El viejo continente cargado de una sazonada historia de batallas, heroísmo, amor y muerte; es plaza de una cultura popular igual de enriquecida. Las leyendas de Europa son parte de esta herencia folklórica que se fue forjando desde antes del Medioevo y reúne una larga lista de creencias basada en la imaginación y en vivencias testimoniales. Los mitos de Europa cuentan sobre la existencia y el poder de brujas, vampiros, dragones, fantasmas, hadas y sirenas entre la vida cotidiana de los humanos.
Tipos de brujas: Características, poderes y prácticas de las diferentes clases de brujas que existen
Es el personaje principal de la novela del escritor irlandés Bram Stoker; publicada en 1897 y que ha sido versionada en cine, teatro y cómics. El conde Drácula es un hombre vampiro, cruel y maligno con su víctima a las que muerde en el cuello para proveerse de la sangre humana necesaria y sobrevivir. Entre otros rasgos particulares del personaje es que duerme en un sarcófago y tiene vida eterna a menos que sea tocado por la luz o se le clave una estaca en el corazón. También teme a los crucifijos y no proyecta su sombra.
Sin embargo, se cree que quien le dio inspiración a Stoker para las características esenciales del personaje, existió en la historia real y su nombre era Vlad Tepes o Vlad el Empalador, príncipe de Valaquia y quien murió en 1476 en Transilvania.
A diferencia de Drácula, Vlad III no era vampiro, pero existen evidencia de su predilección por la sangre. Vlad Dracul que en rumano significa demonio fue un príncipe que perteneció a la Orden del Dragon, llevaba capa negra sobre un atuendo rojo y como venganza por la muerte de su padre se dedico a horrorizar con empalamientos masivos, ejecuciones y crueles torturas durante años. Se cree que llegó a ejecutar a más de 60 mil personas. Vlad III tenía sed de sangre, mucha más que su copia, el conocido vampiro gótico de la literatura.
Retrato de Vlad III o Vlad Tepes, el Empalador (Artista desconocido, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El monstruo del lago Ness
Es una de los cuentos más antiguos de Escocia desde hace 1.500 años. La leyenda corta de Nessie, como lo bautizaron los escoceses, se trata de un monstruo que vive en las profundidades del Lago Ness. Se cree también que mide entre ocho y nueve metros de longitud, que tiene la piel oscura y un cuello largo. Esta descripción lleva a creer que se trata de un plesiosaurio (dinosaurio marino) que superó la extinción.
Sobre esta leyenda corta del Monstruo del Lago Ness, no existe registro confirmado de su existencia, apenas algunas fotos desmentidas y en 1868, el periódico Inverness Courier informó que se había visto un pez de extraña morfología y grandes dimensiones en el lago Ness. En los años 30 hubo un auge de al menos dos mil avistamientos, pero muchos respondían a la imaginación o confusión de otros objetos.
El lago Ness es un profundo lago de agua dulce ubicado en las Tierras Altas (Highlands) de Escocia, muy cerca de la ciudad de Inverness.
Pintura que retrata al monstruo del Lago Ness (Hugo Heikenwaelder, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La dama blanca
Otra de las leyendas antiguas de Europa, trata de una leyenda universal que se repite en varios países del continente y en América, y en cada uno se conoce con diferentes nombres. La dama blanca se conoce por ejemplo como mulher de branco en portugués, Moringa en Irlanda; en la India la llaman kuladeva, en Norteamerica la novia sin cabeza y en México, la llorona. En Europa, se le ve en casi todos los países y en las mitologías de diferentes países celtas.
Las leyendas de diferentes países dicen que es el fantasma de una mujer joven que aparece para expresar su pena ya que su muerte fue inesperada y trágica. Algunos señalan que murió de hambre y maltratada por su marido, que perdió a sus hijos y que murió durante un parto o que fue asesinada por su padre. En venganza dicen se hace visible para secuestrar niños, seducir a los hombres o solo para asustar a personas de mala intención.
La describen como una mujer pálida con un vestido largo y blanco o con una bata de dormir, lleva puesto un tocado del mismo color muy usado en la edad media por las mujeres de la nobleza europea.
Representación de John Dee y Edward Kelly invocando a la Dama Blanca (Sibly, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El fantasma de la ópera
Es una de las leyendas interesantes y enrevesada, adoptada de la novela gótica de Gastón Leroux sobre un misterioso hombre que horrorizaba a los usuarios de la Ópera de París en su intento por llamar la atención de una joven bailarina. El fantasma era en realidad un ser humano atormentado por la deformidad de su rostro, que junto a una máscara le daban ese aspecto espectro que causaba temor. El personaje con muchas habilidades artística vivía en el sótano del teatro.
Su talento para la composición lo hicieron imprescindible para la dirección de la Ópera, a la que exigía 20.000 francos al mes además de un palco privado para los conciertos. Lo acusaron de ser el causante de terribles accidentes en el lugar, como el de la bailarina que murió al caerse de un escalón, un espectador que murió al caerle encima uno de los contrapesos de la gran lámpara de araña y un tramoyista que apareció ahorcado en misteriosas circunstancias.
Aunque nunca se comprobó su verdadera existencia, testimonios de artistas de la época aseguran que hubo el caso de un hombre con características similares, deformado que utilizaba una máscara y que se enamoró de una actriz de la Ópera Garnier.
Portada de la primera edición estadounidense de la novela El Fantasma de la Ópera, publicada en 1911 (André Castaigne, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Romeo y Julieta
Es una de las leyendas de amor cortas entre dos jóvenes de 16 años fue inmortalizada por William Shakespeare. Romeo y Julieta pertenecían a dos familias enemigas y poderosas que vivían en la ciudad de Verona, los Capuletos y los Montescos, que se oponían al amor entre ambos.
Y aunque la breve historia de amor de tan solo seis días terminó en tragedia, se trata de uno de los idilios de amor que más ha inspirado a hombres y mujeres en el mundo, desde finales del siglo XVI cuando data la obra. Una de las más famosas leyendas de Italia cortas.
Verona como ciudad escogida por el dramaturgo y escritor para la obra, recibe por largos años la visita de parejas jóvenes y matrimonios que buscan reafirmar su amor. Existe incluso un recorrido al edificio llamado la Casa de Julieta, con arquitectura del siglo XIII en el que pudo haber habitado la familia. En el patio interno hay una estatua de bronce de Julieta a la que la creencia popular le atañe la llegada del amor verdadero o la buena suerte si se le toca el seno derecho.
Representación de la escena del Balcón entre Romeo y Julieta (Frank Bernard Dicksee, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El reloj de Praga
El Reloj Astronómico de Praga, de diseño medieval más famoso del mundo, fue construido en 1410 por el maestro relojero Hanus y perfeccionado por Jan Taborsky en el siglo XVI. Según esta, una de las leyendas de Europa cortas, el carpintero realizó un trabajo tan original que para que no lo repitiera en ningún otro edificio los concejales de la época le dejaron ciego.
En venganza, metió su mano dentro del reloj a fin de paralizar su mecanismo, logrando su cometido pero el accidente hizo que muriera desangrado. Desde entonces, se cree que el reloj es una especie de amuleto que mantiene a salvo a la ciudad pues cada vez que ha logrado detenerse se registra una tragedia en Praga.
El reloj tiene el diseño de un astrolabio dividido en tres partes, capaz de marcar cinco momentos del tiempo paralelamente, es decir tres horas distintas, la posición de la mano dorada en los números romanos indica la hora en Praga. Calcula automáticamente la hora de salida y de puesta del sol a partir de la posición geográfica en la que está ubicado.
Reloj y calendario astronómicos de Praga, ubicados en el ayuntamiento (Maros M r a z (Maros), CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La casa de las siete chimeneas en Madrid
Es un edificio histórico guarda una vieja leyenda de fantasma difundida en la ciudad desde el siglo XVI y conserva en sus paredes una de las leyendas de amor largas. La leyenda dice que esta casa se erigió para la hija de un montero de Felipe II, Elena, quien se casó con un capitán del ejército del rey muerto en combate. Se creía que la joven viuda dejó de comer y murió de pena, pero los sirvientes aseguraban que había sido apuñalada por varias marcas que vieron en su cuerpo.
Tiempo después,varias personas declararon haber visto a una mujer vestida de blanco recorriendo el tejado entre las chimeneas de la casa, la cual llevaba una antorcha en la mano mientras que con la otra señalaba hacia el Alcázar, morada del rey Felipe. Se especula que se trataba del fantasma de Elena reclamando justicia por su muerte.
La casa queda en la calle Infantasjunto a la plaza del Rey, en el Barrio de Chueca, a pocos pasos de la Gran Vía.
Vista general de la casa desde el ángulo sureste (Luis García, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La sirena de Varsovia
Según varias leyendas en Europa, la sirena llamada Szawa, nadando por el río Vístula llegó a una pequeña aldea de pescadores, en el interior de la actual Polonia. Ella se divertía molestando a los pescadores, liberando los peces y enredando los sedales, pero los contentaba con su bello canto. Un día, un mercader, tapándose los oídos para no quedar hipnotizado, logró atraparla y encerrarla en una jaula para mostrar su rara cola y ganar dinero con ello. No es uno de los cuentos europeos cortos más conocidos, pero sí es bastante conmovedor.
Su lamento constante conmovió a los pescadores, quienes lograron liberarla. Ella, en agradecimiento, decidió quedarse en el lugar y prometió ayudar y defender la ciudad portando una espada y un escudo.
Actualmente, un monumento de la Sirena en Powiśle está ubicado junto al río Vístula, al lado del puente Świętokrzyski, es de los pocos que sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial. La sirena también aparece en el escudo de armas de Varsovia durante siglos.
Monumento de la Sirena, en Varsovia (Adrian Grycuk, CC BY-SA 3.0 PL, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Los cuervos de la torre de Londres
Por orden del gobierno londinense en los dominios de la Torre de Londres, tiene que haber de forma permanente un mínimo de seis cuervos, para hacer seguimiento a una de las leyendas urbanas de Europa. Poppy, Erin, Jubilee, Rocky, Harris, Gripp y Georgie son los custodios alados de este edificio y su principal atracción.
Según la leyenda si los cuervos que habitan la torre salieran volando, la fortaleza de mil años de antiguedad así como el Reino caerían. Por tal motivo, Carlos II decretó la permanencia y cuidado de estas aves en el recinto por parte de guardianes de la corona. Se dice que esta advertencia lo dijo el astrónomo real, lo cierto es que por su creencia relacionada a la corona, un grupo de no menos de seis cuervos permanecen en el lugar generando curiosidad y diversión a los turistas que visitan la capital del Reino Unido.
Es otra de las leyendas de países europeos, cuenta que un joven gaitero fue asignado a recorrer los túneles que construyeron los antiguos defensores del castillo, tocando su instrumento musical para hacer seguimiento a su ubicación pero súbitamente el sonido cesó y con él, el hombre que se especula quedó perdido entre los pasadizos subterráneos de la fortaleza.
Este lugar ubicado entre colinas verdes, es el predilecto de los turistas que visitan Escocia, quienes aseguran escuchar en su interior el eco de una gaita desde las profundidades.
Edimburgo es una de las ciudades medievales mejor cuidada de toda Europa, conserva su arquitectura gótica, caracterizada por una enredadera de callejuelas oscuras y estrechas que confluyen hacia el castillo y que han sido motivo de inspiración para los cuentos de brujerías y apariciones.
Calle Victoria en Old Town, Edimburgo (Autor desconocido, CC BY-SA 3.0 PL, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Los dragones de Europa del Este
La variedad de dragones e historias relacionadas a estas criaturas mitológicas en todo el continente europeo, es enorme. El dragón europeo es una criatura alada, con patas, crestas y cuernos y que expulsa fuego. El típico dragón protege un castillo llenos de oro y tesoros y es el héroe de cada historia el único capaz de vencerlo. Es una de las más comunes leyendas de Europa para niños.
las leyendas sobre los dragones alados tienen su origen en la Biblia, pero cada población guerrera contó con un tipo de dragón. En el caso de los dragones griegos eran guardianes del submundo, los dragones romanos eran una mezcla de los griegos y los persas, los dragones eslávicos protegían a los humanos y a las siembras, los dragones germánicos tenían forma de serpientes marinas vigilaban tesoros. Con característica también malignas existieron los dragones célticos, en la península ibérica, en Italia y en las leyendas de otros países.
En el folclore de leyendas europeas, los dragones suelen estar relacionados con el mal y todos escupen fuego, en cambio los dragones de las leyendas de Asia son asociados con el bien y la suerte. En la cultura china representa la buena fortuna, la abundancia y la llegada de las lluvias.
Pintura Zmey Gorynych (Viktor Mikhailovich Vasnetsov, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Niño cambiado por hadas
El robo de niños por parte de las hadas es una leyenda de países escandinavos, Escocia e Irlanda, es netamente de las leyendas de la cultura europea legendaria y era un modo de justificar o explicar la muerte o deformidad de niños, bastante común en la época medieval.
Se llamaba changeling al acto de intercambiar niños mortales por niños de las hadas, elfo, trol o cualquier criatura fantástica y fallecían a las pocas horas o ya estaban muertos al cambiarlos. Los niños secuestrados por los seres mágicos eran llevados hacia un lugar seguro; donde vivían felices y saludables.
Según las leyendas europeas era más común el secuestro de niños varones que de niñas, por eso las madres protegían a sus hijos vistiéndoles con vestidos y dejándoles crecer el cabello. Retratos de la época lo confirman. En casos trágicos algunos niños terminaban maltratados o asesinados por sus padres, quienes pensaban eran un intercambio.
Pintura de John Bauer donde se presentan troles que crían un niño cambiado (John Bauer, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Libros sobre leyendas europeas
Si deseas ahondar todavía más en los mitos y leyendas que forman parte de la cultura europea, los siguientes libros pueden serte de mucha utilidad.
1. Mitos y leyendas de Europa
Esta es una antología de mitología y leyendas de Europa realizada especialmente para niños. Su objetivo es proveer un enfoque didáctico sobre el folclore europeo para las generaciones más jóvenes.
Estas referencias rescatan otros nombres de leyendas famosas, pero son solo un pequeño asomo de la extensa sábana de leyendas de Europa que se extienden por todo el territorio occidental y que se mantienen vigentes pese al paso de los años y la arrolladora modernidad de las ciudades. Más que desaparecer, los mitos de Europa se han unido a la cotidianidad de sus habitantes y se comparte a turistas que visitan estas tierras, a través, por ejemplo, de un circuito de leyendas de Europa mostrando con orgullo los misterios de los ritos esotéricos de París; las apariciones de brujas y vikingos en Dublín; la magia negra en Praga o la presencia de espectros sobre y bajo las calles de Edimburgo.
Antes de empezar con los ejemplos de arquetipos, es necesario explicar qué significa arquetipo. Se puede pensar en significado arquetípico como una plantilla, un molde; pero en psicología, un arquetipo es un patrón de pensamiento heredado inconscientemente por los humanos de años y años de experiencias colectivas. Entonces, el significado de arquetipo viene de la teoría de Carl Gustav Jung, el ilustre psiquiatra que consideró que la mente contiene conocimiento inconsciente de nuestros antepasados, esperando ser activado. Dicho esto, procedemos a enlistar los 12 personajes arquetípicos más populares.
Arquetipos de Jung: Qué son, tipos y ejemplos de los arquetipos junguianos de personalidad en psicología
Como hemos mencionado al principio, es posible que sepas sobre algunos personajes arquetípicos, puesto que están presentes en el marketing (arquetipos de marca), en el mundo literario, y también en el arte y el cine; pueden ser protagonistas buenos o villanos, mayores o menores. A continuación, estos son los 12 ejemplos de tipos de arquetipos:
El amante
Iniciando con los arquetipos de personajes, está el hombre o la mujer que toma las decisiones con base en sus sentimientos. La fortaleza del amante es ser apasionado y muy humanista, hace todo con convicción.
El arquetipo de persona que presenta “el amante” es alguien que le encanta dar y recibir amor, valoran la belleza sobre todas las cosas y prefieren estar en un ambiente agradable. Sin embargo, es ingenuo e irracional, porque tiene de a tomar decisiones desde un punto de vista más emocional y menos racional.
Ejemplos de arquetipos de amantes:
Si analizamos la definición anterior, encaja totalmente con personajes literarios y de películas como Romeo y Julieta, y Bella de la “La Bella y la Bestia”.
Bella se dejó llevar por su buena fe y terminó enamorada de la Bestia (Robert Sullivan, Dominio Público, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El héroe
Otro ejemplo arquetípicos es “el héroe”. En este caso, el arquetipo del héroe describe a una persona honorable, perseverante, y con la fuerza necesaria para tomar justicia por mano propia.
El héroe tiene una resistencia y vitalidad admirables que le facilitan el camino hacia su cometido. No obstante, puede llegar a ser muy ambicioso, controlador, arrogante, y su exceso de confianza podría jugarle en contra.
Los personajes que se ajustan al arquetipo del héroe son: Aquiles (La Ilíada), Luke Skywalker (Star Wars) y Wonder Woman.
Wonder Woman es el perfecto ejemplo del arquetipo del héroe (bladeco70, Pixabay).
El mago
El mago es una figura poderosa que aprovecha cualquier oportunidad que le regala el universo para lograr sus objetivos. Es un personaje revolucionario que está creciendo y transformándose constantemente.
En contraparte, las personas que se identifican con este arquetipo pueden ser arrogantes, corruptos, y existe la posibilidad de que tornen un evento positivo en negativo.
Ejemplos de arquetipos de mago:
Los personajes que encajan en este perfil son Gandalf de “El señor de los anillos” y Morfeo de “Matrix”.
Gandalf ‘El Blanco’ es el mago del mundo de «El Señor de los Anillos» (Joel Lee (maxbat), CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El rebelde o forajido
El rebelde que busca cumplir con las demandas de la sociedad, es independiente, no le gusta deber favores, es transgresor y no vive de opiniones de terceros. Como resultado de su personalidad, al forajido les gusta ir contra la corriente y puede ser algo egoísta.
Aunque está en contra de la discriminación y las injusticias, la desventaja del arquetipo del forajido es que puede cometer crímenes con tal de lograr su cometido; eso también puede llevarlo hacia la autodestrucción.
Ejemplos de arquetipo rebelde:
Han Solo de “Star Wars”, Humbert de “Lolita” y Batman “The Dark Knight” son ejemplos perfectos para este arquetipo.
Batman es un rebelde y antihéroe a la vez (ArFuTr, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El explorador
El explorador es un viajero sin un camino claro, siempre está abierto a nuevas posibilidades y le encanta la aventura. Asimismo, le encanta descubrir lugares y cosas sobre sí mismo, alimentado por la curiosidad y la superación personal.
En contraparte, la desventaja de este arquetipo es que, como está en la contante búsqueda de algo que sea «perfecto», tiende a ser una persona inconforme que le cuesta establecerse en un solo lugar.
Ejemplos de famosos exploradores:
Odiseo (“La Odisea”), Huckleberry Finn (“Las aventuras de Huckleberry Finn”), y Sherlock Holmes son los personajes que más se adaptan a este arquetipo.
Póster de la película de 1916 de «Sherlock Holmes» (Ensayo, Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original). .
El sabio
La teoría de Jung plantea que el sabio puede adaptarse a la figura materna o mentora, pues es un personaje perspicaz, habla de la experiencia y tiene un gran intelecto. El arquetipo del sabio es un pensador libre, busca comprender el mundo y le encanta analizar.
Además, siempre tiene algo para decir sobre un tema, un argumento o una cita. No obstante, sus debilidades también lo afectan; es cauteloso y no está tan dispuesto a unirse a la acción.
Ejemplos de arquetipo del sabio:
Atenea de “La Odisea”, Hannibal Lecter de “The Silence of the Lambs” y El oráculo de “Matrix” son los sabios más famosos.
Anthony Hopkins encarnó al despiadado Hannibal en serie cinematográfica de Hannibal Lecter (Towpilot, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El inocente
Otro de los arquetipos de personalidad es “el inocente”. Este es un personaje moralmente puro que, a menudo es interpretado por un niño, así que normalmente es sincero, bondadoso y de buena moral. Con respecto a sus debilidades, es una persona vulnerable, complaciente e ingenua, y rara vez destaca por ser habilidoso.
Ejemplos de arquetipos inocentes:
Los personajes que encajan en este arquetipo son Tiny Tim (“Un cuento de Navidad”) y Cio-Cio-san (“Madame Butterfly”)
Póster de Adolf Hohenstein para la película de «Madame Butterfly» (Susalenox, Dominio Público, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El Creador
Las personas que tienen personalidades como la de “el creador” son visionarias, creativas, tienen gran convicción y fuerza de voluntad. Asimismo, tienen un profundo deseo de libertad, son inteligentes, autosuficientes e inconformistas.
Sin embargo, los creadores pueden obsesionarse en búsqueda de la perfección y evitan los conflictos que pueden ser generados por las opiniones de personas conflictivas. Además, suelen ser personas introvertidas y aisladas.
Ejemplos de arquetipos de creador:generados por
Zeus de “La Ilíada”, el Dr. Emmett Brown de “Back to the Future” y el Dr. Moreau de “La isla del Dr. Moreau”, son personajes que se ajustan a esta definición.
Zeus es la personificación del arquetipo del creador (Prettysleepy, Pixabay)
El gobernante
¿Qué es arquetipo del gobernante? Pues es un personaje con poder legal o emocional sobre los demás y es una persona importante a nivel social. Además, es un líder nato, le gusta poner reglas, órdenes y, por lo general, es una persona estable que busca siempre la excelencia.
El gobernante es uno de los 12 arquetipos junguianos que se relaciona con el liderazgo y el poder, pero el lado negativo de este perfil es que suele ser autoritario y dominante; le gusta tener control sobre las personas y las situaciones. También puede ser indiferente, poco empático e incapaz de hacer contacto emocional con otros.
Ejemplos de arquetipos de gobernantes:
Tony Soprano de “Los Soprano” y Creonte de “Edipo Rey” son perfectos ejemplos de qué es el arquetipo del gobernante.
Tony Soprano en «Los Soprano» fue el líder de la mafia (Diariocritico de Venezuela, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El cuidador
En esta lista de arquetipos de Jung también está “el cuidador”, una persona que constantemente hace sacrificios para ayudar a otras personas con tal de verlas bien. En su mente, puede proteger a todos porque tiene fuerza y valentía suficiente; busca a toda costa asegurar la felicidad de los demás.
Pero el resultado de todo ese esfuerzo y desinterés también puede desencadenar una personalidad mártir que recuerda constantemente a todos el sacrificio que ha hecho por ellos. Además, no tiene ambición y carece de liderazgo.
Ejemplos de arquetipos de cuidadores:
Calpurnia (“Matar a un ruiseñor”), Samwell Tarly (“Game of Thrones”), y Mary Poppins son personajes perfectos para esta definición.
Una mujer interpreta a Mary Poppins en Disneyland de París (PerceptionAspergirl, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El huérfano o el hombre común
En los arquetipos según Jung, el arquetipo del huérfano también se conoce como el arquetipo del hombre común; es un personaje identificable que tiene una vida marcada por traumas, conflictos, abusos y no tiene sentido de pertenencia.
Aunque puede que el personaje sea decidido y con carácter, tiene que buscar aceptación y afecto de forma constante. También son fáciles de manipular, para bien o para mal, así que pueden caer en engaños fácilmente.
Ejemplos de arquetipo del huérfano:
Simba de “El Rey León” y la actriz Marilyn Monroe son ejemplos famosos de lo qué es un arquetipo del huérfano debido a sus infancias llenas de tragedia y tristeza.
Finalmente, está el “bufón” otro de los arquetipos de la personalidad de Carl Jung que describe a un personaje divertido que puede decir verdades importantes. Es cautivador, perspicaz y le gusta disfrutar la vida y hacer reír a los demás.
Lo que define arquetipo es su capacidad de recuperarse fácilmente de las tragedias y que pueden pensar fuera de la caja. En contraste, el lado negativo de esta clase de arquetipos en psicología es que puede ser desagradable, superficial, codicioso y muy perezoso.
Ejemplos de arquetipos de bufón:
Los personajes que se adaptan a este perfil son: Frank y Estelle Costanza de la serie “Seinfeld” y Joey de “Friends”.
Matt Le Blanc (foto de 1995) fue el encargado de darle vida a Joey en la serie «Friends» (Alan Light, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Los 4 arquetipos principales de Jung
Ya que nombramos a los personajes arquetípicos más famosos y enlistamos los ejemplos de arquetipos, ahora es momento de ir hacia el origen de ellos. Y aunque la definición de arquetipo está al inicio, en esta entrada vamos a ahondar un poco más en el tema de los arquetipos de Carl Gustav Jung.
Entonces, ¿qué son los arquetipos de Jung?, ¿de dónde nacen estos arquetipos de Carl Jung? Bueno, básicamente, de todo el estudio del psiquiatra suizo (1875-1961) que se hizo conocido por sus teorías del inconsciente personal y colectivo, y la extraversión e introversión.
A juicio de Jung, la psique humana (o el cuerpo, la mente y el alma) estaba formada por tres partes: el ego, el inconsciente personal y el inconsciente colectivo. De ahí tomó la base para la definición de arquetipo. De acuerdo al psiquiatra suizo, los arquetipos de personalidad están guardados en la inconsciencia colectiva de los humanos. Es decir, son patrones tomados de los primeros antepasados que habitaron la tierra.
Jung identificó doce arquetipos de personalidad, creía que cada ser humano había heredado esa «imagen mental» y aseguró que todos podemos reconocerlos. En síntesis, no aprendemos a adoptar esas “plantillas”, sino que funcionan para ver cómo vivimos las experiencias, las cuales varían dependiendo de las personalidades. A continuación, explicamos los cuatro arquetipos principales descritos por Jung:
La persona
La persona, en arquetipos y psicología, es cómo nos presentamos al mundo. Son los distintos comportamientos (o «máscaras») que empleamos en distintos ámbitos de la vida diaria; por ejemplo, cómo somos con nuestra familia, amigos, y cómo somos con nuestra pareja. En este sentido, este arquetipo es una especie de control de ego sobre las «imágenes negativa» que puedan surgir en las distintas situaciones.
Dicho esto, el arquetipo de persona permite que los humanos se adapten a los distintos entornos, pero identificarse demasiado con “la persona” puede generar que la persona pierda el sentido de su verdadero yo.
Ejemplos de arquetipo de persona
Como ejemplos de este arquetipo están las diferentes facetas de una persona, es decir, puede ser una madre, un padre, un abogado, una doctora, un policía o una maestra. Cada persona adopta comportamientos distintos en sus trabajos y sus hogares.
La sombra
En el mundo de Jung y arquetipos, la sombra recae en los instintos sexuales y de la vida. En la sombra está contenido todo el lado negativo que las personas no suelen aceptar: la maldad, los defectos, y todo aquello que desean las personas y que no está en el rango de los buenos principios.
La sombra nace del intento de adaptarnos a las normas y expectativas culturales. En la sombra reside lo que es inaceptable, inmoral, y lo que atenta contra la propia moral y valores personales; la codicia, el odio, los prejuicios y las agresiones son parte de la sombra.
De acuerdo a Jung, este arquetipos de personalidad puede aparecer en sueños o visiones en forma de serpiente, monstruo, demonio, u otra figura oscura y extraña que invada la mente humana. Es el lado más oscuro y desconocido de la psique, y está presente en cada persona.
Ejemplos del arquetipo de la sombra:
Un ejemplo del arquetipo de la sombra en la literatura está en “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde” (1886) de Robert Louis Stevenson, en donde se narra la vida del amable Dr. Jekyll, quien explora más allá de su naturaleza y deja ver su lado oscuro: el malvado Mr. Hyde.
Hyde no se dejaba controlar por Jekyll aunque este luchara con todas sus fuerzas y, aunque al final lo venció, las consecuencias fueron mortíferas.
Póster de 1931 de la película «Dr. Jekyll y Mr. Hyde» (1996 Larry, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Por otro lado, está Walter White de Breaking Bad (2008) un hombre común y corriente que sacó a relucir los lados más oscuros de su personalidad, para convertirse en Heisenberg, un hombre capaz de todo para lograr sus cometidos.
El ánima / animus
El ánima es la imagen femenina proyectada la psique masculina y el animus es lo contrario; es un arquetipo que representa al «verdadero yo» y no a lo que vemos en otras personas. De acuerdo a Jung, en cada hombre hay una mujer, y en cada mujer un hombre; ambos vistos como la «figura ideal» que ha sido implantada por la sociedad, y se convierten en estereotipos arbitrarios.
Es por ellos que siempre se está buscando comportamientos, tanto en hombres como mujeres, que dictaminen cómo deben ser según esas imágenes arquetípicas. De esta forma, tienen su propia autonomía y son independientes de nuestra mente consciente, siempre buscando las cualidades ideales en otras personas.
El ánima y el animus, cuando se combinan se llaman “sicigia”(pareja divina), que es sinónimo de unidad y alineación.
Ejemplos de arquetipos ánima/ animus:
Los ejemplos de estos arquetipos se dan en varias etapas de desarrollo en la vida, que van desde lo primitivo y la niñez, hasta lo espiritual, que trasciende de lo ordinario. En este caso:
Marilyn Monroe: diva sexual completamente desarrollada.
Michelle Obama: esposa, madre y cuidadora femenina madura y solidaria.
Richard Branson: masculino, fuerte, creativo, atractivo y un poco andrógino.
Barack Obama: masculino que personifica los valores seculares en su forma más evolucionada.
Barack y Michelle Obama son la ejemplificación ideal para el arquetipo ánima/animus (vargas2040, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El yo
El yo es un autoarquetipo que explica cómo el inconsciente y el estado consciente de una persona se vuelven uno cuando ha integrado su sombra, el anima/animus, y ha llegado en las zonas más profundas de la psique. A menudo, este arquetipo está gráficamente representado con un círculo, cuadrado o mandala.
En sus teorías, Jung sostuvo que el arquetipo de la totalidad abraza “la conciencia del ego, la sombra, el ánima y el inconsciente colectivo en una extensión indeterminable”, y a esto le llamó “individuación”.
La individuación se logra cuando se dejan de reprimir estos rasgos, se integran y fluyen para emerger de la sombra y coexistir con los rasgos del ego y/o el verdadero yo. En este sentido, el yo es una especie de centro regulador de la psique y también su totalidad. Esto significa que el punto de vista contiene objetividad, aceptación, reconciliación, equilibrio de los opuestos, y sentimientos e impulsos contradictorios.
Explicando el arquetipo del yo
Para Jung, el yo no tiene fronteras conocidas, porque todavía no sabemos el fin de lo que la mente es capaz de hacer, o lo que la conciencia e o toca, fuera de nuestro despertar.
Explicar su teoría sobre el yo es algo complicado, casi tanto como los demás arquetipos de Jung. De acuerdo al psicólogo suizo, llegamos a familiarizarnos con el yo durante la mediana edad, cuando ya hemos alcanzado la madurez, o al menos eso es lo que se espera.
Entonces, teniendo en cuenta lo cíclico de la vida, en la adolescencia empezamos a concentrarnos en el desarrollo del ego y sus manifestaciones externas: hogar, carrera, qué somos en el mundo, qué nos diferencia de otras personas.
En la mediana edad, se supone que hemos alcanzado la primera parte de nuestra vida, y ahora pasamos a la siguiente tarea en el ciclo. Esto consiste en reintegrar lo que necesitábamos separar durante la etapa de construcción del ego; y así nos encontramos con la sombra, el anima y animus, y vamos internalizando estos arquetipos.
A medida que nos familiarizamos con esas partes de nosotros mismos logramos obtener una visión de la totalidad de nosotros, iniciamos el proceso de realización. Notamos que nada es separado, sino que son parte de un mismo elemento que, a su vez, forman parte de un sistema global que tiene una gran conciencia propia. Todo se resume en: el Yo.
Ejemplo de autoarquetipo:
Jung identificó a Jesucristo como la ejemplificación del arquetipo del Yo, pues es el centro de la cristiandad como el yo es el centro de la personalidad de un individuo. El yo se identifica con la unión de los opuestos (como el símbolo del yin-yang), y Jesucristo es el Alfa y el Omega.
Además, Jung vincula el supuesto descenso de Cristo al limbo o al infierno durante el tiempo entre su muerte y resurrección como un símbolo de la integración del inconsciente colectivo.
Jung identificó a Jesucristo como el mejor ejemplo de «el yo» en sus arquetipos (Didgeman, Pixabay).
Evidentemente, la psicología de Jung guarda un misticismo que se quedó plasmado en la historia y, a pesar de que no fue tan difundida como la de Sigmund Freud, sus teorías han servido para explorar varios aspectos de la humanidad. Sus trabajos de investigación tuvieron un impacto positivo en los profesionales modernos, las estrategias comerciales y la industria del entretenimiento.
Hemos concluido con los ejemplos de arquetipos, pero no sin antes hacer un breve repaso del tema, donde explicamos la teoría de Carl Jung, Arquetipos e inconsciente colectivo, y también exploramos a los personajes arquetípicos más conocidos. En síntesis:
El inconsciente colectivo alberga los arquetipos que han pasado por nuestras memorias de generación en generación y se convirtieron en patrones sociales y conductuales.
Los arquetipos de Carl Jung están se pueden expresar en los sueños y el arte, y trasciende a nivel cultural.
Los cuatro arquetipos junguianos principales son: La Persona, la Sombra, el Anima / Animus y el Yo.
Los doce ejemplos de arquetipos se aplican para la literatura, el marketing, el cine y la televisión.
El propósito final de la vida es vivir la unificación y lograr el despertar de la conciencia para tener una expresión plena del carácter propio.
Los años venideros prometen cambios progresivos, y el más evidente es el de los vehículos del futuro, que comenzaron a desarrollarse gracias a poderosas compañías mundiales al desplegar su ingenio, apoyadas por las nuevas tecnologías. Un traslado rápido, eficiente y seguro, con técnicas amigables con el entorno ambiental, es la premisa que proyecta el transporte del futuro. Esto y muchos datos más se muestran en este artículo, que plasma cómo serán los medios de transporte del futuro y cómo funcionan, sus principales características y ventajas; detalles acompañados de imágenes y vídeos de los prototipos creados dentro de la industria para que puedas descubrir todo sobre los transportes futuristas.
Medios de transporte: Todos los tipos de transporte en la actualidad (terrestres, aéreos y marítimos)
El transporte de coches y otros vehículos terrestres es el más utilizado en el mundo, por lo que es un hecho su evolución basada en la implementación de nuevas tecnologías para hacer que una persona se traslade de un lugar a otro en, prácticamente, un parpadeo. A continuación, descubrirás lo que se vislumbra en el transporte terrestre del futuro:
Sono Sion
Sono Sion, vehículo eléctrico autorrecargable con energía solar. (Sono Motors)
Para garantizar un práctico y seguro viaje, muchas industrias automotrices adaptaron su producción de vehículos tanto a las nuevas tecnologías como al uso de energías alternativas buscando disminuir el impacto negativo de los combustibles fósiles sobre el ambiente. Como ejemplo para el transporte del futuro en las ciudades, la empresa alemana Sono Motors creó el prototipo de un coche eléctrico, capaz de abastecerse también de energía solar, que podrá generar alrededor de 255 km de carga eléctrica y otros 35 km por autorrecarga solar.
El vehículo, de color negro y con una opción de batería, cuenta con una carrocería con 248 células fotovoltaicas integradas que, dependiendo del clima, asegura una eficaz recarga del coche. Por supuesto, a mayor luz solar, más rápido será el tiempo de recarga. Adicionalmente, se trata de un coche eléctrico enchufable en una estación determinada, con la particularidad de poder compartir su energía con otros vehículos de este tipo, una maravillosa opción dentro del futuro del transporte por carretera.
Ofrece un diseño minimalista, capacidad de hasta cinco pasajeros y un amplio maletero, barra de comandos digital con múltiples ventajas a los tripulantes, como conexión USB, Bluetooth, indicador de temperatura, entretenimiento, entre otras.
Se espera a este transporte en el futuro en 2025 para toda Europa, ya que se contempla su producción en masa para el 2022, por lo que se pueden hacer pedidos en la página web de la compañía alemana por un costo de 25.500€.
HAMИ
HAMИ, el minibús del futuro. (Yandex)
Te has preguntado ¿cómo será el transporte público en el futuro? Una de las propuestas más esperadas es la que desarrollan conjuntamente las compañías rusas Yandex, Kamaz y Nami con el fabricante alemán Daimler, proyectando un minibús eléctrico sin conductor que funciona con inteligencia artificial. Tendrá capacidad para 12 personas y una autonomía de 200km/h aproximadamente.
Fue puesto a prueba en 2017 como transporte público futuro, siendo solicitado por los potenciales pasajeros por medio de una aplicación para smartphones y, aunque se ha utilizado solo en Rusia, se proyecta como unos de los principales medios de transporte en el futuro en tierras europeas.
eBike Design Vision
eBike Design Vision. (Bosch)
Si has buscado en internet imágenes de bicicletas del futuro, seguro ésta puede sorprenderte. La multinacional alemana Bocsh, a través de eBike Systems, trae a la palestra futurista una bicicleta eléctrica hecha con fibra de carbono, ideal para rodar tanto en zonas urbanas como en senderos gracias a su suspensión delantera y trasera integrada, con sistema de accionamiento en el manillar, computador y frenos ABS, canales de refrigeración para un manejo dinámico y enérgico, iluminación LED integrada al marco trasero y delantero y un hermoso diseño vanguardista.
Presentada en 2020, se esperan más detalles característicos y su producción para el público, que desea conocer más sobre cómo sería una bicicleta en el futuro gracias a este innovador vehículo.
Transit Elevated Bus
(New China TV / Youtube)
Planteado como el transporte del futuro que China piensa implementar en todo su territorio, el Transit Elevated Bus (Autobús de Tránsito Elevado) fue diseñado como un autobús eléctrico capaz de evadir los atascos generados en un entorno urbano tan convulsionado como el de las urbes de ese país.
Es un tranvía elevado a casi 5m de altura, con 2,1m de espacio libre hasta el suelo para el tránsito de coches por debajo del TEB. Tiene 2,1m de longitud y 7,8m de ancho (dos carriles de tráfico). El vehículo cuenta con capacidad de hasta 300 pasajeros y se desplaza a 60km/h máximo. Sus pruebas se llevaron a cabo en 2016 en la provincia de Hebei en una pista de 300m, por lo que se espera su puesta en marcha a finales de 2021 o en 2022, como un avance para el transporte del futuro en China.
El mediático director de Tesla Elon Musk ha previsto este eficaz transporte público del futuro. Por medio de su compañía The Boring Company, en 2013 presentó este tren que intenta superar al sistema ferroviario convencional, con la promesa de trasladar a pasajeros por medio de cápsulas sustentadas por levitación magnética a una velocidad de ¡1.000km/h!, lo que lo hace superior a un tren bala o a cualquier avión.
El ingenioso vehículo se desplazará a través de tubos que contienen aire a baja presión, permitiendo la veloz propulsión del tren para trasladar a personas en un trayecto determinado. Por ejemplo, puede conectar Madrid y Barcelona en 35 minutos. Con su puesta en prueba en 2017 en Las Vegas, demostró ser un eficiente transporte urbano del futuro.
Se ha estimado una inversión de más de 7.000 millones de euros en una línea de 550km aproximadamente, con todo un sistema prácticamente automatizado. Musk logró concretar acuerdos comerciales con diferentes gobiernos para el funcionamiento del Hyperloop en sus países. Cabe destacar que el público ha afirmado sobre esta creación que sin la publicidad y el transporte, esta no sería posible.
Transporte marítimo
El transporte del futuro en el agua también promete la efectividad de embarcaciones manejadas por medio de inteligencia artificial, tecnología satelital y otros ingeniosos métodos, que permitirá reducir costos, sobre todo, en las compañías navieras destinadas a la creación de buques de carga, al igual que se propone la disminución de actividades riesgosas como la piratería en alta mar. Conoce cómo serán los transportes en un futuro dentro del ámbito marítimo:
MUNIN
Proyección de barco autónomo del proyecto europeo MUNIN. (MUNIN)
La Unión Europea ha financiado este proyecto por más de 3.000.000€ para la creación de un barco autónomo capaz de superar los desafíos actuales que enfrenta el transporte marítimo, como el desmedido aumento de los volúmenes de transporte, escasez de personal y los numerosos requisitos ambientales.
Este proyecto, concebido en 2013, promete ser una propuesta sostenible en el ámbito económico, por la reducción de costos de viaje; social, permitiendo las relaciones amenas de los marinos al reducir sus tiempos de trabajo; y ecológico, al disminuir el consumo de combustible y, por consiguiente, las emisiones de dióxido de carbono.
Sea Hunter, primer buque de guerra sin tripulación. (Composites Manufacturing)
A principios de 2020, la Armada de EEUU presentó su primer buque de guerra autónomo, de 40 metros de eslora, diseñado para su navegación bajo cualquier condición climática, soportando viajes de hasta tres meses sin tripulación alguna. Su desplazamiento automatizado y seguro, gracias a dos motores diésel con velocidad de 27 nudos, busca ahorros en costos, seguridad y monitoreo a gran escala, lo que se plantea como una eficaz embarcación militar de patrullaje.
Por lo visto, en materia militar ya se han dado los primeros pasos en el ámbito marítimo dentro de los transportes del futuro en 2050 si se toma en cuenta esta innovadora nave.
Transporte aéreo
Entre las fascinantes imágenes de medios de transporte del futuro, no pueden faltar los vehículos para el desplazamiento en el aire. Te invitamos a ver los transportes futuristas que, próximamente, ocuparán los cielos del mundo.
Clip Air
Clip Air. (EPFL)
¿Te imaginas un avión – tren? Pues la Escuela Politécnica Federal de Lausana (Suiza) presentó en 2013 esta aeronave modular, provista de una sola ala con motor, cabina, combustible y tren de aterrizaje, donde se podrá conectar hasta tres cápsulas de transporte de pasajeros o de carga, combinando lo mejor del transporte aéreo y ferroviario.
Las cápsulas, con capacidad de hasta 150 pasajeros, también podrán funcionar como un vagón ferroviario autónomo, con más de 30m de largo y 30 toneladas. Por lo que queda de parte del pasajero escoger entre volar, transitar por las vías del tren o combinar la forma de traslado. Asimismo, esta aeronave podrá tener la posibilidad de consumir combustibles alternativos como biocombustibles o hidrógeno líquido, buscando reducir hasta un 50% las emisiones de CO₂, tan comunes en un vuelo convencional.
X-59 QueSST
X-59-QueSST. (NASA)
No podía faltar la principal agencia aeroespacial del mundo, la NASA, en el cometido de innovar hacia los transportes del futuro. Bajo el encargo de la compañía norteamericana Lockheed Martin, y con un financiamiento de más de 20.000.000 de dólares, la NASA busca desarrollar un avión supersónico, con velocidad de 340km/s, eficiente, silencioso y amigable con el ambiente, garantizando un vuelo en un lapso de tiempo considerablemente menor que el de un avión convencional.
Provisto de un motor de alta potencia, igual que el usado en aviones de combate, la aeronave mide 29,5m de longitud y 9m de ancho, y su prototipo de prueba, contemplada para 2022, tiene capacidad para una persona, pero de tener éxito, puede proyectarse al ensamble de nuevos aviones comerciales.
Vahana
El primer taxidron, Vahana. (Airbus)
El transporte urbano del futuro tiene su exponente en este taxi volador, diseñado por la reconocida compañía aeronáutica europea Airbus, en un intento de tomar los aires para evadir el tradicional congestionamiento vehicular terrestre. En 2019, se habían desarrollado 80 vuelos de prueba de este vehículo autónomo, eléctrico y con vuelo vertical, similar al de un dron.
Su diseño vanguardista atrae a curiosos y fanáticos de la aeronáutica, y su vuelo de cero emisiones destaca dentro del ámbito ecológico. De continuar su producción, veremos múltiples taxidrones tomando los cielos como transporte público futuro.
Transporte subterráneo
El sistema de transporte subterráneo se ha convertido en el principal medio de traslado de las poblaciones urbanas, por lo que no está exento a avances hacia el futuro. ¿Qué innovadoras invenciones se tienen para esta forma de transporte? Descubre más a continuación:
Urban Loop
(The Objective / Youtube)
Una vez más, Elon Musk marca la pauta en los vehículos del futuro. Esta vez, The Boring Company ideó en 2018 esta cápsula autónoma que busca sustituir al tradicional metro. Planteada con una red subterránea ultrarrápida, a la que se podrá acceder por medio de una estación – ascensor, la cápsula podrá desplazarse por túneles por 200km/h, trasladando a un grupo de personas en corto tiempo.
Actualmente, se plantea la construcción de un túnel bajo el suelo de Los Ángeles para las pruebas de este vanguardista medio de transporte.
Los sistemas de transporte del futuro y su impacto ecológico
Una de las principales características de los vehículos del futuro es la utilización de energía y combustibles alternativos que buscan dar un considerable vuelco en la industria del transporte, el medio que más efecto contaminante genera sobre el ambiente. Conoce más sobre las opiniones que se han generado en torno a los transportes del futuro y su potencial impacto ecológico:
Movilidad colaborativa y sostenible
En los últimos tiempos, ha cobrado fuerza el alquiler de vehículos de todo tipo, a manera de desprenderse del coche particular o privado. Muchos de estos transportes ya han sido adaptados a la energía eléctrica u otro combustible alternativo, por lo que llevar a cabo esta modalidad dentro del ámbito de la movilidad se ha vinculado con la minimización del impacto ambiental a través de la implementación de un transporte más saludable y no contaminante, motivando el uso de diversos medios de transportes para el traslado de personas y mercancías de manera eficiente y amigable, ecológicamente hablando.
En España, se trabaja desde el Ministerio para la Transición Ecológica para impulsar esta interesante idea, que tiene su momento especial cada año, dentro de la Semana Europea de la Movilidad (16-22 de septiembre).
Sistemas de transporte dentro de la gestión medioambiental
Dentro de los Objetivos de Desarrollo Sostenible, planteados por la ONU para ejecutarse hasta el año 2030, resalta el número 11 que propone lo siguiente:
«lograr que las ciudades y los asentamientos humanos sean inclusivos, seguros, resilientes y sostenibles». Dentro de dicho objetivo, se hace especial énfasis en la adecuación de sistemas de transportes públicos «…seguros, asequibles, accesibles y sostenibles para todos», esto con el fin de «…reducir el impacto ambiental negativo per cápita de las ciudades, incluso prestando especial atención a la calidad del aire».
Por tanto, es de vital importancia lo que han venido impulsando organizaciones, instituciones públicas y privadas y, especialmente, compañías y empresas tecnológicas y automotrices para adaptarse a este llamado de conciencia para beneficio del ambiente.
Vehículos sin emisiones contaminantes
Como se ha hecho mención, los vehículos del futuro buscan ser amigables con el ambiente al implementar métodos de combustión alternativos, en contraste a los combustibles convencionales que, durante prolongado tiempo, propiciaron la inminente contaminación del aire. Según estadísticas de la Agencia Europea de Medioambiente (AEMA), la contaminación atmosférica ha causado más de 400.000 muertes prematuras en el continente, y el transporte es uno de los factores que más influyen en ese aspecto, ya que emite más del 30% del dióxido de carbono en Europa.
No es de extrañar que, para disminuir este impacto negativo, muchas empresas de este continente, que tienen en su haber proyectos de innovación para el transporte del futuro, consideren este aspecto para el desarrollo de vehículos con cero emisiones.
Lo que avizoramos en el pasado gracias a programas televisivos, revistas y libros de ciencia ficción está por hacerse realidad a través de los vehículos del futuro. El transporte del futuro nos permitirá acceder a vehículos seguros, rápidos y, a la vez, eficientes con el ambiente, dado al uso de energías alternativas utilizadas para impulsar estas creaciones. La tecnología determina la innovación de las compañías e industrias encargadas de producir estos vehículos, por lo que no es de extrañar que, en las próximas décadas, usemos autos voladores, aeronaves supersónicas y bicicletas autónomas, por nombrar algunos ejemplos del transporte del buen futuro.
En su afán por comprender el comportamiento humano, científicos de todas las áreas han desarrollado múltiples teorías del comportamiento, una de las más destacadas del siglo XX fueron los arquetipos de Carl Jung en la psicología analítica. Los arquetipos de personalidad intentaron explicar a través de los arquetipos heredados la razón de ser del individuo.
Ejemplos de arquetipos: 12 personajes arquetípicos famosos para conocer los arquetipos de Jung
Los arquetipos nacen de una definición antigua que tiene su raíz en el griego “arje-tipos” que significa modelo primario, modelo arcaico, antiguo o primigenio. Orientados a la psicología, los arquetipos según Jung son un conjunto de preconcepciones heredadas en la parte profunda e inconsciente del ser humano y que son comunes a todas los individuos de una especie.
Los arquetipos no son patrones exactos sino, por decirlo de alguna manera, una serie de ideas generales con la que nacemos, alrededor de las cuales cada individuo va construyendo su propia personalidad a medida que acumula experiencias.
Dicho de otra manera, un arquetipo es una concepción que nace de un inconsciente colectivo en común para todos los seres humanos y pueden manifestarse sin importar la época, la nacionalidad, la edad, el sexo o el origen del individuo. De manera similar a como sucede con la idea de Dios o el origen del mundo, cada mitología maneja una creencia única, pero todas suelen ser arquetípicamente iguales.
Los estudios de Carl Jung y arquetipos fueron utilizados por la psicología analítica para describir ciertos patrones de personalidad con la finalidad de explicar determinados comportamientos humanos. Aunque estos arquetipos son figuras, ideas, imagines, conceptos y modelos de conducta generales, existen algunos muy famosos como los arquetipos del Yo.
Así como el inconsciente colectivo alberga a los diferentes instintos, unos más poderosos que otros, también guardan ciertos arquetipos fuertes o principales que se encuentran en la región inconsciente, pero que son fáciles de imitar como el arquetipo del héroe, de la madre, del niño (infantil) o del sabio. Estos funcionan como motivaciones universales según Carl Jung.
¿Quién fue Carl Gustav Jung?
Carl Gustav Jung fue un médico psiquiatra, ensayista y psicólogo suizo quien participó de manera muy significativa en el desarrollo de las primeras fases del psicoanálisis junto con el padre de dicha disciplina Sigmund Freud.
Carl Gustav Jung (1875-1961), circa 1935. (ETH Library, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Con los años, basándose en sus propias experiencias personales con sus pacientes, Carl Jung fue desarrollando una concepción del comportamiento humano mucho más amplia que la del psicoanálisis tradicional de Freud con extensos estudios sobre el análisis de los sueños y lo que denominó después como el inconsciente colectivo, una pieza clave en sus estudios de arquetipos en psicología analítica.
La teoría de Jung se separó del análisis freudiano al considerar que los seres humanos no nacen como una pizarra en blanco, si no que dentro del propio inconsciente existían ciertos figuras o modelos ya prestablecidos, colectivos y heredados que ayudaban a construir ciertas facetas de la personalidad, por la cual se podían explicar algunos comportamientos: Los arquetipos.
Arquetipos de la personalidad
Ya que los arquetipos de Carl Gustav Jung son conceptos, imágenes e ideas abstractas, que pueden ser tanto sucesos (nacer, morir, amar…) como imágenes (Un santo, un héroe, un villano…) Carl entiende que el número de arquetipos de personajes pueden llegar a ser ilimitados, pero entre ellos existen un grupo primario, mucho más fuerte y que según el psiquiatra se manifestaban de una manera mucho más frecuente.
Estas son conocidas también como las imágenes arquetípicas de personalidad, es decir, ideas que surgen de los arquetipos primarios. Aquí una lista de arquetipos de Jung básicos:
1. El sabio
El sabio es la figura de un padre envejecido que se manifiesta dentro de la personalidad como alguien que explica el mundo a través del conocimiento y que busca, sobre la mayoría de las cosas, el placer en la iluminación, que encuentra poderosos estímulos en aprender y enseñar a otros.
Dentro de los estudios del sueño de Carl esta figura se representa como personajes arquetípicos similares a un anciano, un profesor, un abuelo, un sacerdote o cualquier persona que represente autoridad para el individuo.
2. El explorador
El arquetipo del explorador representa una persona que encuentra estímulos en la libertad, que es el medio por el cual descubren nuevos paisajes, terrenos, amigos y demás. Las personalidades que se construyen alrededor de esta imagen, suelen ser infelices a menos que experimenten nuevas sensaciones, ideas o formas de ver el mundo. Son personas que desarrollan miedos patológicos a quedar atrapados o sentirse atados de alguna manera.
3. El héroe
Las motivaciones conductuales del arquetipo del héroe es la lucha y la victoria en contra de los monstruos que se ocultan en la oscuridad, lo que quiere decir que esta imagen encuentra sus mayores estímulos en la búsqueda de nuevos desafíos y la superación de obstáculos. En el héroe se suele representar como la idea del guerrero viril que salva a la damisela en apuros, que derrota al dragón, mientras que en la psique femenina (según sugiere Carl) este arquetipo se manifiesta a través de la proyección de las aventuras que vive un hijo o una pareja.
4. El mago
El arquetipo del mago se manifiesta usualmente en motivaciones de comportamiento carismático, que busca puntos de vista diferentes y que utiliza soluciones imposibles para problemas comunes. El mago puede ser la representación en los sueños de otro arquetipo primario como el padre o el anciano. El arquetipo del mago busca comprender las leyes del universo y teme de manera patológica aquello que no puede predecir.
5. El rebelde
El arquetipo del rebelde es una motivación colectiva que empuja a las personas (y a si mismos) a cambiar cualquier cosa que ellos creen que no funciona correctamente. Se manifiestan en la literatura y en el inconsciente como revolucionarios, personas carismáticas que hacen su mayor esfuerzo por reformar su entorno y atraen fácilmente a quienes les rodean para que les sigan en su búsqueda. Esta imagen suele manifestar miedos patológicos al enfrentarse a la idea de no poder generar cambios en su alrededor.
6. El bufón
El arquetipo del bufón es la imagen del pícaro, el tramposo, el joker, el loco o el payaso de la corte, capaz de conseguir cualquier cosa que se proponga gracias a su carisma y a la picardía de sus acciones que, a pesar de parecer simples, siempre persiguen un objetivo concreto. Es la personalidad de quien se vale de cualquier truco para conseguir aquello que se propone. Una imagen mitológica de este arquetipo puede ser la personalidad del dios nórdico Loki.
El amante es la personalidad del pacifista, las motivaciones del arquetipo o la imagen arquetípica del amante es la de encontrar armonía en todo lo que hace, de sentirse bien con los espacios en donde trabaja o convive y siente un profundo dolor ante el rechazo o siquiera la idea de no sentirse amados. El amante representa a los ideales según Jung y personalidad con problemas para enfrentarse a los conflictos.
8. El amigo
El arquetipo del amigo es una motivación asistencial, solidaria, confiable, de honestidad y camaradería que se manifiesta en ese personaje que acompaña al héroe principal de la historia y con el que siempre se puede confiar. Este tipo de imágenes motiva comportamientos de incomodidad ante la sensación de que no son tomados en cuenta o que resaltan demasiado entre la multitud.
9. El cuidador
El cuidador es una imagen arquetípica del espíritu compasivo, que suele responder ante aquellos que se encuentran en apuro incluso cuando no entienden bien la situación, que viven con un fuerte sentido de la compasión y la ayuda desinteresada. Las personalidades de este arquetipo se pueden manifestar en personas bondadosas y caritativas, así como en individuos que por querer ayudar a otros terminan en círculos de abuso.
10. El gobernante
La imagen arquetípica del gobernante es la representación de una personalidad que encuentra su mayor estimulo con el control de todo lo que les rodea, desde sus propias emociones hasta las emociones y circunstancias ajenas. Esta imagen es típica de un individuo que sabe (o cree saber) qué es lo mejor para todos y suelen tener visiones claras o bien definidas del futuro. Suelen tener un miedo patológico a perder el control, a no ser escuchados y a ser desafiados.
11. El creador
El creador es la imagen arquetípica de una mente, ser o individuo que tienen la capacidad de crear algo no ha existido antes, que piensa fuera del molde y que tienen una firme creencia de que hay mejores formas de hacer las cosas. El creador es una imagen de personalidad frecuente en la mitología y la literatura. La personalidad que más apunta a esta imagen es la de un individuo que aprecia en mayor medida las cosas duraderas y que siente un miedo patológico a no dejar su huella en el mundo o a no crear nada valioso.
12. El inocente
El arquetipo del inocente suele estar ligada al niño interior. Son soñadores e infantiles, optimistas excesivos que buscan sobre cualquier otra cosa las soluciones utópicas e idílicas, pero se benefician de una actitud despreocupada, siempre tranquilos ante las adversidades. Como marcador de personalidad en esta imagen especifica se encuentra el miedo a hacer algo malo y a ser castigado en consecuencia.
Ejemplos de arquetipos junguianos
Arquetipos del Yo
A pesar de que las imágenes arquetípicas son fáciles de identificar, tanto en la literatura como en la personalidad de los individuos, Carl estableció que cada una de estas imágenes eran la manifestación de un grupo específico de arquetipos primarios. De esta manera, aunque una personalidad pudiera estar construida por un grupo concreto de imágenes, usualmente con una dominante sobre el resto, la mayoría de ellas se originan en un arquetipo primario.
Estos arquetipos primarios alrededor de los cuales se forman, según Jung, la personalidad de los individuos, también conocidos como arquetipos junguianos del Yo son:
1. La persona
La persona es una imagen idealizada, como una especie de recolector que almacena todas las expectativas, esperanzas y concepciones propias (reales o ficticias) que el individuo ha puesto sobre sí mismo o que la sociedad ha intentado imponerle. La figura de la persona es, por decirlo de alguna manera, la imagen ideal de uno mismo.
2. La sombra
La sombra es la contraparte de la persona y representa todas aquellas concepciones con las que el individuo no se siente identificado o que niega de si mismo. En el arquetipo de la sombra se manifiestan todas esas cosas que la persona considera vergonzosas, que oculta a los demás o en lo que le aterra convertirse.
3. El anciano
El anciano es una figura recurrente que se manifiesta como una imagen de autoridad, simboliza el orden ante el caos, el conocimiento milenario que se hereda de generación en generación, así como una especie de sabiduría inconsciente que persigue la luz y trata de explicar todo. El anciano puede representarse como un sabio que comparte su conocimiento o como un padre que impone su ley y trata de devorar a sus hijos, mitológicamente hablando.
4. El niño
El niño representa esa parte de la psique del ser humano que nunca crese, que busca los estímulos infantiles, un niño interior por decirlo de alguna manera. Esta es la contraparte del hombre anciano sabio ya que representa el desorden, la persecución del placer, los caprichos y la liberación de la inhibiciones. Una conexión con este arquetipo se manifiesta o bien como un bebe divino con gran potencial (como el de ser un héroe) o un hombre adulto que se comporta como un infante, ya sea en los sueños o en la literatura.
5. La madre y la doncella
La figura de la madre y su contraparte, la doncella, son de los arquetipos más complejos pero que se resumen en la divinidad de lo femenino, lo fértil que da vida y el ideal de pertenencia, de haberse formado en su seno. Según Carl, esta puede representarse en la psique como como cualquier mujer con la que se posea un lazo afectivo, una institución, lugar de origen (país, cuidad…), fuentes de vida y más. En su dualidad, este arquetipo puede ser una dadora de vida o una virgen.
6. El sí-mismo
El Sí-mismo es un concepto arquetípico que abarca a la totalidad del individuo, a la fusión primordial de todas sus partes, a un “ente” completo que se puede manifestar en los sueños como un todo, un circulo o un circuito cerrado que se repite. El sí-mismo es, según Carl, el objetivo final de todo individuo ya que en él se compactan todos los opuestos, el lugar donde se forma la personalidad y se encierra la conciencia del ser.
7. El Ánima y el Ánimus
El ánima es uno de los arquetipos masculinos y representa la idealización de la mujer, de lo sexualmente atractivo, de lo femenino o sus expectativas con el genero opuesto. Esta puede representarse como una figura ideal que se complementa de tal manera con el individuo que al estar cerca se vuelve un canal hacia una comprensión profunda del si-mismo. Es, dicho de otra manera,la imagen viva de un alma que funciona como contraparte sexual inconsciente.
En el caso de la mujer, este se manifiesta como un ánimus, una figura complementaria de carácter masculino a través de la cual se expresen expectativas e idealizaciones del sexo opuesto.
El inconsciente colectivo de Jung y su rol en los procesos de la psique
Según Carl Jung el inconsciente colectivo es una serie de estructuras básicas alrededor de la cual cada especie construye su personalidad y explica gran parte de sus comportamientos. En el caso de los seres humanos, el inconsciente colectivo vendría siendo un grupo de modelos primitivos heredados, donde conviven los instintos y los arquetipos. Estos elementos cohabitan en la parte inconsciente del individuo y sumados a sus experiencias individuales se usan como base para explicar el comportamiento.
A través de su teoría, Carl creo una disciplina denominada psicología analítica, cuyo fin era determinar las relaciones entre el individuo y los diferentes elementos del inconsciente colectivo a través de lo que se conoció como test de arquetipos de Jung.
Dicho de otra manera, el inconsciente colectivo sirve para sustentar toda la parte inconsciente del individuo, influenciando gran parte de su comportamiento, lenguaje, sentimientos e ideas de las personas.
Bibliografía para profundizar
Para quienes busquen profundizar en una rica lectura sobre las teorías del destacado psiquiatra Carl Jung en un recorrido por imágenes literarias, referencias iconográficas fascinantes y el psicoanálisis, vale la pena revisar algunos textos:
El Libro rojo
El gran Libro Rojo de Carl Jung permaneció inédito y sin publicar por casi 80 años y se considera el Genesis de sus obras posteriores a 1914 por lo que sería la introducción ideal a su teoría, a su concepción de la psique humana y a una serie de experimentaciones propias que condujo a través de un método que denominó como imaginación activa.
El libro rojo (Edición de Hilo De Ariadna, disponible Amazon)
Los tipos psicológicos puede que sea una de las aportaciones más reconocidas del mencionado autor y en esta obra de 1921 es donde describe el funcionamiento que el consideraba típicos de la psique y plantea el escenario para una comprensión profunda del individuo. Este es un buen punto de partida para quienes deseen dar el salto y familiarizarse con los conceptos básicos de sus siguientes obras, los tipos de personalidad según Carl Jung y más, sin pasar por los volúmenes previos.
Tipos Psicológicos – Volumen 6: Vol.6 (Obra Completa de Carl Gustav Jung) Tapa blanda (Edición TROTTA, disponible en Amazon)
En este volumen se aprecia la orientación mística de los conceptos médicos en el psicoanálisis de Carl, en donde se tocan temas como la constitución del alma, el funcionamiento del inconsciente, el rol de los instintos en la determinación del comportamiento y la esencia de los sueños visto desde la cosmovisión de la psicología analítica, formando las bases para definir qué son arquetipos.
La Dinámica De Lo Inconsciente- Volumen 8: Vol. 08 (Obras Completas de Carl Gustav Jung) Tapa blanda (Edición TROTTA, disponible en Amazon)
Para finalizar, no puede ser otro volumen más que donde se explica la concepción del inconsciente colectivo, el significado de arquetipos, ejemplos de arquetipos, tipos de arquetipos y sus distintas apariciones tanto en el ámbito inconsciente como en el área expresada del ser humano; las referencias mitológicas de los arquetipos, el proceso de individualización (sumamente importante en la psicología analítica) y los mándalas en su relación con el sí-mismo.
Los Arquetipos Y Lo Inconsciente Colectivo Volumen 9/1: Vol. 9/1 (Obras Completas de Carl Gustav Jung) Tapa blanda (Edición TROTTA, disponible en Amazon)
Los 12 arquetipos de Jung (imágenes) no son las únicas facetas que puede tomar la personalidad de un individuo sino, más bien, un punto focal entorno al cual pueden girar determinadas acciones y comportamiento de una persona en determinado momento. En este sentido, los arquetipos de personalidad de Carl fueron su manera de entender las partes más profundas e inexplicables de ser, que a pesar de ser criticados y alabados por igual, representaron un gran aporte de cara a la clasificación y el entendimiento del inconsciente humano.
Reportan alto riesgo de estafas y hackeos en este próximo Black Friday
Se acerca el Black Friday y es normal que muchas personas estén ansiosas y emocionadas por este día. Sin embargo, aunque el 26 de noviembre sea uno de los días más esperados, no hay que perder la cabeza, pues existe la posibilidad de adquirir dispositivos clonados o con riesgo de ser hackeados.
Según un reporte de Which? —la compañía británica que se encarga de investigar, orientar y ayudar a los consumidores a elegir (e invertir) en distintos productos— este Black Friday habrá más de 1.800 productos inteligentes con seguridad defectuosa que estarán a la venta en los días previos al evento.
Artículos como cámaras de seguridad, tablets y teléfonos inteligentes que son vendidos en Amazon, eBay y AliExpress, podrían exponer a los usuarios a piratas informáticos. Es por ello que la empresa hizo un llamado de alerta a todas las personas para que investiguen bien antes de comprar.
¿Qué es «bueno» o «malo» para el mundo según Facebook? Esta es la respuesta
A finales de octubre de 2020 una encuesta llegó a los trabajadores de Facebook: “¿Cuántas de las Noticias del Feed son buenas (o malas) para el mundo?” Desde el primer momento fue algo complejo, pero se empezaron a responder con las siglas BFTW (malo para el mundo) y GFTW (bueno para el mundo).
De acuerdo al informe sobre esta encuesta, el algoritmo no solo estaba recibiendo respuestas BFTW, sino que lo estaban preparando para que disminuyera la difusión de este tipo de contenidos en la red social. El aprendizaje automático tuvo éxito, pero la emisión de contenido político, violento y de odio es lo que aún prolifera en Facebook.
El informe también aseguró que el contenido GFTW, en la métrica de la encuesta, no cumplía con su objetivo pues, “proporciona una información limitada sobre la salud del ecosistema”; eso queda en evidencia con el contenido BFTW que abunda en el sitio y que, al parecer, no está siendo tan monitoreado como se debería. Esto es, quizás, porque la empresa no quiere “coartar la libertad de expresión” de ningún usuario.
Austin Butler le dará vida a Elvis Presley en una nueva película
Desde hace mucho tiempo se esperaba que Elvis Presley tuviese un representante en la gran pantalla para contar su vida en una nueva película. Afortunadamente, el elegido es Austin Butler (The Shannara Chronicles), y será quien personifique al Rey del Rock and Roll.
De acuerdo a los informes, el filme (aún sin título) estará ambientado en los días de la evolución musical y cultural de Estados Unidos, cuando el significado del Rock and Roll era “sexo, drogas, alcohol” y rebelión.
Asimismo, es posible que los espectadores vean a Butler recreando el ascenso de Elvis hacia el estrellato, así como su relación con el coronel Tom Parker, que será interpretado por Tom Hanks. De acuerdo al director Baz Luhrmann, la fecha fijada es el 24 de junio de 2022.
La NASA se perderá su fecha objetivo de aterrizaje en la Luna por problemas legales y financieros
De acuerdo a la última auditoría publicada por la Oficina del Inspector General de la NASA, la agencia espacial de Estados Unidos no podrá llevar a los humanos a la Luna a finales de 2024 porque hay “sobrecostos y demandas”. Por otro lado, también indicó en el reporte que la NASA no ha sabido manejar los costos que se destinaron para el programa Artemis.
En este sentido, aseguró que la agencia podría gastar hasta 93 mil millones de dólares entre el año fiscal 2021-2025, teniendo en cuenta los 25 mil millones de dólares necesarios para otras misiones aparte de Artemis III. También advirtió que la NASA “enfrentará desafíos significativos” para mantener el programa si no “informa con precisión” y reduce los costos.
Finalmente, el inspector instó a la agencia espacial a que cree un perfil y un calendario de financiación “realistas” destinados al Human Landing System (HLS) para poder tener un “contrato de sostenibilidad para futuras misiones lunares”.
Una investigación revela cómo el rostro humano puede generar más expresiones de la que creemos
Recientemente, un estudio científico determinó que los rasgos faciales y sus expresiones pueden tener múltiples connotaciones. Es decir, que los distintos movimientos que se generan en el rostro, como una ceja arqueada o la boca abierta, puede generar dos tipos diferentes de información de forma simultánea.
Los participantes del estudio vieron rostros generados por ordenador con distintas expresiones e indicaron si generaban negatividad o positividad, tristeza o felicidad, rabia o sorpresa. Las respuestas variadas fueron las que dieron el veredicto de la investigación.
Para explicarlo de una manera más sencilla, de acuerdo a los investigadores, las expresiones faciales (como estar alegre) pueden funcionar como una “compleja señalización” para comunicar “mensajes emocionales”.
Muchos conocen al rock progresivo como un género con “estilo ambicioso”, y hasta lo usan como sinónimo del art rock y el rock psicodélico, y nada tienen que ver aunque estén superpuestos. Esta y otras confusiones vamos a aclararlas mientras te contamos de qué va la música progresiva, quiénes son los máximos exponentes y cuáles son las canciones más épicas que debes escuchar.
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El rock progresivo (prog o prog rock) nace la música psicodélica como un intento de “elevar” la música rock tradicional o rock and roll a “nuevos niveles de credibilidad artística”. Esto se lo debemos mayormente a los británicos, quienes se embarcaron en el viaje de crear un nuevo subgénero, derivado del rock psicodélico, que evolucionó a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970.
Origen de la música progresiva
El movimiento del rock progresivo comenzó con grupos prominentes como los Beatles y los Beach Boys. Ellos produjeron álbumes conceptuales como “Sgt. Pepper ‘s Lonely Hearts Club Band” (1978) de los Beatles y “Pet Sounds” (1966) de Beach Boys, donde experimentaron instrumentos atípicos a los acostumbrados en la música popular.
Sin embargo, las primeras bandas progresivas más duraderas fueron Yes, que destacaba por los teclados de Rick Wakeman, la batería de Bill Bruford y la voz de Jon Anderson; Emerson, Lake and Palmer, que tenía las suites más épicas de la mano de Keith Emerson; y Supertramp (Rick Davies y Roger Hodgson). Estas bandas iniciaron de forma más tradicional antes de empezar con los elementos propios del rock progresivo.
Las letras literarias, compases mixtos y acordes inusuales salieron a relucir mucho más con King Crimson y las creaciones de Robert Fripp, quien tenía una formación más establecida en el género, y esto se evidenció en su álbum debut “In the Court of the Crimson King” de 1969.
Para los inicios de 1970 las bandas psicodélicas como Pink Floyd y las influencias de Jimi Hendrix, King Crimson, los álbumes de Yes y Van Der Graaf Generator (VDGG), ayudaron a darle más forma y definición al rock progresivo y sus derivados. Luego llegó el rock de Genesis con el álbum “Trespass” (1970) que tiene música melódica, canciones largas y letras algo cursis con matices mitológicos.
No obstante, la ola del rock progresivo que salió de tierra británica no se quedaron ahí, sino que avanzaron hasta Europa, donde surgió Banco del Mutuo Socorro, Le Orme y Quella Vecchia Locanda, todas de origen italiano. Al mismo tiempo, el rock sinfónico estaba floreciendo en Gran Bretaña con influencias de la música progresiva.
En el transcurso de los años 70 y 80 ya había discografia de Yes y la música de Genesis había ganado suficiente reconocimiento gracias a figuras como Peter Gabriel, Phil Collins, Tony Banks, Mike Rutherford y Steve Hackett. En álbumes como “Foxtrot” (1972) y Duke (1980), el grupo fusionó melodías pop con estructuras de canciones ambiciosas con las que empezaron a dominar la escena del rock progresivo.
Lo propio hizo Pink Floyd con álbumes conceptuales como “Dark Side of the Moon” (1973), un proyecto que definió la carrera del cuarteto británico, gracias sus experimentos con el prog prog, la exquisita composición de canciones, la cosmovisión de Rogers Waters, y las largas suites instrumentales dirigidas por el guitarrista David Gilmour.
Entre las décadas 1980 y 1990, el rock progresivo había influido tanto en el mundo del rock que aterrizó en la escena del heavy metal. Tanto así que la banda de thrash metal, Metallica, empezó a combinar su estructura musical conceptos líricos en discos como “…And Justice For All” (1988) —catalogado muchas veces como el mejor trabajo de la banda— que ayudó a crear el subgénero conocido como metal progresivo.
Bandas contemporáneas del metal como Porcupine Tree y The Mars Volta (prog) se han basado en la tradición de la música progresiva que les ha otorgado reconocimiento y popularidad en el siglo XXI.
Otros grupos de rock progresivo como Rush (Canadá), y Kansas y Styx (ambas de Estados Unidos) también lograron el éxito comercial al mezclar sencillos cortos en sus álbumes conceptuales. También se unieron a la escena prog Los Jaivas (Chile), Pedro Aznar, Invisible y Vox Dei (Argentina).
Identidad dentro de los múltiples géneros del rock
El término “art rock” se usa a menudo de manera intercambiable para referirse al rock progresivo, pero si bien hay cruces entre los dos géneros, no son idénticos. El art rock suele ser más convencional y menos diverso, a diferencia del prog; hay bandas (como Velvet Underground y Pink Floyd) que pueden estar catalogadas con las dos etiquetas, pero no necesariamente indica que sean harina del mismo costal.
Asimismo, el prog rock y la música psicodélica también están superpuestos, aunque tienen significados diferentes; no toda la música progresiva es psicodélica y no toda la psicodelia es progresiva. Dicho esto, la música progresiva es más compleja e innovadora, tiene compases extraños, canciones largas e influencias de la música clásica.
Por su parte, la psicodelia se basa en crear una atmósfera o sentimiento musical que evoca esos “viajes” provocados por sustancias psicotrópicas, pero esto se origina por medio de los sonidos de la reverberación, flanger, chacina y las secciones instrumentales extendidas.
El rock progresivo, aunque se desarrolló a partir del rock psicodélico el rock progresivo expandió las estructuras del rock and roll e incluyó otras más formales de la música clásica europea (como la Suite; también destaca por sus álbumes conceptuales, el uso de nuevos teclados y sintetizadores, y las interpretaciones virtuosas.
Desarrollo histórico del rock progresivo
Entre 1960 y 1970 las bandas de rock progresivo quisieron ir más de lo establecido en cuanto a límites técnicos y a las composiciones características del rock estándar, y también buscaron romper las estructuras básicas de las canciones populares basadas en versos y coros. Asimismo, optaron por incluir elementos extraídos de otros géneros musicales como el jazz y la música clásica. Desde que empezaron a adaptar el concepto de rock progresivo a la música, se notó el cambio melódico a través de los años.
Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones mayormente tenían letras fantasiosas y abstractas; además, hacían álbumes conceptuales que contaban una historia épica o se basaban en un tema en general
Como hemos mencionado al inicio, el rock progresivo se desarrolló a partir del sonido generado por las bandas de rock psicodélico que lideraban a finales de los años 60. Y fue entonces cuando los británicos decidieron tomar esas influencias y diversificarlas para ver crecer a bandas como King Crimson , Yes, Genesis, Pink Floyd, y Emerson, Lake and Palmer, que se mantuvieron en el top hasta “el fin” de los días del prog.
Thick as Brick y el furor del rock progresivo
A la escena del prog rock, en 1970, también se unió Jethro Tull con “Thick as a Brick” (el significado de thick es grueso), que se traduce como “grueso como un ladrillo” o “cabeza dura” en el slang británico. Este álbum de 1972 causó furor porque solo tiene una canción dividida en dos partes.
La concepción de este álbum se dio como una parodia parcial del rock progresivo, no tanto por la duración de las canciones, sino también por las características del prog.
El líder de la banda Ian Anderson se burló sin preocupación de la falta de humor y de lo pretenciosa que es la música progresiva. Sin embargo, ofreció uno de los mejores ejemplos de lo que es el rock progresivo.
El desencanto del prog rock
No obstante, la euforia por el prog se fue desvaneciendo conforme llegaba en fin de los 70, cuando la música vio llegar al Punk y Disco. Aunque el declive también se debió a que, quizás, bastó con todo el trabajo que se hizo en la primera década; así que en los años 80 no era tan popular.
Pero, por puesto, hay excepciones como Jethro Tull, Marillion, y Asia, un grupo formado en 1982 por John Wetton, Steve Howe, Geoff Downes y Carl Palmer, que triunfó con su hit “Heat of the Moment” en ese mismo año. El álbum debut de Asia llevó el mismo nombre, se convirtió en un clásico, y fue el más vendido de la época.
Muchas bandas subieron y bajaron, menos Pink Floyd, que se mantuvo constantemente lanzando álbumes importantes como “Wish You Were Here” (1975), “Delicate Sound of Thunder” (1988) y “The Endless River” (2014), y también fue evolucionando la forma en la que creaba la música progresiva.
Características del rock progresivo
Desde sus orígenes hasta sus versiones actuales, el rock progresivo ha mantenido varias características clave que lo han hecho mantener su base de fanáticos amantes de los sonidos e historias bien elaboradas.
Ambición musical
Como explicamos anteriormente, la música progresiva destaca por ser ambiciosa en cuanto a términos musicales, pues está conformada por armonías sofisticadas, compases mixtos y composiciones innovadoras.
Instrumentación variada
Las bandas de rock progresivo pueden utilizar el mellotron (un sintetizador viejo de carretes de cinta), el Moog (teclado electrónico de sus inicios) o instrumentos orquestales reales, para crear sonidos con amplias variaciones, y eso hace que no reparen en experimentar con varios instrumentos.
Adopción de la tecnología
Aunque pueden emplear instrumentos “obsoletos” muchos grupos del prog han apostado por el uso de las nuevas tecnologías (con sintetizadores, por ejemplo) época tras época para beneficiar las creaciones de piezas del rock progresivo.
Conexión con la música clásica
Bandas de rock progresivo como Emerson, Lake y Palmer incorporaron pasajes de compositores clásicos, como Tchaikovsky, en su música para producir nuevas técnicas de composición clásica. A como dé lugar, la música clásica estará directamente conectada al prog.
Álbumes conceptuales
Algo que hemos venido nombrando desde el inicio es que, característicamente, los grupos del prog rock, desde Pink Floyd hasta Yes y Rush, hicieron que los álbumes conceptuales fueran algo suyo, al tiempo que dejaban ver las combinaciones de la filosofía y su capacidad musical.
Letras literarias
Lo clásico no solo está en lo sonido, pues en las letras de las canciones prog podemos encontrar gran cantidad de inspiración en obras de literatura, poesía y cine. Elementos de la ciencia ficción y el drama forman parte de muchos álbumes prog populares.
Fijación por lo artístico
El arte es un factor crucial en el mundo del prog, y eso quedó en evidencia con la presentación de álbumes y sus empaques. Por lo general están marcados por un concepto artístico que se puede comercializar; destacan por covers salidos de estudios de diseño, como los trabajos de Roger Dean (Yes), e Hipgnosis (Pink Floyd).
Con respecto a la performance, los artistas prog comenzaron a incorporar en los años 70 y 80 presentaciones teatrales elaboradas y extravagantes en sus conciertos. Como ejemplo están Genesis, Peter Gabriel, Jethro Tull y Pink Floyd.
Grupos y solistas de la música progresiva
Tras el repaso histórico y la exploración de los orígenes de la música progresiva, es momento de enlistar a los representantes que se vieron influenciadas por los trabajos del rock progresivo de las bandas más grandes del género.
Grupos
Los grupos que nombramos a continuación fueron los más grandes y otros recibieron las influencias de la corriente británica del prog rock:
Pink Floyd
En 1965 Roger Waters en las guitarras, Nick Mason en la batería, Rick Wright en los teclados e instrumentos de viento, y Syd Barrett en la voz, dieron inicio a lo que sería una de las bandas más prolíferas y una pieza fundamental en la movida del rock progresivo. Pink Floyd creó un sonido alucinante, elástico, alternativo y resonante que hacía que los oyentes se sintieran flotando en el espacio; esas melodías se plasmaron en sus álbumes conceptuales que, en su mayoría, hacen exploraciones de temas como la mente, el alma y el cuerpo, el ego, la locura, el narcisismo y también dirigen críticas a la sociedad.
Además de sus álbumes conceptuales y el estilo de música tan marcado que destacaba ente tantos grandes de la escena, Pink Floyd dejó ver su afinidad por el arte en las portadas de sus discos (como «A Saucerful of Secrets» y «The Division Bell») que, sin lugar a duda, son inigualables y dignos de admirar.
Pink Floyd en concierto. En la imagen Roger Waters, David Gilmour y Nick Mason (National Archives at College Park, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Queen
Desde el momento de su creación, en 1971, hasta sus últimos días de shows en 1995, Queen estuvo destinada a ser una de las bandas más grandes de todos los tiempos. Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon hicieron que la magia sucediera y llevaron al público un sonido marcado por su versión exagerada del rock progresivo fusionado con elementos del heavy metal y la singularidad del music hall de vodevil.
El cuarteto británico hizo complejos arreglos con camp y le dio pie a un sonido de falsa ópera con capas de guitarras y voces superpuestas; algo que no podían hacer otros grupos, porque la creatividad que tuvo Queen no tuvo comparación alguna. Además, la voz de Mercury se hizo inolvidable —Bohemian Rhapsody es un claro ejemplo— y le dio un toque humorístico y glam a la banda. Por otro lado, los álbumes que más brillaron fueron «Sheer Heart Attack», «Queen II» y «The Game».
Queen antes de un concierto en Tokio, 1985 (Koh Hasebe, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Yes
Yes se fundó en 1960 con Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe, Rick Wakeman y Bill Bruford, un quiteto que se encargó de funcionar como uno de los grandes exponentes del rock progresivo, tanto así que se puede pensar que ellos lo inventaron. Sin embargo, ayudaron al crecimiento, desarrollo y la definición de la música progresiva con canciones como «Heart of the Sunrise», «The Gates of Delirium» y «Owner of a Lonely Heart».
Con respecto a su sonido, Yes eclipsó todos los significantes sonoros y visuales que luego se convirtieron en sinónimo de rock progresivo, e hizo cambios alternativos entre firmas de tiempo complicadas, el folk pastoral, mini suites de piano, y la música clásica barroca fusionada con rock & roll puro.
Steve Howe tocando con Yes en Massey Hall, Toronto, Ontario, 2013 (ocad123 de Toronto, Ontario, Canadá, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Renaissance
Se fundó en 1969 con los ex miembros de Yardbirds: Keith Relf y Jim McCarty. Surgió como una especie de banda de folk-rock progresivo, que no logró el estrellato en Inglaterra. Después, la banda recibió nuevas caras, la hermana Jane Keith, Jane (tras la salida de McCarty), y luego se sumaron Jon Camp (bajo), John Tout (teclado) y Terry Sullivan en la batería. Seguidamente, recibieron la voz de Annie Haslam, con formación operística y un rango de tres octavas.
Pudieron ser notados en Estados Unidos, y sus álbumes más ambiciosos quizás fueron “Prologue” (1972) y “Turn Of the Cars” (1973), y aunque continuaron trabajando hasta los 80, la banda se disolvió por problemas personales entre los integrantes. Cada uno ha buscado revivir al grupo por su parte, pero esto implica lidiar con abogados y otros temas legales.
Renaissance en vivo en Trading Places, Inglaterra, 2016 (Steve Knight, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Pendragon
Formada en 1978 como “Zeus Pendragon”, la banda inglesa neo-progresiva inglesa entró en la escena con un sonido arrollador y cinematográfico que se puede oír en “The Jewel”(1985), un álbum fantasioso y dramático, rico en melodías y fusiones de teclados interesantes.
Los tiempos cambiantes y la polirritmia, más la voz de Nick Barrett resonaron en Europa y Asia con álbumes como “The World” de 1991 y “The Window of Life”de 1993, mientras que “The Masquerade Overture” de 1996 fue el proyecto más vendido de la banda que se mantiene en pie en la actualidad.
En 2020 volvieron con “Love Over Fear”, que retoma las riendas del prog, pero añade sonidos más duros y dominantes.
Nick Barrett en vivo en Trading Boundaries, Inglaterra, 2016 (Steve Knight, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Opeth
Directo de Suecia arribó en la música progresiva en 1990 haciéndose llamar la “banda más malvada del mundo”, porque su fuerte es heavy metal y el death metal, pero los cambios hacia el prog se vieron en “My Arms, Your Hearse” de 1998. Así fue mutando el sonido hacia el prog rock con los siguientes proyectos: “Blackwater Park” (2001), “Ghost Reveries” (2005), “Heritage” (2011) y “Pale Communion” (2015).
Peter Lindgren, Mikael Åkerfeldt y Martín López se encargaron de fusionar los elementos del prog rock con los del death metal para crear piezas basadas en instrumentos acústicos y la composición tradicional de ambos géneros.
Opeth tocando en vivo en el festival islandés Eistnaflug, 2016 (Grywnn, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Los Jaivas
El 15 de agosto de 1963 los Jaivas se formaron para dar pie a su carrera musical basada en el rock andino y prog rock de la escena chilena. Su trabajo se extendió hasta Argentina cuando huyeron del estallido militar de Chile (1973), y luego viajaron a Francia en 1977 para escapar del mismo suceso que golpeó a “la tierra prometida”. La banda se convirtió en una especie de negocio familiar porque afrontaron la pérdida física de varios miembros a través de los años, pero las nuevas generaciones se hicieron cargo, y ayudaron a que los Jaivas se volvieran una referencia en América Latina.
Los proyectos más destacados del grupo chile son: “Alturas de Machu Picchu” (1981), “Si tú no estás” (1988) e “Hijos de la Tierra” (1995), álbum que significó el reencuentro que los llevó a regrabar “Todos Junto”, su hit de 1972.
Los Jaivas en vivo en el festival REC de Chile, 2017 (Ksohail, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Vox Dei
Ricardo Soulé, Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Jorge Carlos Godoy guitarra y voz formaron en 1968, en Quilmes, una de las bandas pioneros del rock argentino y otra influencia en la escena latinoamericana del prog de la época. La banda comenzó a tocar versiones de canciones de grupos como The Rolling Stones hasta que se animaron a escribir sus letras en español.
Su nombre viene de la frase “Vox Populi, Vox Dei (la palabra del pueblo es la palabra de Dios)” y la adaptaron a Vox Dei. El primer álbum que lanzaron fue “Caliente” (1970) y al año siguiente estrenaron “La Biblia”, el proyecto que fue el boom del momento con temas como “Génesis” y “Profecías”.
Aunque muchos consideran que es más rock-blues que prog rock, Vox Dei demostró lo contrario con la forma en la que trabajó “La Biblia”; añadió una historia y un misticismo clásico, propios del género.
Recital de Vox Dei en la Casa Rosada de Argentina (Presidencia de la Nación Argentina, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Invisible
En argentina el rock estaba latente, pero también lo estaba la corriente del prog que vio crecer esta banda conformada por Luis Alberto Spinetta (1973 y 1977), Héctor Lorenzo y Carlos ALberto Rudfino. El grupo destacaba por la voz de Spinetta y el sonido característico del overdrive que sonara “limpio” entre sus melodías aleatorias, sin dejar de lado los elementos más relevantes del género.
Su hit más destacado fue “Durazno sangrando” (1975) un álbum conceptual que se inspiró en las escrituras de “El secreto de la flor de oro”, una obra de meditación taoísta. Y, a decir verdad, es la más parecida al prog rock.
Solistas
En la escena del rock progresivo también destacaron varios solistas y otros artistas que se separaron de las bandas más destacadas de la música progresiva:
Robert Fripp
Robert Fripp (1946) es conocido por ser el fundador y miembro de King Crimson, desde el álbum debut “In The Court Of The Crimson King” hasta “The Power To Believe”. Fripp aún está vigente con más de 50 años de carrera en su espalda.
Además es muy famoso por el uso y desarrollo de frippertronics y soundscapes, un método para que la guitarra haga más ruido del que puede soportar usando retardo digital, sintetizadores de montaje en rack y otros efectos.
Robert Fripp tiene su propio sello discográfico, Discipline Global Mobile, que se especializa en relanzamientos de material de King Crimson, así como en proyectos paralelos propios y de muchos de los miembros rotativos del grupo.
Robert Fripp tocando con King Crimson en 1974 (Jim Summaria, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Simon Collins
El legado de Phil Collins (Genesis) se extendió hasta su hijo Simon, quien lleva el rock progresivo en sus venas, formó la banda Sound of Contact (2009-2018) y ahora está como solista con el álbum “Becoming Human” (2020), que combina elementos del prog con el pop electrónico futurista y la música experimental.
En este proyecto se inspiró en su pasión por la cosmología y la astronomía, y también profundiza en el viaje hacia la transformación personal. Simon se enfrentó al abuso de drogas y pasó un mal momento, pero, como lo dice el nombre del álbum, es un humano; busca sanar y aprender de sus errores por medio de la música.
Por otro lado, con su nueva visión Collins pretende hacer que el prog rock progrese de verdad; sin embargo, no deja de lado los esfuerzos de artistas como Steven Wilson y Porcupine Tree.
Simon Collins cantando con Sound of Contact en 2013 (DrGoon, CC BY-SA 1.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Peter Gabriel
Peter Gabriel es mejor conocido como músico, porque estuvo en Genesis junto a Phil Collins, pero dejó la banda para trabajar en solitario en 1975 y, desde entonces, ha lanzado once álbumes (entre ellos el cuarteto “Peter Gabriel”) y ha escrito bandas sonoras para películas.
En 1980 fundó WOMAD (Mundo de las artes musicales y la danza), un festival que se ha presentado en más de 30 países y le sirvió como inspiración para crear Real World Records en 1989. El objetivo de su nueva adquisición es brindar acceso a instalaciones de grabación de última generación a los artistas de todo el mundo para ayudarlos a difundir su música.
Gabriel se mantiene en constante movimiento para aportar todo lo posible a la evolución de la escena musical británica.
Foto de Peter Gabriel en 2008 (Joi, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Luis Alberto Spinetta
«El Flaco» Spinetta (1950-2012) fue un polifacético artista considerado uno de los músicos más importantes y respetados Argentina y América Latina. Destacó con cada proyecto porque le gustaba la complejidad instrumental, lírica y poética, algo que se vio reflejado en varios de sus grupos como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto.
Spinetta obtuvo varios reconocimientos por ser un ícono del rock latino y de su país. El folklore y el tango fueron piezas cruciales que influyeron en su formación musical, desde la niñez hasta el fin de sus días; sus hits más valorados son: “Alma de diamante” (1980), “Durazno sangrando” (1975).
Luis Alberto Spinetta en la portada de la cuarta edición de la revista «El Expreso Imaginario (Autor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Pedro Aznar
Pedro Aznar (1959) es un multiinstrumentista argentino que formó parte de grupos como Spinetta Jade y Madre Atómica, y también se hizo notar por sus trabajos de mezcla y masterización musical.
En carrera como solista ha trabajado en los arreglos de muchos artistas latinos y norteamericanos, y se ha encargado de hacer sus composiciones poéticas y musicales para seguir creando arte, el cual parte de la “conciencia mayor” que le ha otorgado el budismo, y también le ha servido de inspiración.
Pedro Aznar en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (México), 2018 (Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Álbumes esenciales del rock progresivo
Es difícil hacer una elección tan cerrada habiendo tantos álbumes de rock progresivo que son una joya; sin embargo, no está mal una lista corta para los iniciados en el tema.
Pink Floyd – Delicate Sound of Thunder
Cuando cumplió los 22 años de existencia, Pink Floyd decidió revivir a “Delicate Sound of Thunder” (1988) con una nueva versión en vivo (2020) más un documental que le da a los fanáticos todo lo que no se esperaban tener. Además, DSOT cuenta con ocho canciones que quedaron fuera de los lanzamientos originales debido a las limitaciones de los formatos respectivos en aquel entonces.
El álbum remezclado y remasterizado suena mejor que antes, los sonidos se pueden apreciar mucho más. No obstante, el proyecto tiene opiniones encontradas; algunos lo sienten como “pobre” y “exageradamente comercial”, mientras que otros fácilmente pueden dar 5 estrellas por el show y la música. Por supuesto, todo es una cuestión de fanáticos viejos versus los nuevos.
Lo cierto es que la crítica también considera que en DSOT es una pieza irreal y fantástica que recuerda todo el trabajo que hizo Pink Floyd en el género y su evolución.
Es otra joya convertida álbum conceptual que no solo trata sobre el exlíder de la banda, Syd Barret, sino que hace una especie de statement contra el comercialismo. Y es irónico, pues la banda ha sido una máquina de best seller, pero las letras se encargan de dar vida a esta obra maestra que en cada canción Cada expresa un lado del ser humano.
«Wish You Were Here» (1975) es un proyecto lleno de nostalgia, rabia, misterio, y busca exponer lo oculto dentro de cada persona. Este álbum es emocional, intenso e introspectivo. Además, deja claro cómo es trabajar con armonía y con el propósito de crear algo más que música para vender.
En «The Dark Side of The Moon» (1973)Pink Floyd arroja detalles mundanos y cotidianos que no pasan desapercibidos por el canal auditivo de las personas porque, sencillamente, tiene el toque maravilloso y característico de la banda. Los sonidos se pasean por paisajes lentos, atmosféricos y los efectos sonoros están cuidadosamente fijados para lograr una resonancia emocional.
Pero lo que le da al álbum un verdadero poder es que la música está sutilmente texturizada; evoluciona desde el pesado art rock neo-psicodélico hasta el jazz fusión y el blues-rock antes de volver a la psicodelia y el rock progresivo. Por supuesto, es una variedad de detalles que hay que tener en cuenta, pero no hay otro disco que esté tan bien definido como este y que, a su vez, los define como grupo.
Con “A Night At The Opera” (1975) lanzó sobregrabaciones extraordinarias y metódicas para dejar que los oyentes se toparan con efectos orquestales y corales ricos difíciles de ignorar. Aunque es uno de los álbumes más caros de la historia, vale la pena oírlo y tenerlo.
ANATO también incorporó ricas réplicas de varios estilos musicales, como el hard rock, también hay algo de doomy, musical hall y piano eléctrico. Pero esto no quiere decir que haya abandonado las bases del rock progresivo, pues sin lugar a dudas hay drama y efectos de psicodelia.
Por este tipo de descripciones que a la música progresiva se le considera “ambiciosa”, pero es la verdad. De lo contrario, el prog rock no hubiese alcanzado tanto nivel y éxito comercial.
«Close to the Edge» (1972) sigue siendo uno de los álbumes más icónicos de todos los tiempos cuando de música progresiva se trata. Es un proyecto que rompió con las convenciones, redefinió las fronteras del género, sirvió como inspiración para muchas otras bandas de la corriente prog; y probablemente, haya influido para la creación de grandes hits como “Bohemian Rhapsody”.
El álbum tiene una combinación de las letras psicodélicas y las melodías vocales en forma de himnos que encajan perfectamente con algunos de los pasajes instrumentales más feroces e intrincados. Asimismo, destaca por sus suites perfectamente matizadas, la fluidez de las composiciones y los sublimes toques de la guitarra de Howe.
Genesis – Selling England By The Pound
“Selling England By The Pound” (1973) de Genesis, la banda más ilustre del prog, explora un universo caprichoso con ritmos extraordinarios y letras ingeniosas, y eso es algo muy característico de la banda. Sin embargo, este proyecto va un poco más allá de lo que representa el arte musical innovador.
Al oyente lo lleva por un viaje auditivo y lo ubica en un ambiente folclórico inglés, que a su vez parece ser un cuento de hadas bastante teatral. En cada melodía se refleja el trabajo limpio y sutil que ha hecho cada instrumento; además, la selección lírica es tan peculiar como encantadora.
“Aqualung” (1971) fue el álbum más vendido de la banda en los 50 años de carrera de la banda y sorpresivamente no fue conceptual, pero sí aplicó la fusión y creación incidental de los elementos propios e innovadores del rock progresivo.
El proyecto de JT, la misma banda que se burló magistralmente del género, se pasea por temas como la moralidad, la religión y la espiritualidad, y destaca por sus letras profundas y poderosas. Asimismo, la musicalidad tiene una combinación creativa de Martin Barre, John Evan y Clive Bunker.
Que este álbum esté al final del top no quiere decir que sea menos importante. De hecho, “In The Court of The Crimson King” (1969)es el epítome del rock progresivo y, en su momento, fue toda una revolución en la movida de prog. KC agarró elementos musicales ya establecidos y le dio un toque refrescante a su proyecto y al género.
El concepto del álbum no indica que pueda ser prog rock, pero en realidad está lleno de composiciones musicales inquietantes y elegantes. Es fluido, dinámico, y puede irrumpir suavemente con un pico orquestal maravilloso.
En esta sección hablamos de las canciones más emblemáticas del rock progresivo que debes escuchar y que han sido unas de las más escuchadas por los fans del género.
Pink Floyd – Dogs
Pink Floyd dio a conocer esta tremenda pieza de 17 minutos cuando lanzó “You’ve Got To Be Crazy” en vivo en 1974, pero hicieron algunos ajustes significativos para la versión final de estudio de “Animals” (1977) y decidieron llamarla “Dogs”.
Dogs habla de la crueldad humana y el engaño en un álbum que se enfoca en los defectos de la humanidad (a modo de comparación con los animales), y también aborda el descontento social, la lucha por adaptarse y el mundo empresarial.
Genesis – The Carpet Crawlers
“The Carpet Crawlers” (1999) deja al oyente transitando por un viaje surrealista del alma, buscando dirección a cada paso, tratando de alcanzar el conocimiento de lo que representa como persona. Esta es una balada/ópera emocional, pero cruda que se apoya en la narrativa característica de la música progresiva.
Peter Gabriel y Phil Collins logran una armonía maravillosa entre los solos de guitarra y los sintetizadores brillantes. TCC invita a las personas a descubrir y preguntarse cuál es su verdadero significado en la vida y cómo pueden trascender más allá de lo que conocen en la vida terrenal.
Yes – Awaken
“Awaken” (1977) es probablemente el núcleo de “Going for the One”. Esta canción destaca entre las demás porque tiene una sinfonía de rock parecida a “Close to the Edge”(1972), pero está llena de cambios drásticos en la textura y el tono. Es una obra completa en vigor y armonía.
Por otro lado, también tiene matices espirituales sobre el despertar de la conciencia, y se fusiona con armonías complejas y ritmos que no dejan espacio para la duda.
“Awaken” contiene órganos de iglesia épicos, bajo y batería intensos, también partes de guitarra suaves y fuertes, voces melodiosas y letras interesantes que esperan ser escuchadas varias veces para tener un sentido.
Led Zeppelin – All my Love
“All my love” del álbum “In Through The Out Door” (1979) no es una canción de amor, como muchos creen, sino que representa un homenaje al hijo de Robert Plant, Karac, quien murió en 1977 a causa de un virus estomacal cuando tenía cinco años. Es una triste historia, pues en ese momento Led Zeppelin estaba de gira en Estados Unidos, así que la banda decidió “honrarlo con alegría”.
Cuando se entiende que no es una letra de amor, tienen más sentido los versos etéreos y surrealistas, combinados o alegorías literarias y metáforas oscuras; esta canción solo se tocó una vez en vivo en 1980, en un concierto en Alemania.
Almendra – Plegaria para un niño dormido
En 1969, cuando Luis Alberto Spinetta estaba a la cabeza de Almendra, lanzó esta canción en forma de crítica a las injusticias del mundo. Si escuchamos detenidamente la letra de Plegaria para un niño dormido, podemos entender que es un canto a la inocencia.
En este top 5 pudo entrar cualquier otra canción épica británica, pero “Plegaria para un niño dormido” no pasa desapercibida. Toca un tema tan doloroso desde la dulzura, de manera simple, sencilla y “limpia”, algo típico de Spinetta.
Puede verse como una canción de amor o como una súplica para que la sociedad abra más los ojos y cesen las injusticias contra aquellos que están desprotegidos. Dijo El Flaco: “No hay ningún atentado en la plegaria, es una cosa toda dulce. Hasta la denuncia se hace con dulzura”.
Bohemian Rhapsody – Queen
Publicado como el primer sencillo de A Night At The Opera, Bohemian Rhapsody es la canción más popular de Queen y una de las obras musicales más reconocibles y conocidas de toda la historia de la música popular. Llegando casi a los 6 minutos de duración, para la época era bastante extraño que una canción tan larga fuese lanzada como sencillo promocional. Sin embargo, Bohemian Rhapsody llegaría al número 1 de las lista británica de éxitos para quedarse ahí durante varias semanas.
Hay obras inconclusas, como “Smile” de The Beach Boys, que pudieron ser uno de los mejores álbumes de la historia (o no), pero, en contraste, te mostramos todo lo bueno y artístico que tiene el rock progresivo. Asimismo, fue interesante entender que la música progresiva se originó de un subgénero musical que imita los efectos de las sustancias psicotrópicas. La música es magia y eso no se discute.
Cuando se habla de métodos audiovisuales capaces de sorprender al espectador, sin lugar a dudas, la técnica de rompimiento de la cuarta pared ocupa una posición privilegiada. Así pues, traspasar la barrera invisible de la 4ta pared entre la realidad del público y de los personajes, es una muestra clara de agudeza, ingenio y creatividad.
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Se trata de una expresión metafórica que hace alusión a la separación ficticia que existe entre el espectador y la escenificación de una obra teatral, televisiva, cinematográfica, literaria o juego electrónico. El origen de la frase “la cuarta pared” data de 1904, siendo por primera vez utilizada en el Teatro de Arte de Moscú (Rusia).
La cuarta pared se rompe cuando alguno de los personajes de la escena se da cuenta que es ficticio o entra en contacto con el público presente, observando directamente a la cámara o dirigiendo un mensaje explícito al oyente o lector.
¿Cuál es el significado de la cuarta pared? El término “la cuarta pared” hace alusión al escenario teatral donde existen cuatro paredes: la de fondo, las dos adyacentes y la cuarta pared, entendida como la barrera invisible que divide el contexto de los actores con la realidad del público. La frase fue ideada por director de cine francés André Antoine.
Películas y series de televisión donde se escenifica el rompimiento de la cuarta pared
Resulta frecuente observar películas y series de televisión, donde los protagonistas de la trama se dirigen a los espectadores, rompiendo así la cuarta pared. A continuación se enumeran diez películas que rompen la cuarta pared.
El Rey León
El rompimiento de la cuarta pared ocurre cuando el personaje Timón le aconseja a Pumba que mejore su vocabulario porque “hay niños delante”.
Póster promocional de la película dirigida por Jon Favreau (2019)
El Lobo de Wall Street
El picaresco personaje Jordan Belfort, interpretado por Leonardo Di Caprio, se dirige en numerosas ocasiones a la audiencia, haciendo alarde de su éxito y fortuna mediante la explicación de estrategias de manipulación, fraude, estafa y legitimación de capitales.
Póster promocional de la película dirigida por Martin Scorsese (2013)
Alfie
La trama tiene como protagonista a Alfie, un hombre egoísta, muy aficionado a conquistar mujeres. Este personaje desvela sus técnicas de seducción a los espectadores, rompiendo la cuarta pared, una y otra vez.
Póster promocional de la película dirigida por Charles Shyer (2004)
Deadpool
El personaje Wilson Wade, rompe la cuarta pared cuando se dirige directamente a la cámara para interactuar con la audiencia haciendo uso del sentido del humor e intrigando los acontecimientos de la historia. .
Póster promocional de la película dirigida por Tim Miller (2016)
She-hulk
Esta película ha sido pionera en romper el cuarto muro, sobre todo cuando el personaje de Hulka (prima de Bruce Banner) se da cuenta que es parte de una historieta y se dirige al público con agudeza.
Póster promocional de la película animada basada en personajes de cómics originalmente dirigida por Stan Lee (1980)
Psicosis
En esta película de suspenso de Alfred Hitchcock, se rompe la cuarta pared con la sonrisa sutil del personaje Norman Bates, quien mira fijamente a la cámara en el momento crucial de la trama.
Póster promocional de la película dirigida por Alfred Hitchcock (1960)
El club de lucha
En esta película protagonizada por Brad Pitt, el personaje de Tyler Durden, utiliza muchas veces el sinónimo de romper la cuarta pared en los momentos en que Tyler reconoce a la audiencia y le envía mensajes subliminales sobre el lado oscuro de la psique humana.
Póster promocional de la película dirigida por David Fincher (1999)
House of Cards
Esta serie televisiva es famosa por romper la cuarta pared. Incluso, el personaje de Francis Underwood crea un vínculo emocional con el espectador cuando delibera con astucia sobre el carácter despiadado del ser humano en las luchas de poder.
Póster promocional de la serie televisiva dirigida por David Fincher (2013)
The Office
El personaje Kevin Malone, interpretado por el actor Brian Baumgartner, en numerosos episodios de esta serie, mira directamente a la cámara e incluso comparte sus reflexiones con los espectadores, escenificando en las pantallas televisivas, una especie de teatro La Cuarta Pared y propiciando así, una conexión emocional con los televidentes.
Póster promocional de la serie de tv dirigida por Randall Einhorn (2005)
Modern Family
En esta serie televisiva el personaje Phil Dunphy, personificado por Ty Burrell, interactuaba con la audiencia, miraba fijamente a la cámara y recurría a frases humorísticas con la finalidad de romper la cuarta pared y conquistar a la audiencia. Los fanáticos de esta serie de tv, la han catalogado como un modelo de teatro cuarta pared.
Póster promocional de la serie televisiva dirigida por Steven Levitan y Jason Winer (2009)
Videojuegos que rompen la cuarta pared
De seguidas se enumeran los juegos que rompen la cuarta pared. En otras palabras, juegos electrónicos interactivos capaces de romper la pantalla ficticia entre el jugador y las imágenes proyectadas mediante el controlador.
Metal Gear Solid
En este videojuego el personaje Psycho Mantis interactúa con el espectador cuando lo interroga sobre los demás videojuegos que ha utilizado en la consola. Adicionalmente, Psycho Mantis en numerosas ocasiones se luce hablando a la pared.
Portada del videojuego (Pinterest).
Club de literatura Doki Doki
Este videojuego destaca entre los juegos de romper la pantalla, siendo capaz de dar al traste con la cuarta pared en los instantes en que el personaje de Monika, echa abajo la estructura del videojuego eliminando personajes o participantes del juego.
En este videojuego el personaje Conker rompe la cuarta ventana cuando se dirige al jugador mientras se paraliza la pantalla y a su vez se develan supuestos inconvenientes de software que por un momento interrumpen el juego.
Portada del videojuego (Pinterest).
Monkey Island 2: La venganza de LeChuck
En este videojuego, la línea de apoyo de LucasArts permite que el espectador imaginario pueda resolver acertijos y con ello, sobreviene la ruptura de la cuarta pared.
Portada del videojuego (LucasArts, 1991).
Batman: Arkham Asylum
El personaje Scarecrow, interactúa con el jugador a lo largo del desarrollo del videojuego e incluso utiliza el gas del miedo contra Batman.
También el personaje Joker rompe la cuarta pared cuando advierte directamente al jugador que debe esquivar “disparos”. Para muchos, Batman, propiedad de DC Comics es la competencia de Deadpool, antihéroe de Marvel.
Portada extendida del videojuego (Rocksteady studios).
La parábola de Stanley
En este videojuego se rompe la cuarta pared cuando el narrador desaconseja al jugador para que ingrese al armario de escobas de Stanley.
Portada del videojuego (Galactic Cafe, 2011).
Pony Island
Este videojuego destruye la cuarta pared y aunque la trama resulta turbulenta, el jugador resultara desconcertado por la forma como debe explorar el contenido del juego, interactuando con los personajes.
Portada del videojuego (Daniel Mullins Games, 2016).
Nier Automata
El personaje Yoko Taro rompe la cuarta pared cuando se dirige directamente al espectador instándolo a que disfrute principalmente del juego y le reste importancia a los temas secundarios.
Portada del juego (PlatinumGames).
Max Payne
Aquí se echa por tierra la cuarta pared cuando el personaje principal (Max) lee una nota en la que toma consciencia que forma parte de un videojuego del que no puede alejarse, sino más bien permanecer.
Portada de la edición completa del juego.
Spec Ops: The Line
El jugador recibe constantemente mensajes implícitos del personaje principal hasta el punto de darse cuenta que las estrategias de maniobra van dirigidas al éxito del jugador más que al soldado que se controla.
Portada del videojuego (Pinterest).
La ruptura de la cuarta pared en la literatura
En el ámbito de la literatura, es menos frecuente el quebrantamiento de cuarta pared, teatro es donde más se rompe. Quizás los novelistas son prudentes para no confundir al lector. No obstante, la metaficción es un estilo narrativo que induce el rompimiento de la cuarta pared, pues admite que el leyente tome consciencia de que está ante una obra ficticia.
Don Quijote de la Mancha
En esta novela, el escritor Miguel de Cervantes hace uso del recurso del rompimiento de la cuarta pared cuando narra el episodio donde Sancho Panza y el Quijote conocen a un grupo de estudiantes, entre ellos Sansón Carrasco, quienes le explican detalles que han leído de la novela.
Esta obra de Miguel de Unamuno es un claro ejemplo de metaficción pues en numerosas ocasiones se hace alusión a la naturaleza ficcional de la trama. Incluso, el protagonista, un abogado adinerado y con contrariedades existenciales, alcanza a entablar conversación con el escritor, quien le diserta que es una entidad de ensueño.
Es uno de los libros que rompen la cuarta pared. Esta obra atemporal de la literatura inglesa escrita por Geoffrey Chaucer, es una narración donde los personajes y a su vez, peregrinos, hilvanan las historias dirigiéndose en múltiples ocasiones al lector, rompiendo así la cuarta pared.
Se trata de la quinta novela de la escritora Virginia Woolf, en la cual el personaje de la señora Ramsay, asume que es ficción y se dirige directamente al lector mediante ingeniosas maniobras que ilustran el paso del tiempo, favoreciendo la indagación psicológica. Es una de las obras con capacidad de romper la cuarta pared en literatura.
Esta novela impersonal de Kurt Vonnegut, hace alarde de la destrucción de la cuarta pared al cuestionar al lector con un toque de sarcasmo, los convencionalismos sociales y el conocimiento sobre lo tradicionalmente aceptado en el planeta, respecto a temas álgidos como la política, el sexo, la vida y la muerte.
Este libro de ciencia ficción de Ada Palmer tiene la capacidad de romper pantalla, dado que invita al lector a reflexionar sobre su vida interior con el fin de no desperdiciar su propia existencia.
En esta obra de William Goldman, por instantes el autor se pronuncia rompiendo la 4ta pared, dirigiéndose al lector para explicarle porque decidió contar de manera breve una historia de aventuras, combates y amores genuinos. El autor devela que la novela en realidad se inspira en el cuento que su abuelo le leía por las noches antes de irse a dormir.
Esta obra literaria de ciencia ficción, cuyo autor es el escritor Stanislaw Lem, de origen polaco es un ejemplo de ruptura de la cuarta pared, dado que el autor relata sus especulaciones al lector.
El libro de Stanislaw Lem es otro claro ejemplo de ruptura de la cuarta pared. De hecho, la obra se ha calificado como descendiente de la novela Vacío perfecto.
Esta novela épica del escritor Michel Faber, desarticula la cuarta pared cuando al inicio de la obra, el narrador se dirige al lector y le aconseja cuidar sus pasos, manteniendo el ingenio y calificándolo como un “visitante” de otro tiempo y otro lugar, que presta atención a la vida de los personajes que conforman la trama.
En resumidas cuentas, la cuarta pared permite que el espectador recuerde que está fuera de la historia, distanciándose de la misma, pues solo contempla la realidad de los personajes en un contexto distinto a su propia realidad. Romper la 4ta pared implica incluir al público en la historia relatada, creando una interesante conexión emocional con los personajes.
Las series y películas animadas que disfrutamos son creadas en estudios de animación que han generado las creaciones más taquilleras y galardonadas de la historia. Este artículo te mostrará los mejores 25 estudios animados del mundo, distribuidos en EEUU, Japón, México y España, países ubicados en la palestra mundial dentro del ámbito de las diversas técnicas de la animación. Junto a los datos más importantes de estas casas de animación, conocerás sus producciones más famosas.
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Estados Unidos es líder en la industria de dibujos animados. Varias de las primeras casas de caricaturas famosas fueron fundadas allí, creando contenido tanto para televisión como para el mundo cinematográfico. De vieja o reciente data, la producción de dibujos animados norteamericana origina numerosas películas y series merecedoras de destacados premios, al mismo tiempo que genera cuantiosos ingresos monetarios. Conoce los estudios de animación más importantes de EEUU:
1. Walt Disney Studio Animation
Encabezando las listas animadas se encuentra uno de los más antiguos estudios de animación del mundo, fundado en 1923 por el más reconocido de los animadores famosos: Walt Disney. En casi un siglo, las animaciones de Disney se convierten en clásicos dentro de la industria del entretenimiento. ¿Quién no se divirtió con Mickey Mouse en algún momento?
Esta empresa fundó las bases de la calidad animada. Sus creaciones (series, cortometrajes y largometrajes) son hechas con animación completa, con trazos finos y elevados detalles; sin embargo, usa otros métodos como la rotoscopia, animación tradicional, 2D, 3D, entre otros, adaptándose a las tecnologías de su contexto.
Entre sus más de 50 largometrajes destacan:
Frozen, la película más galardonada de la casa Disney (72 premios) y más taquillera ($1.287 millones)
Blancanieves y los siete enanitos
La Bella y la Bestia
El Rey León
Aladín
La Sirenita
Cenicienta
2. Pixar Animation Studios
Es el estudio de películas más renombrado de EEUU, fundado en 1986 por Steve Jobs. Cuenta con las películas animadas más taquilleras de todos los tiempos, siendo responsable de instaurar el uso de la animación computarizada.
Propiedad de The Walt Disney Company, Pixar ha producido cortometrajes, filmes, series, videojuegos, anuncios comerciales y otros productos, con ingresos de hasta $ 289.100 millones (2005). Utiliza la animación digital por medio del Marionette, Ringmaster y RenderMan, tres sistemas de animación para el desarrollo de sus proyectos.
Las películas más reconocidas de Pixar son:
La saga Toy Story, siendo la más taquillera la tercera película ($1.287 millones)
Inside Out, más premiada (72 galardones)
Cars
Coco
Buscando a Nemo
3. Sony Pictures Animation
Creada en 2002, es de las empresas de dibujos más recientes, pero con gran éxito. En corto tiempo, el dibujo animado de Sony se ubica entre los mejores del mundo, implementando la animación tradicional, 2D y 3D en sus producciones.
La saga Hotel Transilvania (su primera película cuenta con 3 premios y la segunda es la más taquillera de la empresa, $169,7 millones)
Open Season
Los Pitufos
Lluvia de Hamburguesas
Spiderman: Un nuevo universo
4. Illumination Entertainment
Fundada en 2007, esta compañía propiedad de Universal Pictures implementa la animación digital por medio de sus producciones, provistas de humor y detalles tiernos de sus personajes e imágenes de animación de esta compañía, rasgos que la ubican entre las más valoradas.
De sus películas se distinguen las siguientes:
Gru, Mi Villano Favorito y su secuela (esta última, con 12 premios)
Minions ($1.159 mil millones, más taquillera)
La Vida Secreta De Tus Mascotas
Sing: Ven y Canta
Hop
5. DreamWorks Animation
Entre los estudios animados de prestigio se encuentra esta compañía, fundada en 1994 por Steven Spielberg. Este estudio de dibujos subsidiario de Universal Pictures, ha creado famosas series y películas de renombre, generando ingresos de más de $784 mil millones (2010). De sus películas animadas, generadas mayormente por animación 3D, sobresalen:
La saga Shrek (la primera película con 38 galardones y la segunda, la más taquillera, $441 millones)
Fundado en 1987 y disuelta en 2021, fue otra de las empresas de dibujos animados dependiente de The Walt Disney Company responsable de creaciones con animación computarizada, vista en comerciales, series, cortometrajes y películas.
Entre las famosas creaciones de este estudio de dibujos se encuentran:
La Era del Hielo y sus secuelas. El primer filme fue el más laureado y taquillero de la compañía (5 premios y $484 millones, respectivamente)
Robots
Rio
Snoopy y Charlie Brown: la película
Ferdinand
7. Warner Bros Animation
Nacida en 1980, es la casa de clásicos dibujos de estudios Warner como los Looney Tunes y Merrie Melodies, con animadores famosos como Tex Avery, Chuck Jones, Richard Thompson, entre otros. Ha generado todo tipo de productos en series y películas, derivando en divertidos personajes antropomórficos, niños estudiosos animados y, recientemente, incluyendo a superhéroes y famosos juegos.
De sus productos generados por animación tradicional, computarizada, 2D y 3D, tenemos:
Space Jam
Happy Feet
Pokémon the Movie
La Espada Mágica
The Lego Movie
8. Cartoon Network Studios
Otra de las empresas de dibujos animados más populares, especializada en generar contenido para el canal de televisión homónimo. Fue fundada en 1994 como división de la prestigiosa Hanna – Barbera Cartoons, Inc. Ya como estudio independiente, ha producido series y cortometrajes convertidos en clásicos de los dibujos animados.
De sus productos destacan:
Johnny Bravo
Las Chicas Superpoderosas
Vaca y Pollito
El Laboratorio de Dexter
Ed, Edd & Eddy
¿Qué Hay de Nuevo, Scooby Doo?
Los más reconocidos estudios de animación japonesa
A la par de la producción estadounidense, el estudio anime japonés se encuentra entre lo más selecto de la calidad animada, hecho que se manifiesta en la infinidad de series y películas producidas por estudios de anime de elevada categoría mundial. Los más conocidos son:
9. Studio Ghibli
Es el estudio anime de mayor prestigio en el mundo, siendo fundado en 1985 por Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Implementando la animación 2D, la empresa genera productos de extraordinaria calidad, mezclando belleza y arte en sus reconocidas creaciones.
De sus desarrolladores salieron magníficas producciones como:
El Viaje de Chihiro, siendo el único filme de habla no inglesa merecedora del Óscar a la mejor película animada; además de ser la más taquillera: $380 millones.
Mi Vecino Totoro
Ponyo
La Princesa Mononoke
El Castlllo Ambulante
10. TOEI Animation
De los estudios de animación más famosos en todo el mundo, fundado en 1956. Cuenta con amplia trayectoria en la producción de seriados, cortometrajes y películas de renombre, adaptando cuidadosamente los más populares mangas japoneses.
Entre sus creaciones más populares están:
Dragon Ball
Los Caballeros del Zodiaco
One Piece
Digimon
Sailor Moon
11. Sunrise
Otro estudio anime reconocido en el mundo, nacido en 1972. De enorme repercusión en el mundo del anime, ha acumulado una enorme cantidad de galardones por sus creaciones exitosas, que van desde seriados, películas, videojuegos, hasta franquicias completas.
De sus productos más destacados, se consideran importantes:
Cowboy Bebop
InuYasha
Gintama
Gundam
Outlaw Star
12. Madhouse
Otra empresa nipona de renombre, fue fundada en 1972 en pleno auge del anime japonés. Son famosas sus adaptaciones a la pantalla grande y chica de los mangas más seguidos por fanáticos de todo el mundo, como es el caso de:
One Punch Man
Sakura Card Captors
Death Note
La Chica Que Saltaba a Través del Tiempo
Perfect Blue
13. Bones
Esta productora japonesa ha contribuido enormemente al posicionamiento de la industria nipona en el mundo de la animación. Creada en 1998 por Masahiko Minami, Toshihiro Kawamoto y Kōji Ousaka, antiguos empleados de Sunrise, esta compañía cobró notoriedad en su país con el desarrollo de producciones para cine, televisión y streaming como:
Fullmetal Alchemist
My Hero Academia
Skull Man
Tenkū no Escaflowne
Hisone to Masotan
14. Gainax
Dentro de universo del anime japonés, Gainax se encuentra entre los estudios animados más prestigiosos. Fue fundado en 1984, logrando escalar rápidamente para llegar a lo mejor de la industria de la animación, por lo que sus productos han traspasado las fronteras niponas para llegar a todo el mundo.
Sus producciones con mayor éxito comercial son:
Neon Genesis Evangelion
Royal Space Force
Hideaki Anno
Medaka Box
Omoi no Kakera
15. Pierrot
En este top de estudios de animación japonesa no podía faltar esta compañía creada en 1979, cuyos proyectos llevados a televisión, cine, videojuegos y plataformas streaming han dado ingresos de más de 428 millones de yenes. De su cartera de producciones de fama mundial, destacan:
Naruto
Tokyo Ghoul
Yu Yu Hakusho
Bleach
Akudama Drive
Blue Dragon
Los estudios de animación más importantes de México
Dentro de la industria de la animación impulsada en América Latina, México ha dado agigantados pasos para entrar en el top de países con mejores estudios animados, generando contenidos propios o colaborando para empresas de renombre mundial.
16. Ánima Estudios
Fundado en 2002, es el estudio latinoamericano más importante en lo que se refiere a animación. Desarrolla contenidos en animación digital tanto para televisión y cine, y las películas de Ánima estudios se ubican entre las más populares de la región, logrando transmitirse fuera del territorio azteca para ganar reconocimiento internacional.
De las películas producidas por Ánima estudios y sus programas televisivos tenemos:
La serie animada de El Chavo del 8
Magos y Gigantes
La Leyenda de la Llorona
Don Gato: El Inicio de la Pandilla
Kung Fu Magoo
El Camino de Xico
17. Cinema Fantasma
Otro célebre estudio animado mexicano es éste, que desde 2001 desarrolla contenidos de alto nivel por medio del método stop motion, una técnica tradicional que ha ayudado a la productora a establecerse dentro de la industria. Ha desarrollado contenidos para Cartoon Network, HBO y Nickelodeon, como por ejemplo:
Hora de Aventura
Steven Universe
También cuenta con trabajos propios como:
Revoltoso
Los Sustos Ocultos de Frankelda
La Balada del Fénix (en pleno desarrollo)
18. Exodo Animation Studios
Otra casa de animación mexicana que nació en 2006 en Guadalajara, desde donde desarrollaron proyectos de primera categoría para comerciales, cadenas televisivas y también cortometrajes, por medio de la técnica de animación 3D.
De sus producciones destacan:
Anacreonte
Animaciones para el film de India Gamayana
Más de 250 escenas del film estadounidense Time Warrior
Conjunción
Fearnando
19. HuevoCartoon
Fundada en 2001, esta casa de animación genera contenido para público adulto por medio de la animación computarizada, resultando en producciones cargadas del humor característico del país azteca. Sus más famosas creaciones son:
Una Película de Huevos
Un Gallo con Muchos Huevos
Otra Película de Huevos y un Pollo
Marcianos vs. Mexicanos
Un Gallo Congelado
20. Mighty Animation
Una de los estudios de animación que se encuentran entre los más reconocidos de Latinoamérica por sus contribuciones en el desarrollo de dibujos animados en 2D y 3D en destacadas cadenas televisivas de la región. Creada en 2012, la empresa tuvo auge en la industria por su calidad en los contenidos, como por ejemplo:
Viaje Sideral
Ideas
Juan Futbol
A Little Grey
Yakka Dee
Las destacadas empresas industriales animadas de España
Por supuesto, dentro del territorio ibérico se encuentran estudios animados con destacada reputación tanto en Europa como en el resto del mundo. Conoce los más populares estudios de animación de España:
21. Ánima Kitchent Media
Creada en 2013, esta productora desarrolla contenido en animación 2D y en computadora, contando con sedes tanto en Madrid como en Canarias, Buenos Aires y Ciudad de México, desde donde desarrolla proyectos para todo público, tales como:
Cleo y Cuquín
Lea y Pop
Pollos Espaciales en el Espacio
PINY
BodyTown
22. Zinkia Entertainment
Nacida en 2001 en Madrid, es uno de los estudios animados más prestigiosos de España, desarrollando contenidos acogidos por el público en general, creados a partir de la animación por computadora y 2D. Ha logrado notoriedad no solo en tierras ibéricas, sino en otras regiones del mundo, gracias a producciones de su autoría como:
Pocoyó
Shuriken School
Mola Noguru
Pocoyó Arcade
Pocoyó Party
23. Capcub
Concebido hace más de una década en Islas Canarias, este estudio de animación cuenta con gran renombre en la industria de la animación, contando con una amplia gama de clientes que recurre a sus creaciones de excelente calidad. Gracias a la animación por computadora, 2D y 3D, Capcub ha creado contenidos como:
Watch Warriors
El Árbol que Crecía en mi Pared
Bogey and Bugs
El Mundo de Kalú
Hirokuy, Defensores de Gaia (modelado para dicha película)
24. Paramotion Films
Fundada en 2006 en Madrid, esta casa productora se especializa en desarrollar producciones dentro de la animación y VFX, técnicas que generan numerosas creaciones dentro del ámbito comercial, televisivo y cinematográfico. De su lista de producciones podemos mencionar:
Rudy y la Brigada
Zombie Time
Una Historia Entre Robots
Skidamarink Song (canción infantil para el canal Youtube de Barrio Sésamo)
Clips animados de Lunnis de Leyenda
25. Ilion Animation Studios
Cerramos este listado de mejores estudios animados del mundo con esta prestigiosa compañía, creada en 2002 en Madrid y que desde 2020, se denomina Skydance Animation Madrid. Esta empresa utiliza la animación por computadora para la producción de videojuegos, series, cortometrajes, largometrajes y colaboraciones para otras productoras nacionales e internacionales, por lo que ha ganado mérito internacional por la extraordinaria ejecución de sus creaciones que reciben valoración de la crítica y el público en general. Entre sus contenidos se encuentran:
Planeta 51 (coproducida con Tristar Pictures, HandMade Films, Warner Bros. Pictures y Televisión Española)
Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo (coproducida con Zeta Cinema, Películas Pendelton y Paramount Animation)
Wonder Park (con Nickelodeon Movies)
Y contando con sus próximos lanzamientos como:
Luck
Spellbound
Dragonkeeper
Rompetechos
Muchas de las producciones televisivas y cinematográficas que han divertido a generaciones de fanáticos fueron creadas en estos estudios de animación, que se posicionaron como los más famosos de la industria por sus productos, reconocidos a nivel mundial. Ya sean pioneros en el área o de fundación reciente, estos estudios animados se encuentran en lo más alto del entretenimiento, innovando y desarrollando contenido por medio de diferentes técnicas de animación que resultan en series televisivas y películas de enorme popularidad y prestigio, varias de ellas nominadas a prestigiosos premios, ganadoras de festivales y galardones de fama mundial y, a su vez, convertidas en éxitos comerciales.
La pintura de Oskar Kokoschka que advertía sobre la Guerra Fría
Oskar Kokoschka fue un pintor y poeta austriaco muy conocido por su arte expresionista, que solía plasmar historias inquietantes y algo turbias. Y hablando de sus obras, “El Tríptico de Prometeo” (1950) es una de esas que guarda consigo los años oscuros de la humanidad: La Guerra Fría.
El Tríptico de Prometeo, que se expondrá al público el próximo 19 de noviembre en The Courtauld Gallery, en Londres, fue una pintura figurativa que le encargó el conde Antoine Seilern a Oskar. En su arte buscó representar el apocalipsis bíblico como una demostración de los días bélicos y todas las consecuencias que dejaron en el mundo.
El pintor fijó como núcleo del desastre al “arrogante intelectual” Prometeo (según su juicio), y a otros dioses griegos como Hades y Perséfone, quienes ya no estaban del lado de los mortales. Esto, para él, fue una visión apocalíptica, una advertencia y recordatorio a la sociedad para que evite el camino hacia la destrucción.
Se cumplen 47 años del lanzamiento del INTASAT-1, el primer satélite artificial de España
El primer satélite español fue desarrollado por el Instituto Nacional de Técnica Aeroespacial (INTA) en 1968 y seis años más tarde, en 1974, fue puesto en órbita con ayuda de la NASA. Se trata del INTASAT-1, un satélite que midió 450 mm de altura y pesó unos 25 kg en el momento su lanzamiento.
El INTASAT-1, que tenía prevista una misión de dos años para estudiar la ionosfera, despegó desde la Base de la Fuerza Espacial Vandenberg a bordo del vehículo Delta (como carga útil secundaria), el satélite meteorológico ITOS-G de la NASA.
Esto significó un hecho histórico para España y Europa, porque se estaba materializando un proyecto que llevó años de investigación y ensayos para dar con el lanzamiento que incluiría al país en la lista de “los países del espacio”; sin embargo, no tuvo la continuidad inmediata que hubiese querido tener el equipo del INTA.
Gladiator 2 será una secuela bajo la dirección de Ridley Scott y el guion ya está listo
La primera vez que se supo sobre la posibilidad de que Gladiator (2000) tuviera una secuela fue en año 2018, cuando Paramount Pictures dio el sí que faltaba para empezar a trabajar en ello, pero ahora está más que confirmado: Gladiator 2 es un hecho.
Ridley Scott, quien dirigió la primera película, será el encargado de la dirección de la secuela y aseguró que el guión ya está listo. En una entrevista reciente con Deadline, afirmó que ya tienen fijadas “ciertas cosas” del filme:
“Tenemos una buena huella, un lugar bueno y lógico al que ir. No puedes simplemente hacer otra película tipo Gladiator (…) Hay suficientes componentes desde el principio uno para recoger la pelota y continuar”.
Gladiator 2 seguirá la historia de Lucius, por lo que se prevé un salto de tiempo de 25 a 30 años, así que hay mucho trabajo que hacer. Por otro lado, también se espera que el actor que interpretó a Maximus, Russell Crowe, aparezca en la película a pesar de que él murió al final de la primera entrega. Aún no hay más información sobre la trama o fecha de estreno.
El café puede ayudar a incrementar los niveles de actividad física, según un estudio
Una investigación publicada en American Heart Association abordó la relación que existe entre el consumo del café y el ejercicio físico en tiempo real. 100 personas participaron en el experimento, con sensores y monitores, que buscaba revisar cómo afectó el consumo diario de café en los participantes.
Según los resultados, las personas que tomaron café registraron más de mil pasos adicionales diarios en comparación con los días libres de café. En este sentido, quienes tomaron una taza adicional caminaron al menos 600 pasos más. Además, durmieron 36 minutos menos por la noche, y 18 menos si duplicaban el consumo.
En conclusión, más actividad física, asociada al consumo del café, significa menos ataques cardiacos, menos cáncer, diabetes, y mayor longevidad.
Los humanos son muy buenos decodificando emojis, incluso si estos reemplazan una palabra
Según un estudio publicado en Computers in Human Behavior, las personas son pueden entender con facilidad el mensaje aunque un emoji esté reemplazando directamente una o varias palabras.
El experimento fue llevado a cabo por investigadores alemanes que invitaron a 53 personas nativas de Alemania para que leyeran varias oraciones que incluían distintos emojis, y luego se les preguntaba si habían entendido el mensaje.
El resultado de la prueba fue que la mayoría de los presentes pudo comprender la totalidad del mensaje con emojis, pero en un tiempo de 804 milisegundos, mientras que, cuando solo leyeron palabras, tardaron 456 milisegundos en leer. En resumen: la comprensión lectora no se ve afectada cuando los emojis reemplazan a las palabras.
Doscientos tres escalones son los que tenemos que subir para contemplar la urbe desde el campanario de la mezquita cordobesa. Este alminar fue el primero que hubo en occidente y su diseño fue utilizado como modelo en el arte califal.
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La puerta más monumental para acceder al Patio de los Naranjos es la del Perdón –data del siglo XVI-, un nombre que rememora la indulgencia que concedía el obispo a los fieles que no habían pagado el diezmo.
El Patio fue construido en tiempos de Abderramán I y, primitivamente, tenía cipreses, laureles y olivos. Allí los fervorosos musulmanes realizaban sus abluciones, al tiempo que en otros lugares del patio se impartían clases o se administraba justicia.
Es totalmente evocador detenerse unos instantes, respirar los aromas indescifrables que por allí transitan, mientras escuchamos el sonido del agua que recorre las acequias y suspendemos nuestra mirada en el brillo de alguno de los frutos.
Se cuenta que tras la bomba de Hiroshima, un jesuita japonés solicitó algunas semillas de los naranjos del patio de la mezquita y con ellas creó un jardín dedicado a la memoria de las víctimas.
Un bosque de columnas
Cuando uno accede al interior de la mezquita es invadido durante unos minutos por un estado de ensoñación, de divina confusión, provocado por la visión en penumbra de algo que se asemeja a un bosque. Una floresta con más de ochocientas columnas –muchas, pero nada comparable con el millar que llegó a tener siglos atrás-de granito, jaspe y mármol, unidas por trescientos sesenta y cinco arcos de doble herradura. Cada capitel y cada columna son diferentes y parecen estar suspendidos en un resquicio de eso que alguien denomino espacio-tiempo.
Algunas columnas tienen su propia intrahistoria. En una de ellas hay una cruz tallada, la leyenda defiende que fue realizada por un cautivo cristiano y que la forjó con una de sus uñas. Cerca hay otra protegida por una mampara, ya que los visitantes se afanaban en rascarla con una moneda porque desprendía un intenso olor a azufre. Los mentideros de la ciudad afirmaban que su soporte se encontraba en lo más profundo del infierno.
Uno de los preceptos más importantes del islam es que la quibla debe estar orientada hacia La Meca, sin embargo, en la mezquita cordobesa el muro está dispuesto hacia el río Guadalquivir. Basta con acceder a la aplicación de la brújula de nuestros teléfonos inteligentes para comprobar que la declinación de la aguja es 157º SE, muy superior a los 57º que marca la asignación preceptual.
En la frondosidad de las columnas hay una zona deforestada, la catedral cristiana. En ella destaca una preciosa y ornamentada sillería, situada a dos niveles, de una belleza incomparable y labrada en madera de caoba procedente de algunas de las islas del mar Caribe. Junto al púlpito de la Capilla Mayor hay un buey blanco que, según la leyenda, fue utilizado por los musulmanes para llevar hasta allí las columnas. Cuando descargaron la última el animal se derrumbó muriendo de inmediato. Para honrar su labor el arquitecto ordenó construir esta escultura.
Se cuenta que cuando Carlos V contempló por vez primera la Capilla Mayor no pudo por menos que exclamar lo siguiente:
“Habéis destruido lo que era único en el mundo y habéis puesto en su lugar lo que se puede ver en todas partes”.
Alrededor de la catedral hay repartidas casi cuarenta capillas, siendo la de Villaviciosa la más bella, con su lucernario y sus espectaculares arquerías. En otra de ellas –la de San Bartolomé- se encuentra enterrado el poeta Luis de Góngora.
Antes que califal, Córdoba tuvo un pasado romano. Durante esa época se construyó un templo, del cual quedan como vestigio unas cuantas columnas, la huella imborrable de un pasado esplendoroso. Parece ser, al menos a esa conclusión han llegado los expertos, que su culto estuvo dedicado a los emperadores divinizados y que el templo se podía distinguir desde la vía de entrada a la ciudad.
Si el tiempo y las fuerzas lo permiten, finalizaremos nuestro recorrido encaminando nuestros pasos al Museo Arqueológico. De su magnífica colección destacar, sobre todo, la llamada cerámica verde y manganeso califal, en la que sobre un fondo blanco hay una rica ornamentación en verde y negro (el verde es el color de Mahoma, el blanco el de los Omeyas y el negro es la representación de la dignidad califal).
Nos detendremos apenas unos minutos para contemplar los exvotos ibéricos, ofrendas que se depositaban en los santuarios (ojos, dentaduras, piernas) para agradecer o solicitar favores divinos y en la escultura ibérica de caliza blanca en forma de amenazante leona. Una maravilla arqueológica del siglo IV a. de C a la que se presume una función funeraria y que no podemos dejar de admirar en nuestro viaje a Córdoba.
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