El martes 29 de octubre de 1929, después de varios días de angustia, el índice del mercado de valores estadounidense sufrió la caída más grande desde su creación. Aquel día, que pasó a ser conocido como el Martes Negro, fue la culminación de una crisis bursátil iniciada el miércoles 23 de octubre, después de que los precios de las acciones empezaran a desplomarse.
Desigualdad salarial: Causas, consecuencias, cifras y medidas para combatir la brecha salarial
El llamado ‘Crack del 29’ fue realmente un episodio crítico del sistema financiero estadounidense que duró varios días y que presentó tres momentos clave: El Miércoles Negro (23 de octubre), el Jueves Negro (24 de octubre) y el Martes Negro (29 de octubre).
El ‘Crack del 29’: del Miércoles Negro al Martes Negro
La burbuja financiera, que durante años mantuvo alucinados a los estadounidenses de todos los estratos sociales, explotó súbitamente el miércoles 23 de octubre de 1929. Al día siguiente, el llamado Jueves Negro, miles de ciudadanos estadounidenses se dirigieron al número 11 de Wall Street con la firme intención de rematar sus acciones a precios muy inferiores respecto a su costo original. Sin embargo, nadie estuvo dispuesto a comprarlas.
Multitud reunida frente a la Bolsa de Wall Street después del colapso de 1929. (US-gov, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Las calles se llenaron de gente, el malestar social aumentó y la policía de Nueva York fue desplegada para impedir posibles disturbios. Varios representantes de la banca se reunieron para hallar una solución a la crisis financiera y decidieron inyectar grandes cantidades de dinero en empresas estables con alto nivel de liquidez (las llamadas empresas “blue chips”). La medida amortiguó un poco la debacle y, durante algunos días, se creyó en la superación de la crisis.
Sin embargo, después de la leve recuperación de los días 25 y 28, llegó el Martes Negro. La confianza, que sostenía al aéreo mercado alcista, ya llevaba varios días fracturada. Ni siquiera las grandes inversiones de la banca pudieron impedir el hundimiento. Por ello, la bolsa neoyorkina experimentó su caída más grande y mantuvo dicha tendencia hasta el mes de enero de 1930, momento en el que Wall Street, finalmente, tocó fondo.
Antecedentes del Martes Negro
¿Cómo pudo ser esto posible? ¿Cómo se arruinaron millones de ciudadanos en la nación que, hasta la fecha, había sido la más próspera de todo el mundo occidental? ¿Cómo Estados Unidos pasó de “los locos años 20” a la Gran Depresión? ¿Qué eventos tuvieron que darse para que las cosas pasasen de tal modo y no de otro?
Historiadores, economistas y demás profesionales cercanos al tema difieren mucho sobre las causas señaladas del Crack del 29. Sin embargo, la mayoría de los especialistas de las ciencias sociales coinciden en cuanto a los antecedentes a esta coyuntura: La Primera Guerra Mundial y sus efectos en la apertura y expansión del mercado de valores.
La participación de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial
La Primera Guerra Mundial (1914-1918), también conocida como la Gran Guerra, fue el primer gran conflicto desarrollado en Europa durante el siglo XX entre las grandes potencias industriales. Sin embargo, durante los primeros tres años del conflicto, Estados Unidos no participó en la contienda. La nación norteamericana había optado por una política de no intervención, defendida principalmente por el vigésimo octavo presidente de los Estados Unidos, Woodrow Wilson.
No obstante, a inicios de 1917 ocurrieron dos hechos decisivos. En primer lugar, las fuerzas alemanas retomaron la guerra submarina sin restricciones (lo cual implicaba una fuerte respuesta estadounidense) y, en segundo lugar, el ministro alemán de Asuntos Exteriores, Arthur Zimmermann, solicitó al embajador alemán en México convencer al presidente de dicha nación, Venustiano Carranza, de que entrase en el conflicto a favor de los imperios centrales en caso de que Estados Unidos declarase la guerra a Alemania.
El presidente mexicano no llegó a aceptar tal propuesta, pero la reanudación de la guerra submarina y la salida a la luz de las intenciones del ministro alemán fueron razón suficiente para que Estados Unidos se sumase al conflicto armado. Tal giro en la historia desencadenó una serie de cambios en la estructura social y económica de Estados Unidos que explican el Martes Negro.
El crecimiento económico estadounidense en la posguerra
La primera consecuencia económica de la participación de Estados Unidos en la Gran Guerra fue la rápida modernización de su aparato industrial. Los niveles de productividad de las fábricas americanas tienen un antes y un después de la Primera Guerra Mundial. Tras la Gran Guerra, las fábricas producían mucho más que antes, lo cual se tradujo en una creciente prosperidad económica que no tardó en trasladarse al ámbito del mercado de valores.
Por otra parte, para costear la participación de las tropas norteamericanas, el gobierno creó los llamados ‘Bonos Libertad’, un instrumento financiero mediante el cual los civiles podrían colaborar con los fondos del Ejército, para luego recibir el pago más intereses. Fueron muchos los ciudadanos que, tanto por deber civil, como por genuino interés personal, invirtieron en dichos bonos para rentabilizar sus ahorros.
De tal forma se hizo evidente la presencia de un extenso público dispuesto a invertir. Dicho hecho no pasó desapercibido para personajes como Charles Mitchell, pionero en la emisión de bonos corporativos (el equivalente a las acciones contemporáneas), medida que luego fue imitada por el resto de las entidades financieras del país.
Los productos financieros se diversificaron, el crédito se puso al alcance de las masas y el mercado especulativo, antes restringido a una minoría, abrió sus puertas al público general. De esta manera se creó un seductor mercado alcista en los Estados Unidos, en el cual empezaron a participar miembros de todos los estratos de la sociedad.
El sobrecalentamiento del mercado de valores
Durante una década completa, “los locos y felices años 20”, la sociedad estadounidense experimentó un difundido bienestar social, aunque no absoluto. La compra-venta de acciones y el acceso a créditos para vivir por encima de las posibilidades estaban al acceso de todos, desde altos empresarios hasta el más humilde limpiabotas.
Mitchell, uno de los personajes clave de la época, abrió agencias de corretaje por todo lo largo y ancho del país. La Reserva Federal, fundada en 1913, también hizo su parte al bajar los tipos de interés a niveles históricamente reducidos. Por ello, la gran mayoría del país “alucinó” con las grandes ventajas de invertir en la bolsa.
Se empezaron a adquirir más y más acciones, con indiferencia de su precio. Incluso algunas de ellas se llegaron a comprar a crédito. La tendencia siguió y las acciones inflaron su precio muy por encima de su valor real, solo la confianza en que la gente seguiría comprando mantenía la burbuja.
No obstante, como todo lo que sube tiene que bajar, el mercado de valores, que también se rige por las leyes de la oferta y la demanda, alcanzó un techo y explotó. De la noche a la mañana del Miércoles Negro, los compradores dejaron de estar dispuestos a seguir comprando. La confianza, como era previsible, se había fracturado irremediablemente.
Tiempo atrás, un hombre –Paul Warbug– había dado la voz de alerta, pero fue ignorado. El Jueves Negro se jugaron las últimas cartas para restituir la confianza, pero ni todo el dinero del mundo hubiese servido para restaurar el orden perdido. El mercado se sobrecalentó, la burbuja se rompió y el Martes Negro llegó para anunciar el principio del fin: La Gran Depresión.
Científicos desarrollan implante cerebral para dar visión artificial a una mujer ciega
Berna Gómez, a sus 42 años desarrolló una condición llamada neuropatía óptica tóxica que la dejó ciega. La enfermedad destruyó en cuestión de días los nervios ópticos que conectan los ojos con el cerebro. En el 2018, con 57 años, se ofreció para probar una técnica donde un diminuto electrodo compuesto de cien microagujas fue implantado en su cerebro.
Por primera vez, después de 16 años, esta mujer ha logrado percibir formas. Los investigadores estadounidenses que desarrollan el proyecto de prótesis ópticas publicaron recientemente los resultados, dando a conocer los grandes hallazgos que pueden cambiar totalmente las expectativas de las personas con pérdida de visión.
Aunque hasta ahora solo puede distinguir algunos puntos de luz y algunas formas, lo cual es una forma muy rudimentaria de visión, los investigadores van a continuar estudiando los patrones de estimulación y la forma en que funcionan para perfeccionar la técnica y lograr que se capten imágenes más complejas.
Paleontólogos acaban de catalogar un nuevo ancestro directo de los humanos modernos
Mirjana Roksandic dirige a un equipo internacional de paleontólogos que ha anunciado la existencia de un ancestro humano de una especie hasta ahora no clasificada. Se trata del Homo bodoensis, que vivió durante el Pleistoceno medio (hace 774.000-129.000 años) en África y fue un antepasado directo de los actuales humanos.
En ese período ocurrió el surgimiento de nuestra especie, el Homo sapiens (en África), y de los neandertales (en Europa), sin embargo la evolución en esa era guarda todavía muchos misterios. Este nuevo anuncio del Homo bodoensis pretende aportar claridad al proceso de evolución humana.
Se desarrolla una forma de almacenamiento “5D” equivalente a 10 mil discos Blu-Ray
Un nuevo método a través del láser puede lograr el almacenamiento de 500 terabytes en solo un disco óptico, 10 mil veces más datos que los Blu-ray. La técnica graba diminutos orificios en el vidrio del que está hecho. Yuhao Lei (Universidad de Southampton en el Reino Unido) y su equipo, llamaron a este método “almacenamiento de conocimiento óptico de cinco dimensiones (5D)”.
El proyecto aún está en desarrollo y al parecer el mayor desafío es la velocidad de escritura. Hasta ahora se ha logrado grabar 225 kilobytes por segundo, es decir, que 6 gigabytes se pueden escribir en 6 horas, un aspecto que hay que perfeccionar. Por otra parte se trata de un tipo de almacenamiento muy duradero capaz de soportar temperaturas altas.
Los seres humanos pronto podremos hablar con las ballenas
Los cachalotes tienen un sistema complejo de comunicación y son seres sociales que viven organizados en grupos familiares. El ambicioso proyecto se basa en la inteligencia artificial, capaz de interpretar los sonidos emitidos por estos animales para comunicarse entre sí. La idea es escuchar, poner en contexto y traducir la comunicación que se grabe.
Según los investigadores, el plan tendrá una duración de al menos cinco años. Después que se interprete cada sonido y se contextualice, el proyecto incluye la creación de un cachalote interactivo que entable conversación con los que viven en la naturaleza. Los científicos esperan que este entendimiento y comunicación traiga como consecuencia un cambio en la forma que tenemos los humanos de interactuar con el medio ambiente.
Se pueden obtener mejores calificaciones durmiendo bien
Tim Bono, profesor de ciencias cerebrales y psicológicas de la Universidad de Washington, ha realizado investigaciones que relacionan el rendimiento académico de los estudiantes con la calidad y cantidad del sueño. Aquellos que tienen horarios fluctuantes, pocas horas de sueño o baja calidad en el mismo, suelen obtener calificaciones más bajas y carecer de la energía y sensación de bienestar de los que duermen bien.
La investigación siguió los patrones de sueño de 97 estudiantes voluntarios que cursaban su primer año en la Universidad de Washington. Los que mostraron hábitos estables obtuvieron un GPA mayor que los que mostraron sueño variable. También reflejaron altos niveles de bienestar en comparación con el otro grupo.
Algunas razones que interferían con el sueño reparador eran la nostalgia, problemas con los compañeros de habitación, depresión y problemas de salud. Según Bono, son necesarias ocho horas de sueño óptimo cada noche, ya que no es posible dejar de dormir un día para reponerse al día siguiente.
Probablemente te has preguntado cuáles son las redes sociales más populares de la actualidad. Desde la llegada del internet, el mundo ha estado en constante evolución, pero con las redes sociales, el cambio ha sido drástico e influyente en todos los aspectos de la vida. A lo largo de este artículo te indicaremos las redes sociales más usadas en el mundo y cuál es la red social más usada en México y España.
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Las redes sociales se han convertido en una herramienta indispensable para muchos aspectos de la vida, como el social, lo económico y hasta en el área educativa.
¿Por qué existe una lista sobre cuáles son las redes sociales más usadas? Bueno, las redes sociales tienen tanta influencia en las personas y están tan presentes en el día a día que, según un estudio realizado por agencias de marketing especializadas en el tema, hasta enero de 2021 existían 4.2 billones de usuarios activos en todo el globo terráqueo. Cifra que representa un 10,5% más que en enero de 2020. Lo que quiere decir que más del 99% de los usuarios con acceso a internet, a través de cualquier dispositivo móvil, accede a las redes sociales.
A continuación, te detallaremos las redes sociales más populares o cuáles son las principales redes sociales en el mundo.
1. Facebook
Al leer diferentes investigaciones de expertos en marketing sobre cuál es la red social más popular en el mundo, Facebook se lleva el primer lugar. Esta aplicación tiene más de un año ocupando el primer lugar de las redes sociales más usadas, el gran monstruo de Mark Zuckerberg, sigue demostrando que tiene todo el potencial para seguir creciendo y sumando nuevos seguidores.
Si buscas en internet cuál es la red social más utilizada en el mundo, probablemente sea Facebook tu primer resultado y es que, cuenta con más de 2,740 millones de usuarios. Y a pesar de que cada día se suman más usuarios a esta red, también tiene pérdidas. Algunos estudios, por especialistas en social media aseguran que, en lugares como India, han perdido hasta 10 millones de usuarios. Mientras la tasa de engagement en los fanpages sigue por debajo de los porcentajes positivos.
Página de inicio de sesión de Facebook.
2. YouTube
La plataforma de videos suma más de dos mil millones de usuarios y le da la oportunidad a su comunidad de ver y compartir contenido audiovisual de diferentes temáticas. El segundo mayor buscador del mundo suma más de un billón de horas de video al día.
WhatsApp no es considerada por muchos una red social. Sin embargo, la aplicación de mensajería instantánea que tiene más de 1,600 millones de usuarios, es utilizada en todo el mundo.
Con esta app, se pueden envía videos, contenido audiovisual de calidad, audios, mensajes, fotografías y mantenerse conectado con cualquier persona, sin importar en que parte del mundo se encuentre, mientras tenga un dispositivo móvil con acceso a Internet.
Página de sincronización de Whataspp en su versión de escritorio.
4. Facebook Messenger
Con más de mil 300 millones de usuarios, Facebook Messenger, es otro de los bebés de Mark Zuckerberg y se trata de la aplicación de mensajería instantánea de Facebook.
Es otra de las redes sociales con más usuarios. Cuando se dio a conocer este método de comunicación en 2008, solo era un chat integrado en Facebook, luego en 2010, se convirtió en un servicio de mensajería que se convirtió en aplicación independiente en 2012.
Página de inicio de sesión de Facebook Messenger.
5. WeChat
WeChat es una aplicación china de mensajería instantánea que cuenta con más de mil millones de usuarios. Es una app que se lanzó al público en 2011 y ofrece diferentes servicios de mensajería. Ha tenido tanto éxito esta aplicación que la han considerado como una “súper app”.
Página principal de WeChat en su versión de escritorio.
Desde la llegada de Instagram en 2010, las redes sociales terminaron de invadir la vida de las personas, en cualquier parte del mundo. Con más de mil millones de usuarios, es una red social que permite compartir fotos y videos. Instagram es utilizada por muchas empresas en la actualidad para darle promoción a sus productos.
Página de inicio de sesión de Instagram en su versión de escritorio.
7. Twitter
En la actualidad, Twitter ya no tiene la misma relevancia que en sus inicios. Es una red social que no ha seguido creciendo, a pesar de sus actualizaciones. Cuenta con un poco más de 350 millones de usuarios, lo que no es un buen número al compararlo con otras plataformas.
Página de inicio de sesión de Twitter en escritorio.
8. TikTok
TikTok llegó para quedarse y posicionarse en el mundo de las redes sociales. En su inicio creó polémica, pero actualmente suma más de 689 millones usuarios y sigue en ascenso, tomando en cuenta que su llegada la red, fue en 2017.
TikTok, versión de escritorio.
9. LinkedIn
La red de los profesionales. Sin duda LinkedIn, que tiene más de 500 millones de usuarios ha mostrado un crecimiento notable y las empresas han sabido explotar su potencial para promover y viralizar contenido de interés.
Linkedin, versión de escritorio.
10. Skype
Skype es otro de los tipos de redes sociales más utilizadas, que sirve para hacer llamadas y enviar mensajes, a través de internet, actualmente, pertenece a Microsoft y existe desde hace 18 años. Es una red social que utilizan más de 40 millones de personas. Sin embargo, ya no es una aplicación muy utilizada o de gran interés por los consumidores.
Skype ha sido desplazada por otras aplicaciones que ofrecen los mismos servicios de mensajería instantánea de una forma más cómoda y sencilla.
Snapchat tiene 498 millones de usuarios activos, donde la mayoría no supera los 24 años. Esta red social se dio a conocer por sus filtros y especial forma de compartir contenido a los usuarios. A pesar de que grandes aplicaciones como Instagram y Facebook, adoptaron algunas de sus características, sigue teniendo una comunidad fiel de seguidores.
Página de inicio de Snapchat en escritorio.
12. Pinterest
La aplicación de la inspiración, creatividad y referencia de muchos artistas y creadores de contenido, suma más de 442 millones de usuarios. Su comunidad está entre los 16 y 64 años, y es que ofrece un contenido ideal para cada generación de internautas.
Pinterest es otra de las redes sociales más usadas en el mundo, tanto que en comparación con el 2020, sus usuarios han crecido en un 16%.
Página de inicio de Pinterest.
13. QQ
Es otra aplicación de mensajería instantánea con 700 millones de usuarios activos. El nombre de esta red social en sí, es Tencent QQ, pero se le conoce solo como QQ. Es una plataforma diseñada para la computadora, de origen chino que ofrece diferentes servicios, además de compartir mensajes. Se puede jugar online, hacer comprar, escuchar música, ver películas, entre otras características.
Su primer lanzamiento fue en 1999, así que puede considerarse como una de las primeras redes sociales. De QQ se puede destacar que, en 2013 rompió el récord de más usuarios conectados al mismo tiempo con una cifra que superaba los 210 millones.
Página principal de QQ
14. QZone
Tiene 617 millones de usuarios y es una aplicación de origen chino que está dentro de cuáles son las redes más utilizadas en el mundo porque tiene gran popularidad entre los internautas. Se trata de una red social, extensión de QQ, donde se puede escribir blogs o hacer compras online.
El lanzamiento de QZone se realizó en 2005 y sigue compitiendo con sus grandes rivales Facebook y Twitter, en la actualidad busca obtener una mejor proyección para el 2022, utilizando estrategias que llamen a más usuarios a nivel global, entre las que destaca, que no exigen una identidad real para la creación de un perfil.
Página principal de Qzone.
15. SinaWeibo
SinaWeibo está dentro de cuáles son las redes sociales más utilizadas en el mundo, porque es una app popular entre los consumidores de internet. Tiene más de 511 millones de usuarios. Es una de las redes sociales famosas que tiene características parecidas a Facebook y Twitter de origen chino.
Página principal de Sinaweibo.
16. Reddit
No es una de las redes más populares en la actualidad, pero aún conserva una comunidad de 430 millones de usuarios lo que la coloca como una de las redes sociales del mundo más populares.
Reddit les permite a los seguidores compartir noticias acompañadas de texto, imágenes, videos y otros enlaces, para que el resto de los usuarios las califique y así obtengan popularidad dentro de la plataforma. La mayoría de los usuarios de esta aplicación son contemporáneos y el idioma que más se utiliza es el inglés.
Página principal de Reddit.
Redes sociales más populares en México
Ya tenemos claro que las redes sociales son un aspecto fundamental en la vida de las personas, y los residentes de México no escapan de esta realidad. Más de 100 millones de mexicanos se conectan al menos, tres horas y media al día en las diferentes plataformas sociales.
Los mexicanos utilizan más de 10 aplicaciones virtuales, a las que tienen acceso a través de sus dispositivos móviles. Para que sepas mejor cuáles son sus preferidas, te detallaremos una lista de cuáles son las redes sociales más comunes en el país.
1. YouTube
YouTube ocupa el primer lugar en la lista de las redes sociales preferidas por los mexicanos, con 74,1 millones de usuarios, donde el 63,4% es un público mayor de 18 años. Es una cifra que representa el 95% de internautas en el país.
2. Facebook
Alrededor de 86 millones de mexicanos utilizan está aplicación. Si se realiza una encuesta sobre cuáles son las redes sociales más conocidas, no solo en México, si no en el mundo, Facebook siempre destaca. Hay que tener presente que, es una red social pionera que existe desde 2004.
3. WhatsApp
Solo en 2020 se contabilizaron 80.90 millones de usuarios. La red social de mensajería instantánea, está dentro de las 5 redes sociales más utilizadas en el mundo, estima que para el 2026 se superen los 97 millones de usuarios, solo en México.
4. Instagram
Dentro de cuáles son las redes sociales más populares en México, no se puede dejar de incluir Instagram con más de 22 millones de seguidores mexicanos. Esta aplicación estadounidense, es propiedad de Facebook, y desde su lanzamiento en 2010 el crecimiento ha sido constante.
No solo es de gran uso en México, tiene presencia en muchos otros países. Tantos que está disponible en 31 idiomas, tanto para dispositivos Android, iOS y Windows 10.
5. Twitter
Twitter, no es una de las plataformas de redes sociales más activas en el país mexicano, pero, aun así, suma más de 7 millones de usuarios activos. La mayoría de las actividades twitteras que se realizan en México, provienen de la Ciudad de México, en Monterrey y en Guadalajara.
6. Snapchat
Es otra de las plataformas digitales más usadas, con un gran número de usuarios, sumando más de 18 millones seguidores en México. Hay que recordar que esta aplicación es utilizada mayormente por la generación de millennials. Hasta enero de 2021, México tenía mayor número de usuarios de Snapchat en América Latina. Otro aspecto a destacar es que los usuarios que más descargan está red social, lo hacen desde dispositivos Android.
7. LinkedIn
Cuenta con más de 12 millones de usuarios y es una plataforma muy popular entre las empresas y profesionales que buscan crecer orgánicamente o encontrar empleo en organizaciones del país. Con la pandemia ocasionada por el covid-19, empezó a resaltar entre los profesionales freelance y las marcas que migraron a las plataformas virtuales para ofrecer sus productos o servicios.
Redes sociales más usadas en España
España es un país con 47.35 millones de habitantes, hasta la cifra obtenida en 2020. El 60% de esa población utiliza una o varias redes sociales al día y, además, es un país que ha sabido utilizar las plataformas digitales para promover los trabajos remotos o a distancia. A continuación, vamos a nombrarte una lista top de redes sociales que más utilizan los españoles.
1. Facebook
La red social más usada en el mundo, cuenta con 24 millones de usuarios españoles, la mayoría se concentran en Madrid y Barcelona. No hay duda que, Facebook es una red social que no deja de tener relevancia en ningún país y España no es la excepción.
2. YouTube
Dentro de las redes más usadas, YouTube cuenta con 37,4 millones de usuarios, donde el 84,8% son mayores de 18 años. Los móviles es uno de los hardware más utilizados por los consumidores para reproducir videos en la plataforma.
3. Instagram
Es una de las redes sociales más importantes en España y tiene 15 millones de usuarios activos. Muchas son las marcas y empresas que utilizan esta aplicación para difundir contenido sobre sus productos o servicios. Instagram se ha convertido en una de las redes sociales más usadas en el mundo, indispensable dentro de las estrategias de marketing digital.
4. Twitter
En la lista de qué redes sociales se utilizan más en España, no se puede dejar por fuera a la app del pajarito azul, que tiene 6,01 millones de usuarios activos en el país. El número de usuarios de Twitter en España es intermitente y le ha costado subir las cifras. Es una de las plataformas sociales más populares entre los millennials y supera a TikTok, como una de las apps más utilizadas por los jóvenes.
5. LinkedIn
LinkedIn es una de las redes más populares en España con 11.0 millones de usuarios activos. Esta dentro de la lista de redes sociales más famosas por su gran incremento de consumidores en los últimos años.
Las redes sociales más populares han ido en crecimiento gracias a los mismos usuarios. Cada una tiene su toque y versatilidad que le da a los consumidores la oportunidad de tener una ventana al mundo digital. Puesto de otro modo, utilizar alguna de las redes sociales más usadas, les da a algunos usuarios la sensación de conocer el resto del mundo y también la oportunidad de crear y fortaleces una marca de cualquier rubro.
El concepto de terror hace referencia a una sensación de miedo muy intensa, pero, ¿qué es el terror psicológico? El terror psicológico es un subgénero literario que se enfoca en los miedos de sus personajes, y que ha ganado popularidad en otros medios de entretenimiento, y es que entre los tipos de terror, el miedo psicológico se ha vuelto muy atractivo entre las personas. Cabe mencionar la diferencia entre horror y terror, el primero hace alusión a algo paranormal y el segundo a algo que tiene una explicación racional.
Historias de terror para no dormir: 41 historias de miedo aterradoras que no podrás quitarte de la cabeza
Se trata de un subgénero del terror de la literatura, pero que se ha trasladado a la cinematografía y videojuegos, que se enfoca en los temores de los personajes, sus culpas, creencias y supersticiones. Este tipo de narraciones son más sutiles y busca generar en el espectador algo más que un simple susto, como hacen otros géneros a través de la sorpresa, por lo que es muy importante el ambiente psicológico de un cuento de este subgénero. Los temas que suelen tratar en este subgénero son los estados mentales, traumas psicológicos y las emociones.
Para lograr esto, los autores buscan que los lectores y/o espectadores se identifiquen con el personaje, para que puedan sentir sus padecimientos y no sean capaces de distinguir qué es real y qué no lo es. En otros medios como el cine o videojuegos se emplean efectos de sonido o paisajes terroríficos para acentuar el miedo.
¿Cuáles son las características de un cuento de terror psicológico? Entre características del terror psicológico están:
Hacer que el espectador se introduzca en los mismos miedos que los protagonistas
Llevar al límite emocional a sus personajes
Contiene menos escenas de violencia gráfica
Se apoya en factores que alteran mentalmente al espectador, como las sombras o la oscuridad
Aquello que causa miedo no es algo fantástico o llamativo, sino que es algo más cotidiano o normal
El terror psicológico se suele apoyar en el recurso del horror corporal, que consiste en generar malestar al espectador mediante el malestar físico de los personajes (mutilaciones, enfermedad, parasitismo, etc.).
Mayores exponentes literarios del terror psicológico
En la literatura hay múltiples autores que han influenciado el desarrollo del terror psicológico, a través de historias donde el miedo no solo depende de los monstruos, la sangre o los espectros, sino de la ambientación y el suspenso que manejan.
Edgar Allan Poe
Poe es quizás el pionero de los cuentos de terror psicológico. Nació en el 19 de enero de 1809 en la ciudad de Boston, Estados Unidos, pero sus padres murieron cuando el apenas era un niño, por lo que fue acogido por una familia adinerada en el Reino Unido. Debido a conflictos con su padrastro terminó siendo desheredado.
En 1827 inició su carrera literaria con la publicación de su poemario Tañeran y Otros Poemas. En enero de 1845 publicó «El cuervo» el poema que lo haría famoso a nivel mundial. Poe contrajo matrimonio con su prima de 13 años, Virginia Eliza Clemm, pero esta falleció tiempo después por tuberculosis, lo que influiría en sus escritos y en su alcoholismo. Falleció el 7 de octubre de 1849, en la ciudad de Baltimore, cuando contaba apenas cuarenta años de edad, y aún se desconoce la causa exacta de su muerte. También se le considera fundador del género policial y precursor en la literatura de ciencia ficción.
Sus cuentos cortos fueron los que le dieron tanta fama, e influyó en todo el mundo, especialmente en la literatura simbolista francesa. Poe es una gran opción para la introducción de cuentos de terror.
El cuervo
Este poema le dio el reconocimiento actual que hoy tiene. La historia cuenta como un hombre esta muy afectado por la muerte de su amada. Mientras estaba en una habitación, escucha un sonido que proviene de la venta, y al abrirla entra un misterioso cuervo que tiene la habilidad de hablar. El cuervo solo es capaz de decir «nunca más» y poco a poco el hombre va enloqueciendo. Fue publicado el 29 de enero de 1845 en el diario “New York Evelin Mirar”.Está formado por 18 estrofas de 6 versos cada una. A pesar de haber sido tan popular, este poema no representó éxito financiero para Poe.
Esta obra desarrolla como un narrador anónimo asesina a un hombre viejo con el que convive, y al que termina descuartizando y lo oculta bajo las tablas del suelo de la casa. La policía llega a su hogar y el asesino termina confesando su crimen argumentando que el corazón del anciano latía bajo el piso.
El relato fue publicado por primera vez en “The Pioneer” en enero de 1843. El narrador de la historia constantemente defiende su cordura, argumentando que el crimen fue realizado de forma sistemática y con una razón racional. Entre sus mejores historias de terror psicológico.
Lovecraft es uno de los grandes exponentes del terror en la literatura. Nació el 20 de agosto de 1890 en Providence, capital del estado de Rhode Island, Estados Unidos. Provenía de una distinguida familia, lo que marcó su personalidad elitista y racista. Su padre falleció cuando era aún muy pequeño, y su madre lo sobreprotegió.
Antes de los 10 años, Lovecraft ya escribía cuentos, poemas e historias mitológicas. Su madre murió cuando Lovecraft tenía treinta y un años, y le afectó profundamente. Se casó con la escritora Sonia H. Greene en 1924 y se mudaron a Nueva York, pero la ciudad acrecentó su racismo.
Se divorció en 1926 y fue a vivir a Providence con sus tías, donde se sentía frustrado y solo, lo que le permitió escribir sus mejores obras por la que sería reconocido. Sin embargo, al igual que Poe, esto no se tradujo en éxitos económicos. Falleció el 15 de marzo de 1937 debido a complicaciones a raíz de un cáncer de riñón. Fue influenciado por los cuentos de Poe, pero poco a poco logró desarrollar su propio estilo, siendo considerado a Lovecraft el creador del llamado “horror cósmico” protagonizado por monstros que provenían del espacio.
La llamada de Cthulhu
Uno de los libros más conocidos del autor. Narra que, tras la muerte de un profesor de la Universidad Brown, Providence, se descubre la existencia de una secta que ha perpetrado varios ataques, y que adoran a una criatura llamada Cthulhu, un ser extraterrestre que llegó hace millones de años a la tierra y que permanece dormido en su ciudad sumergida, R’lyeh, en el Océano Pacífico. Esta ciudad emergería debido a la posición de las estrellas, lo que provocaría el despertar de Cthulhu.
Este cuento corto se centra en Thurber, un pintor impresionado por la habilidad de su compañero, Pickman, que logra hacer cuadros de criaturas terroríficas de forma extremadamente realista, por lo que su compañero se siente intrigado de donde saca tanta inspiración. Al final del relato se da entender que Pickman no es un ser humano común.
Nació en Nueva York, Estados Unidos, 15 de abril de 1843 y falleció el 28 de febrero de 1916 en Londres, Inglaterra. Este autor se caracterizó por enfocarse en el punto de vista de sus personajes, lo que permitía hacer un análisis psicológico a sus personajes. Su familia era de origen irlandés, por lo que las superaciones formaban parte de su vida, el mismo James afirmó sufrir de pesadillas y de terror nocturno. Pasó casi toda su vida como un expatriado en Europa, aunque también se formó educativamente en E.E.U.U. Sus obras se destacaban por tener características de la novela psicológica.
La protagonista de esta historia es una joven institutriz que acude a una casa para cuidar a dos huérfanos. Estos se encuentran afectados por la muerte de la anterior institutriz llamada Jessel, y un criado, Peter Quint, con quien mantenía una relación abusiva. Intentando ayudar a los niños, Jessel empieza a oír cosas, y a ver a la anterior institutriz, muerta en circunstancias poco claras, y la del criado en lo que parecen ser apariciones fantasmales. Su final fue controversial debido a que fue inesperado, abrupto y sin un desenlace claro, dejando a la imaginación del lector el final.
Este libro es una recopilación de varios de sus escritos entre 1868 y 1908 que fueron publicados en diversas revistas. En estas historias no se muestra explícitamente a ningún ser sobrenatural, sino que son las mismas personas quienes crean a sus propios fantasmas que pueden ser sus miedos, deseos o frustraciones. En casi todas sus historias, James juega con la psicología de sus personajes, siendo este el motor de todas sus acciones.
Ejemplos de terror psicológico en el entretenimiento
El terror ha sido aprovechado por diversos medios de entretenimiento, puesto que cada uno logra explotarlo de diferente formas con los recursos que dispone. Entre los medios de entretenimiento que más lo han usado están:
Películas
El cine ha usado el terror desde sus inicios. Sin embargo, el terror psicológico se convertiría en el favorito de muchos amantes de las películas al considerarse más complejo, pues sumerge poco a poco a los espectadores en el miedo. Estas películas también suelen ser películas sobre psicología, ya que profundizan en los personajes, por lo que también serían películas para psicólogos o películas psicológicas recomendadas para quien le guste la construcción de un personaje. Cabe mencionar la diferencia entre suspenso y terror que el primero busca dejar al espectador en un estado de tensión por la incertidumbre, y el segundo busca crear sentimientos de susto, pánico, inquietud y miedo.
The Blair Witch Project (1999)
Escrita y dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. La trama habla de 3 estudiantes de cine que desaparecieron en 1994 tras ir al bosque en el pueblo de Burkittsville. Los jóvenes filmaban un documental sobre la leyenda de la bruja de Blair, una mujer acusada de brujería en 1748 y que los pobladores sentenciaron a morir. Lo único que se encontró de los chicos fue un metraje que contiene vídeos de terror psicológico, donde se puede ver todo su trayecto y los supuestos encuentros con la bruja.
El formato de la película es de metraje encontrado, una técnica narrativa muy usada en los documentales falsos y en las películas de terror, que permiten meter de lleno a los espectadores a la historia desde la mirada de los protagonistas. Se considera entre las mejores películas de terror psicológico.
La piel que habito (2011)
Dirigida por el director español Pedro Almodóvar, narra como cirujano plástico, el Dr. Ledgard, tras fallecer su esposa en un accidente donde toda su piel resultó quemada, busca diseñar una piel con gran resistencia. Tras experimentar por 12 años logra cultivarla en su laboratorio, pero no se detendrá con eso, sino que buscará una persona con quienpueda experimentar sin ningún tipo de restricción. Este filme tuvo un presupuesto de 10.000.000 € logrando una recaudación de 22.814.996 de euros. Esta película también está en top de películas psicológicas.
Los otros (2001)
Una gran película de terror y suspenso. Dirigida por el hispano-chileno Alejandro Amenábar. La historia se ambienta en 1945 poco después de terminar la Segunda Guerra Mundial, y es protagonizada por una mujer llamada Grace con dos hijos que sufren fotosensibilidad, por lo que no pueden exponerse a la luz solar.
Grace espera la llegada es su esposo de la guerra, mientras lo espera decide contrata a unas personas para que se encarguen de la limpieza, que son Bertha Mills, el señor Edmund y a una joven muda llamada Lydia. Grace les aclara que la casa debe mantenerse en penumbras para mantener la salud de sus hijos. Todo transcurre con normalidad, pero poco a poco sospechará que hay fantasmas en su hogar. Entre las mejores películas de suspenso y terror y si bien no esta entre las películas de terror poco conocidas, ha sido un poco olvidada.
Series de televisión
No solo la gran pantalla ha adaptado o creado historias de terror psicológico. Varias plataformas han puesto en su catálogo series de esta clasificación debido al buen recibimiento que han tenido en otros medios de entretenimiento. Al igual que el cine, las series usan muchos recursos para acentuar el miedo como imágenes de terror psicológico. Entre las más destacadas están:
La maldición de Bly Manor (2020)
Creada por Mike Flanagan, está basada vagamente en la obra “The Turn of the Screw” de Henry James. La serie cuenta la historia de una joven institutriz estadounidense llamada Danielle Clayton, que es contratada para ser la aur pair de la familia Wingrave en Inglaterra. Pero cuando Danielle llega al hogar empieza a experimentar fenómenos paranormales. Esta serie es la segunda temporada de la serie de televisión “The Haunting”, pero ambas temporadas no se encuentran conectadas por lo que pueden verse por separado. Consta se unos 9 episodios, por lo que es ideal para una maratón de fin de semana.
Servant (2019)
Fue creada y escrita por Tony Basgallop, pero varios episodios que fueron dirigidos por M. Night Shyamalan. La sinopsis se centra en una familia conformada por Dorothy y Sean Turner, que están en duelo luego de que su bebé recién nacido fallece, por lo que para superarlo, adquieren un muñeco Reborn como parte de la terapia. Luego de ello, Doroty decide contratar una niñera llamada Leanne para que lo ayuden con el cuidado del bebé, pero con su llegada cosas extrañas empiezan a sucederle Sean. La serie consta de dos temporadas de 19 episodios y fue distribuida por Apple.
Twin Peaks (1990)
Esta serie de televisión fue creada por David Lynch y Mark Frost. La historia transcurre en un pueblo de Washington en la frontera con Canadá, donde aparece el cuerpo de una joven estudiante llamada Laura Palmer, envuelta en plástico en un río. Al lugar llega un agente del FBI llamado Dale Cooper y la trama se centra en resolver el misterio del asesinato de Laura, pero va descubriendo que su muerte está conectada con algo más oscuro. En el año 2017 se estrenó una tercera temporada llamada Twin Peaks: The Return.
En total son unas temporadas con unos 48 episodios. La tercera temporada fue escrita por los creadores originales y se estrenó en Showtime. Dale Cooper siguió siendo el protagonista y varios actores retomaron sus antiguos papeles.
Obras de teatro
El teatro ha sido un medio de entretenimiento desde su creación en la Antigua Grecia. Al igual que el cine, algunas obras de teatro son adaptaciones de obras literarias o creaciones originales de los dramaturgos. En cuanto al terror psicológico, varias obras de este subgénero han sido representadas y que en la actualidad se siguen representando:
La Ratonera (1952)
Esta obra fue escrita por Agatha Christie, escritora y dramaturga británica especializada en el género policial. Esta se ha convertido en la obra teatral más representada de todos los tiempos, pues desde que se estrenó en Londres en 1952, ha continuado en cartelera de forma ininterrumpida hasta en marzo del 2020 debido a la pandemia del Covid-19.
La historia trata de 8 personas que se encuentran atrapados en la casa de huéspedes de Monkswell Manor debido a una nevada en Londres. Un detective de la policía llega al lugar y les informa del asesinato de una mujer, y que entre los huéspedes están las próximas víctimas y el asesino. Un segundo asesinato ocurre en la casa, por lo que todos los presentes son sospechosos y tratan de descubrir al culpable.
La Soga (1929)
Del dramaturgo británico Patrick Hamilton. La obra cuenta como dos brillantes estudiantes universitarios terminan matando a un compañero siguiendo las ideas de un profesor. Ambos esconden el cuerpo en un baúl mientras ofrecen una reunión para amigos y familiares donde se encuentra dicho profesor, que termina descubriendo lo sucedido.
Crimen Perfecto (1952)
Es una obra de teatro de Frederick Knott que fue estrenada en la BBC para luego en el teatro. Narra como un exjugador de tenis llamado Tony está cansado de su esposa Margot, por lo que plena su asesinato, y así poder heredar su gran fortuna, además de vengarse de una infidelidad. Para ello chantajea a un antiguo compañero de universidad, el capitán Lesgate. Para lograrlo, Tony irá a una cena que le servirá como coartada mientras Legaste entra a la casa para estrangular a Margot, pero el plan no termina como estaba planeado.
Videojuegos
Los videojuegos son un medio de entretenimiento muy popular. A diferencia de los otros medios, el jugador se sumerge en la historia, lo que genera un miedo profundo, pues si el jugador no avanza la historia no puede continuar. Muchos juegos populares están en esta clasificación, pero algunos no tan conocidos estan:
Amnesia: The Dark Descent
Este juego independiente está diseñado para PC, PlayStation 4 y Xbox one y es en primera persona. La historia trata de Daniel, un hombre que despierta sin recuerdos en un castillo oscuro, y solamente puede recordar su nombre, que es londinense y que algo lo está siguiendo. El protagonista descubre varias notas de su diario que le indican que debe descender al fondo del castillo. Poco a poco, gracias a las notas de su diario, recobrará la memoria, pero tendrá que escapar de los monstros que habitan en su interior.
El jugador no tiene acceso a las armas por lo que tendrá que usar su ingenio para defenderse o esconderse de las criaturas del castillo. También deberá resolver varios puzles para poder abrir puertas o arreglar objetos. Además de la barra de salud del personaje, existe una barra de cordura, que si baja demasiado el personaje sufrirá alucinaciones y lo expondrá a los enemigos, por lo que no puede estar mucho tiempo en la oscuridad o ver a sus enemigos. Fue desarrollado por Frictional Games.
Layers of Fear
Fue desarrollado por el estudio polaco Bloober Team y se puede jugar en Linux, Microsoft Windows, OS X, PlayStation 4 y Xbox One. El juego es en primera persona y se ambienta a finales del siglo XIX. El jugador toma control de un pintor (de nombre desconocido) con problemas mentales, que llega a su casa para completar lo que él denomina su “obra maestra” pero luego de colocar la primera capa de pintura empieza a alucinar.
La misión del jugador será descubrir cómo hacer que el artista complete la obra, resolviendo diversos acertijos y pistas. Al inició parecerá fácil, pero a medida que se avanza en la historia el artista sufrirá una serie de alucinaciones que no le permitirán distinguir entre la realidad y la fantasía.
Doki Doki Literature Club
Es una novela visual desarrollada por Team Salvato disponible para Microsoft Windows, macOS, Linux y Steam. El juego a primera vista parece el típico juego de citas japonés, donde el protagonista interactúa con varias chicas (harem), pero poco se va revelando una historia más oscura, donde constantemente se rompe la cuarta pared y se pueden desbloquear diferentes escenas o finales dependiendo de las decisiones del protagonista.
En la trama el protagonista tiene una mejor amiga llamada Sayori, que lo invita a ser parte del club de poesía de la secundaria, ahí conoce a otras 3 chicas: Natsuki, Yuri y la presidenta del club, Monika. El personaje empieza a realizar diferentes actividades como escribir poesía y prepararse para el festival de la escuela, pero el juego da un giro en su historia y empieza a “fallar” borrando partidas guardadas, reiniciándose, los textos se empiezan a distorsionar y el jugador descubrirá los secretos que esconden las chicas del club. Un verdadero ejemplo si alguien se pregunta “¿qué es terror?».
¿Qué significa terror? Muchos definen el terror un miedo muy intenso, siendo que la definición de cuento de terror son todos aquellos cuentos que generan esta sensación, pero los de terror psicológico lo hacen desarrollando los miedos y culpas de cada personaje, por lo que las películas de este género también pueden llegar a ser películas de psicología. El miedo psicológico está presente en las películas de trauma, película gore.
El texto literal que enuncia este mito dice así: Un hilo rojo conecta a aquellos cuyo destino es encontrarse sin importar el tiempo, lugar o circunstancias. Este hilo puede estirarse, contraerse o enredarse, pero jamás romperse. Es originario de la cultura Oriental y tiene un significado mucho más profundo del que se le da en primera instancia.
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Este mito narra cómo los dioses anudan un hilo rojo al meñique de aquellos que han sido elegidos para conocerse y amarse. De esta forma, las personas que están en cada uno de los extremos del hilo estarán predestinadas a ser queridos entre sí, independientemente de cualquiera que sea la situación; es por ello por lo que el hilo jamás se romperá.
Pero ¿por qué el dedo meñique? Se debe a la existencia de la arteria cubital, la cual conecta el corazón con este dedo y que, según la fábula, esta vena sería el hilo rojo en sí; se extendería por el mundo hasta llegar a unirse con el meñique de la otra persona y, a través de él, alcanzar dicha arteria para finalizar el recorrido en su corazón.
A pesar de lo mucho que gusta la idea de que esta leyenda se refiera al amor romántico y de pareja, no hay que ignorar el hecho de que en ningún momento es mencionado que se enlace a un tipo en concreto de amor. Por lo tanto, es aplicable a todas esas personas que resultarán relevantes a lo largo de la vida de dicha persona.
Este mito sería el equivalente a lo que en la cultura Occidental llamamos “almas gemelas”. La leyenda no deja ningún tipo de acontecimiento al azar, sostiene que las relaciones más cruciales en la vida de una persona ya están predeterminadas. Este hilo rojo se ata en el momento del nacimiento haciendo que la persona se encuentre con todos aquellos con los que tiene que encontrarse.
La pregunta más común llegado a este punto es, ¿Cómo se sabe quién es la persona al otro lado del hilo rojo? La respuesta es sencilla, simplemente se sabe: si es la persona indicada no habrá ningún tipo de dudas y se sentirá una paz interior incomparable con ninguna otra sensación.
Tras esto, hay que tener en cuenta todos los tipos de amor, y no asumir que el alma gemela o el otro extremo del hilo rojo siempre será una pareja; en numerosas ocasiones la persona que más marca la vida de alguien es un mejor amigo o un familiar, por ello no se debe dar toda la importancia al amor romántico.
Esta visión del amor y el destino es clara: todo esta predestinado, sin embargo, está en la mano de cada uno creer en las casualidades o en las causalidades; es decir, pensar que todo es casual o que aquello que pasa en su vida tiene una causa y un propósito. A día de hoy, la respuesta a la pregunta de si realmente el destino existe en el ámbito del amor es aún una incógnita, cada persona tienen la suya propia.
Patricia Núñez es estudiante de Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid. Apasionada de la fotografía, la moda y la belleza.
La música ha sido parte de nuestras vidas, desde los inicios de la humanidad. Como todo existen diferentes géneros musicales más escuchados que se adaptan a los gustos de cada persona. Por lo tanto, hablar de popularidad resulta un tema controversial y hasta polémico porque no existen estadísticas o números concretos sobre cuál es el género de música más escuchado o cuáles son los géneros de música más populares.
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Definir los mejores géneros de música es imposible, pero es indudable que el reggaetón es uno de los géneros más importantes de la música de la actualidad.
Se trata de uno de los géneros de música más populares del ámbito urbano, y su nombre deriva de la palabra reggae, que es otro género. Este estilo de música combina diferentes géneros, como el hip hop y la música latina. Actualmente, es uno de los géneros musicales más populares y ha logrado escalar por encima de todos, desde su masificación en el 2000.
El puertoriqueño, Daddy Yankee es el artista que logró internacionalizar este género musical, junto a otros colegas, como Don Omar. Sin embargo, el término reguetón fue acuñado por Daddy Yankee, lo utilizó por primera vez en una canción junto a Dj Playero en 1994.
Vico C, es otro de los artistas pioneros de este género musical, utilizando referencias como el rap o el hip hop para sus temas. Incluso, el reguetón, es considerado como la versión en español de estos géneros musicales estadounidenses.
Existen muchos ejemplos de géneros musicales, en el reguetón con los años, la comunidad ha ido creciendo sumando a la lista grandes artistas como: Wisin y Yandel, Chyno y Nacho, Karol G, Ivy Queen, Maluma, JBalvin, entre otros.
Hip Hop
Cuando se habla de Hip Hop es hablar de uno de los géneros con más trayectoria en la industria de la música. Está dentro de los principales estilos de música que ha evolucionado y se ha sabido adaptar a las nuevas generaciones.
Esta clasificación de música es popular en los Estados Unidos y lo desarrollaron afroamericanos y latinos. Tiene su origen en Nueva York, específicamente en calles del Bronx, donde se escucha desde 1970. El ritmo de esta música suele acompañar al rap y con los años se convirtió en una cultura, representada en graffiti, un estilo de baile, denominado break dance. Incluso ha marcado tendencia en la moda.
El hip hop está dentro de los ejemplos de música con mucha popularidad alrededor del mundo y, aunque en los 70’s fue que salió a la luz, no fue hasta los años 90´s que realmente se expandió.
Principales representantes del Hip Hop
Entre los grandes expositores de este género musical podemos mencionar a Run DMC, Tupac, Public Enemy, Snoop Dog, Jay Z, Eminem, entre otros.
Run DMC, puede considerarse como los pioneros en estos géneros de canciones. Algunos consideran a este grupo tan importante y de tanta influencia en la música de este estilo que aseguran que, sin ellos, no existiría el hip hop. Tupac, fue y sigue siendo otro gran influyente de este género, a pesar de su muerte, sigue siendo una gran referencia para los nuevos artistas. Tupac es considerado una leyenda por utilizar la música para dar a conocer las dificultades de vivir en la pobreza, crecer con racismo y opresión.
Jay Z, es otro artista que debe ser destacado. Es considerado uno de los mejores raperos de la actualidad, que está triunfando con el hip hop desde los años 90’s. La técnica musical que tiene es admirada por toda la comunidad, se basa en grabar la pista y dejarse llevar en la cabina para improvisar todas las letras.
Se trata de un género que existe desde 1950, es un género musical que toma como referencia, elementos de otros ritmos y estilos, como la música latina, el rock, el dance y hasta el folk. Es parte de los tipos de música moderna.
Algo que caracteriza al Pop es la duración de las canciones, generalmente son de corta a media duración y se escriben con una estructura básica de estrofa y estribillo o coro. Igualmente, cuenta con temas melódicos, ritmos que enganchan y coros repetidos.
Principales artistas del Pop
Podría considerarse que está dentro de la clasificación de géneros de música en inglés, más importantes de todos los tiempos. Michael Jackson, entra entre los artistas que más auge le han dado a este género, acompañado de Madonna, Los Beatles, Elvis Presley, Elthon John, Britney Spears y muchos otros.
La lista de grandes artistas del pop es tan larga, que podríamos dedicar todo un artículo a este género y a este tipo de clasificación de la música.
Con los años ha ido evolucionando y se ha adaptado a las nuevas masas sin perder su esencia, estando aún presente en la clasificación de géneros musicales más escuchadas. Justin Bieber y Lady Gaga, son dos de los grandes exponentes del género en la actualidad, junto a Jennifer López y Beyonce.
Trap
El trap, es considerado más un subgénero musical y existe desde los años 90´s. Además, es uno de los nuevos géneros musicales. Su origen se da en el sur de los Estados Unidos y, en la actualidad, sus características varían, según el artista que lo interprete. Los artistas con origen americano no aplican de igual forma las técnicas del trap, que los latinos.
Es un género que se puede diferenciar del resto por el ritmo, siendo uno de los tipos de música popular hoy en día, los arreglos electrónicos que tiene, el uso del auto-tune y las grandes influencias del hip hop que incorpora. Una gran diferencia del trap con el rap tradicional, es que puede llegar a ignorar la rima o los versos.
Principales artistas del trap
A mediados de los 2000 creció el número de artistas convirtiéndose en uno de los géneros de música más escuchados y empezó a tener mayor reconocimiento. Young Jeezy, Gucci Mane y Rick Ross fueron de los primeros que lanzaron éxitos que se escucharon en todas las emisoras de radio de Estados Unidos.
Cardi B es una de las exponentes femeninas de este género más famosas, ha logrado sumar miles de seguidores, en la actualidad. Mientras que en el Trap Latino, De La Guetto y Arcángel, fueron de los primeros exponentes. Este estilo de música, es criticado en su versión latina por el uso de vocabulario obsceno que incita al sexo, uso de drogas y la violencia.
Sin embargo, es un género musical que está de moda, puede considerarse uno de los nuevos géneros musicales, y es escuchado por las generaciones más jóvenes. Bad Bunny es uno de los más recientes expositores del estilo, junto a Anuel AA. Ambos han logrado llevar su música a diferentes rincones del mundo, acumulando una gran cantidad de fieles seguidores.
Electronic Dance Music (EDM)
La música en la actualidad ha cambiado mucho, se han creado diferentes subgéneros y con los años seguirá el auge debido a las nuevas tecnologías y las nuevas tendencias. Esto ha pasado anteriormente, y un buen ejemplo de ello es la Electronic Dance Music (EDM).
En español se traduce a música de baile electrónica, o mejor conocido como electrónica, dance, música club o música dance. Este género musical es la unión de múltiples géneros, entre ellos el house, techno, dance pop, entre otros.
Es un estilo que está orientado al baile y dentro de sus características se encuentran los sonidos sintéticos y que son pregrabados en un estudio. Además, tiene ritmos marcados con letras pegadizas. No todo es ritmo y sonidos, también se incluyen voces o música instrumental dentro de los temas. En ciertos países latinos es conocido como changa.
Principales representantes de la Electronic Dance Music
Daft Punk es un dúo francés que alcanzó una gran popularidad en el mundo, por difundir música de este género musical. El dúo está compuesto por los DJ y productores Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter. Su carrera musical se mantuvo hasta el 2021, año en el que anunciaron su separación a través de un vídeo en las redes sociales.
Jazz
Entre los diferentes tipos de música que hay, el Jazz es uno de los géneros más escuchados, con más trayectoria y que ha sido base para nuevos estilos, es el Jazz. Está presente en la vida de los seres humanos desde el siglo XIX y nació en Estados Unidos.
El Jazz es muy complejo y aunque se le llame género musical, es más una familia que incluye diversos géneros con características similares. El Jazz puede servir de fondo en una fiesta familiar, se puede bailar y disfrutar de diferentes formas. Otra acotación importante del Jazz, es que es característico de la cultura afroamericana, razón por la que ha sido víctima de muchas críticas y rechazos.
Sin embargo, el jazz tiene una gran lista de ritmos musicales que tienen una popularidad importante en Estados Unidos, sobre todo entre las décadas de los años 1920 y 30. Además, tuvo reconocimientos en Europa y Japón, desde 1950 en adelante y actualmente se escucha en todo el mundo.
Principales artistas del Jazz
Entre los grandes expositores de este género tenemos a: Duke Ellington, una leyenda del género que es reconocido por producir más de dos mil piezas musicales. Ella Fitzgerald, una de las primeras mujeres en interpretar Jazz, conocida como The Firts Lady of Song.
Louis Armstrong, es otra estrella del género, que logró ser reconocido internacionalmente y revolucionó la historia del género.
Rhythm and Blues o R&B
El R&B se dio a conocer en Estados Unidos y es un género de música afroamericana que se escucha desde 1940. Su ritmo tiene influencia del jazz, blues y góspel. Este género musical es la base del rock and roll.
En la década de los 80’s es cuando empezó a cobrar este gènero musical y tuvo alcance internacional. Whitney Houston es una de las mayores protagonistas de este estilo, la banda sonora de la película El Guardaespalda es un gran ejemplo del impacto de esta música.
Principales representantes del R&B
Este estilo de música ha tenido algunos cambios, como todos los géneros de la música, sin embargo, todos han sido en pro de adaptarse a las nuevas audiencias. Actualmente, se conoce como R&B contemporáneo y cuenta con grandes intérpretes como Justin Timberlake, Cristina Aguilera, Gwen Stefani, Nelly Furtado, Bruno Mars, Alicia Keys, Rihanna, Ariana Grande. Todos representan al R&B contemporáneo de las últimas décadas.
Country
Es un estilo de música que nace con la influencia de otros géneros musicales más populares. Si buscas la historia del country, encontrarás que se creó y difundió en Estados Unidos, sobre todo en las regiones del sur. Para los años 30’s empezó a internacionalizarse y pegó rápidamente en muchos países por los elementos folclóricos que tiene.
Principales artistas del Country
Es un estilo que se asocia con los cowboys, vaqueros, música espiritual y un estilo de vida salvaje y lleno de libertad o vida en el campo. The Cartes Family, fueron los primeros en grabar un álbum completo de este género.
Tantas son las características que tiene este estilo musical con la vida en el campo, que para los años 60’s se centraba solo en Nashville. Incluso existe un sonido Nashville, dentro los géneros de música más escuchados. Fue un movimiento que tu influencia del pop y dentro de los artistas más importantes que lo elevaron fueron Jim Reeves, Tammy Wynette, Loretta Lynn, Dolly Parton.
Keith Urban, Carrie Underwood y Taylor Swift son otros artistas del género con gran fanaticada en la actualidad.
Heavy Metal
El Heavy Metal nació a mediados de los años sesenta, entre el Reino Unido y los Estados Unidos y es una fusión del hard rock, el blues rock y el rock psicodélico. Este género tiene unas características singulares que lo hacen reconocible en cualquier parte del mundo.
Las guitarras eléctricas, baterías, el bajo y el uso de amplificadores en los instrumentos, son detalles que hacen único a este estilo. Se trata de un género pesado, intenso y con una gran carga musical.
Principales representantes del Heavy Metal
Metallica es una banda estadounidense que representa muy bien al heavy metal. Tienen más de 40 años en el mercado musical y suman alrededor de 10 álbumes.
Desde que se creó la banda han sumado más de 120 millones de dólares por crear música y se han sido considerados como cuatro grandes del thrash metal, nombre que se le dio a las cuatro bandas más influyentes de este género en los años 80’s. además, pertenecen al salón de la fama del Rock y cuentan con una estrella en el paseo de la fama de la revista Kerrang.
Música Clásica
Más que otro de los géneros musicales, es una corriente musical. Y está basada en la música litúrgica de Europa Occidental. Este estilo de música está presente en orquestas, óperas. Es un género que representa lo culto, académico y está presente en la clase alta de la sociedad.
Principales artistas de música clásica
Beethoven y Antonio Vivaldi son compositores reconocidos de esta corriente musical y han sido importantes influyentes para la creación de nuevos géneros musicales. Se puede decir, que están presentes en todos los géneros de alguna forma.
Mozart y Bach son otros dos exponentes de la música clásica. El primero, quizás sea el más conocido en toda la historia de la música clásica. Sus composiciones son utilizadas en la actualidad para la estimulación de los bebés, desde que están en el vientre.
Blues
El Blues, es uno de los géneros musicales en inglés, que no solo se enfoca en lo vocal, también lo instrumental tiene un significado importante. Consiste en utilizar notas con un patrón repetitivo que sigue una estructura de doce compases.
Es otro de los géneros musicales más populares, asociado con la cultura afroamericana y está presente en las comunidades de estadounidense desde el siglo XX. Sin embargo, no fue hasta los años sesenta que se convirtió en una gran influencia para la música del país. De este estilo musical derivan otros géneros importantes como el jazz, el R&B, el hip hop, entre otros.
Principales representantes del Blues
La mayoría de los grandes exponentes de este género, son afroamericanos. Cada artista expresa melodías llenas de sentimiento y personalidad. B.B King, Willie Dixon, Robert Johnson, Muddy Waters y Buddy Guy son solo algunos de los cantantes de blues más conocidos.
Buddy Guy es considerado una institución en el blues, en sus inicios tocó con Muddy Waters y tenía una forma peculiar de tocar la guitarra, además de su inconfundible voz. Durante más de 30 años ha sido una gran estrella del género.
Salsa
Existen diferentes géneros de música, cada uno tiene su tiempo, su público y su momento de fama. Por ejemplo, la salsa es uno de los géneros musicales para bailar, que representa al Caribe, Latinoamérica e invita a bailar a todo el que lo escucha.
El origen de este estilo combina el son cubano, un poco de jazz, de blues y música caribeña. Artistas puertorriqueños y el dominicano Johnny Pacheco fueron quienes consolidaron e internacionalizaron el género en los sesenta, luego fue extendiéndose en cada país latino. La salsa también tiene diferentes subgéneros, entre ellos, la salsa dura, romántica y la timba.
Principales representantes de la salsa
No podría iniciarse una lista de los exponentes más importantes de la salsa sin mencionar a Celia Cruz. Acompañada de Hector Lavoe, Andy Montañez, Joe Arroyo, Willie Colòn, Ruben Blades, Gilberto Santarosa, Oscar D’Leòn, entre muchos otros.
Celia Cruz, la reina de la salsa, es un ícono en este género musical, la cubana marcó un antes y un después en la salsa y abrió las puertas para que muchas artistas femeninas representarán al género.
La Guarachera de Cuba internacionalizó muchos de los ritmos tropicales que se conocen en la actualidad, como la rumba, el guaguancó, la guaracha y el bolero, pero fue la salsa el género con el que brilló por todo el mundo.
Merengue
El merengue es otro estilo de música caribeño, con ritmos rápidos y alegres. Está presente en cualquier evento latino y, generalmente, es el rompe pista de cualquier fiesta. Sus raíces son africanas y sus letras suelen referirse al amor y el romance. En los años 50’s, la migración de muchos puertorriqueños lo convirtió en uno de los géneros musicales populares y se dieron a conocer artistas como Frank Cruz y Alberto Beltrán.
Principales artistas del merengue
Wilfrido Vargas, Toño Rosario, Juan Luis Guerra, Olga Tañón son algunos de los artistas más conocidos que difunden el merengue. Wilfrido Vargas y su orquesta, fueron el primer conjunto de merengue dominicano en llenas el anfiteatro Altos de Chavón, logró que solo había alcanzado Frank Sinatra.
Olga Tañón está entre las mujeres más reconocidas en el merengue, su música se conoce a nivel mundial y ha sido una gran influyente del género musical.
Bachata
La bachata está dentro de los géneros y estilos musicales bailables, más conocidos en el mundo. Tiene su origen en dominicana y es considerado como un bolero con ritmo, que tiene influencias del merengue y el son cubano. Las letras hablan de amor y desamor y es uno de los géneros musicales actuales más presentes en los países latinos.
Principales representantes de la bachata
Borracho de amor, es la primera canción grabada, que se considera como bachata y fue interpretada por el artista dominicano José Manuel Calderón en los años sesenta. Juan Luis Guerra fue quien le dio proyección internacional a principios de los 90’s.
Actualmente, Romeo Santos, ex vocalista del grupo Aventura, es uno de los embajadores del género. En el mundo musical lo conocen como El Rey de la Bachata y ha llevado el estilo a todas partes del mundo.
Disco
El género musical Disco, es un estilo bailable que deriva del R&B y que mezcla diferentes géneros como el soul y el funk. Este género musical era muy popular en fiestas en los años setenta. Cuando te preguntas qué es el estilo musical, el Disco puede ser un buen ejemplo, ya que es un género bailable con características particulares.
Principales representantes del disco
Algunos de los intérpretes más característicos de la música disco han sido: MFSB, Gloria Gaynor, Donna Summer y The Jackson 5.
Cumbia
La cumbia es un género musical que proviene de Colombia y tiene influencia indígena y africana. Poco a poco, se ha ido internacionalizando y, actualmente, se escucha en diversos países del mundo, no solo los latinoamericanos. Si investigas sobre qué géneros de música existen, este es uno de esos géneros folclóricos característicos del mundo.
Principales representantes de la cumbia
Pacho Galán, es uno de los grandes exponentes de este género, conocido como “el rey del merecumbé”. Al igual que él, Luis Carlos Meyer, Carmen Rivero y su grupo, Matilde Días, Rigo Tovas, entre otros, han sido artistas que han dejado este género en alto.
Tango
El tango es un género musical muy conocido en Argentina y Uruguay. Tiene un estilo único, sensual con un estilo de baile característico. Aunque se escucha internacionalmente, no es un género con tantos seguidores en la actualidad.
Principales artistas del tango
Carlos Gardel, es uno de los artistas más conocidos por cantar tango, incluso algunos lo consideran el inventor de este género musical. Sus canciones narraban el drama de la vida diaria de una persona. Otros grandes nombres de este género son Ignacio Corsini, Hugo del Carril y Mercedes Simone.
House
Se trata de un género netamente electrónico. Tiene origen en Chicago, en los Estados Unidos y logró hacerse popular en los ochentas, en las discotecas afroamericanas y latinas del momento.
Principales representantes del House
David Guetta, Daft Punk, deadmau5, Fatboy Slim y Basement Jaxx están entre los artistas y grupos más escuchado del House.
Soul
El soul es un género con influencia del Gospell, R&B y el pop. Se escucha desde los años 60 y es muy conocido por ser originario de la cultura afroamericana. Las letras de las canciones de soul van dirigidas a la segregación racial y otras campañas del movimiento anti racial.
Principales artistas del soul
Aretha Franklin, Ray Charles, Al Green, Stevie Wonder, James Brown son varios de los grandes exponentes del soul, género musical que, como dijimos, le debe mucho a la cultura afroamericana y que sigue siendo bien recibido en la actualidad.
Rock
El género rock es uno de los géneros musicales más mediáticos e importantes desde la segunda mitad del siglo pasado hasta el presente, no solamente por la calidad artística de sus distintos representantes, sino también por el aspecto crítico de algunas de las canciones y corrientes que ha gestado a lo largo de su trayectoria histórica. Este aspecto crítico del género rock le ha permitido configurar una identidad propia y distinguible de géneros musicales como el pop, que tiene una orientación comercial más marcada.
Principales representantes del rock
Varios son y han sido los solistas o agrupaciones que han resaltado en la corriente del género rock. Algunos que pueden mencionarse son Queen, Led Zeppelin, The Who, The Rolling Stones, David Bowie, Deep Purple, The Doors, Nirvana, y Pink Floyd.
Al preguntarnos cuáles son los tipos de música que existen o investigar sobre los diferentes géneros musicales más escuchados, encontraremos una variedad muy grande. Si estudiamos los tipos de música y su definición o qué tipo de música existe, descubriremos que en cada época ha emergido diferentes tipos de géneros musicales y sus características. Existen diversos géneros de música más populares, categorías de música, cada uno tiene su estilo, algunos se complementan, otros tienen su sonido original. Lo cierto es que todos conforman el paisaje cultural de nuestro tiempo.
Según un estudio, unirse a las redes sociales antes de cumplir los 11 años se asocia a comportamientos digitales problemáticos
Una nueva investigación publicada en Computers in Human Behavior, ha revelado que usar redes como Snapchat o Instagram antes de los 11 años se relaciona de forma significativa con diversos comportamientos digitales problemáticos. Las restricciones en cuanto al uso del teléfono y de las redes por parte de los padres pueden mejorar los efectos negativos de estas, sobre los niños y adolescentes.
En el estudio participaron 773 estudiantes de secundaria de EE UU y los investigadores concluyeron que la inclusión prematura en las redes sociales, propicia el acoso en línea, el acoso sexual o la unión a redes o sitios en Internet que los padres desaprobarían.
El 80% de la comida basura contiene compuestos tóxicos relacionados con el incremento de diversos padecimientos como el asma o la infertilidad
La comida rápida debe ser fuente de preocupación no solo por las calorías o el colesterol. Pizzas, hamburguesas, burritos y toda clase de productos están plagados de químicos tóxicos, según revela un nuevo estudio. Los investigadores de la Universidad George Washington realizaron el análisis con docenas de muestras de Taco Bell, Pizza Hut, McDonald’s, Burger King, Chipotle, etc.
Los resultados revelan que los ftalatos (usados regularmente para hacer flexible al plástico) estaban presentes en más del 80% de los productos. Estos químicos, que también se usan para envases de plástico, champús y jabones, están relacionados a enfermedades como el daño hepático, cáncer, tiroides, déficit de atención, asma, problemas de comportamiento, etc.
Se ha construido la noria más grande del mundo en Dubái
La impresionante noria de Dubái tarda más de media hora en dar una vuelta completa y tiene más de 250 metros de altura, casi el doble del London Eye (134 m). Según informó NPR se abrió al público este pasado fin de semana. Además, para llevarse el título de ser la más grande del mundo debió vencer a la High Roller de las Vegas que tiene 167,6 m.
La rueda gigante ofrece una panorámica de 360 grados del horizonte de Dubái. Desde ahí se pueden ver lugares emblemáticos como el Burj Al Arab, uno de los hoteles más altos del mundo, el Burj Khalifa, un edificio que también figura entre los más altos y Palm Jumeirah, unas islas artificiales recuperadas del mar, entre otros sitios de interés. Las vistas se pueden disfrutar en sus 48 cabinas con aire acondicionado, en un paseo que dura 38 gloriosos minutos en completarse.
Elon Musk vence a Jeff Bezos en el título de hombre más rico del mundo
El renombrado millonario acaba de ganar 36 mil millones de dólares en solo un día, según informaciones de Bloomberg. En este último mes ha vencido a Jeff Bezos. Las recientes ganancias de Musk se han visto incrementadas por el desempeño de su compañía automotriz, Tesla. La exitosa empresa fue fundada en 2003, cuando todavía eran un sueño los vehículos eléctricos.
Pero Musk, superó los límites de lo posible y obligó a los fabricantes de automóviles a adoptar nuevas tecnologías para la sostenibilidad y movilidad eléctrica. Como director y cofundador, Musk no recibe salarios de Tesla, pero si bonificaciones cada vez que la empresa cruza un hito importante en la capitalización de mercado, según informó Wall Street Journal.
Se descubren vestigios de sangre humana en máscara de mil años de antigüedad en esqueletos de la cultura Sicán, en Perú
El Sicán fue una cultura del norte del Perú que se desarrolló entre los siglos 900 y 1100 d.C. Entre los vestigios de esa civilización han encontrado objetos de oro de diversos tipos y tamaños en las tumbas de las clases sociales dominantes. En la década de los 90, un grupo de arqueólogos dirigidos por Izumi Shimada, encontró un esqueleto en una de estas tumbas.
Se trataba de un hombre de la clase élite que fue pintado de rojo y puesto boca abajo. Cerca de él, dos mujeres jóvenes representando a una de parto y a otra de partera. También estaban los esqueletos de dos niños. Además encontraron una máscara hecha en oro y pintada de rojo que cubría el rostro del hombre.
Los científicos identificaron ese pigmento rojo como cinbrio. Ahora se ha descubierto que el pigmento también contiene proteínas de huevo de ave y sangre humana. Se cree que la forma en que se encontraron los esqueletos y presencia de la sangre humana se relaciona con el deseo de renacer del fallecido, según la cultura Sicán.
La división del trabajo ha permitido a las empresas superar las limitaciones individuales fomentando el desarrollo de la especialización del trabajo, un mecanismo con el cual se obtienen trabajadores más eficientes, productos más económicos y procesos más agiles, impulsando a las empresas de todos los tamaños o sectores. ¿En qué consiste la división del trabajo entonces?
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¿Qué es la división del trabajo y en qué consiste?
La división del trabajo no es más que la separación de un único proceso en varias etapas o módulos, con la finalidad de que cada segmento de trabajo pueda ser llevado por una persona o equipo de trabajo en particular. De esta teoría económica se fundamenta la especialización del trabajo.
Ya que solo un grupo de personas se encargan siempre del mismo tipo de tareas, con el tiempo, estos suelen desarrollar mejores formas de hacer las cosas, lo que impacta de manera positiva en el producto o servicio final.
La división del trabajo es un fenómeno espontaneo dentro de las sociedades humanas, una de las claves de su desarrollo y un impulsor por excelencia de la productividad industrial.
Características de la división del trabajo
Existen varias características esenciales dentro de la división el trabajo:
Diferencia de capacidades
La división del trabajo parte de las diferentes capacidades que posee un individuo para ocuparse de determinadas tareas o grupo de tareas. En este sentido, cada responsable se elige según su fuerza física, pericia, experiencia, ingenio o conocimientos técnicos.
Las divisiones del trabajo explotan la diversidad de cualidades, haciendo que cada trabajador participe en el área que resulte de mayor provecho, generando un impacto positivo en el resultado final.
Cuando la persona adecuada repite la misma actividad por un largo plazo de tiempo, va adquiriendo destrezas nuevas en el área, producto de la experiencia. Esto les permite a los trabajadores o responsables de una actividad, optimizar su ejecución, ya sea porque han desarrollado capacidades para hacerlo en menor tiempo o simplemente han ideado métodos propios con mejores resultados. Así nace la especialización.
En este contexto, si existieran dos candidatos con habilidades similares, se esperaría un mayor desempeño de aquel que ha conseguido más experiencia.
Ahorro de tiempo
Pasar de un grupo de tareas a otras, completamente distintas dentro del mismo proceso, requiere que los trabajadores cambien sus herramientas de trabajo, modifiquen su equipo (en ciertos casos), dediquen tiempo a preparar el área… Esto no es necesario si el mismo personal se encarga siempre de las mismas tareas.
Al no existir una rotación o un movimiento importante del personal se ahorra mucho tiempo productivo. Las tareas se terminan antes y con mejores resultados.
Importancia, influencia e impacto histórico
Aplicar la división del trabajo como una teoría o modelo de producción, en las fabricas y empresas en general, simbolizó un antes y un después dentro de las sociedades humanas.
Ya que la mano de obra no tenía por que conocer a la perfección todo el proceso, se hizo posible que personal no experto colaborara en áreas de trabajo más abiertas y de menor requerimiento, lo que abarató mucho los costes. Al evitar movimientos innecesarios, los procesos se dieron de manera más rápida y cada equipo de trabajo se fue haciendo mejor en sus labores.
Todo este grupo de beneficios inició una larga y compleja evolución que hicieron posible los modelos productivos de hoy día.
Un acercamiento histórico: cómo surge la división del trabajo
Desde un punto de vista general, es apropiado decir que la división del trabajo surge como una respuesta a un determinado contexto social, geográfico, cultural, tecnológico y generacional. Aquí una aproximación a la historia:
¿Cuál fue la primera división del trabajo?
La división del trabajo, como ya se ha mencionado antes, es una característica innata fundamental dentro de los seres humanos, presente desde la prehistoria, donde grupos sociales pequeños debían dividirse las labores como la cacería, el mantenimiento de los campamentos y la vigilancia. También llamada división natural del trabajo.
Con el paso del tiempo, la evolución de la sociedad dio paso a las comunidades agrarias que subsistían de la producción de alimentos, dando paso a uno de los más grandes motores de cambio: el excedente.
A esta se le conoce como la primera de las tres divisiones sociales del trabajo.
Una vez satisfechas las necesidades de alimentación de la comunidad, el excedente de los alimentos era la moneda perfecta para adquirir otros bienes y servicios, dando paso al comercio y al concepto de producción por beneficios. Así fueron naciendo otros grupos de trabajo que, aunque no se dedicaban a la siembra, podían alimentarse ya que servían a otras áreas vitales como la seguridad, la educación, la producción de artesanías o los negocios.
La cantidad y números de grupos sociales dependían directamente del sector agrícola, así como de la cantidad de excedente disponible para alimentarlos.
De la economía hacia la producción especializada
Finalmente, la revolución industrial trajo consigo la aplicación del concepto de división del trabajo en una empresa.
Los beneficios de tener pequeños lotes de trabajadores baratos, buenos en un solo trabajo fácil, superaban con creces a la idea de fábricas llenas de artesanos costosos expertos en todo el proceso. Surgiendo así el primer concepto de división del trabajo moderno.
Con la llegada de la tercera revolución industrial: la era tecnológica, las actividades manuales y repetitivas se han ido automatizando a pasos agigantados, forzando a la humanidad a replantearse su puesto en la cadena productiva.
Como consecuencia, se ha hecho necesaria una división de trabajo más reflexiva que no solo tome en cuenta las capacidades del individuo si no su factor diferenciador ante una potencial tecnología de reemplazo.
¿Qué es la división social del trabajo?
Desde un punto de vista evolutivo existe otra definición de división del trabajo que clasifica la separación de las distintas clases sociales según el trabajo que ejecutan. En ella se reconocen tres grandes tipos de división de trabajo:
La primera división: hace referencia a la separación de un único grupo o aldea ganadera en varios asentamientos diferenciables, que compartían costumbres, pero poseían rastros de propiedad privada.
La segunda división social del trabajo: Consistió en la separación de los artesanos y los productores, creando así los primeros registros de trueque y actividad mercantil.
La tercera gran división social: hace referencia al desarrollo de una economía basada en mercado y la figura de los mercaderes como clase dominante.
División del trabajo para Adam Smith
Diferentes economistas han estudiado el concepto de división del trabajo a través del tiempo, aunque pocos con tanta relevancia o detalle como el economista escoces Adam Smith, en su estudio de la riqueza de las naciones (1776).
La división del trabajo según Adam Smith, es una de los principales responsables del aumento de las riquezas por parte del estado gracias, inicialmente, al aumento en la producción de las industrias y al abaratamiento en los costes de producción.
Lo que Smith observó en su estudio
En su estudio, Smith observa que los obreros que se involucran en esquemas de división de actividades pierden menos tiempo cambiando de herramientas o desplazándose de un área a otra. Además, al dedicarse a una actividad especifica, estos desarrollaron nuevas máquinas y técnicas para hacer su trabajo de manera más eficiente.
En cuanto al coste de producción, también se observaron grandes beneficios ya que los empresarios no tenían que invertir en dotar a cada obrero de todas las herramientas necesarias para llevar a cabo un producto o servicio, solo las que eran necesarias para su tareas específicas.
Así mismo, un obrero encargado de una tarea básica para la que no se requería entrenamiento avanzado era mucho más barato.
Sus conclusiones sobre este modelo
Gracias a esta división los empresarios pudieron ahorrar una gran cantidad de capital y reducir los costes de sus productos. Pero, pese a todos los beneficios, Smith concluyó que este modelo también tenía claras consecuencias negativas.
Primero las grandes brechas salariales, producto de las características de cada tarea. Por ejemplo, aquellas que eran inherentemente riesgosas, desagradables o difíciles, tenían consigo un pago acorde, generando una división social en base al salario.
Finalmente, y como más notable contra, lo que Smith denominó un considerable freno al avance del conocimiento. A pesar de que algunos trabajadores se especializaban y aprendían de su área de trabajo, una gran parte raras veces desarrollaba mayor ciencia, sobre todo en las áreas con labores más básicas, monótonas o repetitivas.
Esta reflexión final fue lo que llevó a Smith a plantear que el estado estaba obligado a dar conocimiento al pueblo, como manera de frenar el deterioro intelectual y hacer que este modelo funcionara.
División del trabajo según Marx
Otro de los puntos de vista que destacan en el tema es la perspectiva de Karl Marx quien, apegado a un punto de vista central en común con Smith, se enfoca más en cómo surge la división social del trabajo.
Puntualmente señala que la especialización extrema lleva a los obreros a mecanizar sus labores, lo que resulta en actividades monótonas de carácter tedioso, desalentador y frustrante. Esto, con el tiempo, desembocaría en trabajadores menos cualificados para el proceso en general, incentivando la escasez de conocimiento.
En este punto Marx hace alusión al factor social y la lucha de clases presente dentro del contexto industrial de la época. En él, Marx establece que la división laboral podría usarse como una herramienta de control social, mediante la implementación de las jerarquías laborales.
En sus reflexiones de estudio, la división social del trabajo en Marx se establece como una necesidad técnica y no un objetivo al que se deba aspirar a toda costa. Aunque no se puede decir realmente que su objetivo inicial fuera definir qué es división del trabajo en si mismo.
Ventajas y desventajas de la división del trabajo
La división laboral, como ya se ha visto posee varios factores beneficiosos, así como barreras a superar.
Ventajas
Existen grandes ventajas de la división del trabajo, tanto desde un punto de vista industrial como moderno:
Reducción de costes
La división laboral se traduce en ahorro de costes de producción en forma de: menor cantidad de tempo muerto, baja inversión instrumentistas, escasa necesidad de mano de obra especializada en todo el proceso y labores más agiles.
Mejora la incursión de pequeñas industrias
Ya que se requiere de un grupo escaso de coordinadores con conocimiento real de todo el proceso productivo y una inversión menor en maquinarias (o herramientas), se abre la puerta para que industrias pequeñas puedan incursionar en todo tipo de áreas.
Mejora en los plazos de entrega
La experiencia se traduce en actividades que se realizan con mayor eficiencia, en menor tiempo y manteniendo los mismos estándar de calidad. Esto suele mejorar los plazos de entrega del producto o minimizar los tiempos de espera en los servicios.
Productos con precios más competitivos
El aumento en la producción debido a la división del trabajo y especialización también se traduce en una disminución de precios en el producto final.
Promueve la especialización
La división de procesos en actividades con roles específicos promueve la especialización laboral, especialmente en áreas creativas como el marketing, la planificación estratégica, la coordinación empresarial y logística, entre otras.
Facilita la selección del personal
Ya que no se debe calificar al personal a través de sus competencias en todas las distintas áreas del proceso productivo, sino en base a la división técnica del trabajo, la selección del personal se vuelve mucho más sencilla.
Posibilita la inserción laboral
Aunque ya se ha puntualizado las potenciales desventajas de los trabajos básicos y repetitivos, en la actualidad, la mayoría de estas actividades tediosas se automatizan, dejando solo labores básicas más humanas que requieren de poco conocimiento, posibilitando la inserción laboral de los obreros menos calificados o inexpertos.
Mejora del desarrollo tecnológico
La especialización va de la mano con el desarrollo tecnólogo ya que se requiere de experiencia y dominio de una actividad, para crear soluciones creativas que realmente apunten a solventar los problemas cotidianos de un área.
Desventajas
En contramedida a sus grandes virtudes, existen también algunas desventajas de la división laboral:
Alta dependencia productiva
Ya que un producto o servicio no es responsabilidad de una sola persona o grupo, si no que depende de una larga cadena de individuos para llegar a su fase de terminado, se crea una dependencia funcional del trabajo de otros.
Un fallo en cualquier eslabón de la cadena puede terminar causando estragos a lo largo de todo el proceso productivo.
Proceso más difícil de controlar
Ya que los procesos se están dividiendo en muchas actividades pequeñas, es difícil saber en qué punto no se están teniendo los resultados esperados, por lo que el control y monitorización de las actividades se vuelve más demandante.
Riesgo de sobre-división
Cuando un proceso se sobre divide se generan muchas actividades monótonas, simples y repetitivas que terminan por convertirse en fuentes inagotables de tedio y frustración para el personal lo que afecta negativamente al desarrollo individual y al ambiente de trabajo.
Deterioro en el conocimiento técnico
Al carecer de una visión general de todo el proceso de producción, con el tiempo, los trabajadores comienzan a presentar una carencia de conocimiento técnico ya que deja de ser necesario para el desempeño de sus actividades.
Esta es una gran contra, sobre todo a nivel de desarrollo humano dentro de la industria.
Deterioro del espíritu creativo
La división excesiva del trabajo deteriora poco a poco el espíritu creativo de los trabajadores. Ya que nadie en sí mismo es responsable de que el producto o servicio salga al mercado, no existe una sensación de pertenencia o sentido de responsabilidad que motive al diseño de más y mejores bienes, a menos que ese sea su trabajo. Una característica que según define la división del trabajo en Marx empuja a los obreros a ser como maquinas.
La especialización del trabajo ha tenido sus criticas a través de grandes pensadores y economistas, pero eso no eclipsa las grandes ventajas que trae consigo, por el contrario, ha sido una forma de dar visibilidad a las medidas que hay que tomar para que la división del trabajo se pueda aplicar de manera exitosa, representando una fuente de auge no solo empresarial sino humano.
En la literatura los escritores de ciencia ficción son vistos como personas creativas capaces de crear basamentos teóricos, mundos e incluso realidades alternativas que captan de inmediato la atención. Dentro de este subgénero existen muchos autores de ciencia ficción que han hecho contribuciones importantes, pero en esta oportunidad no centraremos en los 20 más sobresalientes.
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Retrato de Julio Verne de alrededor de 1873 (Nadar, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución a la original).
Considerado por muchos como el auténtico padre de este género literario, los cuentos de ciencia ficción de Julio Verne forman ya parte de la cultura popular.
Si bien es importante que sus trabajos posean una narrativa más enfocada en la aventura que en hechos científicos. Los temas abordados por el autor sirvieron de inspiración para que muchos miembros de la comunidad científica empezaran a tomar las expediciones náuticas y espaciales como algo completamente posible.
También los trabajos de Verne sirvieron de inspiración para la mayoría de los autores de ciencia ficción de comienzos del siglo XX.
Viaje al centro de la tierra
Una aventura fantástica sin precedentes donde los tres protagonistas ingresan al centro de un volcán con la esperanza de poder llegar al centro de la tierra. En la novela los protagonistas recorren paisajes extraordinarios habitados por criaturas prehistóricas.
Este trabajo sería el punto de partida para hacer del espacio exterior el escenario por excelencia para muchos autores de ciencia ficción. En este trabajo, Julio Verne plantea la posibilidad de llegar a la luna mediante un cañón el cual disparará una cápsula en forma de proyectil.
Entre todas las novelas escritas por Julio Verne, esta es una de las que posee mayor contenido científico dentro de su trama central. Estos datos se utilizan como un recurso para aclarar a los lectores la mayoría de las funciones del Nautilus.
Retrato de H.G. Wells en 1920 (George Charles Beresford, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El género de ciencia ficción se encuentra entre los temas más recurrentes y populares de la literatura inglesa y uno de sus exponentes más importantes es el autor H. G. Wells.
Cuando se investiga más a fondo sobre la carrera de este autor, resulta prácticamente imposible poder ignorar sus obras de ficción. Estas se caracterizaban por temáticas bastante adelantadas a su tiempo planteando teorías científicas que sirven de inspiración para muchos escritores de ciencia ficción modernos.
Si bien el currículum literario de H. G. Wells es bastante extenso, este escritor cuenta con algunos libros conocidos que ya forman parte de la literatura universal como es el caso de:
El Hombre Invisible
Un relato de ciencia ficción en donde el autor hace especial énfasis en los avances científicos y su impacto dentro de la sociedad inglesa de finales del siglo XIX.
Los viajes a través del tiempo son otro de los tópicos más populares entre los autores de ciencia ficción. H. G. Wells fue el primer autor en abordar este tema aunque de una forma un tanto superficial.
La Guerra de los Mundos de H. G. Wells es un referente obligatorio para poder comprender mejor la definición de novela de ciencia ficción. La novela provocó mucha controversia entre los lectores, especialmente después de los sucesos de 1938 en New York y Nueva Jersey.
Fotografía de Phillip K. Dick en 1962 o antes (Arthur Knight (photographer), Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Entre los autores de ciencia ficción más prominentes de Estados Unidos Philip Dick se encuentra entre uno de los más reconocidos a nivel internacional.
Para muchos estudiosos, las obras publicadas por este autor nacido en Chicago son trabajos en donde se establecieron las bases de las obras de ciencia ficción modernas.
Sus obras literarias de ciencia ficción son trabajos intelectualmente muy bien planteados, centrándose casi siempre en temas donde se le plantea al lector qué es eso que nos hace realmente humanos.
¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?
Uno de los trabajos más interesantes y elogiado por muchos otros autores de ciencia ficción. El argumento central de la novela sirvió de inspiración para la creación del guion de la película Blade Runner.
Se trata de un trabajo de ciencia ficción en donde se abordan temas de interés social como la influencia de las grandes corporaciones sobre la opinión pública, todo con un toque de misterio el cual incita a seguir leyendo.
La combinación de géneros es algo muy común en los trabajos de la mayoría de los autores de ciencia ficción. En esta novela de Philip Dick, toda la trama gira en torno a las vivencias de un policía de narcóticos que le agrega un toque de relato policial dentro de toda la narrativa futurista.
Fotografía de Lovecraft en 1924 ( Lucius B. Truesdell, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Howard Phillips Lovecraft es uno de los escritores de ciencia ficción que cuentan con un estilo narrativo fácil de reconocer a simple vista.
La historia de ciencia ficción corta ha sido el campo en donde este autor estadounidense ha sabido sobresalir. Brindándole a sus lectores relatos sobres seres de otra dimensión con un enfoque narrativo más ligado al género de terror.
Para los lectores que no están familiarizados con los autores de ciencia ficción, los trabajos de Lovecraft podrían ser una buena forma para entender mejor la verdadera riqueza dentro de este género literario.
En las Montañas de la Locura
Un relato breve de ciencia ficción con algunos pequeños toques de fantasía con un estilo narrativo en primera persona muy utilizado dentro del género de terror. La historia habla sobre una expedición científica que se topa con una cordillera montañosa donde existe una presencia maligna.
Entre los escritores de ciencia ficción, Lovecraft es muy reconocido por haber diseñado su propia mitología narrativa que presenta criaturas multidimensionales como el Cthulhu. En este relato el autor presenta al nigromante Edward Dervy y los extraños sucesos que forman parte de su cotidianidad.
Un cuento corto publicado en 1993 donde se narra de forma detallada el viaje de un Sabio a través de una cordillera montañosa considerada la “El hogar de los Dioses en la Tierra”.
Fotografía de Bradbury publicada en 1959 (CBS Television, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Para muchos una auténtica eminencia en lo que se refiere a la novela de ficción. Desde sus primeros trabajos publicados, Ray Bradbury ha mostrado una gran capacidad para hacer que la fantasía y la ciencia puedan convivir dentro de un mismo universo narrativo.
Cómo es algo habitual en la mayoría de los autores de ciencia ficción, los trabajos de Bradbury están repletos de reflexiones metafísicas y existencialistas sobre el verdadero rol de la raza humana.
Muchos especialistas han colocado a los trabajos de BradBury entre los mejores escritores de la historia de este género literario.
Crónicas Marcianas
Una serie de pequeños relatos sobre exploración, colonización y caídas de civilización marciana planteada con narrativa que cuenta con todas las características de los cuentos de ciencia ficción.
Se trata de una novela en donde se narran las vacaciones de verano del joven Douglas Spaulding y sus fantasías juveniles expuestas al lector con recursos narrativos propios de la ciencia ficción.
Sin ninguna duda el trabajo más importante de toda la carrera literaria de Ray Bradbury, la novela es un trabajo plagado de reflexiones profundas sobre el verdadero valor de la humanidad.
Ursula Le Guin en 2009 (Marian Wood Kolisch,, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Entre los títulos de ciencia ficción, las novelas escritas por mujeres cuentan con su propio grupo de amantes devotos. Una de las más importantes de los últimos tiempos es Ursula K. Le Guin.
A diferencia de otros escritores de ciencia ficción, el trabajo de Le Guin está más enfocado hacia la interacción entre los seres humanos y otras especies alienígenas y su influencia dentro de los paradigmas sociales fundamentados en el género.
Dentro de los autores del género narrativo, las novelas de Ursula K. Le Guin son trabajos sumamente populares entre la mayoría de los lectores adeptos a la ciencia ficción.
El Mundo de Rocannon
Es la primera novela publicada por Le Guin, en ella se narran las travesías de una nave espacial por el planeta Fomalhaut II y las interacciones entre tres razas de alienígenas totalmente diferentes.
Una clásica historia sobre madurez y autodescubrimiento que está matizada por todos los elementos discursivos y lingüísticos propios de las obras literarias de ciencia ficción.
Por mucho la obra más importante de toda la carrera literaria de Ursula K. Le Guin. En esta novela se relata las vivencias de una expedición humana al planeta conocido como Invierno habitado por una raza de extraterrestres hermafroditas.
Arthur C. Clarke en 1965 (ITU Pictures, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Arthur C. Clarke es uno de los autores de ciencia ficción más importantes y reconocidos de la actualidad. Sus escritos le han hecho acreedor de muchos reconocimientos como el Nébula y Hugo, dos premios exclusivos para escritores de ciencia ficción.
Sus libros futuristas han servido de inspiración para muchos otros autores e incluso directores de cine.
Para muchos lectores y expertos en letras, las obras de Arthur C. Clarke son piezas fundamentales para entender a plenitud cuáles son las características de un cuento de ciencia ficción.
2001: Una Odisea del Espacio
Se trata de una novela que fue desarrollada paralelamente con la versión cinematográfica dirigida por Stanley Kubrick. El texto final surge de una compilación de varios cuentos futuristas editados anteriormente por Clarke.
Una obra literaria en donde se aborda la temática de los vuelos comerciales al espacio y la influencia de los seres humanos durante el proceso de colonización planetaria.
La novela se encuentra entre los mejores libros de ciencia ficción y fantasía de la literatura mundial, la historia se enfoca en un asteroide artificial llamado Rama y su recorrido por nuestra galaxia.
Hablar sobre los escritores de ciencia ficción, sin hacer un recorrido por el trabajo de Isaac Asimov.
Tanto en sus relatos cortos como sus novelas más elaboradas, sus profundos planteamientos y disertaciones acerca de temas como la robótica y la inteligencia artificial han convertido a Asimov en uno de los autores más reconocidos dentro del subgénero de ciencia ficción.
Sus trabajos han servido como referente para establecer muchos planteamientos científicos que aún en la actualidad siguen siendo objeto de estudios como las conocidas “Leyes de la robótica”.
Yo robot
Asimov es conocido como uno de los escritores de cuentos de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos. Esto es algo que puede evidenciarse en cada una de las historias de Yo Robot.
Una novela de ciencia ficción en donde el autor hace un análisis profundo de las relaciones humano – robot a través de las vivencias y opiniones de sus protagonistas.
A pesar de que las novelas de Asimov son trabajos sumamente profundos e influyentes dentro de la ciencia ficción, sus cuentos futuristas también son escritos muy bien tratados narrativa e intelectualmente. Una prueba de ello son algunos de sus microrrelatos más populares como “El Hombre Bicentenario”.
De izquierda a derecha William Nolan, Jason Brock y Richard Matheson, todos autores de ciencia ficción (JaSunni at PicasaWeb, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Aunque Richard Mathenson es un escritor con un recorrido literario que le ha permitido incursionar en muchos subgéneros, cuenta con un puesto importante dentro del mundo de los escritores de ciencia ficción.
De hecho, muchos críticos señalan que sus obras de ciencia ficción es donde realmente el lector es capaz de percibir las verdaderas dotes narrativas con los que cuenta Richard Mathenson.
Al igual que muchos otros autores de ciencia ficción, muchos de los trabajos más importantes de Mathenson han sido adaptados y llevados a la gran pantalla con éxito.
Las Playas del Espacio
Cuando se investiga acerca de nombre de autores de cuentos enfocados en el subgénero de la ciencia ficción, resulta difícil no toparse con este trabajo de Richard Mathenson. Se trata de una colección de historias donde la fantasía y la ciencia crean la atmósfera ideal para reflexiones filosóficas muy profundas acerca del tiempo, la tecnología y la sociedad.
La primera novela de Mathenson en ser adaptada para el cine, la historia nos habla de un hombre quien empieza a reducir su tamaño y peso como consecuencia de la exposición a una niebla radioactiva.
Los futuros post apocalípticos se encuentran entre los temas favoritos de muchos escritores de ciencia ficción. En la novela original, el protagonista es el único sobreviviente de una pandemia global producida por un virus que le da a sus portadores ciertas cualidades vampíricas.
La portada de la revista Galaxy Science Fiction con la primera entrega de The Demolished Man (Don Sibley / World Editions, Inc., Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Un escritor de ciencia ficción quizás no tan conocido, pero que cuenta con publicaciones las cuales han marcado un antes y un después dentro de este subgénero de la literatura.
Su estilo narrativo es bastante fuerte, lo que da como resultado trabajos que abordan la ciencia ficción desde una perspectiva mucho más adulta y repleto de simbolismos.
A pesar de todo el complejo tratamiento psicológico de sus personas, las novelas de Alfred Bester se caracterizan por su lectura agradable y sus similitudes con algunas obras literarias más clásicas.
Las Estrellas mi Destino
Una novela de ciencia ficción que posee una narrativa bastante oscura y una trama principal en donde la venganza y la redención son los motivos que mueven al personaje principal.
Si bien a primera vista pudiese parecer otra novela sobre la lucha entre el hombre y la máquina, las habilidades narrativas de Alfred Bester le aportan un enfoque más metafísico del dilema moral que existe dentro de este conflicto.
Entre los fanáticos de este subgénero literario existe un gran respeto hacia la figura de Frank Herbert como autor.
La tetralogía de Dune es la obra que le ha garantizado un lugar privilegiado entre los nombres de libros y sus autores y género de la ciencia ficción.
Frank Herbert es uno de los pocos escritores de ciencia ficción que han sido capaces de crear un universo literario con una cultura, mitología e incluso leyes físicas totalmente únicas.
Destino: el vacío
Se trata de un grupo de investigadores clonados los cuales son enviados a bordo de una nave espacial para concluir con las investigaciones para crear el primer sistema con inteligencia artificial.
Es una saga de ocho novelas ambientadas en un planeta desértico dominado por un complejo sistema de castas muy similar al de la época feudal con familias de casta noble que ostenta todo el poder político y económico.
Una historia donde el protagonista intenta establecer contacto con el último de los calibanes, unas criaturas de energía que mantienen conectadas a todas las formas de vida.
William Gibson en 2008, tomada en su sexagésimo cumpleaños (Gonzo Bonzo, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Existen muchas variantes dentro de los subgéneros narrativos de ciencia ficción y uno de los más dominantes dentro de los escritores actuales es el estilo Cyberpunk, un estilo predominante dentro de los trabajos de Willian Gibson.
Las narraciones distópicas o envilecido a causa de la influencia de la raza humana es un tema frecuente dentro de las novelas y cuentos de este autor franco-estadounidense.
Para los conocedores del género, William Gibson es el autor que supo darle un giro argumental mucho más profundo a las clásicas narraciones de ciencia ficción de los años 40 y 50.
Conde Cero
Es una novela elaborada con tres tramas distintas y los hechos narrados se llevan a cabo en un futuro cercano donde las personas se conectan al ciberespacio a través de redes neuronales.
La obra póstuma de Gibson cargada de mucho suspenso y con una trama central que ha cobrado más vigencia dentro de la sociedad moderna con el auge de la tecnología informática y los ciberataques a bancos de datos.
Otro trabajo de William Gibson que se compone por tramas independientes que sirven de guía para el lector para entender cómo el poder de las grandes compañías es usado para corromper por completo a los seres humanos.
Octavia en 2006, firmando la copia de un libro (Nikolas Coukouma, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Octavia E. Bulter es solo una de las escritoras de ciencia ficción que está entre los autores de libros famosos actuales gracias a las temáticas sociales y políticas que trata en cada uno de sus libros.
Sus libros exploran temas como el feminismo, las clases sociales y los derechos humanos en escenarios futuristas con un particular enfoque hacia ciertas áreas de la ciencia como la manipulación del código genético.
Una de las especialidades de Octavia E. Bulter son las novelas de ciencia ficción cortas con un fuerte contenido social dirigido principalmente a las mujeres.
Pattern-masters
Es la primera novela publicada de la autora, en ella la autora presenta a los humanos como una raza esclavizada por unos seres dotados con habilidades telepáticas llamados Patternist.
La historia se centra en Alanna una huérfana que viaja a otro planeta escapando del control psíquico de los Patternist y termina uniéndose a una tribu local conocida como los Tehkohn.
Es una novela que precede a los hechos narrados en The Patternmasters, en ella se narra los experimentos y la tecnología utilizada para la elaboración del primer Pattermaster.
Dan Simons es un novelista estadounidense muy reconocido dentro del mundo de los autores de ciencia ficción por sus historias de narrativas libres y sumamente descriptiva.
Cuando se habla de títulos de cuentos y sus autores, pocos escritores dentro del subgénero de la ciencia ficción cuentan con la sutileza narrativa y el buen manejo de los recursos lingüísticos como Simons.
Su obra más importante es Hyperion, una serie de historias cortas que abordan temas relacionados a la ciencia ficción, pero con un enfoque que se basa más en lo fantástico que en lo científico.
Hyperion
Es una obra de ciencia ficción hecha a base de historias independientes con una composición narrativa muy similar a Los Cuentos de Chantebury del poeta Geoffry Chaucer.
Se trata de los hechos ocurridos tras la caída del Hyperion, en esta novela la iglesia hace uso de un TecnoNúcleo que les permite mantener a sus fieles en un estado de obediencia total.
Una historia breve de Simons que ocurre paralelamente a la Caída de Hyperion, la trama se centra en los tripulantes de una nave que transporta trabajadores para construir un portal teleyector.
Es un escritor polaco que es reconocido como uno de los autores de ciencia ficción con mayor reconocimiento mundial dentro de un género literario dominado principalmente por escritores británicos y estadounidenses.
A pesar de haber escrito novelas muy importantes durante la época dorada de la ciencia ficción. La mayoría de sus novelas fueron censuradas en muchos países debido a las ideas políticas que promovía dentro de los textos.
Para quienes sienten curiosidad por saber qué características tienen los cuentos de ciencia ficción, las novelas de Stanislaw Lem son una buena opción.
Solaris
La novela más representativa de la carrera literaria de Stanislaw Lem. En Solaris, un grupo de investigadores para tratar de hacer contacto con vida inteligente en un planeta cubierto por un océano protoplásmico.
Una historia que narra el retorno de la nave interplanetaria Prometeo a la tierra después de haberla abandonado hace diez años, pero que dentro del planeta han transcurrido más de ciento veinte años.
Al buscar un nombre de autores de libros de ciencia ficción en línea, es muy probable que en la mayoría de las páginas y blogs especializados aparezca la figura de Robert Sheckley.
Este autor estadounidense ha sido capaz de captar la generación de generaciones completas de lectores con sus teorías científicas, escenarios futuristas y sus tramas lingüísticamente sólidas.
La mayoría de los temas abordados por Sheckley en sus novelas tienen la capacidad de conservar mucha vigencia dentro de la sociedad. Sobre todo aquellos relacionados con la moralidad del ser humano y su capacidad para coexistir con las nuevas tecnologías.
El Estatus de la Civilización
Una novela de ciencia ficción con ciertos toques de misterio donde su protagonista tiene que usar todas sus habilidades para poder sobrevivir en un planeta plagado de seres irracionalmente violentos.
Después de ganar el primer premio de una lotería galáctica, un terrícola intenta regresar a su planeta natal utilizando portales que le permiten viajar a través del tiempo y el espacio.
Uno de los trabajos más importantes de la bibliografía de Sheckley, Immortality Inc es una novela donde el autor explora a profundidad los rasgos más elementales de la conciencia del ser humano.
Stanley Robinson dando una conferencia en 2009 (Gage Skidmore, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Kim Stanley es otro autor que forma parte del selecto grupo de escritores de ciencia ficción que han ganado los premios de literatura más importante dentro de este subgénero.
La ecología y la política son dos de los temas más recurrentes dentro de los trabajos de Robinson, caracterizados por un tratamiento narrativo bastante peculiar cargado de temas filosóficos.
Trilogía Marciana es una de sus obras más importantes dentro del género de la ciencia ficción logrando un recibimiento bastante positivo por parte de la crítica especializada.
Trilogía Marciana
Son tres novelas en donde Stanley Robinson describe con mucho detalle los procesos de colonización, fundación y caída de una colonia humana en Marte.
Se trata de una serie de relatos complementarios publicados en el año de 1999 donde se narran los acontecimientos expuestos en la trilogía marciana desde el punto de vista de sus protagonistas.
Margaret Atwood es una de las autoras de ciencia ficción que ha ganado mucha popularidad en la actualidad gracias en parte a la serie televisiva inspirada en su novela “El Cuento de la Criada”.
Aunque los trabajos literarios de Margaret Atwood van mucho más allá de solo la ciencia ficción, es con en este subgénero donde la autora ha mostrado desenvolverse con mayor comodidad.
Al igual que otras autoras de ciencia ficción, las novelas de Atwood tratan problemáticas sociales aun presentes en la sociedad moderna pero desde un punto de vista fuertemente feminista.
Oryx y Crake
Un trabajo con un estilo narrativo directo y al mismo tiempo muy analítico, Orxy y Crake es una novela reflexiva en donde Margaret Atwood plantea los peligros de la manipulación genética.
La historia inicia con el asesinato de Thomas Kinnear y su amante, una de las acusadas es sometida a un tratamiento experimental de neurohipnosis para obligarla a contar lo que realmente pasó el día del asesinato.
Se trata de una novela que retrata un futuro distópico dominado por una cúpula política autoritaria y machista en donde el único rol de la mujer dentro de la sociedad es netamente reproductivo.
Aunque parezca difícil de creer, el autor de “El Imperio del Sol” también cuenta con algunos trabajos literarios que abarcan temáticas ligadas a la ciencia ficción.
Si bien en lo que respecta a lo narrativo muchas de las novelas de J. G. Ballard parecen ir más hacia la fantasía que a la ciencia ficción, muchos estudiosos coinciden que la intelectualidad y complejidad de sus tramas lo convierten en uno de los autores de ciencia ficción realmente fascinante.
Los primeros escritos de James Graham Ballard son considerados auténticas joyas dentro del mundo literario que comprende el subgénero de la ciencia ficción.
La Sequía
La sequía transporta a su lector a un futuro distópico en donde el agua potable es un recurso prácticamente inexistente dentro de la tierra debido a los desechos industriales.
Se trata del uno de los primeros trabajos de Graham y al mismo tiempo, uno de los más importantes dentro de su carrera como escritor. En esta historia los casquetes polares derretidos ocasionan un aumento crítico de los niveles de agua en el planeta.
Este relato nos habla acerca de un rascacielos el cual es edificado para mantener a las clases más adineradas alejadas del mundo exterior, esto posteriormente desencadenará una serie de eventos violentos.
Entre los autores de libros famosos actuales sobresale el nombre de Ann Leckie, una escritora estadounidense con un gran talento narrativo y una gran habilidad para despertar el interés de los lectores más jóvenes.
Su novela Justicia Auxiliar la hizo acreedora de múltiples premios y reconocimientos dentro del mundo de la literatura.
Aunque su carrera como escritora es algo relativamente reciente, sus novelas cuentan con todas las características de los cuentos de ciencia ficción más clásicos.
Justicia Auxiliar
Una novela que ha colocado a Leckie entre los mejores autores de libros que existen en la actualidad. Esta primera entrega de la saga Radch habla sobre los sucesos ocurridos después de la desaparición de la nave Justicia Toren.
En esta segunda parte la protagonista Brend, una inteligencia artificial programada para ejercer funciones como piloto de combate, va desentrañando una compleja red conspirativa relacionada con los planes de expansión del imperio Radch.
En la conclusión de la Saga Radch la trama se centra los seres con inteligencias artificiales y su capacidad de adquirir conciencia de su propio rol dentro del ciclo de la vida.
Algo que ha hecho tan populares a los autores de ciencia ficción es que no solo se concentran en narrar historias; además de esto los escritores de ciencia ficción ofrecen una perspectiva muy detallada de la realidad y concepto temporal para que los acontecimientos puedan conservar un sentido lógico. Complejidad, creatividad, intelectualidad y humanismo son solo algunas de las características propias de los escritores de ciencia ficción modernos.
El cine, a nivel mundial, tiene etapas interesantes y han surgido movimientos que sirvieron como influencia para las nuevas olas que se aproximaron década tras década, y una de ellas es el neorrealismo italiano. A continuación, en esta entrada te contamos de qué va el realismo italiano, su historia y cuáles fueron las 25 películas que quedaron para la posteridad en este género cinematográfico.
La Nouvelle Vague: Origen, características, directores y 15 películas que cambiaron el cine
Cuando se habla del neorrealismo italiano (1942-1955) se refiere al estilo particular de hacer películas que se popularizó en Italia en los años cuarenta tras los hechos de la Segunda Guerra Mundial. Históricamente el neorrealismo se convirtió en un movimiento de alta importancia en el cine y sirvió como influencia para producciones posteriores (como las de la Nueva Ola francesa de 1950), ya que se alejó de todo lo que se acostumbraba a ver en Hollywood.
Contexto histórico
En 1930 solo se veían “películas de teléfono blanco”, que eran metrajes ambientados en hoteles y clubes nocturnos de lujo; y eran, más que nada, películas estadounidenses que vendían una vida soñada. Pero eso no reflejaba la realidad de los italianos en aquellos tiempos donde crecieron bajo el régimen Benito Mussolini y los tiempos seguidos a la WW2.
No obstante, la realidad de las familias italianas empezó a proyectarse cuando los directores de cine enfocaron su vista en la verdad política, social y económica del país.
Ya en 1943, sin Mussolini en el poder, inició el movimiento del neorrealismo italiano (neorealismo) que funcionaba el realismo cinematográfico con temas socioeconómicos (la Resistencia, desempleo, pobreza) y políticos a modo de crítica y visibilización.
Para aquel entonces, el cine y el neorrealismo literario reemplazaron a sus vertientes originales —que eran más pomposas y entusiastas— y dejaron ver las realidades de las demás personas a modo de homenaje a la verdad y la libertad.
Directores del neorrealismo italiano
A continuación, enlistamos a los cineastas del realismo italiano que se encargaron de dejar huella en toda la historia del cine gracias a sus visiones sobre la vida y a la forma en cómo la plasmaron en sus películas.
Vittorio De Sica (1901-1974) empezó en el mundo de la actuación cuando tenía 16 años y apareció en comedias románticas en las que destacó por su gran atractivo físico. Y su amor por el cine creció tanto, hasta que empezó a dirigir largometrajes en 1940 acompañado de su socio Cesare Zavattini. Algunos de sus filmes destacados son: “Sciuscià”, “Ladri di biciclette”(que le valió un premio Oscar) y “Umberto D.”.
Retrato de Vittorio De Sica en Schiphol, Amsterdam, 1962 (Harry Pot, CC BY-SA 3.0 NL, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Roberto Rossellini
Roberto Rossellini (1906-1977) fue uno de los directores de cine italianos que desde pequeño se vio interesado por el arte y comenzó a hacer películas de aficionados en la adolescencia; le gustaban las técnicas de la edición de fotografías y vídeos, así como también el doblaje y las tramas. No fue sino hasta 1943 que el cineasta italiano empezó a poner en marcha sus proyectos y regaló al mundo joyas como “Roma, città aperta”, “Paisà” y “Germania anno zero”.
Roberto Rossellini en 1951 junto al gato Saha del episodio ‘Envidia’ que dirigió en “Los siete pecados capitales” (1952) —(Unknown author, Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Luchino Visconti
Luchino Visconti (1906-1976) tuvo contacto con el arte en general en sus primeros años de vida, y ya en la adultez se metió en el mundo cinematográfico cuando comenzó como ayudante del director Jean Renoir, al tiempo que preparaba los guiones de sus primeras películas “Ossessione” y “La Terra Trema”, dos de los metrajes más destacados del neorrealismo italiano.
Retrato de Luchino Viscontti fumando un cigarrillo en 1972 (Marisa Rastellini (Mondadori Publisher), Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Federico Fellini
Federico Fellini (1920-1993) fue otro de los encargados de proyectar el cine neorrealista italiano de la posguerra, y un visionario que añadió otra forma de ver la realidad de su época. Fue un apasionado del arte y el circo que entró al mundo del cine gracias a su amigo Aldo Fabrizi, y trabajó junto a Rossellini y Alberto Lattuda en sus grandes obras.
Foto de Federico Fellini en 1965, en el set de «Giulietta degli Spiriti», extraída de la revista «Gente» (Autor desconocido, Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Alberto Lattuada
Alberto Lattuada (1913-2005) fue un arquitecto, escritor y director italiano que entró en la industria cinematográfica italiana en 1933 como decorador de escenarios, y ya en 1943 estaba a cargo de la dirección de su primera película. Entre sus mejores obras están “ Il delitto di Giovanni Episcopo”, “Il cappotto” y “Fräulein Doktor”.
Alberto Lattuada en el Festival de Cine de Venecia de 1991 (Gorup de Besanez, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Giuseppe de Santis
Giuseppe de Santis (1917-1997) está entre los cineastas neorrealistas italianos más top de los años 40 por películas como “Riso Amaro” y otros metrajes que reflejaron la realidad del país. Antes de estudiar en el Centro Sperimental di Cinematografia de Roma, estudió literatura y filosofía, al tiempo que trabajaba como periodista para la revista Cinema; y todo ese estudio lo ayudó a plasmar su visión en las obras que proyectó.
Giuseppe De Santis fotografiado durante una pausa en el rodaje de la película «Giorni d’amore» (1954) (Federico Patellani, Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Actores del neorrealismo italiano
El tema de los actores del neorrealismo italiano sigue siendo sorpresa para muchos, ya que las primeras películas neorrealistas italianas se caracterizaron por no contar con un elenco profesional (pocas veces) para interpretar los diferentes roles, ni siquiera los principales. No obstante, varios nombres que resonaron en el cine del neorrealismo italiano fueron:
Ingrid Bergman
George Sanders
Giulietta Masina
Carlo Battisti
Lamberto Maggiorani
Directores de cine italianos como Rossellini, De Sica y Visconti, usaron este método con niños y adultos para muchas de sus películas porque querían hacer de su obra algo natural y con una narrativa más fluida.
Características del neorrealismo italiano
El realismo italiano tiene varias características que lo hacen único. Por ejemplo, se centra en personajes e historias realistas, es decir que acerca mucho más al espectador a las vivencias del día a día. Otros rasgos del neorrealismo italiano, además del enfoque estético y práctico del cine, son los siguientes:
Presupuesto y locación
Las películas del cine neorrealista italiano a menudo se hacían en locaciones comunes de la ciudad, y de esta forma se buscó ofrecer una historia más realista con la que los espectadores pudieran conectar.
Por otro lado, los presupuestos destinados para las películas en italiano eran muy reducidos. Básicamente fue una manera de enlazar todo con la situación que estaba viviendo Italia en medio de la posguerra.
Sin finales felices
Las películas de Italia en los 40 querían alejarse tanto de los preceptos de Hollywood que, en su mayoría, eliminaban de los guiones los finales felices. Esto se debe al contexto histórico en el que se desarrollaban las historias.
Estilo documental
El neorrealismo italiano en el cine se basó mucho en el estilo documental neorrealista italiano tomó sus claves estilísticas del cine documental y algunos directores preferían centrarse en la improvisación de los diálogos de sus personajes.
No obstante, otros cineastas del realismo italiano se decantaban por hacer una crónica de los acontecimientos diarios no tan dramáticos de los ciudadanos y, en el proceso, se apoyaban de un guion más elaborado para la obra.
Otra de las razones por las que preferían el estilo documental es que se hacía más fácil filmar y no era necesario cargar con todas las luces y demás elementos de grabación. Los directores podían moverse de un sitio a otro e ir documentando todo en sus cámaras livianas.
Narración fluida
Otra de las características del neorrealismo son los diálogos fluidos que se dan en la narrativa, la cual se centra en la vida cotidiana. Los cineastas del realismo italiano buscaron incorporar conversaciones improvisadas para emular la simpleza de los intercambios sociales de la época.
Visión de la sociedad
El neorrealismo italiano en literatura y en el cine tuvieron un enfoque hacia las vivencias de los ciudadanos en el área social y política, y mostraron el repudio del fascismo y la censura que se instaló el reinado de Mussolini.
Asimismo, mostrando las características sociales de Italia, las películas neorrealistas fueron la contraparte de las comedias, melodramas y largometrajes de teléfono blanco, y a menudo dejaron en evidencia las diferencias de clases sociales, la pobreza y la realidad enmarcada en la posguerra.
Humanismo y realidad
Con el fin de la censura se empezaron a mostrar temas que antes estaban prohibidos (como los temas sociales y dilemas morales), y se vio expuesta la humanidad como concepto, sin diferencias entre buenos o malos.
La narrativa, tanto en libros del neorrealismo italiano, como en el cine hizo que las personas se engancharan con los protagonistas y sus historias realistas de redención.
Películas del neorrealismo italiano
Ahora bien, ya que hemos desglosado las características de este estilo de cine, es momento de hablar de las 25 películas del neorrealismo italiano que son esenciales para la compresión del género.
Ossessione (1942)
Ossessione es el primer largometraje de Luchino Visconti, y está basado en “El Cartero Siempre Llama dos Veces”, la novela de 1934 de James M. Cain. Este filme es considerado a menudo como el que abrió camino a las demás películas del neorrealismo italiano.
Ossessione narra la historia de amor que nace entre un trabajador y la esposa del propietario de una trattoria. Este romance trágicamente termina en el asesinato del dueño del lugar, ubicado en las llanuras del Po.
Gente del Po (1943)
La película de Michelangelo Antonioni, que es dirigida y escrita por él mismo, retrata cómo es la vida de las personas que residen alrededor del río Po, en la Italia de 1940.
Los Niños Nos Miran (1944)
Junto a Zavattini, De Sica estrenó esta película que muestra las graves consecuencias de la locura adulta en un pequeño niño que se enfrenta a la desintegración de una familia que no repara en destruir su inocencia.
Roma, Citta Aperta (1945)
Esta fue una de las primeras películas de Roberto Rossellini (la primera de la Trilogía de la Guerra) que se enfocó en contar la historia sobre la dificultad de vivir en una sociedad sin ser censurada y, en contraste, mostró la lucha de las personas en medio del fascismo y la guerra.
Póster original de «Roma, città aperta», 1945 (Excelsa Film) — (Breve Storia del Cinema, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Paisà (1946)
La segunda entrega de la Trilogía de la Guerra de Rossellini trata sobre la vida en una finca rural aislada que había sido tomada por fascistas locales. Pero, a su vez, también es un reflejo de cómo la barrera del idioma puede tener graves consecuencias.
Sciuscià (1946)
Vittorio De Sica dirige esta película que se centra en un par de limpiabotas de Roma que han ahorrado dinero para comprarse un caballo, pero sus travesuras cambiaron el curso de la historia y terminaron en prisión, donde verán caer o fortalecer su amistad.
Il Sole Sorge Ancora (1946)
También conocida como “Outcry”, la película de Aldo Vergano es un drama bélico que se presenta como un homenaje a los combatientes italianos que regresaron de la WW2 y se encontraron con un país dividido entre ricos y pobres.
Germania, Anno Zero (1948)
Esta es la última parte de la Trilogía de Guerra de Roberto Rossellini, que se enfoca en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial. En esta historia el protagonista es Edmund, un niño de 12 años, que busca incansablemente la forma de mantener viva a su familia entera.
L’amore (1948)
Roberto Rossellini presentó “L’amore”, una película que se basó libremente en la novela “Malavoglia” de Giovanni Verga, y que tiene como núcleo la vida de los habitantes de la clase trabajadora de un pequeño pueblo de pescadores en la costa de Sicilia.
La Macchina Ammazzacattivi (1948)
Esta historia de Rossellini se centra en un fotógrafo del pueblo recibe una cámara mágica de manos de un extraño que se hace llamar Sant Andrea. Lo extraño de este nuevo artefacto es que, cuando se usa, puede eliminar a las personas malas. No obstante, surge la interrogante sobre el origen de este hombre misterioso.
Ladri di Biciclette (1948)
Este filme de Vittorio de Sica fue aclamado mundialmente y se ganó el premio Oscar a la mejor película de habla extranjera. La película ubica al espectador en la Roma de posguerra asolada por la pobreza, donde un hombre tiene la dicha de tener un nuevo trabajo, pero le roban su bicicleta, la que necesita para ir a su sitio de trabajo.
Para tratar de recuperarla, su mujer empeña toda la ropa familiar para rescatar la bicicleta (ya empeñada) y, en todo el proceso, Antonio y su hijo van a la calle en busca de su medio de transporte, en un intento desesperado de hallarla.
Póster oficial de «Ladri di Biciclette», 1948 (Produzione P.D.S.) — (Breve Storia del Cinema, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La Terra Trema (1948)
Esta película tiene lugar en un pequeño pueblo de pescadores en la costa este de Sicilia, Italia, donde queda expuesta la explotación de los pescadores de clase trabajadora que se ganan la vida con esta actividad. La obra de Visconti es una especie de adaptación de la novela de Giovanni Verga, “La Casa del Níspero”.
Bajo la dirección de Giuseppe De Santis, “Riso Amaro” se centra en una pareja de delincuentes que huyen de la ley y, al final de todo, terminan trabajando en un campo de arroz. No obstante, eso no significa que abandonaron sus fechorías, pues ahora traman invitar a sus compañeros a que participen en el próximo robo.
Otro neorealismo de Rossellini que cuenta la travesía de una mujer que intenta escapar de un campo de prisioneros y se casa con un pescador de Stromboli. No obstante, la nueva vida en el pueblo no será nada fácil, pues viven en una constante amenaza de una erupción volcánica.
Francesco, giullare di Dio (1950)
Roberto Rossellini narra la historia de San Francisco (el santo), historia que está basada en la novela del siglo XIV, “Fioretti Di San Francesco” y en “La Vita di Frate Ginepro”, Es una adaptación que estuvo a cargo de Frederico Fellini (coescritor) y Rossellini en la dirección.
El filme Michaelangelo Antonioni se centra en una hermosa mujer casada con un exitoso empresario que se enfrenta a un cambio agitado cuando se encuentra con un viejo amante, hombre con el cual comparte un oscuro pasado.
Bellissima (1951)
Luchino Visconti dirige la película que se centra en una madre que sueña con que su hija sea una actriz reconocida, así que remará contra viento y marea para ver a su pequeña en el casting de la película del director Alessandro Blasetti. Sin embargo, puede enfrentarse a los peligros de confiar en quien no debe.
Miracle in Milan (1951)
En este filme De Sica trabajó con actores profesionales y no profesionales para narrar cómo un niño de Milán lucha para sobrevivir después de la muerte de su madre adoptiva.
La película de Giuseppe De Santis explora el impacto que generó una oferta de trabajo respondida por 200 mujeres y el accidente que ocurre en la compañía. El metraje está basado en un accidente real que ocurrió en 1951, donde más de 80 trabajadoras resultaron heridas o murieron al derrumbarse una escalera.
Rossellini está a cargo de la dirección de este largometraje que cuenta la vida de una adinerada pareja estadounidense que vive despreocupadamente en Roma, pero se enfrentan a la trágica muerte de su hijo. Para no sucumbir ante la culpa, deciden ayudar a personas en situación de calle; sin embargo, esto podría traerle problemas.
Umberto D. (1952)
Umberto D. es otro de los logros de De Sica que habla de la vida de un funcionario jubilado con bajos ingresos económicos que alquila una habitación en la Roma de la posguerra, para hacerla su hogar junto a su leal perro y una criada adolescente. El hombre se ve tentado a quitarse la vida cuando llega la solicitud de desalojo.
I Vitelloni (1953)
Este fue el primer éxito internacional de Federico Fellini, una película autobiográfica ambientada en Rimini, la ciudad natal del director. La historia sigue la vida de cinco jóvenes que deambulan por las calles del pueblo costero al tiempo que van pensando (o no) en el futuro de sus vidas.
Stazione Termini (1953)
El drama de De Sica se centra en la vida de Mary Forbes, una estadounidense que viajó a Italia a pasar unas vacaciones y se enamoró de Giovanni. La mujer ahora debe decidir si subir al tren para reunirse con su esposo y su hija, o quedarse con el italiano que le robó el corazón y se ha convertido en el amor de su vida.
Viaggio in Italia (1954)
Roberto Rossellini dirige esta película en la que se describe un matrimonio inglés que está al borde del fracaso y se dan cuenta durante un viaje por el campo cerca de Nápoles. El filme es un retrato de emociones encontradas.
La Strada (1954)
La crítica variada ha considerado a La Strada como “la mejor obra” de Federico Fellini, y es que también fue la ganadora del primer Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera. El largometraje cuenta la historia de una chica que fue vendida por su madre a un luchador de feria; y ahora debe ser su asistente y trabajar en lo que él desee.
Póster oficial de la película “La Strada”, 1954 (Dino De Laurentiis, Carlo Ponti) —(Pabloglezcruz, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El realismo italiano, aunque comenzó como una reacción al fascismo y a las películas que solo mostraban la vida ostentosa, se convirtió en un género influyente que buscó mostrar la realidad de la sociedad (a modo de crítica y también para hacer visibles los problemas), y tiempo después daría pie a la segunda ola de neorrealismo italiano (1953-1978). Pero no solo se quedó ahí con su influencia, sino que también se extendió hasta Reino Unido, Francia, Brasil, Cuba, México, Bolivia y Argentina (neorrealismo español). Y no se trata de que todos quieren ser italianos; más bien adaptaron sus realidades al neorrealismo en el cine, en sus idiomas natales.
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![Phillip Leonian [1] from New York World-Telegram & Sun.[2]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Isaac.Asimov01.jpg){kind=link}
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