales importantes que exponen con orgullo el género musical.
13. BBC Music Magazine / Classical-Music
BBC Music Magazine, que hace vida en la página de Classical-Musical es una revista mensual londinense que únicamente se enfoca en la música clásica, y se estrenó en el año 1992 como una subsidiara de BBC Worldwide y Warner Music Enterprises en sus primeros años de existencia.
Cover de enero de 2022 de la BBC Music Magazine.
Desde el 2012, la edición del contenido informativo y de entretenimiento está a cargo de Immediate Media Company, una empresa británica de medios y plataformas de software. Por otro lado, Classical-Music también tiene una edición estadounidense, que se publicó en marzo de 1993 por primera vez.
BBC Music Magazine se basa en la producción de BBC Radio 3, pero exclusivamente crea contenidos sobre música clásica y su historia a través de los años, el jazz y otros subgéneros de la música clásica del mundo.
14. VAN Magazine
VAN es otra de las revistas jóvenes de esta lista, es independiente y tiene sus inicios en el año 2019. El magazine alemán se proyecta como un amante de las “las personalidades fuertes y los puntos de vista radicales” que se encarga de cubrir “desde la primera música documentada hasta los últimos estrenos mundiales”, pero su fuerte es la música clásica.
De hecho, su nombre le rinde honor a Ludwig van Beethoven, el líder del clasicismo y el personaje que dio pie al movimiento romántico musical. VAN Magazine lanza dos artículos mensuales de forma gratuita, así que los usuarios pueden suscribirse para recibir las actualizaciones.
Un dato interesante sobre esta revista sobre música clásica es que cuenta con el apoyo del Banco Julius Baer de Suiza (o Julius Baer Group), que tiene un programa de apoyo financiero para el periodismo cultural en formato digital, para que pueda llegar a escala internacional.
15. Journalnale della Musica
Journalnale della Musica (El Periódico de la Música) nació como un periódico italiano cultural en 1985 con la idea de informar sobre el acontecer musical y cultural, al tiempo que empezaron a hacer reviews y análisis de variedad de discos, música italiana de los años 60, conciertos, óperas y festivales que estaban dando de qué hablar en Italia y el mundo.
Asimismo, el Journalnale della Musica se encargó de formar política y musicalmente a sus lectores dando espacio a los protagonistas de la música clásica, contemporánea, del jazz y del mundo, sin dejar de lado al pop italiano e internacional.
En 2015, El Periódico de la Música pasó al mundo digital y se convirtió en el primer sitio web italiano dedicado a toda la música. Dos años después presentó una imagen más refrescante y un sitio más optimizado, disponible para dispositivos móviles. Actualmente, este magazine es uno de los puntos de referencia del mundo de la música italiana.
16. Ritmo
Otra de las revistas de música clásica de esta lista es Rimo, que desee 1929 ha sido un portal y una de las revistas musicales españolas antiguas que se ha enfocado en informar sobre el mundo de la música clásica.
Edición 956 (diciembre 2021) de la revista Ritmo.
Ritmo se describe como un “portal en Internet de información y servicios, para los aficionados a la música clásica”. Esta es una de las revistas de música en España que tiene su propio club, y lo describe como un “espacio de encuentro para los aficionados a la música clásica” que aporta “servicios de información exclusivos”.
Por otro lado, Ritmo informa a los lectores sobre novedades de la música española en su sección de actualidad, y lo que la diferencia de otras revistas musicales españolas completas es que mantiene un ritmo constante de información sobre la música clásica y, además, convive con el mundo digital e impreso.
Jazz
En esta sección enumeramos las revistas musicales de jazz más destacadas que han difundido la cultura del jazz.
17. JazzTimes
Entre las principales revistas de jazz está JazzTimes, que se publicó por primera vez en 1970 con la finalidad de proporcionar “una cobertura completa y profunda de la escena del jazz” y se ha definido como un medio “a menudo controvertido, siempre entretenido, (…) el favorito de músicos y fanáticos por igual”.
Cover de diciembre de 2021 de la revista JazzTimes.
Su otro nombre es “America’s Jazz Magazine”; se caracteriza por ofrecer a los lectores artículos periodísticos que aborden temáticas relacionadas con el jazz a nivel internacional.
Además, tiene en su página variedad de reseñas sobre álbumes y la música más destacada, así como fotografías históricas de alta calidad, columnas de críticas y secciones especiales dedicadas a distintos instrumentos del jazz.
18. Aquarium Drunkard
Aquarium Drunkard (AD) tiene sus inicios en 2005, en Los Ángeles, y se define como “un diario de audio ecléctico” que se centra en reseñas diarias, entrevistas y reportajes, y también hay espacio para podcasts y sesiones auditivas. AD se encarga de unificar los sonidos contemporáneos “con la psicología, el jazz, la vanguardia, el folk, el garage, el funk” y otra cantidad de géneros musicales.
Aquarium Drunkard lleva unos 16 años escribiendo sobre música y cultura, y financia sus investigaciones y el mantenimiento de la página con el apoyo de los suscriptores de Patreon, un micromercado para creativos y distintos proyectos.
Con esas suscripciones los lectores podrán recibir el contenido prémium que no se puede ver en la página.
19. Downbeat Magazine
Desde Chicago llega Downbeat Magazine, una de las revistas de jazz más conocidas del mundo que te hace desechar la idea de que este género es música para tiendas de moda. Downbeat lleva más de 80 años en circulación, y año tras año ha recibido reconocimientos por su labor en el género musical; de hecho, en 2016 y 2017 fue nombrada “Publicación de Jazz del Año” por la Asociación de Periodistas de Jazz.
Edición #12, diciembre 2021, de la revista Downbeat.
Downbeat Magazine se caracteriza por sus artículos de gran alcance y profundidad, por la calidad de sus reseñas, las noticias precisas y, además, es muy conocida por la encuesta anual de críticos que realiza cada año; la edición 68 se dio en 2020.
20. Jazz Magazine
Probablemente, no encuentres a algún grupo francés de música electrónica en Jazz Magazine, pero lo que sí puedes saber es que esta revista es el principal referente de la música jazz en Francia. Fundada en 1950, Jazz Magazine se encarga de cubrir las noticias más importantes y las historias que sentaron las bases del jazz.
Desde el 2009 se consolidó como la publicación impresa más importante en Francia tras absorber a la revista mensual Jazzman, que también tuvo una larga trayectoria en este mundo. En sus portadas digitales, se pueden ver a los 50 mejores cantantes de jazz de todos los tiempos o también un repaso histórico de como el Be-bop y el hip hop se vieron influenciados por la música jazz.
Electrónica
La música electrónica, al igual que los distintos géneros de esta lista de revistas musicales, tiene varias representaciones en la era digital que se encargan de difundir el movimiento EDM.
21. We Rave You
Esta revista de música electrónica tiene sus raíces en Israel y fue fundada en 2012, para convertirse en una de las principales plataformas de medios de comunicación de la música electrónica y sus subgéneros.
We Rave You, que tiene seguidores a nivel mundial se divide entre un sitio web y la revista electrónica que alberga variedad de contenidos relacionados con eventos, festivales de música dance y electrónica. También hace reseñas sobre álbumes, sobre una canción electrónica famosa, y despliega contenido informativo que está distribuido en sus plataformas multimedia, como YouTube, Spotify e Instagram.
Asimismo, la revista, como marca, participa en la organización de eventos de EDM en todo el mundo. También se encarga del asesoramiento y la gestión de varios artistas de la escena musical electrónica.
22. Órbita Magazine
Si te gusta la música electrónica de los años 80 quiere decir que aún sigues las tendencias del EDM, y Órbita Magazine es la opción predilecta, pues mantiene a sus lectores siempre actualizados sobre todo lo referente a los festivales en España, las movidas de los deejays, las fiestas más geniales y, además informa sobre las novedades en sonido, las tendencias de moda y el estilo de vida de esta corriente musical.
Además de ser una de las revistas musicales de España destacada en el EDM, también sitúa a los lectores en las tendencias de la moda y la música urbana. En Órbita Magazine hay reseñas, entrevistas y reportajes sobre los artistas emergentes y consolidados de la música electrónica de España y el mundo.
23. Dancing Astronaut
Dancing Astronaut es considerada como “a voz de la generación EDM”. La plataforma digital fue fundada en 2009 para mantener informada a la comunidad mundial de la música electrónica.
Dancing Astronaut se considera como “una plataforma en evolución” que apoya la música y la cultura dance/electrónica. Asimismo, asegura que es la representación de “la identidad, la comunidad y la conexión humana global” del EDM. Por otro lado, el magazine estadounidense sostiene que es la voz editorial del género y es “un reflejo de la cultura y una fuente de contenido independiente”.
24. DJMag.com
En 1991, las letras rojas llamativas saltaron a la escena de la música electrónica y se convirtió en una de las marcas más prominentes del EDM. Con más de 30 años de trayectoria, DJMag nació con la idea de “reflejar la escena emergente de la música electrónica del Reino Unido”y, en la actualidad, es una marca multimedia global.
Edición de diciembre 2021 (Reino Unido)
DJ Mag se traduce a diez idiomas cada mes y ha sido galardonado con la » en los Música, videos, entrevistas, tecnología y reseñas referente a la música electrónica están depositadas en DJMag. La revista ha sido premiada como la “Mejor revista musical” en los International Dance Music Awards 17 veces, lo que representa un récord para el magazine. Además, es muy conocida por sus influyentes encuestas como los “Top 100 DJs” y “Top 100 Clubs”, que le han otorgado toda la credibilidad.
25. EDM World Magazine
“El corazón de la música electrónica” es EDM World Magazine, una aplicación de revistas de EDM que acumula con más de 27,000 descargas entre App Store de iOs y la Play Store de Android.
Edición digital #67 de EDM World Magazine.
EDMWM se concibió en 2002 y se lanzó en el año 2013 con la finalidad de “proporcionar dos vistas diferentes de la revista” a los lectores, al tiempo que les permite estar al tanto de las tendencias del EDM con reseñas, historias y noticias destacadas. La primera es una revista interactiva con un diseño increíble para dispositivos móviles, mientras que la otra versión es un texto ligero y fácil de leer.
Hip Hop
No es casualidad que el color rojo sea el predominante en el agresivo y llamativo hip hop; en esta entrada enumeramos las revistas del género más destacadas.
26. HipHopDX Magazine
En 1999 salió a la calle HipHopDX Magazine, una revista online especializada en reseñas, Top, críticas y noticias referentes a la música hip hop. Este magazine ha sido galardonado en distintas ocasiones por ser uno de los referentes más sólidos del género, y ha sido catalogada en ocasiones como “el mejor sitio online de Hip Hop”.
Las noticias más polémicas e importantes de la movida hip hop están escritas en HipHopDX Magazine. Además, es muy conocida por sus reviews de los álbumes emergentes y por la forma en la que analiza a los raperos más destacados. En 2020, Warner Music Group adquirió el sitio en línea.
27. The Source
El hip hop y el deporte siempre han ido de la mano y eso es algo que The Source tiene claro. La revista en línea, que se fundó en 1988 y, desde entonces, ha sido un punto fuerte del género que ha promovido la cultura del hip hop, la moda, el deporte y el estilo de vida basado en este movimiento.
Edición Especial #275 de The Source.
The Source presenta las reseñas de los álbumes más destacados, las presentaciones mujeres y hombres del rap, noticias e historias más relevantes que tienen que ver con los artistas y cantantes, en su mayoría, de la comunidad afroamericana.
28. XXL
Al igual que sus semejantes, XXL Magazine es una revista dedicada al hip hop y toda la cultura que gira en torno al género. Fundada en 1997, XXL debutó en las calles con una doble portada que presentaba al icónico Jay Z y a Master P.
La revista digital se especializa en las noticias, reseñas, videos y todo el contenido especial que tenga que ver con el hip hop. Además, es muy conocida por presentar ediciones especiales que reunuen a las estrellas más grandes del género.
29. The H.Y.P.E Magazine
En 2001 salió al ruedo The H.Y.P.E Magazine, una revista dedicada al mundo del hip hop que cuenta con una edición en línea, una impresa y un talk show en la radio. Básicamente, se convirtió en una multiplataforma que expande los conocimientos sobre la cultura del hip hop y sus tendencias.
Edición #131 de The H.Y.P.E Magazine.
De acuerdo a la compañía, The H.Y.P.E. Magazine se enfoca en la cobertura del entretenimiento, la moda, “las nuevas tendencias y la influencia de la música en nuestro mundo”. Asimismo, asegura que la dirección de su contenido apunta directamente a las personas que están influenciadas por la música. “Son las personas que no piensan fuera de la caja, sino que se olvidan de la caja”, reza su lema.
30. Hip Hop Life Magazine
Desde 2009, el hip hop y el rap en español ha sido representado por Hip Hop Life Magazine, una revista digital que se especializa en la cultura urbana. Si hay revistas de rock en España, por supuesto que hay espacio para un magazine que rinde culto al hip hop.
Hip Hop Life Magazine tiene su revista impresa y también la versión digital, donde hablo de los conciertos más sonados, de la moda del hip hop, las tendencias, y presenta los videos más populares del género. También permite que el lector tenga acceso a las historias, reseñas y noticias más importantes de la cultura urbana.
Con la llegada de la tecnología las revistas físicas como revista Súper Pop de los años 80 o la revista Top music pasaron a un segundo plano, pero así ha sucedido con muchas otras que dejaron de imprimirse, pues la Internet daba abasto para una cantidad incontable de revistas musicales que fueron evolucionando con los años. En resumen, en esta lista de revistas de música hicimos un recorrido por los distintos géneros, hablamos de revistas rock de España y del mundo, así como de magazines de jazz y las más importantes del pop.
Encontrar soluciones prácticas y sencillas a las distintas situaciones que se presentan requiere algo más que habilidades analíticas y lógicas. El pensamiento lateral, conocido también como pensamiento vertical, aplica herramientas no convencionales que permiten una perspectiva diferente y un amplio abanico de posibilidades. ¿Pero, qué es el pensamiento vertical y lateral y cuáles son sus aplicaciones? Si deseas saber qué son los pensamientos laterales y cómo se pueden usar para encontrar nuevas soluciones, aquí lo descubrirás.
Tipos de pensamiento: Clasificación de las diferentes clases de pensamiento con características y ejemplos
La definición de pensamiento lateral se introdujo por primera vez en el año 1967, por el psicólogo y filosofo maltés, Edward de Bono. El término se vincula con la capacidad que pueden desarrollar las personas para resolver problemas por vías alternativas y soluciones alejadas totalmente de los medios lógicos y deductivos.
El pensamiento creativo según Edward de Bono se entiende, entonces, como un proceso mental mediante el cual se pueden generar ideas o encontrar soluciones alternativas desde una perspectiva diferente. El pensamiento lateral se aleja de los patrones preestablecidos y las nociones preconcebidas para encontrar observaciones novedosas y puntos de vistas poco convencionales.
Por otro lado, el pensamiento tradicional es vertical; mientras que el pensamiento lateral es horizontal. El primero avanza paso a paso a una conclusión basado en la lógica y en los datos disponibles; el segundo, por su parte, resta importancia a los detalles y hace hincapié en la generación de nuevas ideas. El pensamiento vertical y horizontal se complementan para producir la mayor cantidad de soluciones y sus planes para llevarlas a cabo.
Elementos del pensamiento lateral
Una de las características del pensamiento lateral es la capacidad de adaptarse a cada situación particular que analiza, se abandona un tipo de pensamiento rígido para ejecutar un razonamiento más flexible con una lógica más amplia y más abierta.
Este tipo de pensamiento creativo está basado en elementos bases que le dan sustento a sus premisas. ¿Pero, en qué consiste el pensamiento lateral y sus elementos?
Formulación de preguntas correctas: Uno de los principales elementos del pensamiento lateral es la formulación de preguntas correctas que permitan establecer un marco adecuado al planteamiento del problema. La técnica se enfoca en la hallar las preguntas pertinentes para saber qué tipo de respuestas se está buscando.
Comprobación de suposiciones: Esto plantea la necesidad de contar con una disposición mental adecuada para afrontar el problema de forma amplia que abarque la mayor cantidad de posibilidades y se puedan eliminar los prejuicios, los valores previos y los lugares comunes que impiden la creatividad.
Pensamiento lógico: El pensamiento lateral no solo se trata de encontrar ideas disruptivas; sino que se basa en el análisis, el razonamiento y la deducción para alcanzar una rigurosidad del pensamiento y elevar la capacidad de interpretar los distintos escenarios y lograr “refinar” las ideas o soluciones que se consiguen con el pensamiento horizontal.
Creatividad: Otro de los elementos en que se basa el pensamiento lateral es la creatividad. La capacidad de imaginar y crear nuevos enfoques en los problemas es fundamental para el pensamiento creativo. Es provechosa la incorporación de nuevos elementos que no forman parte del problema y de visualizarlo con una perspectiva creativa para encontrar distintas “luces” y encontrar un nuevo enfoque que dirija a soluciones alternativas.
Comúnmente se cree que el pensamiento lateral está asociado exclusivamente con la creatividad y con los procesos imaginativos. Sin embargo, el pensamiento creativo va más allá del ámbito artístico o del diseño. Muchas empresas que no se encuentran vinculada a la moda, medios o diseño también aplican el pensamiento lateral para generar soluciones empresariales efectivas. Los post-it o notas autoadhesivas, por ejemplo, fueron creadas con la aplicación de pensamiento lateral.
Áreas del desarrollo como la educación y la tecnologías son sectores donde se aplican o deben aprovechar las técnicas del pensamiento lateral para fomentar la creatividad y las nuevas ideas.
Origen teórico del pensamiento lateral
El psicólogo maltés, Edward de Bono, desarrolló el concepto de pensamiento lateral por primera vez, cuando descubrió que se podía desarrollar un tipo de pensamiento diferente al normal o convencional. Por lo tanto, cuando se habla de pensamiento lateral es pensar en Edward de Bono y creatividad en la solución de problemas.
De acuerdo con De Bono, el cerebro piensa en dos etapas: una de percepción y una de conclusión. En la etapa de percepción el cerebro identifica un patrón particular y enmarca un determinado entorno, partiendo de las experiencias y líneas que resulten familiares o similares a otras ya conocidas.
Edward de Bono, creador del termino pensamiento lateral (Impact Hub, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
En la segunda etapa, el cerebro alcanza una conclusión basado en el marco o patrón creado en la fase de percepción. Para De Bono, se puede alcanzar una mayor precisión en la percepción del entorno para encontrar distintas conclusiones alternativas que brinden mejores soluciones. Esto se logra con el desarrollo de las habilidades del pensamiento lateral.
La propuesta de Edward de Bono y el pensamiento lateral era la de generar saltos conceptuales que permitieran romper con la lógica preestablecida de las pautas preceptivas, con la intención de modificar la forma de mirar el entorno y poder percibirlo de una forma distinta que faciliten encontrar conclusiones diferentes, creativas, pero sobretodo novedosas y efectivas.
De Bono, a lo largo de su carrera, escribió más de 60 libros entre los que destacan. Pero, uno de sus libros más famosos es Seis sombreros para pensar, publicado en 1985, que ha sido leído y puesto en práctica por millones de personas en todo el mundo.
Seis sombreros para pensar
Con este libro, De Bono presenta una guía sencilla para ayudar a las personas a pensar mejor. Se trata de un método basado en la idea de interpretar los cambios químicos que experimenta el cerebro ante las distintas situaciones. Esto, según De Bono, le permite a la personas a potenciar al máximo su capacidad de procesar la información y de asimilar las experiencias para aumentar sus niveles de inteligencia lateral y de creatividad.
La teoría de Edward de Bono busca enseñar cómo organizar las ideas y a tomar mejores decisiones basados en las distintas maneras de pensar del cerebro, dividiéndolos en seis sombreros metafóricos que simbolizan las seis direcciones del pensamiento. Así, el sombrero blanco representa los datos disponibles como hechos y cifras; el sombrero rojo se refiere a los sentimientos, emociones, opiniones y la intuición. El negro y el blanco, simbolizan los efectos negativos y positivos, respectivamente.
El sombrero verde, por su parte, se aplica para estimular la creatividad y los elementos disruptivos, y finalmente, el sombrero azul que brinda la perspectiva del proceso, el control y la gestión.
La obra ha sido traducida a más de 40 idiomas y sus técnicas han sido aplicadas por empresas y personas del todo el mundo para resolver los conflictos y aumentar la productividad y la armonía.
El pensamiento lateral de Edward de Bono tiene una serie de características que lo distinguen y lo identifican particularmente. Para aplicar bien el pensamiento creativo en el día a día no solo es necesario saber qué es el pensamiento lateral y vertical sino también su alcance y características.
Creatividad
La creatividad es una de las características del pensamiento horizontal más importantes. El pensamiento lateral o creativo les permite a las personas generar nuevas ideas para encontrar soluciones eficientes a los problemas y realizar actividades y tareas de formas diferentes a las conocidas. Con la creatividad como habilidad humana se pueden inventar cosas, objetos o ideas que generen nuevos conceptos y representaciones novedosas de la realidad.
Diversa perspectiva
Una diferencia entre pensamiento lateral y lineal es la forma como se percibe la realidad. Los métodos perceptivos que utiliza el pensamiento lineal son siempre los mismos, basados en las experiencias y en patrones preconcebidos. La diferencia en las perspectivas es una de las características principales del pensamiento creativo ya que permiten representar el espacio y el volumen de distintas maneras para obtener diversos eenfoques del entorno.
Fuera de lo cotidiano
El pensamiento lateral busca alejarse de los caminos mentales recorridos tradicionalmente. Por lo que su finalidad es intentar encontrar soluciones fuera de lo cotidiano. Para ello trata de realizar una ruptura en lo esperado y apuesta por la creatividad y las perspectivas innovadoras.
Resolución de problemas rápida y sencilla
Entre las características del pensamiento vertical es aplicación de la lógica convencional de los conceptos preconcebidos que llevan soluciones preestablecidas. Con el pensamiento lateral se pueden obtener respuestas rápidas y sencillas a distintos problemas o situaciones, a través de una lógica diferente, más flexible y con una alta capacidad de adaptarse a cualquier tipo de situación para brindar una solución adecuada.
Entrenamiento
Desarrollar el pensamiento lateral o creativo requiere de un entrenamiento constante que permita abrir la mente a nuevas ideas. Para ello, existen una serie de acertijos, paradojas y ejercicios que ayudan a las personas a pensar fuera de la caja y a salir de los convencionalismos. Por lo tanto, en la medida en que se ejercite el cerebro en la búsqueda de nuevos enfoques, se alcanzará un mejor manejo de los pensamientos laterales para la solución de problemas.
Resultados son impredecibles
Una las principales características del pensamiento lineal es la obtención de resultados lógicos y predecibles que siguen los procedimientos. En el pensamiento creativo los resultados son impredecibles. Esto ocurre porque no se sigue ningún patrón matemático ni esquematizado para afrontar los problemas. Por el contrario, se pueden encontrar tantas soluciones como planteamientos posibles. La cantidad de respuestas y soluciones que se encuentran con la aplicación del pensamiento creativo son amplias y dependen de cada caso en particular.
Diferencias entre pensamiento creativo y otros tipos de pensamientos
Existen varias maneras de percibir la realidad y de razonar. Entre los tipos de pensamientos principales figuran el analítico, el creativo, el lineal y el abstracto. Las principales diferencias entre el pensamiento lateral y el pensamiento lineal radica en la dirección del análisis; mientras uno tiene un paso a paso lógico, el otro no tiene un patrón establecido y es más flexible.
Diferencias de pensamiento creativo con:
Pensamiento Analítico
Pensamiento Critico
Pensamiento lineal
Pensamiento Holístico
Pensamiento convergente
Converge hechos y datos.
Busca la veracidad y la autenticidad de las premisas
Análisis secuencial
Observa el problema como un todo.
Parte de los hechos a la respuesta.
Pensamiento creativo
Diverge el pensamiento de uno con diferentes factores
Busca nuevas ideas
Análisis no secuencial y sin patrón preestablecido
Fracciona el problema en distintos aspectos
Parte de las preguntas concretas para encontrar ideas
Pensamiento analítico versus pensamiento creativo
La definición de pensamiento vertical o lógico es un factor diferenciador entre el pensamiento analítico y el pensamiento creativo. Por un lado, el pensamiento analítico es el acto de converger en hechos, datos, información, juicios, experiencias y sabiduría en busca de la mejor respuesta; mientras que el pensamiento creativo busca divergir el pensamiento de uno para explorar muchas opciones diferentes.
Diferencia entre pensamiento crítico y pensamiento creativo
Con el pensamiento creativo se busca generar nuevas ideas que sean útiles, practicas y novedosas; mientras que el pensamiento crítico persigue la veracidad, autenticidad y precisión de determinadas premisas o conceptos.
Pensamiento creativo contra pensamiento lineal
Una importante diferencia entre pensamiento lineal y lateral se basa en la forma de realizar el análisis. En el pensamiento lateral las personas no siguen una línea recta ni de forma secuencial; sino que realizan conexiones y obtienen conclusiones de conceptos no relacionados. Con el pensamiento lineal, al contrario, se procede de forma secuencial desde un punto de partida hasta un punto final, haciendo conexiones rectas y simples.
Pensamiento holístico contra el pensamiento creativo
Se pueden detallar diferencias entre pensamiento holístico y el pensamiento creativo de acuerdo con la perspectiva de cada uno. Con el pensamiento holístico, por ejemplo, se observan las cosas como un todo para comprender y predecir las relaciones de los distintos elementos; mientras que con la aplicación del pensamiento creativo se pueden observas las cosas de forma fraccionada e independientes para realizar tantas relaciones y conexiones posibles hasta alcanzar una solución alternativa.
Diferencia entre pensamiento creativo y pensamiento convergente
Entre las diferencias entre el pensamiento creativo y el pensamiento convergente se destaca la forma de buscar las respuestas o soluciones. Por un lado, el pensamiento convergente aplica los datos y las lógica rígida para la solución de los problemas, mientras que el pensamiento creativo aplica más la imaginación para alcanzar soluciones alternativas y poco convencionales. Con el pensamiento convergente se parte de los hechos para encontrar las respuestas; mientras que el pensamiento creativo parte de las preguntas para hallar ideas novedosas y útiles.
Ejemplos de pensamiento lateral
Las paradojas, acertijos y ejercicios de lógica y de percepción son algunos de los buenos ejemplos de pensamiento lineal y lateral que se aplican en algunas pruebas de empleo. Pero, también pueden ser buenos ejercicios de entrenamiento para fortalecer o estimular los diferentes tipos de pensamientos en las personas. A continuación una serie de ejemplos de pensamiento lateral y vertical para todos.
1. El hombre y el ascensor
Uno de los más conocidos de los acertijos de pensamiento lateral es el del caso del hombre y el ascensor. Este clásico ejemplo permite el desarrollo del pensamiento creativo para generar muchas soluciones posibles que se ajustan a las condiciones iniciales pero la respuesta más satisfactoria es la solución canónica.
Hay un hombre que vive en el último piso de un edificio muy alto. Todos los días baja en ascensor a la planta baja para salir del edificio y ponerse a trabajar. Sin embargo, al regresar del trabajo, solo puede viajar hasta la mitad del camino en el ascensor y tiene que caminar el resto del camino a menos que esté lloviendo. ¿Por qué?
2. El acertijo del viaje
Este acertijo es otro de los clásicos ejemplos de pensamiento lateral que permite fortalecer la forma de resolver los problemas. Este se trata de:
En 1930 dos hombres condujeron en un automóvil Ford desde la ciudad de New York hasta Los Ángeles. El viaje de 5.375 kilómetros duró 18 días y no fue ni el primero, ni el más veloz, ni el más lento de la historia. Las carreteras eran normales, también los automóviles y los conductores, pero gracias al viaje estos dos hombres poseen un récord mundial imbatible. ¿Cuál?
3. El ahorcado
Para resolver el caso del ahorcado se debe pensar por fuera de la caja y romper los conceptos preconcebidos para encontrar novedosas respuestas que se alejen de lo convencional. Este es el acertijo de el ahorcado:
Descubren en su apartamento a ahorcado, colgando de a viga central con los pies a treinta centímetros de altura. Calculan que lleva muerto un par de días. Pero no hay sillas, ni mesas alrededor, ni superficies a las que pudiera treparse, solamente a cargo de agua a sus pies. ¿Cómo pudo ahorcarse entonces?
4. El bote de dos puestos
En el caso del bote de dos puestos se aplican perfectamente las ideas del pensamiento creativo para encontrar las soluciones más adecuadas al acertijo. A continuación el acertijo del bote de dos puestos:
Un hombre que vive en una isla necesita trasladar sus pertenencias a otra que está enfrente. El hombre tiene un zorro, un conejo y un racimo de zanahorias, pero en su bote puede llevar solo uno de los tres elementos a la vez. ¿Cómo se puede hacer para levantarlo todo por turnos, sin que el zorro de cuenta del conejo ni éste de las zanahorias?
5. El acertijo del monje
El acertijo del monje es uno de los mejores ejemplos de pensamiento vertical y lateral que te servirán para ayudarte a pensar más allá de lo convencional. Dice así:
A un monje aprendiz le encargan traer seis litros exactos de agua de la fuente en medio del templo. Para ello, le otorgan un envase de cuatro litros y otro de seis litros de capacidad. No puede recibir ayuda de nadie. ¿Cómo puede hacerlo?
Respuestas
A continuación encontrarás las respuestas a los acertijos propuestos. Si pudiste resolverlos sin ayuda, entonces tienes desarrollado muy bien el pensamiento lateral u horizontal, si no lo lograste; no te preocupes, aun puedes aplicar las técnicas para desarrollar la creatividad.
La respuesta más satisfactoria a este acertijo es la deducción de que el hombre del ascensor es enano y por lo tanto no puede alcanzar a oprimir el botón del décimo piso.
Se trata del record mundial del viaje más largo en retroceso, alcanzado por los norteamericanos Charles Creighton y James Hargis.
Para treparse a la silla, el hombre usó un bloque de hielo que con el transcurso de los días terminó por derretirse.
Para resolver este acertijo, el hombre deberá desplazar primero al conejo, y dejar al zorro con las zanahorias porque este no se las va a comer. Luego regresa para llevarse al zorro y dejarlo solo en la isla; ya que tomará al conejo para traerlo de vuelta a la de enfrente. Finalmente se lleva las zanahorias, las deja enfrente y regresa después por el conejo.
El monje debe llenar el recipiente de siete litros y vaciarlo en los cuatro hasta que esté lleno. Entonces le quedarán tres en el contenedor más grande. Luego, devolverá los cuatro a la fuente y entonces procederá a transferir los tres litros restantes al recipiente de cuatro litros. En ese momento, volverá a llenar los siete y llenará el litro faltante en el recipiente cuatro, lo que dejará exactamente seis litros en el recipiente más grande.
Técnicas para desarrollar el pensamiento lateral
Desarrollar el pensamiento lateral puede valerse de determinadas técnicas y prácticas que favorezcan los nuevos enfoques y las distintas perspectivas. Plantearse problemas de pensamiento lateral o creativo permiten agudizar la mente y mejorar la percepción de las situaciones para poder generar nuevas ideas. Las teorías de Edward de Bono y el pensamiento creativo son bases fundamentales para pensar fuera de la caja e ir más allá de los conceptos tradicionales.
Provocaciones
Las provocaciones permiten que el pensamiento se aleje del camino habitual y de las ideas preconcebidas. Esto permite afrontar el problema o el entorno de un modo distinto al patrón convencional que limita las ideas. Existen varios tipos de provocaciones aplicables al pensamiento creativo.
Una de ellas son las provocaciones de escape, que consisten en observar los enunciados que se dan como verdaderos para negarnos o refutarlos. Esto permite que el pensamiento se extienda más allá de los prejuicios y conceptos preconcebidos como por ejemplo las sillas son para sentarse o los vasos para contener líquidos. De esta forma se crea un nuevo entorno y partir de allí se generan nuevas ideas y percepciones distintas.
Las provocaciones de palabra aleatoria. Para esta técnica se escoge una palabra al azar que no guarde relación aparente con la situación a analizar para realizar asociaciones aleatorias que conduzcan a una conexión. Estas conexiones son capaces de generar nuevas ideas.
Otra de los tipos de provocaciones son las conocidas como las de piedra en el camino. Estas consisten en crear una distorsión o exageración en el entorno del problema; de manera que las personas se enfoquen en realizar suposiciones sobre lo que sucedería si el problema fuese como desean que sea y no como realmente es.
Método de inversión
Con esta técnica se puede incentivar la relación entre creatividad y pensamiento lateral más fácilmente. Consiste en invertir los elementos de un principio que son considerados como verdaderos para darle vuelta al problema y reordenar la información. Por ejemplo “Las alas tiene aviones”, “la cuerda toma la mano”.
De esta forma, se evita el encadenamiento de ideas y se puede acercarse a distintas soluciones más o menos alternativas cuando se altera el sentido de la idea principal del problema.
Analogías
Las analogías consisten en comparar o relacionar dos o más conceptos, basados en la experiencia de casos paralelos. Estas permiten desarrollar procesos, relaciones y funciones que facilitan la reestructuración del problema. Con ello se puede alcanzar la deducción de un término desconocido, según la relación que se establezca entre dos o más aspectos conocidos. Esta técnica ayuda a incrementar las posibilidades de crear soluciones alternativas a través de la comparación de sucesiones de ideas.
Para que las analogías puedan constituirse como instrumento para nuevos enfoques de un problema, deben tratarse de situaciones muy concretas y familiares.
Fracción o división
En este caso, se trata de dividir en dos o más fracciones el problema y poder analizar cada una de las partes de forma separada como si fueran un caso independiente cada uno. Con esta técnica de pensamiento creativo se busca romper la estructura del problema para facilitar un nuevo orden de los componentes de la situación que permitan ejercer una nueva lógica sobre ellos.
En definitiva, se debe abrir la mente para encontrar nuevas ideas y nuevos caminos para resolver los problemas. Para ello, el pensamiento creativo, Edward de Bono y sus teorías, así como los distintos acertijos y técnicas de pensamiento lateral pueden ayudar a expandir la perspectiva para lograr nuevos horizontes no solo en los procesos creativos sino en muchas áreas del desarrollo y del pensamiento.
Confirman que Stephen Hawking tenía razón sobre su teoría de 1974 de los agujeros negros
En 1974, el icónico e histórico astrofísico británico, Stephen Hawking, junto a Bernard Carr, propuso que los agujeros negros primordiales existieron poco después del Big Bang y podrían ser la elusiva materia oscura, y se basaron en una teoría de 1933; 47 años después se ha comprobado que ambos tenían razón.
El departamento de Astrofísica de Yale, la Universidad de Miami y la Agencia Espacial Europea (ESA) modificaron la propuesta de Hawking y crearon un nuevo modelo de cómo se pudo haber formado el universo primitivo que muestra que las primeras estrellas y galaxias se habrían formado alrededor de agujeros negros.
Aunque la teoría de Hawking y Carr no se hizo tan popular, este nuevo estudio muestra que, con algunas modificaciones, pudieron haber tenido razón. Asimismo, dijeron que tenían la capacidad de convertirse en agujeros negros supermasivos al darse un festín con gas y estrellas en su vecindad, o fusionándose con otros agujeros negros.
«Los agujeros negros primordiales, si existen, bien podrían ser las semillas a partir de las cuales se forman todos los agujeros negros supermasivos, incluido el que está en el centro de la Vía Láctea», sostiene el estudio.
Advierten que los collares “anti 5G” son peligrosamente radioactivos
Se ha descubierto que las joyas altamente promocionadas para “proteger a las personas del 5G”, exponen a los usuarios a la radiación. Según informó la ANV, la autoridad holandesa en seguridad nuclear y radiación, al menos 10 productos relacionados con esos collares deben ser resguardados en un lugar seguro, y pidió que se pusieran en contacto con ellos si poseen uno.
Las pruebas encontraron que los productos, que incluyen una máscara para dormir, pulseras y collares, contienen materiales radiactivos y, por esa razón, los accesorios emiten continuamente radiación ionizante
«Debido al riesgo potencial para la salud que suponen, estos productos de consumo que contienen materiales radiactivos están prohibidos por la ley (…) La radiación ionizante puede dañar los tejidos y el ADN y puede provocar, por ejemplo, enrojecimiento de la piel» reza el comunicado de la ANV.
Google y Disney han sellado un nuevo acuerdo sobre YouTube TV
Disney y Google anunciaron que llegaron a un acuerdo para restaurar ESPN, ABC y otros canales a YouTube TV, tras dos días de una disputa contractual. Sin embargo, los términos del acuerdo no fueron revelados.
Google, por su parte, dijo que el precio de YouTube TV se mantendría en 64,99 dólares (EUR 57,63) al mes con la renovación de Disney; también informó que aún otorgaría el crédito de 15 dólares a los usuarios que prometió a los usuarios tras el cese del acuerdo anterior. Mientras tanto, el domingo, YouTube dijo:
“Ya comenzamos a restaurar el acceso a las redes de Disney como ESPN y FX, incluido su contenido en vivo y bajo demanda, así como cualquier grabación que estuviera anteriormente en su biblioteca DVR”.
TikTok Kitchens abrirá más de 300 cocinas virtuales en Estados Unidos
TikTok se ha asociado con Virtual Dining Concepts (VDC), la compañía estadounidense de cocinas virtuales, para lanzar TikTok Kitchens, un servicio de delivery, que cocinará algunas de las recetas más modernas que hay en la aplicación. TikTok y VDC planean abrir alrededor de 300 ubicaciones en los EE. UU., de forma inicial, pero planean expandirse a mil sucursales para fines de 2022.
TikTok Kitchens operará desde restaurantes existentes como Buca di Beppo y Bertucci ‘s, pero en esencia, es un servicio de cocina fantasma. De acuerdo a los informes, la compañía se enfoca en “utilizar la cocina y los empleados existentes de un restaurante, pero proporcionarán la capacitación, el empaque de alimentos y las recetas de TikTok”.
Con respecto al menú – será renovado de forma trimestral siguiendo el contenido viral- incluye las recetas más famosas como la pasta feta horneada, costillas de maíz, chips de papas con queso, y muchas otras. Vale destacar que los creadores de las recetas recibirán un porcentaje de las ganancias.
El plan de reabrir Cinerama Dome de Hollywood aún no tiene fecha establecida
El pasado 16 de diciembre en las redes sociales circuló la información de que la histórica sala de cine estadounidense, Cinerama Dome de Hollywood (antes conocido como ArcLight Hollywood), volvería a abrir sus puertas en 2021, se ha confirmado que aún no hay una fecha establecida.
Aunque está en pie la renovación del lugar, los Informes oficiales no apuntan nada referente a la opción de reabrir el Cinerama Dome de Hollywood a corto plazo, pero sí se registraron varias solicitudes (aún pendientes) de permisos en el Departamento de Control de Bebidas Alcohólicas de California, para poner en marcha el servicio de catering, los eventos, un bar portátil y una cafetería en general.
Además, no hay una fecha límite fijada para el trabajo de renovación y tampoco sobre algún intercambio entre los compradores de películas y los estudios de Decurion.
A pesar de que no se sabe con exactitud la fecha en la que llegaron los primeros judíos a la península Ibérica, si nos atenemos a los que se relata en la Biblia sus colonias más antiguas se remontan a tiempos del rey Salomón. En el Libro I de los Reyes se cuenta que las naves de este monarca comerciaban con las fenicias en el lejano Tarsis –posiblemente nuestra Tartesos-.
Biotecnología médica: Significado, ejemplos, aplicaciones actuales, avances y la medicina del futuro
En el siglo II d.c. había comunidades judías asentadas en nuestro suelo, las cuales se fueron afianzando durante los siglos siguientes, primero durante la dominación romana y, posteriormente, con la invasión visigoda. Sin embargo, durante este último periodo sufrieron una atmósfera de opresión y violencia que se materializó en la promulgación de leyes antisemitas.
Cuando la península entró a formar parte de la Dar al-Islam (la casa del Islam) los judíos se integraron, al menos al principio, de una forma armoniosa en la sociedad musulmana, reforzando los lazos culturales y económicos.
A partir del siglo X los médicos judíos estuvieron presentes en los círculos de traductores, facilitando la difusión de los textos grecolatinos aportados por los árabes. Su capacidad lingüística permitió enriquecer las bibliotecas castellanas, catalanas, provenzales y hebreas con textos de médicos griegos y árabes. Pero no solo fueron traductores, su labor fue mucho más importante, ya que interpretaron y aportaron nuevas concepciones relacionadas con el ámbito sanitario.
Hasday Abu Yusuf ben Yitzhak (915-975) fue el médico jienense más reputado del momento y su popularidad le convirtió en el galeno personal de Abderramán III. Su sabiduría llegó a oídos de la reina Toda de Navarra, quien recomendó a su nieto Sancho I el Craso a que viajase hasta Córdoba para someterse a un tratamiento adelgazante bajo su tutela.
El galeno judío aceptó el reto y encerró al distinguido paciente en una habitación, allí le amarró pies y manos a la cama, sacándole de su cautiverio únicamente para obligarle a realizar largos paseos, en los cuales era tirado con cuerdas por esclavos. Así mismo, le obligó a tomar baños de vapor y le administró infusiones (hierbas del hebreo) que le provocaban terribles diarreas. El sufrimiento mereció la pena ya que, según las crónicas de la época, después de cuarenta largos días Sancho I redujo a la mitad sus 240 Kg de peso iniciales.
La primera inseminación artificial
La llegada de los almohades a Al-Andalus en el siglo XII y la imposición de un integrismo islámico provocó la diáspora de los judíos por los reinos cristianos. Esta fue la razón por la que Moshé ben Maimón (1135-1204), más conocido como Maimónides, emigró con su familia desde su Córdoba natal hasta Tierra Santa. Allí sufrió nuevamente la intolerancia religiosa, en esta ocasión de manos de los cruzados, por lo que tuvo que migrar por segunda vez, en esta ocasión se refugió en Egipto, en donde llegó a ser el médico personal del sultán Saladino.
En aquella época se decía que la “medicina de Galeno era solo para el cuerpo, pero los remedios de Maimónides valían para el cuerpo y para el alma”.
Tiempo después, durante el esplendor del reino Nazarí, destacó la figura de Ibn Al-Khatib (1313-1374). Se cuenta que durante la epidemia de peste que asoló la Europa del siglo XIV fue el primero en formular la noción de “contagio” y recomendar la destrucción de las sábanas de los apestados.
En su “Libro de la peste” se puede leer:
“Es evidente que la mayoría de las personas que han tenido contacto con una víctima de la peste morirán, mientras que aquellas que no lo han tenido se mantendrán saludables”.
En la desbandada de los médicos judíos hacia los reinos cristianos se encontraron que las leyes prohibían a los cristianos servirse de los remedios sefarditas, afortunadamente esto no fue óbice para que gozasen de un enorme prestigio y que se convirtiesen en galenos de reyes y nobles, incluso de obispos. Y es que los físicos mosaicos formaron parte del elenco de los mejores profesionales sanitarios medievales.
En el siglo XIV el galeno Samaya Lubel se convirtió en médico personal de Enrique IV el Impotente y a él se atribuye la práctica de la primera inseminación artificial de la historia. La realizó a la segunda esposa del monarca -Juana de Portugal- y gracias a ella nacería Juana la Beltraneja (1462-1530), personaje que no precisa de presentaciones.
A pesar de que los métodos de investigación y las técnicas de investigación que se implementan durante la fase de estudio pueden parecer temas un poco repetitivos y tediosos, lo cierto es que estas tiene mucha más relevancia dentro de nuestro día a día de lo que muchos de nosotros solemos pensar. La naturaleza humana nos impulsa a hacer más que solamente aceptar las condiciones dentro de un determinado entorno y adaptarnos a ella, dentro de cada uno de nosotros yace la necesidad de tener una comprensión más profunda de todo aquello que nos rodea.
Ejemplos de serendipia: 30 casos de serendipias científicas y no científicas que te asombrarán
Lo que necesitas saber sobre los métodos de investigación
Explicar qué es método de investigación es una de esas temáticas en las cuales la teoría nos proporciona una idea clara, pero cuando se pone en práctica resulta ser un proceso mucho más metódico y complejo. Los métodos de la investigación son más que procesos deductivos y experimentales que se utilizan para estudiar un determinado fenómeno. Para ello se hacen uso de diversas técnicas de investigación las cuales nos brindan la posibilidad de adquirir y analizar los datos para poder tener toda la información necesaria para refutar o corroborar una hipótesis.
Algo realmente curioso sobre los métodos de investigación, es que el conjunto de cada una de las herramientas y procesos que los conforman están diseñados para solucionar una necesidad natural de los seres humanos. Puesto que para nosotros como especie no es suficiente con aceptar las condiciones de nuestro entorno. Dentro de cada uno de nosotros existe un deseo por darle un sentido lógico que nos permita concluir el por qué de las cosas.
¿Cuándo es necesario aplicar una técnica de investigación?
La finalidad de los métodos de investigación es ayudarnos a encontrar una explicación racional a cualquier tipo de fenómeno natural, científico e incluso social. Todo a través del uso de herramientas lógico-deductivas que forman parte de todos los métodos de investigación que conocemos en la actualidad.
Una parte importante es que todos los métodos de investigación poseen un mismo origen analítico, el cual es el planteamiento de una hipótesis. Por lo tanto, las técnicas de investigación no son más que principios de deducción intuitiva llevados a una fase de experimentación con la finalidad de adquirir la información suficiente para estudiar con mayor detenimiento un fenómeno o hecho específico.
Tipos de razonamiento investigativo
Para poder entender con mayor precisión qué es un método de investigación, es crucial estar plenamente consientes que existen distintos tipos de métodos de investigación.
Cada uno de ellos está determinado principalmente por dos factores principales que son el fenómeno a estudiar y toda la metodología aplicada para poder recolectar los datos necesarios para llevar a cabo la investigación. Resulta más que evidente que esto no solo condicionará la forma en que se llevará a cabo el estudio, sino también ayudará a definir que técnicas de investigación se adaptan mejor a los fines del análisis. Los tipos de investigación metodológica pueden ser subdivididos en cinco categorías distintas las cuales son:
En este tipo de métodos de investigación, el estudio se inicia bajo una hipótesis fundamentada con base en los principios lógicos ya establecidos.
Su finalidad es la de observar y analizar un determinado fenómeno con base al principio lógico-deductivo establecido dentro de la hipótesis y comprobar la veracidad del mismo mediante experimentos.
Método deductivo directo
Uno de los tipos de metodología de la investigación más aplicados, especialmente por estudiantes de educación universitaria y empresas especializadas en la adquisición y organización de datos estadísticos.
Aquí las técnicas de investigación empleadas se centran más en adquirir la información necesaria para brindar una comprensión más precisa de un hecho específico dentro de una comunidad y por un período de tiempo determinado.
Método deductivo indirecto
Cuando hablamos específicamente de los métodos de la investigación deductivo indirecto nos referimos específicamente a las técnicas de investigación empleadas para poner a prueba dos o más planteamientos teóricos, esto con la finalidad de encontrar aquel que describa mejor el objeto o fenómeno a estudiar.
En este tipo de métodos de investigación se suelen plantear un número determinado de hipótesis lógico-deductivas que permitan dar una posible explicación a un fenómeno. A medida que la investigación avanza, cada una de las hipótesis postuladas es examinada a través de experimentos controlados que permitan observar cada una de las variables.
Método hipotético deductivo
De todos tipos de métodos en la investigación que existen en la actualidad, el hipotético deductivo es uno de los más comunes dentro de la comunidad científica.
Este tipo de métodos de investigación consisten en establecer una hipótesis que será la base teórica de todo el estudio. Y con base a esta, dar inicio a una fase experimental en donde cada una de las premisas lógicas que se encuentran dentro de la hipótesis central pueda ser estudiada y analizada con más detenimiento.
Método lógico inductivo
Las técnicas de investigación aplicadas dentro de un método en una investigación lógico inductivo es totalmente lo contrario a los métodos de investigación hipotética deductiva.
Aquí se analizan y experimentan con dada una de las posibles variables de forma individual para posteriormente establecer los principios lógicos que ayudan a describir el fenómeno en cuestión. Todo esto se hace basándose únicamente en los datos obtenidos y corroborados a través de los experimentos.
Métodos y metodologías de investigación: ¿por qué no es lo mismo?
La cultura popular ha hecho que muchos de nosotros tengamos un muy mal concepto de qué son los métodos de investigación y la metodología propiamente dicha. A pesar de que parece ser algo poco relevante, es fundamental que todo investigador sea capaz de diferencia la metodología y el método; especialmente cuando hablamos de estudios científicos que involucran técnicas de investigación mucho más precisas.
En la mayoría de los libros sobre métodos de investigación, ambos términos suelen usarse con mucha frecuencia e incluso se implementan para definir un mismo principio dentro de la investigación lógico-analítica. Inevitablemente, para quienes no están tan familiarizados con este tipo de temas terminarán por resultarles confuso o incluso, pueden llegar a asumir que los métodos de investigación y la metodología de la investigación son el mismo fenómeno.
La propia teoría hace que sea algo realmente muy sencillo aprender cuáles son los métodos de investigación y en qué consiste la metodología dentro de cada uno.
Métodos de investigación
Si investigamos un poco sobre qué son métodos de investigación no tardaremos mucho en darnos cuenta que de cuando se habla de métodos dentro de las investigaciones y estudios teórico-analíticos, se hace referencia a los procesos que tienen que ser aplicados para poder llegar a una conclusión lógica.
Dicho de otra forma, los métodos de investigación son cada uno de los pasos que se deben seguir para poder llegar a la conclusión que se desea después de estudiar un fenómeno o hecho específico.
Por lo tanto, cuando se habla de métodos para investigar, se está haciendo una referencia directa a todos los procedimientos teóricos y experimentales que pasarán a ser parte importante dentro del estudio como son:
La hipótesis
Las hipótesis son el punto de partida de todos los métodos utilizados en la investigación, es decir, es la razón de ser de dicho estudio. Una hipótesis no es más que un planteamiento lógico-especulativo el cual sirve de sustento teórico para el estudio.
Los principios teóricos y lógicos
Los principios teóricos y basamentos lógicos son fundamentales dentro de cualquier estudio científico-especulativo, pues dentro de ellos se encuentran todos los elementos abstractos e intangibles que le dan forma a los métodos de investigación.
El hecho o fenómeno a estudiar
Dentro de cualquier tipo de investigación, debe de existir un fenómeno o hecho natural el cual requiera de ser estudiado con mayor detenimiento para poder tener una compresión más precisa del mismo. El hecho a analizar es ese elemento dentro del estudio que sirve para definir el método y tipos de métodos que se implementarán durante la investigación.
Recolección e interpretación de los datos
Un principio elemental de todos los métodos de investigación que existen, es que sin importar cuál de ellos se desea aplicar dentro del análisis; todos están diseñados para brindar un sistema que permita recolectar, estudiar e interpretar los datos arrojados después de la fase de experimentación.
Metodologías de investigación
La metodología dentro del proceso de investigación, es un elemento que está más asociado a la manera en que los investigadores harán que los métodos de investigación que seleccionaron para dar comienzo a su estudio se ajusten para cumplir con las finalidades planteadas dentro del mismo.
A diferencia de los métodos para la investigación, la metodología posee un enfoque mucho práctico dentro del campo de estudio. Por este motivo muchos autores definen a la metodología como un proceso que es de gran utilidad para definir con mayor precisión las técnicas de investigación que va a ser implementadas.
Esto quiere decir que los métodos de investigación son todos los procedimientos que están intrínsecos dentro de la investigación, mientras que la metodología son todas las técnicas de investigación que van a ser implementadas tanto en la fase de experimentación como a la hora de establecer las conclusiones.
A diferencia de los métodos específicos de investigación, la metodología está compuesta por elementos que pueden ser adaptados con mayor facilidad para poder seguir recopilando y analizando de los datos pese a las limitaciones que se presenten durante el estudio como por ejemplo:
Consideración de las variables
En la parte anterior pudimos confirmar qué métodos de investigación existen, pero a pesar de todas sus variantes no existe nada como los métodos de investigación infalibles. Todo análisis teórico-práctico va a presentar variables que pueden afectar significativamente los resultados de cada experimento.
Técnicas de investigación
Cuando se habla de estudios a través del método científico, las técnicas de investigación pueden definirse como el sistema que los investigadores diseñados para poder obtener los datos necesarios para corroborar o refutar cualquier hipótesis.
Enfoque del estudio
Un fenómeno natural es algo demasiado complejo e impredecible como para poder ser estudiado de forma general. La metodología representa la forma más fácil de saber cuáles son los métodos de investigación que pueden ser aplicados para analizar dicho fenómeno y enfocar la recolección de datos con el fin de poder medir un hecho concreto.
Verificación o replanteamiento de hipótesis
Las técnicas de investigación tienen la finalidad de servir como instrumentos para validar un planteamiento lógico o incluso aportar datos valiosos que sirvan para reestructurar los principios lógicos que describen un determinado fenómeno natural.
Técnicas de investigación cualitativas
La segunda división que encontramos cuando analizamos con minuciosidad los métodos de investigación y sus tipos es la parte que corresponde a los estudios metodológicos cualitativos.
Una de las diferencias más marcadas con respecto a los métodos de investigación cuantitativos, es que las investigaciones cuantitativas son mucho más minuciosas a la hora de examinar los resultados de un estudio. Esto se debe principalmente porque son técnicas de investigación que se enfocan más en las variables que en los datos arrojados durante la etapa de experimentación.
Sin importar cuántos métodos para una investigación se terminen implementando para analizar un fenómeno o hecho determinado, las variables van a ser una constante que siempre van a dificultar que exista homogeneidad cuando llega la hora de analizar los datos.
Este enfoque en las variables y su influencia dentro de los métodos de investigación ha hecho que los estudios cualitativos sean tan populares entre profesionales de la psicología y publicidad. Ya que dentro de los estudios cualitativos, la percepción de los individuos tiene la capacidad de destruir por completo cualquier tipo de planteamiento lógico-especulativo.
Como con las investigaciones cuantitativas, sin importar cuantos diferentes tipos de métodos de investigación cualitativos existan; al final todas estas técnicas de investigación comparten algunas características comunes entre las cuales podemos mencionar:
Las experiencias individuales
Inevitablemente, durante la fase de experimentación de todos los métodos de investigación llega el momento en donde es necesario aplicar los instrumentos de recolección de datos sobre algunos sujetos los cuales pasarán a formar parte de la muestra a estudiar.
A pesar de que el proceso de racionalización de los seres humanos está compuesto por algunos principios lógicos, la percepción y las experiencias de cada persona pueden llegar a condicionar la forma en que esta percibe la realidad. Este punto es algo fundamental dentro de las técnicas de investigación cualitativas, especialmente aquellas enfocadas en analizar los patrones de comportamiento del ser humano.
Mejor comprensión del efecto de las variables dentro de la investigación
Existen muchos elementos externos los cuales siempre van a tener una influencia sobre los resultados obtenidos tras los experimentos. Y justamente por este mismo motivo los tipos de investigación en metodología de la investigación cualitativa son vistos como mucho más completos por muchos expertos.
Las variables son condicionantes cuya naturaleza es hacer que existan diferencias en cada uno de los resultados de la investigación. Incluso el factor más pequeño es capaz de producir una alteración importante dentro de los datos.
Análisis profundo de los fenómenos
Las técnicas de investigación cualitativas son de gran ayuda para que los investigadores sean capaces de tener una percepción más completa de todos los hechos y características que existen dentro de los fenómenos que están siendo objeto de estudio.
Incluso dentro de la propia comunidad científica existen muchos grupos de expertos quienes implementan ciertos tipos y métodos de investigación con enfoques cualitativos. De esta forma pueden tener una mejor comprensión de toda la información arrojada por los datos una vez concluida la fase experimental del estudio.
Replanteamiento de hipótesis
A pesar de que las hipótesis sean aquello que da origen a los métodos de investigación, tanto cualitativos como cuantitativos, esto no quiere decir que misma no pueda sufrir ninguna alteración o incluso ser replanteada completamente durante alguna de las fases del estudio.
Nunca debemos olvidar que las hipótesis son planteamientos lógico-especulativos que requieren ser llevadas a un proceso de experimentación para confirmar o negar su planteamiento.
Seguimiento más minucioso de los sujetos de estudio
Cuando se habla de técnicas de investigación, cada uno de los sujetos que forman parte de la muestra a ser estudiada tiene una influencia directa sobre los datos y resultados finales que arroje la investigación.
Si bien una sola persona no es capaz de alterar el resultado de los datos globales, si es muy cierto que su criterio y elecciones individuales tienen la capacidad de arrojar algunos datos porcentuales que pueden hacer que la investigación adquiera un curso totalmente inesperado.
Técnicas de investigación cuantitativas
Cuando es momento de definir los tipos de métodos para la investigación que se utilizarán durante un estudio, lo primero que hay que tener muy en claro es que existen dos posibles técnicas de investigación que pueden ser aplicadas según sea el caso.
Las técnicas de investigación cuantitativas son todos los tipos de metodologías de investigación que van más enfocadas a la descripción de fenómenos a gran escala usando los datos numéricos y estadístico como la única fuente de información confiable durante el estudio.
Este tipo de métodos de investigación y sus características son empleadas con mucha más frecuencia en los estudios científicos, principalmente porque permiten llevar un registro preciso de los datos obtenidos durante los experimentos.
Si bien es cierto que en muchos casos la credibilidad de estas investigaciones puede verse enormemente afectada por las variables, la verdadera finalidad de estos métodos de investigación cuantitativos es la de descubrir patrones y entender con cuanta frecuencia los mismos aparecen reflejados dentro de los datos.
Si nos ponemos a analizar este tipo de métodos de investigación, descubriremos que en todos los ejemplos de métodos de investigación cuantitativa que existen se pueden encontrar algunas características comunes como lo son:
Estudios de fenómenos a gran escala
Para definir los métodos de investigación que se implementarán durante el período de análisis, experimentación y procesamiento de los datos nunca hay que perder de vista para qué sirven los métodos de investigación.
Tratándose específicamente de las técnicas de investigación cuantitativas, estas son la manera más eficiente de ir descubriendo las características más esenciales de cualquier fenómeno o hecho que se desee analizar posteriormente.
Análisis de datos numéricos
Algo fundamental de los métodos de investigación cuantitativos, es que la mayoría de las herramientas que se utilizan dentro de este tipo de análisis están diseñadas específicamente para arrojar datos de forma constante.
Si bien es importante aclarar que en todos métodos para realizar una investigación siempre es importante contar con acceso rápido a la información, en las investigaciones cuantitativas llevan esta necesidad al extremo. Y eso mismo hace que este tipo de técnicas de investigación resulten tan efectivas para analizar los efectos de fenómenos a gran escala.
Uso de muestras
Aunque la idea de aplicar métodos generales de investigación puede resultar algo abrumadora, lo realmente paradójico es que las estrategias e instrumentos que se emplean dentro de los mismos están diseñados para hacer el trabajo lo más sencillo posible.
En el caso específico de las investigaciones cuantitativas, la forma más fácil de obtener los datos necesarios es seleccionando una población de muestra. Esta tiene que ser seleccionada con mucha minuciosidad, pues de ella se van a obtener todos los patrones que comprenderán los datos.
Comprobación experimental de hipótesis
Un estudio cuantitativo es uno de los principales métodos de investigación en donde toda su estructura metodológica gira en torno al proceso de experimentación.
No hace falta ser un científico para entender que la fase experimental de cualquier investigación es crucial para lograr conseguir la información que se necesita parar estudiar los fenómenos. Y evidentemente, las técnicas de investigación cuantitativas están enfocadas casi exclusivamente a la planificación y desarrollo de la fase experimental del estudio.
Análisis de información con base en los hechos concretos
Pese a que las variantes son una constante dentro de los métodos de investigación, en ocasiones resulta conveniente dejarlas de lado para concentrarse realmente en los resultados.
Si bien en los tipos de métodos de trabajo cuantitativos las variantes pueden hacer que mucha de la información recompilada pueda tener un margen de error bastante considerable, no se puede negar que los métodos de investigación cuantitativos siempre cuentan con una base de datos bastante sólida.
Métodos de investigación: instrumentos de recolección de datos
Algo que tienen en común cada uno de los distintos métodos de investigación es que sin importar cuál tipo de técnicas de investigación se aplique para estudiar un determinado hecho, siempre es necesario contar con alguna herramienta que permita tener registrar y tener un fácil acceso a los datos.
Todo estudio de investigación debe estar lo mejor planificado posible, de esta forma se puede ahorrar una cantidad de tiempo y esfuerzo general. Después de definir cuál de los tipos de métodos de investigación se adapta mejor a la finalidad del estudio, entonces es recomendable definir el tipo de instrumento para recolectar datos resulta más conveniente.
Encuestas
Las encuestas son el instrumento por excelencia de los métodos de investigación con enfoques cuantitativos, pues estas brindan la posibilidad de tener acceso a una gran cantidad de datos precisos que al mismo tiempo resulta fáciles de organizar y analizar.
Gracias a la tecnología moderna, este instrumento se ha convertido en uno de los más prácticos para iniciar la construcción de una base de datos la cual puede ser almacenada e incluso actualizada sin mucho esfuerzo.
Entrevistas
Cuando hablamos de tipos de métodos y técnicas de investigación, siempre es necesario realizar entrevistas a algunos sujetos puntuales o expertos en un área determinada.
Dentro de las técnicas de investigación, las entrevistas son mucho más que solo un documento para tener un registro textual de las opiniones de un sujeto. Estas también pueden convertirse en elementos claves que sirvan de guía documental para toda la investigación.
Población de muestra
La forma más fácil de ejecutar técnicas de investigación de forma eficiente es trabajando con grupos seleccionados previamente, estos tienen que compartir algunas características comunes para que de esta forma se pueda establecer un punto de partida.
Tanto en los métodos de investigación cualitativos como en los cuantitativos es importante contar con una población de muestra, ya que esta le permite a los investigadores tener la posibilidad de adquirir toda la información que necesitan para seguir adelante con el estudio.
Estudio de casos
Otra buena forma de hacer más fácil el proceso de aplicar las técnicas de investigación para comprobar hipótesis es analizando un caso concreto. La ventaja aquí es que este ya cuenta con todas las condiciones necesarias para formular una base lógica más sólidas.
Si bien analizar un caso específico es algo que se utiliza con mayor frecuencia en investigaciones del tipo cuantitativas, los datos suministrados durante el período de experimentación también son de gran ayuda para el desarrollo y evolución de los estudios cualitativos.
Observación
La observación es algo fundamental dentro de los principios que forman parte de los métodos de investigación.
Cuando se trata de realizar un estudio lógico-especulativo, es fundamental permanecer consientes de cada uno de los elementos externos y su influencia sobre la población a estudiar. Cada reacción, cada opinión y cada individuo pueden marcar una diferencia importante a la hora de procesar y analizar la información.
El ser humano tiene una necesidad nata por conocer y tener un entendimiento mucho más racional de todo aquello que le rodea, y justamente esta misma necesidad es la que dio origen a los métodos de investigación que conocemos en la actualidad. La naturaleza es algo que siempre nos va a resultar extremadamente difícil de poder comprender con exactitud, pero la verdadera finalidad de las técnicas de investigación es brindar la posibilidad de al menos poder desentrañar algunos de los principios racionales que existen tras los fenómenos que se planea estudiar.
El arte del neoclasicismo inició entre 1750 y 1760, y se extendió hasta 1850; fue un movimiento que se basó en el arte de la antigua Grecia y Roma, era considerado de alto nivel y gusto extraordinario. El significado de neoclásico tiene mucho que ver con la perfección, el equilibrio, y deja por fuera el acto de comunicar emociones por medio de la pintura. Para conocer más sobre el arte del neoclásico, en esta entrada definimos las 30 obras más representativas del arte neoclásico, los artistas del neoclasicismo más destacados en cuanto a la pintura, contamos cómo se edificó la arquitectura de la época del neoclásico, y también definimos las características de la pintura del neoclasicismo.
Academicismo: Qué es, características, artistas y obras de arte académico (arquitectura y pintura)
Una obra de arte con estilo neoclásico tiene rasgos distintivos y estableció un culto a la perfección que se extendió rápidamente por Europa y el mundo, e influyó en la moda, la literatura y la música. Sin un orden de importancia o de fechas, en esta sección enlistamos ejemplos del neoclacisimo, son las obras de arte del neoclasismo que sentaron las bases de las características de la pintura neoclásica.
1. La muerte de Marat
En 1793, Jacques-Louis David (1748-1825) dio luz a una de las obras más notables de la Revolución Francesa y de la época neoclásica, el cuadro sobre el asesinato de Jean-Paul Marat (1743-1793), figura clave del movimiento revolucionario de Francia, que murió en manos de Charlotte Corday, una mujer de la nobleza que se conviritó en una pieza fuerte del federalismo.
Como se puede observar en la imagen, la obra muestra el cadáver impecable de Marat, “el mártir de la Revolución” (a pesar de la sangre) sobre su bañera, tiene en la mano una pluma y una carta.
El cuadro de la Muerte de Marat (Jacques-Louis David, Dominio Público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La muerte de Marat es una de las obras del neoclásico más significativas por su carga política y porque nació en un momento histórico crucial, al tiempo que se convirtió en una representación exacta del neoclasicismo. Por otro lado, el cuadro de David tiene una composición perfecta y equilibrada, que son factores necesarios en las imágenes de neoclásico.
Otros detalles a destacar de esta pintura neoclásica es que los detalles son fieles a la realidad y la luz se aplica sublimemente sobre el cuerpo de Marat, y en los demás elementos que forman parte de la escena del crimen.
2. La intervención de las Sabinas
Otro aporte de Jacques-Louis David para el arte neoclásico es La intervención de las Sabinas, un cuadro que pintó en 1799. Esta obra tiene una historia particular, pues David concibió su arte desde la cárcel.
Durante la Revolución Francesa Jacques-Louis David forjó alianzas políticas que lo mantenían al filo del desastre y, además, fue miembro de la fuerza policial de la revolución, pero llegó el momento en el que David ya no pudo escapar de sus actos y fue encarcelado; fue entonces cuando creó La intervención de las Sabinas. Su musa fue Marguerite Charlotte Pécoul, su exesposa.
La Intervención de las Sabinas (Jacques-Louis David, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
En este arte neoclásico David plasmó la batalla de las mujeres sabinas contra la guardia romana a las puertas de Roma. Además, dibujó el momento en el que Hersilia, una joven sabina que era esposa del general romano, Rómulo, se lanzó entre los dos bandos para suplicar el cese del enfrentamiento. La intervención de las Sabinas proyecta un momento de compasión en tiempos agitados.
Cinco años le llevó culminar la obra que sería su pase a la libertad y la oportunidad de volver con Marguerite, pues con Napoleón Bonaparte en el poder, se dio cuenta del potencial de David para obras dramáticas en las que, tiempo después, el mandatario pudo ser protagonista.
3. La Magdalena Penitente
Esta es una de las obras neoclásicas del alemán Anton Raphael Mengs (1728-1779) que tiene varias versiones, pero la representación es la misma. Las técnicas neoclásicas que Mengs aplicó en este trabajo las aprendió en Roman, donde aprendió sobre el arte clásico y renacentista, y obtuvo influencias de imágenes del neoclasicismo literario y del movimiento neoclasista en general
La Magdalena Penitente (Anton Raphael Mengs, Dominio público vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La Magdalena Penitente de 1752 buscaba ser una especie de “superación” de la Magdalena del pintor italiano renacentista Antonio Allegri da Correggio (1498-1534); pero, en cambio, la versión de Mengs se distingue fácilmente por la semidesnudez de la mujer.
De hecho, el rey Augusto III (1696-1763) de Polonia expresó en varias cartas que sentía gran aprecio por la María Magdalena de Mengs “tanto que la conservaba en su dormitorio”, pero también dijo que la mujer de la pintura de Mengs “no parecía estar todavía plena y verdaderamente arrepentida”.
4. El Nacimiento de Venus
En 1879, el francés William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) uno de los pintores del neoclasicismo, creó una de las obras más representativas del neoclasicismo: El Nacimiento de Venus. Bouguereau contó la historia del origen de Venus de la mitología romana en su pintura, que muestra a una mujer madura posando sobre una concha de mar, rodeada de unos querubines.
El Nacimiento de Venus (Anton Raphael Mengs, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
En esta obra, Bouguereau quiso plasmar la diosa de la belleza y el amor, basándose en los ideales clásicos romanos y griegos de la figura femenina. A diferencia de las versiones de Sandro Botticelli (1445-1510), la representación de Venus de Bouguereau se enfoca totalmente en las raíces de pinturas neoclásicas de la época y deja ver la naturalidad de su estilo artístico en el lienzo.
El Nacimiento de Venus es una de las principales obras del neoclasicismo, sino que ha sido considerada como una obra maestra tanto por la calidad de la pintura como por sus dimensiones, y la representación de la diosa en tamaño real.
5. Autorretrato con su hija Julie
Desde Francia también resalta Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842) con un tierno cuadro, el Autorretrato con su hija Julie (1780-1819), una obra íntima en la que posa junto a su pequeña hija formando un triángulo perfecto, que también denota la cercanía de ambas, a diferencia de La Pequeña Vaquera Madonna (1515) del pintor italiano Rafael Sanzio (1483-1520).
No obstante, algo que llama la atención de este autorretrato es la vestimenta de Elisabeth, quien lleva puesto un vestido de un solo hombro muy parecido al quitón griego antiguo, una prenda que no correspondía con lo qué es neoclasico, como se puede observar en la imagen.
Autorretrato con su hija Julie (Elisabeth Louise Vigée-LeBrun, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
De acuerdo a los expertos, los autorretratos son una especie de tarjeta de presentación que no solamente muestra la destreza del artista, sino que puede dar luces sobre la identidad y la vida interior del artista. En este caso, es posible que Elisabeth quisiera mostrarse como los maestros legendarios de la antigua Grecia.
6. Dante y Virgilio
Cuando hablamos de lo qué es el neoclásico, podemos continuar mostrando obras de William-Adolphe Bouguereau, quien presentó en 1850 a Dante y Virgilio, un óleo sobre lienzo que representa la Divina Comedia de Dante Alighieri.
Como se evidencia en la pintura, Dante y compañero Virgilio están en el infierno y observan como dos seres atormentados dan la sensación de estar en un terrible conflicto que no tiene fin. Además, se pueden observar los finos detalles en las expresiones de sus rostros, en sus cuerpos esculpidos.
Dante y Virgilio (William-Adolphe Bouguereau, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
También están en la escena Capocchio, el alquimista y hereje, y Gianni Schicchi, el embaucador que se valió de sus artimañas para robar la herencia de otro hombre y le muerde el cuello. Pese a que las obras neoclásicas no comunican emociones, es inevitable ver las expresiones de todos los presentes.
7. La coronación de Napoleón
Como se explicó en la historia de Las Sabinas, Napoleón puso su ojo en Jacques-Louis David, así que él fue el encargado de crear La Coronación de Napoleón en, un cuadro que le pidió el mandatario en 1804, pero comenzó a trabajar en la pintura el 21 de diciembre de 1805, en la capilla en desuso del Colegio de Cluny, lugar que esporádicamente usaba como taller para sus creaciones.
Finalmente, en enero de 1808, terminó la obra con la ayuda de su alumno Georges Rouget. En la pintura se puede ver a Napoleón junto a su esposa, Giuseppina Beauharnais, en el momento de su coronación, que fue presenciada por ochenta personajes reconocibles.
La Coronación de Napoleón (Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La Coronación de Napoleón se expuso en la muestra anual de pintura del Salón de Francia desde el 7 de febrero hasta el 22 de marzo de 1808. Además, optó por el premio decenal del Salón 1810.
8. La fuente
En esta lista de obras más importantes del neoclasicismo también se encuentra La Fuente del francés Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), una obra que inició en Florencia en 1820, pero culminó en 1856, en París. Cuando Ingres dejó ver la obra por primera vez, tenía 76 años y en ese entonces era lo suficientemente famoso; de hecho, ocupaba el cargo de presidente de la Escuela de Bellas Artes.
La Fuente de Venus de Ingres (Jean Auguste Dominique Ingres, Dominio publico, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
En La Fuente se observa a una fémina que es una emulación de La Venus Anadiomene (1848) y, a su vez, es una contraparte y reinterpretación del «pudor de Venus», quien se muestra censurando el pubis con su mano.
Esta pintura de Ingres también representa El Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli. Un dato curioso de La Fuente es que la modelo desnuda era la hija más joven del conserje del artista.
9. La Gran Odalisca
Otra de las pinturas del neoclásico de Ingres es La Gran Odalisca o Una Odalisca, una obra de 1814 que fue encargada por la hermana de Napoleón, la reina Carolina Murat de Nápoles.
Inicialmente, la postura real de la mujer era una figura reclinada que mira hacia por encima de su hombro hacia atrás, y es una inspiración directa del Retrato de Madame Récamier (1809) de Jacques-Louis David. Además, el pintor se inspiró en obras como La Venus de Dresde de Giorgione y La Venus de Urbino de Tiziano, para proyectar las facciones y la figura de la mujer en la pintura.
La Gran Odalisca (Jean Auguste Dominique Ingres, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La Gran Odalisca muestra a una joven concubina que yace sobre un colchón sofá que está cubierto de sábanas finamente representadas. Por su puesto, la joven luce una piel tersa y radiante con una desnudez casta; estas últimas características levantaron las críticas y tildaron la obra de “romanticismo exótico”. También dijeron que las proporciones no eran lógicas y que la rotación de la pelvis era imposible en la vida real.
10. Travesura y reposo
John William Godward (1861-1922) fue otro de los pintores neoclásicos más destacados. El pintor británico llegó casi al final del movimiento de neoclasicismo en el arte, pero eso no le impidió empaparse de todo el conocimiento y técnicas para concebir obras sensibles, con finos detalles y atención meticulosa.
Travesura y Reposo (1895) ilustra en óleo sobre lienzo una escena que se desarrolla en la antigua Roma o Grecia. Muestra a una mujer tumbada sobre un banco de mármol a la izquierda, que es el «Reposo», mientras que la mujer de la derecha, que está sentada sobre una piel de animal negra en el suelo, significa «Travesura». Las mujeres parecen estatuas, se ven tan blancas como el mármol e ignoran por completo al espectador.
Travesura y Reposo (Getty Center, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Con este y otros cuadros, Godward dejó claro cuán buenas eran sus habilidades técnicas en sus pinturas y la capacidad que tenía para crear pinturas del neoclasicismo. Para pintar a estas jóvenes, el británico primero las pintó desnudas y luego fue añadiendo los detalles necesarios hasta dar con la pieza final. Antes de empezar una pintura nueva, Godward estudiaba las características del neoclasicismo en arquitectura para poder crear entornos perfectos.
11. Venus convence a Helena a enamorarse de Paris
En 1790, la destacada pintora suiza, Angelica Kauffman (1741-1807) creó Venus convence a Helen a enamorarse de París, una obra que se basó en la antigua historia griega de la Guerra de Troya, que inició porque un hombre llamado Paris raptó a Helena, quien era conocida por ser la mujer más bella del mundo.
Venus convence a Helena a enamorarse de Paris (Angelica Kauffmann,Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Paris tenía la promesa de la diosa Afrodita, quien le aseguró que le concedería la mujer más bella del mundo si la elegía, entonces él se la llevó consigo. Venus convence a Helena a enamorarse de Paris, es una obra que se hizo con la técnica del punto de fuga y, ciertamente, se puede apreciar observando bien la pintura. Por ejemplo, Paris y Helena miran hacia el centro del cuadro, mientras que el cuerpo del cupido está direccionado hacia el centro de la obra.
La representación de Angelica Kauffman es un gran ejemplo de cómo se estableció la pintura neoclasicismo en América, Europa y en el mundo, puesto que se rige por una historia de la antigua Grecia, que es una de las características de las obras neoclásicas.
12. El rey Lear llorando sobre el cadáver de Cordelia
Otro de los pintores del neoclásico es el irlandés James Barry (1741-1806), quien hizo El rey Lear llorando sobre el cadáver de Cordelia entre los años 1786 y 1788; la obra forma parte de una colección realizada para la Galería Boydell Shakespeare, en Londres.
En esta obra se puede ver al rey Lear devastado mientras sostiene el cuerpo de su hija, Cordelia. Barry muestra el realismo de la tragedia familiar mientras que la ambienta en un paisaje heroico, donde Stonehenge es el fondo de la escena. La pintura puede transmitir el suceso sin necesidad de una narrativa obvia, sino que usa códigos estilísticos y la composición perfecta que es propia del arte neoclásico.
El rey Lear llorando sobre el cadáver de Cordelia (James Barry, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Como dato curioso, se puede observar que Lear no está en el centro del cuadro, está a la derecha. Albany y Edgar, los herederos del rey están retratados en diferentes modos estilísticos (los de Rafael y Miguel Ángel), y eso los hace encajar en el estilo general del cuadro, pero el rey Lear parece ser un foráneo del cuadro.
13. El funeral de Atala
Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson (1767-1824) fue el pintor francés que creó El Funeral de Atala en 1808, y basó este cuadro en una conocida novela francesa de François-René de Chateaubriand (1768-1848) que cuenta la historia de Romeo y Julieta en un contexto del Nuevo Mundo.
El Funeral de Atala (Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
En la pintura de Girodet se observa a Chactas, un indio de Natchez, Misisipi, llorando a su amor, Atala, una doncella americana-europea, que se quitó la vida para no romper el voto de castidad que le había prometido a su madre en sus últimos días de vida. Por otro lado, la obra del francés captura la relación entre la iglesia católica y el gobierno de Francia, que estaban fascinados por la historia que plasmó Girodet.
Uno de los detalles interesantes de la pintura es que Atala está vestida de blanco, que simboliza pureza e inocencia; también es representada como una santa, que estuvo martirizada por su fe y devoción.
14. Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros
Seguidamente, incluimos otra obra del arte neoclásico de Angelica Kauffman: Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros (1785), una obra en la que está enmarcada en la arquitectura de estilo romano.
La pintura de Kauffman muestra a dos mujeres y tres niños; todos los personajes están vestidos como en la antigua roma, algo que es característico de las obras neoclásicas. Además, esta pintura ganó fama rápidamente porque ejemplificaba un modelo de virtud.
Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros (Angelica Kauffmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros trata sobre una mujer romana que presume que hablaba con orgullo sobre el futuro de sus hijos, quienes se convertirían en líderes políticos cuando fuesen adultos. En síntesis, Kauffman deja claro que el tesoro más preciado de una madre no son las joyas o los lujos, sino los hijos y su porvenir.
15. Juana de Arco en la Coronación de Carlos VII
Jean Auguste Dominique Ingres regresa a la escena con Juana de Arco en la Coronación de Carlos VII (1854), una obra en la que combina su estilo con los toques neoclasistas de Jacques-Louis David. Además, evidencia el cambio de los desnudos a la vestimenta total y armaduras.
El cuadro fue encargado por el director de la Academia de Bellas Artes de Orleans para rendirle honor a la gran Juana de Arco (1412-1431), la heroína y santa francesa. Ingres muestra a la llamada Doncella de Orleans en la coronación de Carlos VII de Francia, en la catedral de Reims. Su frente en alto la hace ver victoriosa y orgullosa.
Juana de Arco en la Coronación de Carlos VII (Jean Auguste Dominique Ingres, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La escena tiene una luz ambiental, objetos suntuosos y colores vivos. Otro detalle interesante es el aro en su cabeza, que es sinónimo de la santidad, y también reflejó la grandiosidad de la joven y valiente Juana con su figura retratada en tamaño real.
Arquitectura del neoclasicismo
Continuando con las obras neoclásicas, en esta sección describimos las edificaciones que forman parte de las grandes huellas que dejó el neoclasicismo en arquitectura, una técnica dominada por el uso de la geometría prolija, la simetría simple, así como por la funcionalidad social de los espacios creados.
16. Teatro di San Carlo
El Teatro di San Carlo, ubicado en Nápoles (Italia) abrió sus puertas en 1737 y, probablemente ha roto el récord del teatro con más años continuos de actividad. La edificación de este sitio fue encargada por el rey Carlos III de Nápoles (1734-1759), quien deseaba contar con un espacio más grande para la ópera, puesto que el Teatro San Bartolomeo, que fue construido en 1621, era “demasiado pequeño” y no podía albergar tanta gente.
Xilografía del Teatro San Carlo (Giuseppe Barberis, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El arquitecto militar, Giovanni Antonio Medrano (1703-1760) se encargó del diseño junto a Angelo Carasale, quien fue el director del antiguo teatro. Sin embargo, en 1816 el teatro se envolvió en llamas durante una práctica de ballet, y destruyó varias zonas del edificio neoclásico.
Tiempo después, tras el suceso, el rey Fernando IV (1295-1312) seleccionó a Antonio Niccolini (1722-1850) para que llevara a cabo la reconstrucción del teatro de la ópera. En 1844, supervisó todo lo relacionado con la renovación y decoración del lugar; Francesco Maria del Giudice (1647-1725) y su hijo Fausto, le ayudaron en el proceso. Finalmente, el teatro volvió a la vida en 10 meses.
17. Panteón de París
Jacques Germain Soufflot (1713-1780) fue el encargado de diseñar y construir el Panteón de París, un monumento situado en el Barrio Latino de París, en Francia, que se edificó por orden del rey Luis XIV (1643-1715). La construcción inició en 1758 y terminó en 1790, y se puso en marcha con la idea de crear una iglesia en honor a Santa Genoveva para guardar sus reliquias.
La entrada del Panteon de París (Juanedc, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Al final, el sitio se convirtió en 1791 en un mausoleo sirvió para albergar los restos de personas ilustres y terminó de construirse cuando empezó la Revolución Francesa. Posteriormente, en el transcurso del siglo XIX, se restauró su uso original (dos veces), hasta que en 1881 se declaró que sería un panteón. De hecho, la primera persona en ser sepultada en el lugar fue Víctor Hugo, en 1885.
El Panteón de París, que combina las bases de la arquitectura gótica y los efectos de la luz en el espacio, figura como uno de los primeros ejemplos de arquitectura neoclásica.
18. Rotonde de la Villette
Rotonde de la Villete o “El Muro del Campesino General” fue construido entre 1784 y 1791 por Claude Nicolas Ledoux (1736-1806) con la finalidad de que todo comerciante que quisiera ingresar al París para hacer negocios pagara un impuesto por sus productos. El muro tenía 61 barreras de peaje, entre ellas, las más importantes:
Barrière du Trône, ahora Place de la Nation
Barrière d’Enfer, actualmente Place Denfert-Rochereau
Barrière de Chartres en la Rotonde du Parc Monceau
Barrière Saint-Martin en la Rotonde de la Villette, actualmente Place de la Bataille de Stalingrad
Rotonde dela Villette (Traktorminze, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Rotonde de la Villette es otro gran ejemplo de las obras neoclásicas de la arquitectura. Sus grandes pilares triangulares, el frontón y los pilares dóricos, son la prueba de las técnicas que se aplicaron para crear megaestructuras. Actualmente, es un sitio con toques más modernos destinado para el disfrute público con bares y tiendas de moda.
19. Puerta de Brandeburgo
La Puerta de Brandenburgo se creó por orden de Federico Guillermo II (1786-1797) como entrada a Unter den Linden, un conducto directo al palacio prusiano. La construcción estuvo a cargo de Carl G. Langhans entre los años 1788 y 1791, y se basó en los modelos de los Propileos de Atenas.
Vistazo nocturno a la Puerta de Brandeburgo (Diego Delso, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La estructura de piedra arenisca, que es una clara representación del arte neoclásico, está compuesta por 12 columnas dóricas que forman cinco portales. En cuanto a sus medidas, mide 66 pies (20 metros) de alto aproximadamente, 213 pies (65 metros) de ancho y 36 pies (11 metros) en cuanto a su profundidad. Además, está rodeado la Casa Liebermann y Haus Sommer, dos pequeños edificios que se crearon a finales de 1990 para reemplazar los pabellones dañados durante la Segunda Guerra Mundial; Josef Paul Kleihues se encargó del diseño y construcción.
Esta es la única puerta de la ciudad restante de Berlín. Históricamente, ha sido un símbolo tanto de la división de Alemania como de la reunificación nacional, en la actualidad es uno de los sitios más visitados de Berlín, pero se a que en los primeros años estaba reservado para la realeza.
20. Banco de Inglaterra
El Banco de Inglaterra, es el banco central del Reino Unido, el cual fue ordenado por ley del Parlamento en 1694 con el propósito de recaudar fondos para permitir que el gobierno empezara la guerra contra Francia en los Países Bajos. En ese tiempo no se permitió ningún otro banco por acciones en Inglaterra y Gales, sino hasta 1826.
Fachada del Banco de Inglaterra (Diego Delso, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
John Soane y Herbert Baker fueron los encargados de construir el banco que fue fundado por el escocés William Paterson (1745-1806) en 1694 para fungir como banquero del gobierno inglés; propuso un préstamo de 1,2 millones de libras esterlinas al gobierno inglés para que los suscriptores gozaran de privilegios bancarios; además, el Gobierno estaría al tanto de la emisión de billetes.
El Banco de Inglaterra fue construido originalmente sobre el antiguo templo de Mitra, en Walbrook, y se remonta a la fundación de Londinium, en la antigüedad romana.
21. El Capitolio de Estados Unidos
El edificio del Capitolio de los Estados Unidos es el lugar donde se reúne el Congreso de los Estados Unidos. Tuvo muchos nombres que eran candidatos para su construcción, pero en 1792, William Thornton (1759-1828) ganó un concurso con los planos de su diseño, el cual se ejecutó en 1795 como el exterior de las alas adyacentes a la rotonda central.
Vistazo al Capitolio de Estados Unidos (Martin Falbisoner, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Por su parte, Benjamin H. Latrobe (1764-1820) continuó con la creación del edificio que ya había iniciado Thornton sumando sus propios diseños de interiores. Sin embargo, tras el ataque de los británicos al Capitolio en 1814, Latrobe comenzó la reconstrucción, pero claudicó en 1817. En 1827, Charles Bulfinch (1763-1844), construyó la primera cúpula y la rotonda, mientras que Thomas Ustick Walter (1804-1887) ganó la oportunidad de expandir las alas en 1850; también diseñó la cúpula de hierro fundido inspirándose en la cúpula de Miguel Ángel de la Basílica de San Pedro.
22. Museo Británico de Londres
El Museo Británico, que es un ejemplo de la arquitectura neoclásica, fue fundado en 1753 y empezó a recibir al público en 1759. Con sus cuatro enormes alas, 43 columnas inspiradas en templos griegos, frontón triangular y escalones enormes, ciertamente no es lo que esperarías ver en el centro de Londres.
Inspirado en los monumentos clásicos de la antigua Grecia, este edificio fue diseñado por el arquitecto Sir Robert Smirke (1780-1867) en 1823, “para reflejar todos los maravillosos objetos alojados en su interior”. En 1852 el Museo Británico se completó gracias a técnicas “de última tecnología”, que consistía en pisos de concreto y un marco de hierro fundido relleno con ladrillos y piedras.
23. Tumba del General Grant
En 1885, cuando murió Ulysses S. Grant, el presidente número 18 de Estados Unidos, su esposa, Julia Grant quiso que fuese sepultado en Nueva York, y seguidamente nació la Asociación del Monumento a Grant, que buscó recaudar fondos para la tumba y el monumento.
La Tumba del General Grant en Manhattan, Nueva York (King of Hearts, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
John H. Duncan(1855-1929) fue el elegido para llevar a cabo el proyecto, el cual estaba inspirado en el Mausoleo de Halicarnaso, una de “las siete maravillas del Mundo Antiguo”. Su diseño para la Tumba de Grant reflejó su carácter militarista, pero no dejó de lado las bases neoclasistas.
El arquitecto aseguró que quería que la tumba de Grant fuera un “símbolo de respeto y reverencia” y que no luciera como un lugar habitable.
24. Basílica de Baltimore
La Basílica del Santuario Nacional de la Asunción de la Santísima Virgen María, o simplemente Basílica de Baltimore, es una de las obras de arte del neoclasicismo a nivel arquitectónico, y fue la primera catedral católica romana estadounidense.
Vista nocturna de la Basílica de Baltimore (National Archives and Records Administration, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El diseño de la basílica estuvo en manos Benjamin Henry Latrobe, y su construcción se extendió desde 1806 hasta 1863. En cuanto a sus detalles, el afamado arquitecto se basó en el espacio abovedado y en un eje longitudinal; además, su fachada refleja el pórtico griego clásico con sus columnas jónicas hexástilas. La Basílica de Baltimore cuenta con dos torres con cúpulas en forma de cebolla en su diseño neoclásico.
25. Palacio Pavlovsk
El diseño neoclasista del Palacio Pavlovsk se debe a su arquitectura clásica, las colecciones de arte, la extensión de sus jardines y sus suntuosos interiores. Es una de las edificaciones más significativas de Rusia en cuanto a la arquitectura neoclásica.
Fachada del Palacio Pavlovsk (Alexxx1979, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Es una residencia de campo la familia imperial rusa que estuvo en manos de varios arquitectos importantes como Vincenzo Brenna, Giacomo Quarenghi, Andrey Voronikhin, Thomas Jean y Carlo Rossi, junto a otros pintores y escultores que llevaron a cabo el proyecto entre 1780 y 1825.
A pesar de que había un cúmulo de opciones de diseños y enfoques, lograron crear un lugar con ideales estéticos clásicos e impecables, con cúpulas, iluminación acristalada, toques italianos y de la antigua Roma.
26. Palacio de Buckingham
El Palacio de Buckingham, ubicado dentro del distrito de Westminster lleva ese nombre por John Sheffield, el duque de Buckingham, que compró la casa anticuada y la mandó a demoler para renovarla y crear la nueva Casa de Buckingham en 17005, que actualmente es el famoso Palacio, un ejemplo de las obras neoclásicas de la arquitectura.
Fue construido con la ayuda de William Talman, William III, el Capitán William Winde y John Fitch, quien construyó la estructura principal. Luego, en 1762 fue comprada por el rey George III para su esposa, la reina Charlotte, y pasó a llamarse “la casa de la reina”; en 1820, el rey Jorge IV ordenó que el arquitecto John Nash (1752-1798) convirtiera la casa en un palacio con grandes jardines que aún siguen casi intactos.
27. Arco del Triunfo de París
En 1806, Napoleón ordenó la construcción del Arco de Triunfo en honor al Gran Ejército. La estructura, que tiene más de 160 pies de altura, se diseñó basándose en el Arco de Tito en Roma, y el arquitecto Jean Chalgrin (1739-1811) se ganó la oportunidad de llevar el proyecto en 1809.
Las obras empezaron en 1824, tras la caída del Imperio, se terminó en 1830 y, finalmente, se inauguró el 29 de julio de 1836.
EL Arco del Triunfo en 2013 (Edgardo W. Olivera , CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
En 1852 y 1855, Napoleón III y la reina Victoria hicieron su cabalgata oficial bajó el Arco de Triunfo. El gran monumento guarda en su interior, muchas esculturas importantes, la historia de su construcción y recuerda todos los sucesos que se dieron en el lugar.
28. Altes Museum
El Altes Museum, obra destacada de la arquitectura neoclásica en Alemania y Patrimonio Mundial de la UNESCO. Fue construido por orden del rey Federico Guillermo III de Prusia en 1825, y terminó de construirse en 1830.
Vista completa del Altes Museum (Taxiarchos228, FAL, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El arquitecto Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) debía crear un museo “que permitiera al pueblo de Alemania” disfrutar del arte real. Tiempo después, Federico Guillermo IV, el hijo del rey dio los aportes necesarios inspirados en la arquitectura grecorromana, y Schinkel consiguió crear un edificio que tuviera su visión y la del rey.
El Altes Museum se creó originalmente para albergar los cuadros de los Antiguos Maestros y otras bellas artes de la nación; sin embargo, desde 1904 exhibe colecciones exclusivas de antigüedades clásicas.
29. Plaza del Mercado de Ponce
La Plaza del Mercado de Ponce, en Puerto Rico, es otra de las obras representativas del neoclasicismo, y fue diseñada por Timoteo Luberza (1820-1895), un famoso ingeniero y arquitecto nacional, quien se basó en el diseño del mercado Les Halles de París.
Cuando se construyó en 1863, la Plaza del Mercado de Ponce era el boom de la modernidad y la edificación más grande de la isla. Luego, en 1903, el arquitecto Manuel V. Domenech (1869-1942) añadió los diseños neoclásicos para darle nuevos aires al lugar.
El Mercado de Ponce en 1920 (Juan Rodriguez Serra, Dominio Público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Un dato curioso del edificio es que aún se conserva en el interior su estructura original aunque ha pasado del neoclásico al Romanticismo, hasta el art decó. En la actualidad, el sitio sirve como una recepción de distintas fiestas.
30. Museo Egipcio de El Cairo
El Museo Egipcio o Museo de Antigüedades Egipcias, se construyó bajo la supervisión de la empresa italiana Garozzo-Zaffarani en 1901. Además de ser un ejemplo significativo de las obras neoclásicas arquitectónicas, es uno de los museos más importantes de la región.
Vistazo a la entrada del Museo de El Cairo (Diego Delso, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El Museo Egipcio, que tiene dos plantas, fue construido basándose en el diseño de Marcel Dourgnon (1858- 1911), un arquitecto francés que tenía sus bases en el neoclasicismo. Es por ello que el lugar tiene ese maravilloso aspecto clásico con relieves y estatuas del periodo predinástico al grecorromano.
Hemos llegado al final de este recorrido histórico y cultural por las obras neoclásicas que han dejado huella en todo el mundo. La influencia del arte neoclásico es innegable y echó sus raíces desde el pasado, hasta el presente y, quizás, el futuro.
¿Alguna vez te has preguntado para qué sirve la fotografía? Esta técnica ha sido objeto de variados usos, artísticos, recreativos y profesionales. La comunicación tomó este arte para hacerlo un medio informativo, considerando que a muchas personas se les facilita ver noticias de forma visual. Así nació el periodismo fotográfico que cobró vida como una herramienta poderosa para la presentación de hechos a través de imágenes. ¿Quieres conocer más sobre el fotoperiodismo? Pues aquí te traemos los aspectos fundamentales para descubrir este género, así como 15 imágenes de periodismo.
Fotógrafos contemporáneos: Los 20 fotógrafos actuales más importantes y reconocidos
Antes de entrar en detalle sobre las más impresionantes fotos de periodistas gráficos y su repercusión en la historia, primero es necesario hacer un breve análisis para saber qué es el fotoreportaje o periodismo fotográfico, como también se le conoce. A continuación, encontrarás la definición de fotoreportaje, los elementos que componen este género del periodismo, la popularidad que tiene en el mundo de la comunicación en general y las particularidades más importantes de este ámbito. ¿Listo (a) para saber qué es fotoperiodismo? Lee lo siguiente:
Una definición de fotoperiodismo
Ante la interrogante de qué es una fotografía de prensa, destaca la respuesta relacionada con la integral definición de fotografías, que son imágenes fijas que perdura en el tiempo, obtenidas gracias a diversos aparatos creados para desarrollar esta práctica. El periodismo fotográfico es el género de la comunicación social que hace de la fotografía un medio informativo oportuno y veraz, transmitiendo de manera visual un hecho o suceso determinado. Otras áreas que lo componen son el diseño gráfico y la producción y edición de vídeos.
El periodismo fotográfico cuenta con una serie de elementos que permiten su consolidación dentro del amplio campo de la comunicación social y del género del periodismo en general. Ellos son:
Cuenta con variados géneros dedicados a transmitir noticias desde diferentes perspectivas, como la narrativa (fotoreportaje), informativa (fotonoticia) y descriptiva (retrato fotoperiodístico).
Los profesionales que desarrollan su trabajo dentro del periodismo fotográfico son conocidos como reporteros gráficos o fotoperiodistas.
Sea cual sea la rama que aborde el periodismo fotográfico, su objetivo principal es el de comunicar un acontecimiento, suceso y temática de interés colectivo.
Las fotografías periodísticas tienden a ser interpretadas desde diferentes puntos de vista, y es por ello que, para dejar en claro el mensaje que pretende transmitirse, la imagen debe ir acompañada de un epígrafe o pie de foto. Un ejemplo de pie de fotografía es la leyenda que acompaña a la misma, a manera de dar puntos precisos sobre lo que quiere comunicarse.
El fotoperiodismo puede ser practicado tanto por agencias dedicadas a esta disciplina como por reporteros independientes.
La calidad periodística es uno de los elementos primordiales dentro del género, ya que de una imagen de nota periodística con buena iluminación, encuadre, plano, color y ángulo, dependerá para captar mejor la atención del observador de esta fotografía, haciendo efectiva la comunicación esperada.
Popularidad de la fotografía de reportaje
Como una imagen vale más que mil palabras, el periodismo fotográfico ha gozado de popularidad desde el mismo momento de su surgimiento, al transmitir a lo largo de la historia, numerosos acontecimientos, sucesos y temáticas que han repercutido enormemente en la sociedad.
Hay que considerar que el fotoperiodismo ha sabido adaptarse a los avances tecnológicos en los que se encuentra sumergido el mundo, por lo que cada vez son más y más personas que se informan a través de este género, ya sea por prensa escrita, televisión, redes sociales u otro medio de comunicación.
Por su fuera poco, tanto la fotografía de reportaje como el fotoperiodismo en general, incluyendo la producción de vídeos, va ganando adeptos de forma autodidacta, quienes ante un hecho de interés, se dedican a inmortalizar o grabar este suceso para luego ser transmitido a la población, permitiendo así la contextualización de dicho acontecimiento de forma rápida, oportuna y efectiva.
Características del fotoperiodismo
Muchas son las particularidades que destacan al fotoperiodismo como género dentro de la comunicación social y el periodismo en general. Entre las características más importantes se encuentran:
Objetividad
Al igual que otras ramas del periodismo, el fotoperiodismo, al igual que el reportero gráfico que lo practica, debe ser imparcial, por lo que el mensaje a transmitir debe ser objetivo, mostrando las imágenes de una nota periodística en específico tal cual como ocurre el acontecimiento, obviando opiniones personales o juicios de valor.
Actualidad
El factor tiempo es sumamente importante a la hora de obtener una foto periodística, ya que debe plasmar un hecho actual, principalmente, para así garantizar la relevancia y el contexto del evento a cubrir y comunicar.
Estética
Entre las funciones de un reportero gráfico, más allá de inmortalizar un hecho de interés, está el combinar este aspecto con la parte artística, lo cual es un principio básico de la técnica fotográfica en general. A través de la estética, se logra una foto periodística atractiva e impactante.
Entre las características del periodismo fotográfico como tal, está el de crear un hilo en el discurso que va a ir acompañado de una secuencia de imágenes periodísticas, a fin de narrar el tema o suceso a comunicar y así conectar y captar la atención del público.
Compañerismo
A pesar de desarrollarse en un ámbito tan competitivo como lo es el de la comunicación social, el gremio del periodismo fotográfico tiene como particularidad la unión y compañerismo entre los profesionales dedicados a esta ardua tarea, haciendo de ésta un área fuerte dentro del campo informativo.
Breve repaso por la historia del fotoperiodismo
Como toda disciplina, el periodismo fotográfico tiene su historia, la cual es sumamente interesante y que ha ido evolucionando conforme pasa el tiempo, adaptándose a las tecnologías de los contextos donde se ha desarrollado. Para profundizar más sobre qué es la fotografía de prensa, es fundamental conocer más sobre la historia del fotoperiodismo y su desarrollo en países, como por ejemplo, México y España.
Nacimiento y evolución general del periodismo fotográfico
Se puede decir que el fotoperiodismo nació a la par de la creación de la fotografía como técnica y arte de inmortalizar momentos por medio de imágenes fijas, siendo las últimas décadas del siglo XIX el hito histórico de inicio de este género periodístico.
El periódico neoyorquino Daily Graphic fue el pionero en el uso de la fotografía como recurso informativo en 1880, consolidándose la popularidad del periodismo fotográfico durante el desarrollo de los diversos conflictos armados que se suscitaron a inicios del siglo XX, como la Primera Guerra Mundial, por ejemplo, donde surgieron los primeros fotógrafos de guerra para cubrir los pormenores de las confrontaciones. De hecho, para el tiempo de la Segunda Guerra Mundial, el fotoperiodismo tuvo un importante progreso, coincidiendo con la implementación de nuevos recursos tecnológicos de la época.
Ya avanzada la centuria anterior, el periodismo gráfico logró consolidarse como género informativo, haciéndose presente en periódicos y revistas cuya composición se basó, más que todo, en fotografías, como en el caso del magazine estadounidense LIFE. Por si fuera poco, el gremio del fotoperiodismo ganó fuerza gracias a la conformación de numerosas e importantes agencias fotográficas, que contaban entre sus miembros a diversos reporteros gráficos de renombre.
Un hito muy importante dentro del fotoperiodismo, ya en el siglo XXI, fue la aparición del internet y otras nuevas tecnologías de información y comunicación, que muchos especialistas y conocedores han adjudicado como factores perjudiciales dentro del periodismo fotográfico tradicional, esto más que todo por la puesta en escena de miles de fotos periodísticas con autores aficionados y/o autodidactas.
Sin embargo, la práctica del fotoperiodismo, sea de forma profesional o amateur, se ha mantenido como el medio informativo más importante de todos estos tiempos, fomentada más que todo por la cultura visual que hoy en día posee la población, y que ha permitido que los hechos de relevancia global sean comunicados en más que palabras.
Desarrollo del fotoperiodismo en México
Uno de los países donde el periodismo fotográfico consolidó su papel como medio informativo es México, sobre todo por el progreso y los cambios sufridos dentro de la fotografía como tal, que pasó de ser un arte privilegiado para las clases pudientes, a ser una voz para reflejar los acontecimientos vividos en el seno de las clases populares, protagonizados por sectores menos favorecidos.
Tal es el caso de la Revolución Mexicana (1910), cuyos principales líderes fueron retratados por uno de los grandes fotógrafos del momento, el alemán Hugo Brehme, radicado en ese entonces en Veracruz y que fue miembro de la Agencia Fotográfica Méxicana asentada en la capital de la nación.
Hoy en día, la práctica del fotoperiodismo se mantiene con tal intensidad, así como también en otros países de Latinoamérica, afianzando la importancia del periodismo fotográfico como bastión comunicacional del momento.
Progreso del fotoreportaje en España
En el caso de la nación ibérica, la popularidad de la técnica de la fotografía va a tener como fecha de inicio el 10 de noviembre de 1839, cuando en Barcelona se realizó el primer daguerrotipo. Once años después, se llevó a cabo la primera narrativa fotográfica por parte del reportero inglés Charles Clifford, que dio cobertura a los acontecimientos enmarcados dentro de la visita de la reina Isabel II de España a diversas ciudades del territorio.
Desde ese entonces hasta bien entrado el siglo XIX, el fotoperiodismo en España fue puesto en marcha para informar a la colectividad sobre los aconteceres de la monarquía, más que todo para buscar el apoyo de la población a esta forma de gobierno.
No fue sino hasta el siglo siguiente que el periodismo fotográfico da un giro radical para dar cobertura a los aconteceres de la Guerra Civil Española, donde muchos reporteros gráficos incluso entregaron su vida al realizar su labor, como fue el caso de la periodista germana Gerda Taro, que se convirtió en un referente dentro del fotoreportaje de ese contexto. Asimismo, la confrontación atrajo a cientos de reporteros de varios países, con el fin de hacer llegar a sus lugares de origen el registro de los pormenores de este hecho bélico.
Más adelante, el periodismo fotográfico español logró arraigarse de la mano de las herramientas digitales, la fundación de destacadas agencias de noticias y medios de comunicación social, donde a partir de la segunda mitad del siglo anterior dieron valiosos aportes al gremio periodístico, numerosos reporteros que participaron en la concreción de la llamada época dorada del fotoperiodismo, como Miguel Gil Moreno y José Couso, fallecidos al momento de dar cobertura a diferentes conflictos bélicos.
Cabe destacar que la labor de las últimas generaciones de reporteros gráficos españoles, ha sido merecedora de importantes reconocimientos y galardones a nivel mundial, por abordar el periodismo de corte social por medio de los numerosos sucesos de relevancia en el tiempo presente, como el tema de las migraciones, crisis económicas y otras problemáticas globales.
Funciones del periodismo fotográfico
Los individuos que conforman el gremio del fotoreportaje, llamados fotoperiodistas, son los encargados de realizar esta importante labor para transmitir la información de manera visual, con veracidad y calidad. Por tanto, esta disciplina cuenta con ciertos criterios y funciones para consolidarse como una de las más fuertes dentro de la comunicación social. Entre ellas destacan:
Transmisor de información
Como ya se ha descrito anteriormente, el principal objetivo del fotoperiodismo es el de transmitir al público la información de un hecho determinado que tenga una relevancia dentro del contexto donde se desarrolla.
Acompañante de narrativas o noticias del momento
Las fotos periodísticas son usadas por lo general para dar acompañamiento visual a los reportajes narrativos escritos, así como también a la descripción de un suceso en específico o para nutrir un contenido periodístico que amerite de imágenes para ser comunicado de forma efectiva a los espectadores.
Mensaje informativo visual
Entre las funciones de un reportero gráfico está el de plasmar los acontecimientos de relevancia para la colectividad, considerando la cultura visual propia de la población actual, que ve consolidada la recepción de información a través de la observación de imágenes relacionadas con el hecho narrado.
Fuente de información para otras disciplinas
El fotoperiodismo no solo se queda en el ámbito de comunicar al momento un hecho, sino que, con el pasar del tiempo, gana notoriedad como fuente iconográfica para las investigaciones de otras disciplinas, como historia, sociología, ciencias, entre otras áreas de estudio. Para ello es necesaria la efectividad de los archivos y fondos fotográficos a fin de aportar imágenes de interés a la tarea indagatoria.
Carácter de veracidad
El público, al ver una noticia acompañada de una imagen relacionada con el hecho reportado, tiene una idea de realidad y veracidad más consolidada, ya que la foto periodística muestra de forma secuencial el suceso tal cual acontece.
Tipos de fotoperiodismo
Aunque suele asociarse al periodismo fotográfico con una foto de prensa cualquiera, lo cierto es que las imágenes de un reportero dedicado a esta disciplina salen a la luz de acuerdo a la temática que aborda. Es por ello que, para determinar qué es fotoreportaje, hay que tomar en cuenta que es un área que cuenta con varios tipos o divisiones. Las más resaltantes son:
Fotoperiodismo informativo
Como su nombre lo indica, se trata de la tipología que desarrolla su papel como medio informativo de la realidad y la verdad de un acontecimiento determinado, priorizando esta tarea más que de dar aportes de opinión o entrar en hondos detalles. Es buscado por grandes medios masivos de comunicación como televisión, diarios y revistas.
Periodismo fotográfico documental
También llamado testimonial, aborda la fotografía desde una perspectiva de análisis y de opinión, buscando así crear conciencia entre el colectivo que se identifica con este fotoperiodismo. Se desarrolla principalmente en portales oficiales especializados en alguna temática concreta, siendo así más limitada que el fotoperiodismo informativo.
Fotoperiodismo de ensayo
En esta clasificación, el punto de vista del reportero gráfico juego un rol muy importante al momento de crear imágenes periodísticas, ya que se encuentran sujetas a sus criterios y juicios de valor, siendo así un ambiente más creativo y expresivo. Por tanto, es puesto en práctica en profesionales independientes, que muestran sus trabajos a través de galerías, centros culturales, revistas especializadas y otros medios de transmisión.
Foto ilustración
De carácter divulgativo y meramente didáctico, este tipo de fotoperiodismo es utilizado para promover el entendimiento de una idea o concepto desarrollado por un columnista o redactor, que se apoya del recurso iconográfico para mejor comprensión de los espectadores.
Fotoreportaje deportivo
Es una de las áreas de periodismo fotográfico más destacadas, ya que el fotoperiodista debe hacer uso de sus habilidades para captar imágenes que reflejen los diferentes aspectos que se viven dentro del entorno deportivo, como la fortaleza, velocidad, destreza, triunfo o derrota del individuo o un equipo.
Periodismo fotográfico de farándula
Comunica los aconteceres del espectáculo y de sus personalidades. La prensa del corazón se apoya en el fotoperiodista (conocido como paparazzi) para registrar los momentos más relevantes de los artistas famosos. Sin embargo, la ética siempre está en juego, ya que los reporteros a veces traspasan los límites de la privacidad e intimidad de estas figuras para la obtención de las fotografías.
Sorprendentes y imágenes de fotoreportaje en el mundo
Ahora que sabes qué es fotonoticia, es momento que conozcas algunas fotografías de prensa que tuvieron notoriedad entre la opinión pública, por cumplir el deber de informar al mundo el hecho o acontecimiento que quedó plasmado por medio de una imagen de fotoreportaje. Descubre 15 fotos periodísticas que asombraron a la población mundial:
1. Zona Cero, World Trade Center, Nueva York
(Pixabay).
Este fue uno de los momentos más impactantes de inicios del siglo XXI. Esta fotografía fue tomada en el lugar donde anteriormente se encontraban las Torres Gemelas de World Trade Center, en la denominada Zona Cero, mostrando los escombros de lo que una vez fue el complejo de oficinas más importante de Manhattan y América.
2. Covid-19
(Pxhere).
La peor pandemia vivida en los últimos cien años es otro de los acontecimientos que han quedado reflejados por el fotoperiodismo actual. Esta imagen de Tmaximumge refleja el papel fundamental de los profesionales de la medicina al afrontar la crisis del covid – 19 en los centros hospitalarios.
3. Revuelta árabe
(Pxhere).
Ya es un hecho frecuente las protestas y revueltas en las calles de la región árabe, que ha sufrido múltiples conflictos políticos y sociales en las últimas décadas. En esta oportunidad, se muestran disturbios por parte de la población que manifiesta su descontento ante la convulsión general que se vive constantemente en la zona.
4. Erupción del volcán en La Palma
(Pixabay).
Un hecho de la naturaleza que sorprendió no solo a España sino a todo el mundo, fue la erupción del volcán Cumbre Vieja, ubicado en La Palma, Islas Canarias, a partir de septiembre de 2021, situación que ha afectado a miles de familias habitantes del área, tuvieron que ser desalojadas ante la arremetida del mar de lava. La foto de VP68 muestra la agresividad del volcán en pleno apogeo eruptivo.
5. Ejército de Estados Unidos en Afganistán
(Pxhere).
La ocupación del territorio afgano por parte de las fuerzas estadounidenses en la lucha contra el terrorismo, acaparó la escena informativa desde comienzos del presente siglo. Entre numerosas confrontaciones y enfrentamientos, la guerra dejó miles de muertos, entre militares y civiles, y considerables daños estructurales, así como también una honda crisis política, económica y social en el país.
6. Nube de hongo
(Pixabay).
Los devastadores efectos sufridos como consecuencia de las bombas atómicas caídas sobre las ciudades niponas de Hiroshima y Nagasaki, fueron transmitidos al mundo gracias a las impactantes imágenes que acapararon la atención de la colectividad. Este hecho ocurrido en 1945 aceleró el fin de la Segunda Guerra Mundial, dejando un saldo de millones de pérdidas humanas, entre combatientes y población civil.
7. Bienvenido a Pripyat
(Pxhere).
El accidente nuclear de abril de 1986 sufrido en la central nuclear de Chernóbil, arrasó con las localidades cercanas al sitio de los acontecimientos. Una de ellas fue Pripyat, poblado ucraniano hoy convertido en pueblo fantasma, que ha sido reflejado en cientos de imágenes que muestran las consecuencias de la catástrofe. Esta imagen de Wendelin Jacober es una de ellas.
8. Terremoto de Haití, 2010
(Pixnio).
El fuerte sismo que sacudió a la isla antillana a principios de 2010, fue informado a todo el mundo por medio del periodismo fotográfico, que se encargó de dar cobertura a la situación de caos presente en la zona afectada. Una de las imágenes de ese entonces es la tomada por Gary Brunette, que muestra los escombros que dejó este terremoto.
9. Huracán Katrina
(Pixabay).
En 2005, Nueva Órleans (EEUU) sufrió los embates de un feroz huracán que sumergió a la ciudad por varios días, hecho informativo que dio la vuelta al mundo gracias a las fotos periodísticas obtenidas durante la cobertura del hecho. Esta imagen de cgcolman muestra las consecuencias de las inundaciones.
10. Niño pobre
(Pixabay).
Para nadie es un secreto el aumento de la pobreza en el mundo, situación que ha sido capturada a través de numerosas imágenes. Esta foto periodística de yogendras31 manifiesta las penurias de esta calamidad, donde los niños son las principales víctimas.
11. Erderwärmung
(Pxhere).
Parece graciosa, pero esta foto tiene un claro mensaje: el calentamiento global que afecta velozmente al planeta; evidencia de ello ha sido los cambios que ha sufrido la sociedad para tratar de sobrellevar esta consecuencia propiciada por la misma acción humana.
12. Incendio forestal
(Pixabay).
Ligado al cambio climático, otro problema presente en la actualidad son los constantes incendios forestales ocurridos en regiones donde la sequía ocasiona fuertes estragos. Evidencia de ello es esta foto cortesía de pixundferting tomada en 2019.
13. Aterrizaje forzoso
(Pixabay).
Los accidentes de todo tipo han quedado inmortalizados gracias al periodismo fotográfico, encargado de cubrir estas calamidades en su momento. Esta imagen del usuario Hans muestra un pequeño incidente de globo aerostático que, afortunadamente, no pasó a mayores.
14. Guerra monocroma
(Pxhere).
El periodismo fotográfico cobró fuerza al dar cobertura a los diversos conflictos bélicos de talla mundial, sobre todo las dos grandes guerra que involucraron a varias potencias globales. A través de una mirada monocromática, se muestra esta foto que, fácilmente, podría tratarse de un momento de la Primera Guerra Mundial.
15. La violencia contra las mujeres
(Pixabay).
El maltrato hacia la población femenina ha sido un tema desafortunado de las últimas décadas, dejando cifras fatales alrededor del mundo. Esta foto de carácter ilustrativo de Alexas_Fotos es una de las imágenes del fotoperiodismo creadas para concientizar al público sobre estos hechos.
Con la información anterior, es posible observar qué es foto dentro del periodismo fotográfico y su importancia como medio informativo. Desde su aparición, el fotoperiodismo ha incursionado en diferentes áreas, para garantizar la transmisión de noticias de manera oportuna y precisa. Muchos ejemplos de fotoreportaje sorprenden al público por captar importantes acontecimientos de talla mundial gracias a las herramientas digitales, por lo que miles de imágenes de reporteros gráficos llegan en tiempo real a todos los rincones del planeta. Esperamos que con este artículo, puedas tener nociones básicas sobre qué es la fotografía periodística y su importancia dentro de la comunicación social.
La Royal Collection del Reino Unido anunció que está en busca de un curador de arte
La Biblioteca Real de Windsor, que alberga las colecciones más finas y clásicas de la Corona Británica, anunció que el puesto de asistente de curador de arte está disponible para evaluar más de 40.000 dibujos, acuarelas, y unos 120.000 grabados.
De acuerdo a la descripción del empleo. Según la descripción del puesto, el aspirante al cargo debe asumir “una amplia gama de actividades curatoriales, se asegurará de que la colección sea accesible para todos”. Además, indica que deberá hacer visitas de estudio, consultas públicas, y deberá asistir a eventos de aprendizaje; también evaluará los préstamos y las exposiciones.
Asimismo, la Biblioteca Real de Windsor explica que el cargo ayudará a la persona que lo obtenga “a desarrollar su experiencia y conocimiento profundo”. También descubrirá las historias detrás de la Royal Collection del Reino Unido, compartirá su conocimiento a través de una amplia gama de plataformas, y se encargará de crear contenidos en las redes sociales y ofrecerá charlas con el objetivo final de “inspirar e interactuar” con la audiencia de la forma “más amplia posible”.
Aseguran que el tamaño de un meteorito no determina su impacto fatal
Investigadores de la Universidad de Liverpool analizaron 44 impactos de rocas espaciales durante los últimos 600 millones de años y determinaron que su composición es la que determina cuán mortal será el impacto si llega a la Tierra, y no importa tanto su tamaño.
El equipo de expertos descubrió que los meteoritos que chocan contra rocas “ricas en feldespato de potasio siempre conducen a un episodio de extinción masiva”, independientemente del tamaño del meteorito en sí.
Además, dijeron que dicho mineral es el elemento central “en los eventos de extinción masiva” y, aunque no es tóxico, “actúa como un poderoso aerosol nucleador de hielo que afecta fuertemente la dinámica de las nubes”. También aseguraron que, por los momentos, solo los meteoritos han cambiado “el régimen de aerosoles del clima”.
Expertos advierten que el estrés laboral y económico puede aumentar el riesgo de sufrir infartos
Un estudio llevado a cabo por la Universidad de Gotemburgo ha revelado que el estrés laboral y las preocupaciones económicas podrían aumentar el riesgo de sufrir un derrame cerebral o un ataque cardíaco “hasta en un 30 por ciento”.
Sin embargo, los investigadores aún no logran concluir cómo funciona ese vínculo. “No se sabe exactamente qué causa el riesgo elevado de enfermedad cardiovascular entre las personas severamente estresadas”, indicaron.
Asimismo, explicaron que “muchos procesos diferentes en el cuerpo, como la aterosclerosis y la coagulación de la sangre” son sensibles a los estados de estrés en las personas. “Si queremos reducir el riesgo de enfermedad cardiovascular a nivel mundial, debemos considerar el estrés como otro factor de riesgo modificable”, advirtieron los expertos.
Pink Floyd ha lanzado una docena de álbumes en vivo
Pink Floyd, la legendaria banda británica de rock, ha lanzado 12 LP que han sido agregados a las plataformas streaming (Spotify es una de ellas) sin aviso previo. Los álbumes abarcan los años 1970-1972, cubriendo el período en el que la banda lanzó Atom Heart Mother (1970), Meddle (1971) y Obscured By Clouds (1972).
La primera grabación, que se llama They Came In Peace, cuenta con la presencia de miembros de la Universidad de Leeds (28 de febrero de 1970) y la Universidad de Washington (16 de noviembre de 1971); el LP tiene siete pistas y una duración total de una hora y 34 minutos.
La más reciente de las grabaciones tiene la fecha del 16 de marzo de 1972, un trabajo hecho en Tokio; banda interpreta siete temas de The Dark Side Of The Moon casi un año antes de que se lanzara proyecto finalmente el 1 de marzo de 1973. Asimismo, hay una grabación completa del show de la banda del 23 de septiembre de 1971 en el KB Hallen, Copenhague, y está separada en dos partes.
Estudio reveló que el “e-waste” emite antioxidantes sintéticos dañinos para las personas
De acuerdo a un estudio realizado por la Sociedad Química Americana, los fabricantes de electrónicos añaden antioxidantes sintéticos a los plásticos, cauchos y otros polímeros para que duren más. Detallaron que hay presencia de antioxidantes de fenol y azufre, “en el polvo de los talleres de reciclaje de desechos electrónicos (e-waste)”, y advirtieron que “posiblemente representen riesgos para los trabajadores” del área.
Recientemente, los investigadores recolectaron 45 muestras de polvo de tres categorías de talleres de reciclaje de e-waste en un parque industrial en Yichun, en China, y detectaron niveles “relativamente altos” de los compuestos anteriormente nombrados, en comparación con otros contaminantes de desechos electrónicos.
Los estudios anteriores han revelado “contaminación ambiental generalizada y exposición humana” a dichos compuestos, pero aún se desconocen los efectos toxicológicos que puedan generar.
Tras la Revolución Mexicana de 1910 el mundo vio un interés repentino tanto por el arte de pintores como Diego de Rivera, Frida Kahlo y José Clemente Orozco, escritores como Juan Rulfo y Rosario Castellanos, y por supuesto, la mitología azteca y la cultura mexicana en general. Es por ello que, en esta entrada presentamos a 25 dioses aztecas, y diosas también, para hacer un repaso histórico por cómo eran los dioses mexicas, quienes eran venerados por la población de México.
Tradiciones mexicanas: Las 35 principales festividades y costumbres de México (cultura, imágenes…)
En la cultura azteca, no hay presencia de la mano de Dios en cuanto a la creación, y por eso, cuando los sacerdotes españoles llegaron a la tierra mexa ordenaron que se destruyeran los templos aztecas, los escritos que albergaban la historia de las deidades aztecas, así como el cese de las prácticas religiosas que se basaban en sacrificios humanos mayormente. Dicho esto, presentamos al Dios de la Creación:
1. Ometeotl
Ometeotl es la base de todos los dioses aztecas y el creador de todas las cosas. Es un dios andrógino, pues su lado masculino es Ometecuhtli, el Señor de la Dualidad, y su lado femenino es Omecihuatl, la Señora de la Dualidad. En la mitología azteca, al Dios del Todo también se le conoce como Tonacatecuhtli, el Señor de la Sustentación, mientras que su lado femenino es Tonacacihuatl, la Dama del Sustento.
Ometecuhtli y Omecihuatl en el Códice Fejérváry-Mayer (Autor Desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Ometeotl (dios de la naturaleza azteca) y su dualidad, lo deja en el podio de los principales dioses de los mexicas, y dio a luz a cuatro dioses importantes en la mitología mexica: Tezcatlipoca, Quetzalcóatl, Tlaloc y Chalchiuhtlicue.
Esos son los nombres de dioses aztecas, tiempo después, crearían los Cuatro Soles y le darían vida a todos los demás dioses (y a sus variaciones) que nombramos más adelante. Ellos son los responsables de la creación del mundo y de los dioses de México; sin embargo, Ometeotl no está relacionado con la creación de los humanos, pero dice la mitología que creó a la Tierra en el regazo de un cocodrilo enorme.
El Sol, la Luna y Venus
Los días de la creación de la Tierra también vieron nacer varios nombres de dioses mexicas que representan parte importante de la cultura mexicana y que, por ende, quedaron plasmados en la mitología de los dioses aztecas. En esta sección enlistamos a los ídolos aztecas que están vinculados al Sol, la Luna y a Venus.
2. Huitzilopochtli
Otro de los dioses principales de los aztecas es Huitzilopochtli, dios de la guerra azteca. También conocido como el Señor del Sol y de las Tormentas. De acuerdo a los historiadores, este es el ser mítico más importante del panteón azteca, pues es el dios especial de la tribu y patrón de la nobleza. Huitzilopochtli marcó el camino para los aztecas en su extenso y peligroso viaje desde el Norte con la señal del águila y la serpiente en encima de un nopal, para que pudieran llegar al lugar donde fundarían su capital: Tenochtit.
Huitzilopochtli es hijo de Coatlicue, la diosa virgen. Cuenta la leyenda que él emergió de su vientre hecho hombre y con un equipo de batalla, listo para salvar a su madre de morir en manos de sus otros hijos. Desde ese momento se supo que tenía una fuerza magnánima, que era un destructor con todas la de la ley, e iba dejando en ruinas las ciudades y pueblos por los que transitaba.
Representación de Huitzilopochtli en el Códice Telleriano-Remensis (Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Sus contrincantes le temían por ser la personificación del Sol y de la Guerra, así que hacía temblar a otros dioses de la noche. Otra de las descripciones que se le atribuyen a este dioses indígenas es que podía convertirse en distintas aves y bestias; de hecho, en los dibujos es representado con una cabeza de colibrí que sostiene a un dragón-serpiente, y lleva un escudo llamado chimalli.
Sin embargo, Huitzilopochtli era muy nuevo en este mundo lleno de dioses mayas y aztecas, y aunque su fuerza era innegable, fue visto como un usurpador que quería tomar el lugar Tezcatlipoca en Mesoamérica.
3. Quetzalcoatl
Continuamos con uno de los dioses Nahuatl Quetzalcoatl, el Señor de la Estrella de la Mañana, Señor del Viento, también conocido como la Serpiente Emplumada, Venus, Ehecatl o Tezcatlipoca Blanco. Es uno de los dioses antiguos de México en la época mesoamericana, y una de las primeras deidades que fue venerada por varias civilizaciones mexicanas y centroamericanas como:
Olmecas (Antiguo México)
Mixtecos (Paquete montañoso de Oaxaca)
Toltecas (Periodo Posclásico de Mesoamérica)
Mayas (Sur de México, Guatemala, norte de Belice)
Aztecas (Tenochtitlan, centro del valle de México)
El Dios de la Sabiduría representado en el Codex Borgia (Eddo, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Quetzalcóatl también es dios azteca de la vida y la fertilidad. A diferencia de Ometeotl, a él sí se le asigna el título de “creador del hombre”; además, se le atribuye la creación de la agricultura y el calendario. Por otro lado, la mitología mexicana indica que fue uno de los dioses prehispánicos que llevó el maíz al hombre tras robárselo a las hormigas que habían escondido los granos. Asimismo, Quetzalcóatl es uno de los dioses de los aztecas que es patrón de los gemelos, de variedad de artes e industrias, y también es el dios azteca de la sabiduría.
La apariencia de Quetzalcóatl es el sumo sacerdote del templo que viste de negro y lleva un sombrero ceremonial puntiagudo con plumas de quetzal y piel de jaguar. Porta un escudo pintado con cinco ángulos y un cetro que le da todo el aire de grandeza que se le ha dado históricamente.
4. Tezcatlipoca
Otro de los dioses de la mitología azteca es Tezcatlipoca, el creador del Fuego, el Señor del Cielo Nocturno y de la Luna, el patrón de los guerreros, los jaguares y la hechicería. También es conocido como el dios azteca de la muerte que puede asumir cualquier forma; es omnipotente, omnipresente y mayormente se le relaciona con los monstruos nocturnos del mal y la destrucción.
Tezcatlipoca negro en el Códice Borgia (Autor desconocido, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Es uno de los dioses mexicanos que está relacionado con el caos en la tierra cuando hace acto de presencia; no solo provoca guerras, sino que hace que crezcan las enemistades y discordias entre los aztecas, por eso no es extraño que sea el enemigo de Huitzilopochtli y de Quetzalcoatl (dios de la sabiduría azteca). Por otro lado, la mitología mexa sostiene que únicamente Tezcatlipoca sabe sobre el orden del mundo y exclusivamente el puede darle al hombre la prosperidad.
Tezcatlipoca suele ser representado pintado de amarillo y negro, con una lanza y un escudo, un espejo de humo negro y un anillo de cuero en el pecho que simboliza la eternidad o el anahuatl.
5. Tlahuizcalpantecuhtli
En esta lista de dioses de la cultura mexicana sigue el Señor de la Estrella del Alba o Venus, otro avatar del dios Quetzalcoatl: Tlahuizcalpantecuhtli, que significa “Señor de la Casa del Amanecer”. Además, probablemente sea el dios de los mexicas con el nombre más largo y difícil de pronunciar.
Recipiente con forma del dios Tlahuizcalpantecuhtli en el Museo Nacional de Arqueología y Etnología de Guatemala (Joanbanjo, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Tlahuizcalpantecuhtli, en la mitología de los dioses mexicas, fue el inventor de los libros y también del calendario, fue el proveedor del maíz a la humanidad y, en ocasiones, es representado como símbolo de muerte y resurrección, así como lo hace el alba todos los días. Vale destacar que, así como es una representación de Quetzalcoatl, también es su hermano gemelo, y a veces se le llama dios de la guerra azteca.
Se puede reconocer a Tlahuizcalpantecuhtli por su corona de plumas azules afiladas, su diadema roja y por los discos blancos que están distribuidos por toda la cara.
6. Xolotl
Seguidamente, está Xolotl, el Señor de la Estrella de la Tarde, otro avatar de Quetzalcóatl que representa el fuego y la mala suerte. Es la personificación maligna de Venus y la Estrella vespertina; Xolotl se encarga de guardar el Sol cuando viaja por el inframundo en la noche.
Xolotl representado en el Códice Fejérváry-Mayer (Xjunajpù, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La mitología mexicana sostiene que este dios de los mexicas hizo a la humanidad y encendió el fuego del inframundo. Por otro lado, es un cambiaformas, y eso lo hace ser el patrón de los magos y de la hechicería; también es una deidad de los monstruos, los gemelos, y de los perros. Asimismo, se dice que Xolotl es el patrón del juego de pelota mesoamericano.
A esta deidad mexica se le identifica por su forma esquelética y sombría, es un hombre con cabeza de perro o animal distorsionado, tiene las patas invertidas y un hacha en la mano derecha; también carga un símbolo del Sol en su frente.
7. Tonatiuh
En el antiguo México, los aztecas creían que el Sol tomaba diferentes formas en distintas horas del día, y que cada vez renacía como el antiguo dios Tonatiuh.
Dibujo de Tonatiuh (austinstar, Pixabay)
Tonatiuh es uno de los dioses antiguos de México que se describe como un “hombre joven y vibrante” que lleva el rostro y el cuero bañado ocre y rojo. Dicen los escritos aztecas que cuando nace, el Sol se convierte en Huitzilopochtli, cuando desciende es devorado por Tlaltecuhtli (diosa o dios de la Tierra), y por la noche, el baja al inframundo en forma de Tepeyolohtli, un avatar de Tezcatlipoca. En aquellos tiempos, el amanecer era un momento preocupante porque marcaba la transición de la oscuridad a la luz, y no había certeza de si podría ser el último amanecer del mundo.
8. Coyolxauhqui
Una de las diosas aztecas de esta lista es Coyolxanuhqui, que es la diosa de la Luna y su nombre significa “Campanas de Oro”; es la hija de Coatlicue y hermana de Huitzilopochtli. La historia cuenta que esta diosa fue asesinada y desmembrada por Huitzilopochtli, quien lanzó su cabeza al cielo y, posteriormente, se convirtió en la Luna.
Monumento de la cabeza de Coyolxauhqui (Ángel M. Felicísimo, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Solo la cabeza de Coyolxauhqui quedó como un monumento. Su cara está dibujada con bolas de águila en su pelo, tiene campanas en su mejilla y lleva un colgante en la nariz en forma de Luna. En su frente están grabados los símbolos de la guerra y la pestilencia.
9. Itzpapalotl
Itzpapalotl, que significa Obsidiana o Mariposa con garras, es la diosa estelar asociada al fuego, el rayo y la guerra. Además, es una poderosa hechicera y gobernadora de Tamoanchan, el cielo donde se creó la humanidad, y a su vez es el lugar donde residen las víctimas de la mortalidad infantil.
Monumento de Itzpapalotl en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (Gary Todd, dominio público, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Itzpapalotl generalmente es representada con un traje de mariposa lleno de cuchillas de obsidiana en sus alas. Su rostro es cadavérico, sus dedos son como las garras de jaguar y los pies son como las garras de un águila. Es una especie de diosa del inframundo azteca, pero también entra en el arquetipo de la sabiduría.
Tierra y fertilidad
En la mitología de los dioses mexicas se veneraban a aquellos dioses que daban vida a la vegetación y a la humanidad. A continuación, enumeramos los dioses antiguos de México que representan la fertilidad y el mundo terrenal.
10. Xipe-Totec
Xipe-Totec es el señor de la Fertilidad y la Primavera, pero no todo es tan lindo como suena, pues su culto consiste en desollar vivo a un esclavo y hacer que su sacerdote vista con esa piel como símbolo del renacimiento de la tierra, la cual ha renovado su manto vegetativo.
Xipe-Totec representado en el codex Borgia (Katepanomegas, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Para rendirle culto en su día (el tlaxipeoalitzi), sus adeptos llevaban la piel de prisioneros desollados y también se enfrentaban contra soldados que iban en contra de esta creencia. Tras el combate, iban deambulando por las calles pidiendo limosnas para este dios, quien después los recompensaría con cuerdas de maíz colocadas en su cuello y pulque.
Xipe -Totec es uno de los dioses de la cultura mexicana que es representado gráficamente vistiendo piel humana en su espalda, a modo de capa, su cuerpo está pintado con rojo y blanco.
11. Xochipilli
Otro de los dioses de la cultura mexicana es Xochipilli, el Señor de los juegos, de la danza, la belleza, las flores, el maíz y del amor; también es conocido como Macuilxochitl (cinco flores). Esta es la deidad mexica que habita en las casas de los caballeros y en los palacios de los príncipes.
Estatua de Xochipilli en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (Anagoria, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
A su nombre se celebran fiestas en las que los adeptos deben ayunar durante cuatro días antes de la fiesta real. Si hombres y mujeres tienen contacto físico durante este ayuno, Xochipilli se enojará y dirá que este día ha sido contaminado; acto seguido contagiará enfermedades a las partes íntimas y dejará caer la podredumbre en la vida de quienes rompan la tradición.
12. Cihuacoatl
También conocida como Coatlique es la Diosa Madre Tierra, la «Mujer Serpiente», «La de la falda de serpiente» o Tonantzin, que significa «Nuestra Madre», y es la progenitora de Huitzilopochtli. Muy contrario a su nombre y al blanco puro de su vestimenta, Cioacoatl trae consigo adversidades, pobreza y ruina.
Estatua de Cihuacoatl en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (Madman2001, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Se puede identificar a esta diosa porque sus cabellos parecen dos cuernos cruzados y lleva una cuna de bebé en su espalda. Cuenta la leyenda que Cihuacoatl va al mercado a mezclarse entre las mujeres terrenales para dejar la cuna en cualquier lugar y que las personas puedan curiosear, solo para encontrarse con un pedernal. De hecho, algunas personas están al tanto de que Coatlicue ha dejado allí su cuna.
13. Centeotl
Centeotl (o Cinteotle) es el dios del maíz, el cuarto Señor de la Noche, y el hijo de Tlazolteotl (diosa de la sexualidad, la impureza y el pecado). En la mitología mexica, el maíz (o Cintli en náhuatl) fue traído a la humanidad de la mano de Quetzalcóatl, así que Centeotl es una especie de avatar de esa deidad.
Estatua de Centeotl en el Museo de Aguascalientes (Luisalvaz, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Además, la historia narra que Centeotl es el Señor del Día para los días con número 7 y se le representa joven con el cuerpo pintado de amarillo que lleva mazorcas en su cabeza, espalda y también en las manos. Algo distintivo es la línea negra que recorre su frente hasta la mandíbula, y pasa por las mejillas.
14. Chicomecoatl
Chicomecoatl, o Xilonen, es el lado femenino de Centeotl. Es la Señora de la vegetación, del maíz maduro y del sustento; es hermana de Tlaloc y también se le conoce como Chicomolotzin.
Monumento de Chicomecoatl en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (Madman2001, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Chicomecoatl es una de las diosas aztecas que lleva el apodo «La Peluda» debido a las hebras que crecen en el maíz. Es la diosa del mantenimiento, la maduración del maíz, de lo que se come y lo que se bebe. A menudo es representada con el rostro cubierto de rojo, una corona de papel y un vestido lleno de flores; en la mano derecha una copa y en la izquierda un escudo.
15. Xochiquetzal
Es la Dama de las Flores y el Tejido. Xochiquetzal es la diosa del amor, la fertilidad, las flores, el embarazo y las habilidades manuales y domésticas; se le considera «la patrona de las esposas, prostitutas y amantes», así como de los tejedores, pintores y escultores. Además, es la progenitora de los dioses gemelos Quetzalcoatl y Xolotl. Estaba casada con Tlaloc, pero fue secuestrada por Tezcatlipoca.
Dibujo de Xochiquetzal (Giggette, CC0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Otras versiones sugieren que la Dama las Flores se casó con Macuilxochitl, mientras que otros dicen que contrajo nupcias con Xochipilli. En cuanto a su apariencia, Xochiquetzal tiene el cabello arreglado con dos plumas de quetzal que adornan la cabeza, también viste una camisa a cuadros.
16. Mayahuel
La Señora del Maguey es la diosa azteca Mayahuel, la hermana de los Tlaloques (deidades de la lluvia celestial) y de Centzon Totchin (espíritus del alcohol). Además, representa a la planta de maguey y a todos sus productos que se derivan de la misma; es la diosa de que sembró el amor en la humanidad, la pretensión amorosa de Quetzalcoatl.
Ilustración de la diosa Mayahuel (Autor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Cuenta la leyenda que el amor entre ella y Quetzalcoatl no estaba bien visto, por eso su abuela y una hueste de tzitzimimes (demonios de la oscuridad) se alimentaron de su carne tras hacerla pedazos. Quetzalcoatl lloró su muerte hasta saturar la tierra y enterró sus restos, los cuales crecieron hasta convertirse en el cactus maguey. Desde entonces, la planta de maguey forma parte del cuerpo de Mayahuel, quien lleva espuma de pulque en el pelo y en el vestido.
17. Tlazolteotl
Tlazolteotl es otra de las diosas aztecas que forma parte de esta lista. Es la Señora de la Fertilidad, del Amor y la devoradora de Pecados. Tlazolteotl se encarga de purificar lo sucio, las enfermedades, los excesos sexuales y la lujuria desenfrenada de los humanos.
Figura de piedra de Tlazoltéotl en la Galería México Antiguo, Londres (Gary Todd, Dominio público, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Para purificar los pecados, ella acude a un hombre en su lecho de muerte y lo «confiesa», lo libra de todo el mal, comiendo la suciedad de su alma y sus pecados. Sin embargo, hace este ritual únicamente si la persona está dispuesta a enmendarse y a realizar los actos penitenciales que son asignados por sus sacerdotisas.
Lluvia, Viento, Fuego y Agua
La naturaleza siempre fue respetada por los aztecas que habitaron el antiguo México, y mucho más si esta tenía dioses mexicas que hicieran justicia y vigilaran de cerca sus actos. En esta sección nombramos a los dioses aztecas que representan la lluvia, el viento y el agua.
18. Tlaloc Tlamacazqui
Tlaloc Tlamacazqui, también conocido como Nuhualpilli, es el dios de la lluvia. Es el dios azteca del trueno, pero también es el Señor de la Fertilidad, puesto que tiene el poder de atraer a la lluvia para purificar y regar la tierra, para que florezcan los árboles, las frutas y crezca el pasto; también deja caer el granizo, los rayos, los truenos y las tormentas, y es el artífice de los peligros de los ríos y los mares inclementes.
Brasero de cerámica policromada que representa la cabeza de Tlaloc (Gary Todd, Dominio público, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El nombre de Tláloc Tlamacazqui significa “Dios que habita el paraíso terrenal”, y tiene el poder de darle el sustento a los aztecas. Es responsable tanto de las lluvias como de las inundaciones y las sequías. A menudo se le representa gráficamente como un ser con ojos saltones.
19. Ehécatl
El Señor de los Vientos y las Aves es Ehécatl, otro avatar de Quetzalcoatl que representa los vientos que traen la lluvia. Se encarga de barrer el camino para los demás dioses de la lluvia, así que los vientos fuertes son generados por esta deidad que con su aliento mueve al Sol y aleja a la lluvia.
Ehécatl representado en el Códice Fejèrvàry-Mayer (Xjunajpù, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Ehécatl, se enamoró de una chica humana llamada Mayahuel (quizás la representación humana de la diosa) y le otorgó a la humanidad la capacidad de amar para que ella pudiera corresponderle a su enamoramiento. Por lo general al dios Ehécatl se le representa con la máscara de viento, que es de color rojo escandaloso en forma de una nariz sobresaliente que cubre la parte inferior de su cara.
20. Chalchiuhtlicue
Chalchiuhtlicue es la diosa del Agua y hermana de los dioses de la lluvia, los Tlaloques. Quienes rinden culto a su existencia lo hacen por el gran poder que tiene sobre los ríos y mares que son capaces de ahogar a los que transiten su camino.
Esta es una de las diosas aztecas que es capaz de generar tormentas y torbellinos en el agua, para hundir a los barcos y botes que se mueven por las aguas.
Estatua de la diosa del Agua en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (Anagoria, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
De acuerdo a la mitología mexica, todos los que tenían sus granjas en el agua, los que venden agua desde sus canoas y en jarras de barro en la plaza, debían rendirle culto a la poderosa Chalchiuhtlicue. Por lo general es representada como un gorro cuadrado y grandes pendientes en sus orejas.
21. Huehueteotl
En la mitología mexicana, el fuego, así como otros elementos, reciben gran respeto (y a veces temor) porque está manejado por dioses aztecas y sus avatares, que son capaces de ser tan justos como inclementes.
Huehueteotl es uno de los dioses mexicas que es conocido por muchos nombres, entre ellos Ixcozauhqui (cara amarilla), Cualtzin (llama de fuego), Tata (Padre Nuestro) o «El Más Viejo de los Dioses”, que es el significado de su nombre principal. Básicamente, es una deidad anciana y arrugada que tiene un solo diente; por lo general su figura se representa como un hombre viejo y encorvado.
Monumento del dios del Fuego en Teotihuacán (لا روسا, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
No obstante, todos consideran a Huehueteotl como un padre, aunque el fuego es su fuerte, pues provoca llamas ardientes, que causan miedo, también puede provocar amor y reverencia. Tata da calor a quienes pasan frío, ayuda a que se cocinen los alimentos; también calienta la lejía y el agua para lavar la ropa sucia. Dice la leyenda azteca que, cuando se hacían fiestas, “El Más Viejo de los Dioses” siempre es el último en llegar, porque camina tan despacio por sus años de antigüedad.
Inframundo
De acuerdo a la mitología de México, el inframundo mesoamericano era un lugar muy aterrador; era el punto de descanso de todas las personas que morían, pero escapaban de morir violentamente. Los dioses aztecas de la muerte, Mictlantecuhtli y su esposa Mictecacihatl, gobernaban en las tinieblas.
22. Mictlantecuhtli
Como hemos dicho al principio, él es gobernador del inframundo, dios de la muerte azteca y patrón de los perros. Se le conoce como el Señor de la Tierra de los Muertos, y vive en Mictlan en una casa sin ventanas junto a la Reina de la Tierra de los Muertos: Mictlantecuhtli.
Escultura de Mictlantecuhtli en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (08.04.2008, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
A menudo es representado como una calavera que carga una diadema llamada Xihuitzolli junto a rosas de papel. Es blanco con manchas rojas y un cabello negro y rizado; su ropa está hecha de papel, sus manos son enormes y tiene garras mortales. En sus pies lleva sandalias, para diferenciarse de los inmundos, y lleva expuesto su hígado, que cuelga de un agujero en su estómago.
23. Cihuapipiltin
Según la leyenda, las diosas llamadas Cihuapipiltin (o Cihuateteo) son mujeres que han muerto dando a luz a su primer hijo y han sido elevadas a la posición de guerreras y pueden recibir el título de diosa del inframundo azteca. Ellas vuelan por el aire y transmiten enfermedades como la parálisis; mayormente afectan a los niños.
Monumento de Cihuapipiltin en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México (08.04.2008, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Las Cihuapipiltin buscan causar daño, y se presentan cuando quieren ante los vivos. Es por eso que los padres de los niños están alertas y les prohíben salir de casa en días específicos del año para que no sufran los males que han causado las deidades, los cuales surten efecto cuando ellas regresan al cielo. Para rendir honor y mostrar respeto a las Cihuapipiltin los aztecas celebraban fiestas y les dejaban pan en su templo o en las encrucijadas.
24. Huehuecoyotl
El Coyote Viejo es un antiguo dios mesoamericano de la danza, la música, el sexo, la astucia y el engaño. También se le conoce como el dios embaucador, el Arlequín, o el bromista, puesto que es una especie de deidad burlona que le gusta hacer bromas a la gente y a los demás dioses aztecas.
Dibujo libre del Coyote viejo (austinstar, Pixabay).
Huehuecoyotl puede llegar a hacerse bromas a sí mismo sin darse cuenta; también es un dios cambiaformas, ya que puede transformarse en cualquier forma, animal o humana. Además, es el patrón de los trabajadores de las plumas y el patrón del día Cuetzpallin.
25. Tzitzimitl
Tzitzimitl (Demonio de las Tinieblas) o Tzitzimime, es el demonio más temido de todos y está bajo la orden de Itzpapalotl. Son mujeres parecidas a unas arañas, pues cuelgan al revés de su hilo. Causan terror durante un eclipse de Sol o de Luna; cuando se lanzan del cielo, ellas bajan a la Tierra para devorar a los humanos.
A las Tzitzimime se les describe como unas diosas terribles y esqueléticas, con garras filosas en las manos y pies. Son capaces de cambiar de forma y convertirse en jaguares o perros feroces que atacan a los pueblerinos. Se dice que ellas tenían que devorar a todos los humanos antes de que grandes terremotos acabaran con la Tierra.
Tzitzimitl representada en el Códex Magliabechano (Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Los dioses principales de los aztecas son los que hemos nombrado en esta lista, pero realmente hay al menos 200 dioses mexicas en la mitología de México. Si hay algo que queda claro en la historia del antiguo México, es que las personas sentían el mismo nivel de miedo y respeto por los dioses aztecas, pues controlaban la naturaleza, la fertilidad, los mares y los cielos.
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