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Cómo son las brujas: información, imágenes, fotos y vídeos para saber cómo identificar a una bruja paso a paso

Alguna vez en la vida, hemos visto una que otra película o serie televisiva donde se han mostrado brujas horribles y despiadadas, capaces de realizar maleficios para espantar a la gente. Esto nos hace pensar: ¿existen brujas en la vida real?, y si es así, ¿cómo son las brujas? Pues estas interrogantes y más serán respondidas gracias a toda la información sobre las brujas detallada en breve, desde su origen, historia, características, tipos, personajes famosos que se creen fueron brujas y brujos y todos los pasos para saber cómo identificar a una bruja. Presta mucha atención a todos los aspectos que encontrarás en este interesante artículo.

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Características generales de una bruja

Por lo general, hay determinados rasgos que permiten identificar a cierta persona, y en el caso de las brujas, estas características permiten clasificarlas como tal. Ya sea por el imaginario colectivo o por registro testimonial, hay variados aspectos a considerar para saber cómo son las brujas. Entre ellos se encuentran:

Facultad de volar

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(OpenClipart-Vectors, Pixabay)

Si te has preguntado qué hacen las brujas o qué habilidades tienen un aquelarre de brujas reales, ésta es una de las más importantes. Es habitual ver imágenes de brujas reales con una escoba en la mano, que es el «vehículo» utilizado para surcar los cielos.

Viven solas

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(darksouls1, Pixabay)

Ante la duda de dónde viven las brujas, por lo general, habitan casonas o castillos solitarios apartadas de toda población, ya que no les gusta la compañía humana.

Edad prolongada

Hay indicios de brujas antiguas con varios siglos de edad pero que, a pesar de esta característica, mantienen un aspecto joven.

Realizan pociones mágicas

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(Pxfuel).

Si buscas información de todo sobre las brujas, podrás ver que una de las actividades que más realizan son pociones y ungüentos con ingredientes naturales, previo conocimiento de las propiedades de estos remedios caseros. Muchas de ellas tienen profundas nociones de herbolaría y botánica, preparación que llevan a la práctica cuando realizar estos medicamentos caseros. No es de extrañar que las brujas hayan sido representadas en múltiples ocasiones revolviendo misteriosas mezclas burbujeantes en profundas ollas y calderos.

Gusto por los animales repudiados por los demás

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(milesz, Pixabay)

En los vídeos de brujas que alguna vez hemos visto, notamos que son acompañadas por «mascotas» que resultan desagradables para las demás personas, por ejemplo, gatos negros, murciélagos, arañas, sapos, cuervos, entre otros animales, señalados por ser augurios de mala suerte y otras creencias supersticiosas.

No manifiestan buenos sentimientos

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(prettysleepy1, vía Pixabay)

Al indagar sobre qué son las brujas, vemos que son mujeres que carecen de buenos sentimientos como amor, confianza, empatía y solidaridad. Por el contrario, son féminas que están llenas de prepotencia, y muchas de ellas son gritonas, orgullosas, mandonas, entre otros rasgos conductuales característicos de estas brujas.

Apariencia cambiante

Todos hemos percibido a las brujas más feas por TV o pelis, pero algunas han tenido la capacidad de cambiar de aspecto y de forma, incluso, adoptando una forma totalmente diferente a la original, transformándose en otras personas, objetos o animales determinados.

Hay brujas buenas y brujas malas

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(Pxfuel).

Aunque asociemos la práctica de la brujería con hacer el mal, lo cierto es que también existe magia blanca, realizada por brujas blancas que recurren a ella para sanar alguna enfermedad, molestia o para subsanar algún problema en específico. Otras, por su parte, practican ambas corrientes, en un momento por equilibrar los efectos de los dos tipos de magia más utilizados.

Aspecto variado

Observamos centenares de fotos de brujas feas, pero no siempre es ese su aspecto. Si bien muchas son representadas con aspecto desaliñado, cuerpo delgado, gran nariz y cabello despeinado, otras muestran la apariencia de una mujer hermosa, por lo que pueden pasar desapercibidas entre otras féminas.

Son totalmente independientes

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(Pxfuel).

Si definimos cómo es una bruja en términos de personalidad, hacemos referencia a una mujer independiente, capaz de defenderse por sí sola y actuar de manera autónoma, rasgos afianzados en muchas oportunidades por su origen pobre, contexto donde aprendieron a sobrevivir por cuenta propia.

Con estos rasgos ya descritos, puedes tener una mejor idea de cómo saber si una persona es bruja.

Los tipos de brujas existentes

En pocas palabras, al especificar qué es una bruja, estamos haciendo referencia a una mujer que practica la brujería. Esta práctica tiene muchas corrientes, y a partir de allí sabemos que las brujas existen y las creencias que poseen para catalogarlas entre los numerosos tipos de brujas que hay. Conoce la clasificación de las brujas conjuntamente fotos reales de cómo son las brujas:

Bruja tradicional

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(Mysticartdesign, Pixabay)

Dedicadas al arte tradicional de la brujería, compuesto de ritos, hechizos y comunicación con espíritus del más allá. Toman en cuenta el pasado de otras brujas afianzándose en las historias reales de brujas que vivieron en siglos anteriores.

Bruja negra

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(Victoria_Borodinova, vía Pixabay)

Hay mujeres que realizan numerosos maleficios y maldiciones basados en la magia negra, como son las brujas reales negras, que se consolidan en esta creencia para demostrar su poder, el más oscuro de todos.

Bruja blanca

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(Victoria_Borodinova, Pixabay)

Hemos visto brujas de verdad en persona por lo menos una vez en nuestras vidas, y muchas de ellas practican la magia blanca para revertir los maleficios provenientes de la magia negra, por lo que se puede decir que estas brujas son partidarias del bien.

Bruja gris

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(Victoria_Borodinova, Pixabay)

Entre las brujas reales encontradas este tipo de brujas que recurren tanto a la magia blanca como a la magia negra para realizar sus prácticas, inclinándose así entre el bien y el mal.

Bruja solitaria

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(rajeeblochanchand, Pixabay)

Este tipo de bruja no se identifica con los tipos de magia ya especificados, por lo que no pertenecen a una organización determinada por sus creencias. Suelen trabajar por cuenta propia, de manera libre y variada.

Bruja verde

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(Victoria_Borodinova, Pixabay)

Es la bruja que utiliza elementos provistos por la naturaleza para la elaboración de sus pócimas y ritos, por lo que tiene conocimientos básicos en botánica y medicina natural para tal fin.

Bruja cósmica

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(Pxfuel).

Son estudiosas de la astrología y cosmología, de ahí su nombre. Sus rituales se basan en la posición de los astros, de la luna, el sol, las estrellas y los planetas, para lograr su mayor efectividad.

Bruja chamánica

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(Victoria_Borodinova, Pixabay)

Es aquella bruja que invoca espíritus y guías para realizar sus prácticas rituales. Es una creencia aún vista es muchas culturas y religiones, sobre todo las de antepasados aborígenes. Por ejemplo, existen las brujas en México y en otros países con tribus indígenas que practican esta corriente para curar a los enfermos y personas con algún mal en específico.

Bruja diánica

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(syaifulptak57, Pixabay)

En las historias de brujas verdaderas, encontramos brujas practicantes de la igualdad de género, también catalogadas como feministas que, inspiradas en la diosa Diana, sobrevivieron al patriarcado de las sociedades antiguas para la práctica de sus creencias.

Bruja hereditaria

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(Piqsels).

Es la bruja cuyos conocimientos mágicos fueron transmitidos de forma hereditaria, por lo general, al nacer y criarse dentro de una familia de brujos, de los cuales adquieren las tradiciones y ritos practicados por generaciones por su núcleo familiar.

Comprueba cómo identificar a una bruja

Si deseas conocer cómo son las brujas en realidad, solo debes seguir algunos pasos que te ayudarán a identificar a estas mujeres poderosas. Muchos de ellos están basados en las comprobaciones utilizadas en tiempos antiguos, cuando se encontraba arraigada la persecución y acusación de mujeres sospechosas de brujería. Conoce cuáles son las indicaciones para saber cómo identificar a una bruja:

  • Busca alguna marca o rasgo de nacimiento que permita indicar que la persona es bruja. Ya sea un lunar, mancha, verruga característica o un pezón de más, te ayudará a identificar a una bruja.
  • Observa si cuenta con alguna superstición, costumbre o creencia específica. Esta es una práctica heredada por sus ancestros o familiares antiguos por miles de años.
  •  Si una persona no es capaz de recitar la clásica oración del Padre Nuestro, alerta, puedes estar frente a una bruja o brujo.
  • Otro indicio para determinar a una persona como bruja es verla hablar para sí misma. Esta comprobación era muy popular durante los juicios sobre las brujas de Salem.
  • Nota cuántas mascotas o qué tipo de animales tiene la persona que crees que sea bruja, sobre todo, si siente afinidad por los gatos negros u otros animales desagradables.
  • Muchas brujas de la antigüedad fueron juzgadas como tal por haberse casado en más de una ocasión, lo que afianzó la creencia de haber matado a sus esposos. Así que si conoces a una mujer con más de un matrimonio, comienza a sospechar de ella.
  • Algunas personas suelen ser sarcásticas, pero esta era una de las características analizadas en el pasado para acusar a una persona de incurrir en brujería. Toma esto en cuenta al hablar con una persona que recurre al sarcasmo.
  • Comparar el peso de una persona sospechosa de bruja con una pila de biblias fue uno de los métodos más «eficaces» de los tiempos antiguos. Si la mujer pesaba más que la carga descrita, era acusada inmediatamente. Verifica esta técnica con esa persona misteriosa que conoces.
  • Percibe la apariencia de la persona que sospechas que sea bruja, específicamente su vestimenta, ya que las brujas antiguas y actuales siempre se inclinan por usar prendas de color negro y accesorios con símbolos diabólicos o espirituales, dependiendo de la creencia que profesan.
  • Si ves que esa persona en cuestión gusta de vivir en un lugar apartado, sin contacto alguno con la sociedad, puede ser una pista para que se trate de una bruja.

Personajes famosos que se creen fueron brujas y brujos

A lo largo de la historia, muchos reconocidos personajes fueron señalados de practicar brujería por sus acciones. Sea verdad o no, algunas de estas personas fueron sentenciadas a muerte por incurrir en estas faltas o, simplemente, registrados en los libros como brujas y brujos famosos. Además, basta con ver fotos de brujas de verdad para observar a muchas figuras importantes dentro de esta clasificación, por lo que podrás sorprenderte al encontrarte con estas personas. A continuación, te mostramos ocho de los personajes históricos involucrados en la brujería:

Alice Kyteler

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Recreación de Alice Kyteler (A.-K. D., CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta fue la primera mujer acusada y condenada por brujería en Irlanda. Nacida en 1280 en el seno de una familia acomodada, Kyteler se casó en cuatro ocasiones, y en al menos dos de esos matrimonios, fue acusada por la comunidad de envenenar a sus maridos.

La mujer fue señalada también de negar su fe en Cristo en diferentes oportunidades, además de mover su círculo de influencias para amasar una enorme fortuna y favorecer en cargos públicos a algunos de sus hijos. Juzgada también como hereje por los altos miembros del clero irlandés, Kyteler se ganó en su vida el repudio de la colectividad.

Tal fue la presión ejercida por la comunidad que tuvo que exiliarse en Inglaterra, y durante dicha ausencia, sus seguidores fueron perseguidos por la Iglesia y acusados de herejía y brujería. Aunque se tiene registro de que falleció en Dublín, no se sabe las causas de la muerte de la bruja más antigua de Irlanda.

Juana de Arco

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Juana de Arco, mártir de la Iglesia Católica. (Fondo Público de la Biblioteca de la Universidad de Sevilla, Public Domain , vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Por lo general, solemos ver fotos de brujas malas, por lo que puede sorprenderte el toparte con Juana de Arco en esta lista. La hoy consagrada santa mártir de la Iglesia Católica, en vida fue señalada como bruja por participar en las postrimerías de la guerra de los Cien Años francesa, hecho en el que la joven admitió haber tenido visiones de Santa Margarita y el Arcángel Miguel para guiar a las tropas hacia el triunfo.

Posteriormente, y gracias a la fama de heroína que había alcanzado, contribuyó en las conquistas que fomentaron la coronación de Carlos VII como rey de Francia, acontecimiento que provocó que ingleses y facciones opositoras al recién nombrado monarca acusaran a Juana de bruja, por lo que, finalmente, fue condenada a muerte en una hoguera en 1431, cuando sólo tenía 19 años.

Mucho tiempo transcurrió para que la Iglesia Católica revirtiera esta decisión hasta que, en 1456, se anularan todos los cargos en su contra y fuera considerada mártir, canonizada en 1920 como una de las patronas secundarias de Francia.

Grace Sherwood

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Lápida en memoria de Grace Sherwood ubicada en Virginia (PumpkinSky, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Nacida en 1660 en Virginia, EEUU, es conocida por la historia como «la bruja del Pungo», haciendo alusión a la localidad de donde era originaria. Esta mujer granjera fue señalada por sus vecinos de practicar la brujería, específicamente, de tener capacidad de transformarse en gato, causar la muerte en el ganado local y provocar daños a los cultivos aledaños a su vivienda.

A pesar de servir a la localidad como parturienta y curandera, Sherwood fue acusada en múltiples oportunidades de brujería, siendo su primer juicio en 1697 y el último en 1706, señalada de provocar el aborto espontáneo de una de sus vecinas. En todas esas ocasiones, la mujer se encargó de demandar a la comunidad por difamación, sin obtener éxito, por lo que tuvo que cumplir las condenas impuestas y su marido fue responsable de pagar los daños causados.

Finalmente, fue liberada en 1714, y ya viuda, vivió apartada en su granja, recuperada después de su condena, falleciendo en 1740 a sus 80 años.

Ana Bolena

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Ana Bolena, segunda esposa del rey Enrique VIII. (Ann Longmore-Etheridge, Public Domain , vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Uno de los acontecimientos que marcó un antes y un después de la Inglaterra del siglo XVI fue el casamiento entre Enrique VIII y Ana Bolena. Y es que la joven nacida en 1501 ejerció tanta influencia en el monarca, que provocó el divorcio del rey con Catalina de Aragón, para luego alzarse como la segunda reina consorte de Inglaterra, en medio de un controversial acontecimiento encabezado por la excomulgación del regente por parte de la Iglesia Católica y la creación de la Iglesia de Inglaterra, institución que, finalmente, avaló el enlace de la pareja.

Tiempo después, Bolena sería acusada por el mismo Enrique de practicar adulterio, incesto y traición, en un intento de Ana por darle un heredero varón al monarca. Finalmente, fue decapitada en Londres en 1536, siendo reconocida como mártir de la cultura protestante inglesa muchos años más tarde.

Grigori Rasputin

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Fotografía de Rasputín en 1916 (Autor desconocido, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Este monje ruso se ha ganado la fama de ser una de las figuras más enigmáticas de toda la historia, alcanzando su «consagración» como místico, sanador y brujo de la familia imperial rusa, encabezada por el zar Nicolás II.

Aunque ha sido catalogado como monje, lo cierto es que Rasputin, nacido en 1869, participó en numerosas orgías y cometió todo tipo de pecados. Pero su ingreso a la corte de la familia imperial se dio gracias a la técnica de sanación manejada para aliviar las hemorragias del heredero al trono Alexei, que padecía hemofilia. Ante la mejora del zarévich, Rasputin se ganó la confianza de la zarina Alejandra.

Tal fue la influencia ejercida por Rasputin en los Románov y su círculo cercano, que la historia lo ha señalado de poseerlos por medio de la brujería. De hecho, «profetizó» la caída del imperio ruso. Ante estos pronósticos, el gobierno, ya en proceso de decadencia, planificó su asesinato, concretándose en San Petersburgo en 1916.

Elizabeth Sawyer

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Elizabeth Sawyer, la bruja de Edmonton. (agg7sjee, CC BY 4.0, vía Look and Earn / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Llamada «la bruja de Edmonton», fue una de las mujeres británicas señaladas entre las brujas antiguas del siglo XVII. Fue víctima de la persecución del rey Jacobo VI de Escocia que, llegado al trono, quiso eliminar la práctica de la brujería.

Sawyer fue fuertemente repudiada por la comunidad, que la acusaron de ejercer la hechicería sobre el ganado y los hijos de los vecinos. Fue la muerte de su marido la que conllevó a una imputación formal, a pesar de que la mujer destacó en un primer momento el fallecimiento de su cónyuge por una enfermedad.

Después de mucha presión, Sawyer confesó el asesinato al ser poseída por un demonio que exigió el sacrificio de su marido para que no tuviera que entregar su cuerpo y su alma. También la examinación previa a la sentencia, donde se encontraron con Sawyer como una mujer deforme y con depresión, ayudó a determinar su condena, para finalmente, ser ejecutada en 1621.

Aleister Crowley

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Aleister Crowley, ocultista y místico británico. (Mike Steele, CC BY 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre las imágenes de brujos reales podemos ver a uno de los más reconocidos en el Reino Unido. Fue un renombrado alquimista, místico, ocultista y mago ceremonial, además de practicar algunas actividades deportivas y espirituales, resaltando su rol como fundador de la filosofía religiosa de Thelema.

Provenía de una familia tradicionalmente religiosa, pero dichas creencias cambiaron al morir su madre cuando él  tenía 11 años. Poseedor de una ávida sabiduría, supo aprovechar esa aptitud para hacerse un nombre dentro del mundo del esoterismo y la magia, escribiendo muchas obras relacionadas con esos temas.

Además, resalta por ser uno de los creadores de las modernas barajas del tarot, hecho que lo consolidó como uno de los brujos más influyentes del siglo XX. Tras una vida llena de intensa actividad, murió a sus 72 años en Hastings, producto de una bronquitis agravada.

Elly Kedward

(Peccatum / Youtube)

Puede que este nombre no te resulte conocido, pero es así como se llamaba realmente «la bruja de Blair», famosa en EEUU. En 1785, en el pueblo de Blair, esta anciana misteriosa fue señalada de extraer sangre de varios niños para ser utilizada supuestamente en ritos de magia negra. Las heridas infligidas en los infantes fue evidencia suficiente para acusar a Kedward de brujería, quien fue expulsada del pueblo, siendo atada a una carretilla y abandonada en medio de un bosque lejano, en plena época de invierno.

Aunque la muerte por inanición de la anciana fue dada como un hecho, posteriormente se dieron una serie de eventos misteriosos, como la desaparición masiva de niños locales, así como también de los acusadores de la mujer, todo ello sin dejar rastro. Fue tal la alarma que los atemorizados habitantes de Blair huyeron del pueblo, regresando tiempo después al determinar que ya no había peligro.

Sin embargo, una leyenda urbana ha ayudado a sustentar la figura de Elly Kedward como una de las brujas reales más reconocidas de todo el mundo.

Breve repaso por la historia de las brujas

Si deseas saber de dónde vienen las brujas, lo más recomendable es buscar en la historia de estas misteriosas mujeres. Dicho esto, el origen de las brujas data de tiempos muy antiguos, siendo mencionadas en la Biblia, representadas como demonios y espíritus maléficos.

Sin embargo, la creencia de la existencia de las brujas cobró fuerza en la época medieval, cuando se llevó a cabo en muchos países la persecución de mujeres sospechosas de cometer algún acto satánico o de profesar creencias contrarias al cristianismo, siendo señaladas de inmediatamente como brujas. Es importante señalar que la presencia de una mujer independiente, fuerte, autónoma y decidida en otro momento, fue utilizada frecuentemente como evidencia para juzgarla como bruja.

La representación gráfica de lo que hoy vemos en imágenes de brujas horribles, tuvo su precedente en las obras del artista alemán Alberto Durero, famoso por legar al mundo numerosos cuadros, dibujos y grabados, compuestos por la clásica imagen aterrorizante y diabólica de una bruja.

Esta tendencia se extendió rápidamente en toda Europa, simultáneamente con la celebración de juicios de brujería, hecho que, en la actualidad, ha sido analizado y estudiado como una práctica misógina por parte del patriarcado de aquel entonces.

Tiempo después, las figuras de las brujas reales utilizadas en diversas obras de arte, sirvieron para simbolizar terror, guerra, desolación, barbarie y fiereza, en cada uno de los contextos en donde fueron elaboradas estas creaciones artísticas. Tal fue la popularidad de esta tendencia demoniaca que fue implementada en la industria del entretenimiento, sobre todo en libros, series y películas de terror, donde vemos a los cotidianos aquelarres de brujas reales sumamente horribles cruzando los cielos a bordo de escobas.

Hoy, la historia es distinta, con la bruja alejándose de esa imagen terrorífica fundamentada en el imaginario colectivo, para presentarse en una forma más hermosa y escultural, pudiendo pasar prácticamente desapercibida dentro de la colectividad, a no ser por los diferentes rasgos que hemos señalado previamente.

Como leíste anteriormente, hay fuertes indicios que demuestran la existencia de brujas verdaderas dentro de la historia o, por lo menos, de personas que fueron señaladas como practicantes de magia, hechicería y brujería. Para saber cómo son las brujas, basta con ver por internet la variedad de imágenes de las brujas reflejadas en los buscadores, para notar que no todas se tratan de brujas feas reales sino que, más bien, tienen un aspecto que bien podrían pasar desapercibidas. Te invitamos a investigar más sobre este enigmático tema para que puedas descubrir más pasos sobre cómo identificar a una bruja sin fallar en el intento.

Pop barroco: características, historia, canciones y los artistas y bandas más importantes del chamber pop

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La música ha llegado al público de todas las edades y gustos. Para los amantes del pop, hay un extenso repertorio de temas con características peculiares, asentados en los variados subgéneros que hoy ocupan las carteleras musicales. Uno de estos estilos es el pop barroco, surgido en los años 60 y que tuvo fama hasta la década siguiente hasta hoy en día, cuando renace su popularidad gracias a los distintos grupos e intérpretes de temas acompañados con instrumentos orquestales. Descubre todos los detalles relacionados al chamber pop, desde su origen hasta las más destacadas canciones de dicho género.

Géneros musicales pop:
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Conoce qué es el pop barroco

Antes de desplegar el listado de grupos musicales y cantantes de pop barroco, junto a las canciones emblemáticas de este subgénero, debes iniciar un breve recorrido por el surgimiento y evolución del chamber pop. Lee abajo los aspectos más importantes del pop de cámara.

Definición de pop barroco

Es un subgénero musical derivado del pop, específicamente del denominado orchestral pop, con melodías acompañadas principalmente de instrumentos propios de una orquesta, como órganos, violines, violonchelos, arpas y muchos otros elementos característicos dentro de la música clásica.

El término chamber pop o pop de cámara cobró fuerza después del reimpulso de este subgénero, y es así como se le conoce en la actualidad.

Origen histórico del chamber pop y el pop barroco

El pop barroco tuvo sus orígenes tanto en EEUU como en Reino Unido a mediados de los años 60, como una derivación del pop incorporando sonidos provenientes de instrumentos no convencionales. La necesidad de mezclar melodías del rock y el pop con entonaciones de música clásica fue fundamental para el nacimiento de este subgénero, que no tardó en extenderse en todo el mundo adquiriendo popularidad.

Popularidad e identidad del pop barroco dentro del pop en general

El pop barroco, alcanzó fama entre 1967 y los primeros años de la década siguiente cuando el rock psicodélico sufrió un notorio declive, por lo que muchos grupos musicales encauzados en este último subgénero incorporaron orquestaciones en sus temas.

Aunque puedan existir similitudes entre el pop barroco y el rock progresivo, surgido posteriormente, lo cierto es que el primer estilo musical cuenta con temas de estructuras muchos más simples, como las propias del pop convencional, en comparación con las complejas composiciones encontradas dentro del rock progresivo.

El pop barroco tuvo gran fama gracias al uso de sonidos provenientes de instrumentos reales, interpretados por músicos especializados en entonar estos elementos, por lo que estas primeras grabaciones tienen especial estilo por carecer de apoyo digital, como el brindado por un sampler o un sintetizador.

Evolución histórica del pop barroco

Como todo género musical, el pop barroco ha pasado por diferentes etapas que demuestran el desarrollo y evolución de este estilo. Descubre el interesante progreso que ha tenido el pop barroco a lo largo de la historia hasta su consolidación actual como pop de cámara.

Inicios

Muchos de los grupos y cantantes anglosajones de la década de los 60 (en general, provenientes del pop rock), comenzaron a experimentar nuevos sonidos en canciones románticas, incorporando instrumentos no convencionales para el rock. Entre los ejemplos de los primeros temas de este estilo se encuentran «As Tears Go By» de Marianne Faithfull (1964), «Eleanor Rigby»y «For no One», estas dos últimas canciones para el álbum «Revolver» (1966) de la célebre banda británica Los Beatles.

Rápidamente el pop barroco adquirió prestigio, consolidado gracias al primer disco grabado en su totalidad en este género, «Pet Sounds» (1966) de los Beach Boys.

Arraigo y popularidad

Entre 1967 y 1970, tuvo rápido auge en Reino Unido, EEUU y otros países de Europa. En esta época se crearon canciones como «A White Shade of Pale» de la banda Procol Harum, (con rotundo éxito en Reino Unido en 1967) y «There’s a Kind of Hush» del grupo británico Herman’s Hermits, versionada en múltiples oportunidades.

Un ejemplo dentro de la historia de los Bee Gees, reconocida agrupación británica, fue la incorporación del sonido orquestal en sus álbumes «Horizontal» (1968) y «Odessa» (1969), actualmente considerados clásicos del rock sinfónico y la ópera rock.

La fama que adquirió el pop barroco se extendió a otros países de Europa, como en Francia, nación que vio nacer el éxito mundial «Eloise», interpretado por el cantante inglés Barry Ryan y compuesto por su hermano gemelo Paul. De ahí este innovador estilo se consolidaría con fuerza hasta los primeros años de la década de los 70, cuando comenzó a sufrir un fuerte declive.

Decadencia

Ya en los 70, el surgimiento de la música electrónica, disco y punk, provocaron el declive del pop barroco. Sin embargo, en España se crearon destacados temas como la canción de América, América, interpretada por Nino Bravo (1973) y Ni tú ni Nadie (1984), sencillo del grupo madrileño Alaska y Dinarama.

Después de esa etapa, la escena musical se vio llena de elementos digitales que desplazaron las tradicionales orquestaciones características del pop barroco.

Reimpulso como chamber pop

Para mediados de los 90, surgió el chamber pop como un subgénero desprendido del indie pop, caracterizado por ser una alternativa al pop y rock tradicional que recurría al constante uso de guitarras distorsionadas. El también conocido pop orquestal se inspiró  con fuerza en el mencionado álbum «Pet Sounds» de los Beach Boys, incluyendo en las nuevas producciones los sonidos de instrumentos de cuerda y de viento, siendo así más complejo que el subgénero antecesor.

Entre los grupos reconocidos que implementaron composiciones de este estilo se encuentran The Divine Comedy, R.E.M. y Smashing Pumpkins.

Actualidad

En el siglo XXi, comenzó a utilizarse el término «pop de cámara» para hacer referencia a aquellas composiciones con tendencias orquestales, que pueden escucharse, por ejemplo, en «Over the Love «, de Florence and The Machine, y en canciones de Born to Die de Lana del Rey, una de las máximas exponentes actuales de este estilo.

Principales características del pop barroco

Entre los rasgos más importantes de este subgénero musical se encuentran:

Introducción de elementos de música clásica

La incursión del rock y el pop en elementos propios de la música clásica, hace recordar al estilo barroco originado en Europa en el siglo XVIII, provisto de instrumentos musicales como trompetas, flautas, arpas, violines y otros elementos destacados en una orquesta.

Fusión de otros géneros bajo una orquestación musical

Gracias al notable éxito que tuvo este primer experimento en los 60, otros géneros musicales, mayormente relacionados con el pop y el rock, decidieron implementar este estilo, produciendo así composiciones mucho más complejas que las publicadas bajo los géneros tradicionales.

Entre los subgéneros fusionados se encuentran el indie rock, dream pop, música psicodélica, rock alternativo, Britpop y folk.

Uso de melodías contrapuntísticas

Otro aspecto presente en el pop de cámara actual es el uso de múltiples melodías en una sola canción, melodías, cabe destacar, que tienen igual importancia entre sí, sin sobresalir una de la otra. A esto también se le llama contrapunto o polifonía, que también es notoria en composiciones clásicas barrocas del siglo XVIII.

Agrupaciones musicales y cantantes del chamber pop

Hoy en día, numerosos grupos  e intérpretes mundiales son catalogados como referentes del chamber pop o pop barroco, ya sea como pioneros o promotores, o como causantes del reimpulso de esta tendencia musical. Conoce las agrupaciones musicales y los solistas más importantes del pop de cámara:

Grupos de pop barroco más populares

De las variadas bandas que han sido asociadas en algún momento con e pop barroco, destacan:

Los Beatles

La prestigiosa banda británica, hoy conocida por incursionar en múltiples subgéneros musicales durante su carrera, fue una de las pioneras en el uso de pop barroco como estilo musical característico de algunos de los destacados temas producidos en los años 60, como «Eleanor Rogby», «For no One» y «She’s Leaving Home».

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Los Beatles. (Pxfuel)

Beach Boys

Como ya se ha resaltado previamente, la renombrada agrupación estadounidense logró posicionar álbumes que son considerados entre las obras cumbres del pop barroco, siendo influencia dentro de los subgéneros posteriores que decidieron implementar este estilo.

Entre sus piezas más importantes están: Wouldn,’t it be Nice, Here Today, I Know There’s an Answer, I’m Waiting for the Day, God Only Knows y Sloop John B.

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Los Beach Boys tocando en Montreal, Canadá. (Archives de la Ville de Montréal, CC BY-SA 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Bee Gees

La amplia discografía de Bee Gees contiene álbumes de estudio reconocidos dentro del pop barroco, producidos en el paso de la agrupación británico-australiana hacia la música disco. Estas composiciones se consolidaron como las mayores referencias del pop barroco, catapultando al grupo hacia la consagración mundial.

De sus discos en este género se destacan «Bee Gees 1st», «Horizontal», “Idea” y «Odessa», notables ejemplos de fusión entre el rock psicodélico, el pop y elementos de orquesta.

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Bee Gees. (John, CC BY-SA 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Panic! At The Disco

En el resurgimiento del chamber pop dentro del siglo XXI, destaca la presencia de este destacado grupo norteamericano por ser uno de los primeros en fusionar el rock alternativo con la hermosa melodía y compleja armonía propia del estilo barroco.

De sus producciones discográficas sobresale «Pretty Odd.», álbum que impacta por su marcada similitud con la primera oleada del pop barroco de los 60.

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Panic! At The Disco en una de sus presentaciones. (micadew, CC BY-SA 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Noel Gallagher’s High Flying Birds

El grupo surgido despúes de la separación de la célebre banda Oasis trajo a la palestra el álbum de igual nombre de la nueva agrupación encabezada por el célebre Noel Gallagher, donde llega a evocar sonidos propios de los 60 a través de arreglos sinfónicos mezclados con sonidos muy similares al de los últimos años de Oasis.

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Presentación de la banda en México en 2012 (Jose Francisco Del Valle Mojica, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

Beirut

La banda Beirut, creada en 2006, es otro de los referentes actuales dentro del chamber pop, al fusionar folk rock, música electrónica, indie rock con sonidos encontrados en las primeras oleadas del pop barroco británico, como es el caso de sus álbumes Gulag Orkestar, The Flying Club Cup y The Rip Tide, por nombrar algunos.

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Beirut en una presentación en Munich en 2016 (pitpony.photography, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

The Last Shadow Puppets        

De la corta discografía de The Last Shadow Puppets resalta «Everyting You’ve Come To Expect», por contar con sonidos característicos del piano, instrumentos de cuerda y una delicada batería, como producto de la mezcla del indie rock con el pop barroco.

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The Last Shadow Puppets. (Lee Byway, CC BY-NC-ND 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Solistas del chamber pop más reconocidos

Entre los notorios intérpretes del chamber pop destacan los siguientes nombres:

Jeremy Enigk

El otrora líder del célebre grupo estadounidense Sunny Day Real State consolidó su carrera en solitario gracias al álbum Return of the Frog Queen, donde se pueden encontrar canciones con melodías orquestales fusionadas con el sonido del rock alternativo.

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Jason Egnik en una presentación en Austria. (Jason Garber, BY 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Aurora Aksnes

La cantante y compositora noruega es otra de las artistas actuales que evocan el pasado del pop barroco, fusionándolo con el art pop, folk y el synthpop, dando como resultado álbumes como «All my Demons Greeting Me as a Friend», «Infections of a Different Kind» y «A Different Kind of Human», discos que muestra la hermosura propia de las armonías con los géneros ya nombrados, acompañados por lo general, por el sonido del piano.

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La intérprete noruega Aurora Aksnes. (NRK P3, CC BY-SA 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Lana del Rey

Catalogada como la diva del pop de cámara actual, la estadounidense maneja maravillosamente piezas que evocan el clásico pop barroco. La cantante ha logrado fusionar este estilo con influencias de prestigiosas bandas e intérpretes rockeros como Elvis Presley y Nirvana y una estética romanticista retro, dando paso a canciones que la posicionan como una de las referentes del pop de cámara más notables.

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Lana del Rey. (Jaguar MENA, BY 2.0, vía Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre sus sencillos se encuentran «Video Games», «Born to Die», «National Anthem» y «Young & Beautiful», esta última canción formó parte de la banda sonora del filme «El Gran Gastby».

Cabe acotar que Charlie Grant, hermano de Lana del Rey, ha colaborado en la carrera de la cantante, concretamente, apareciendo en vídeos musicales de la intérprete.

Canciones emblemáticas del pop barroco

En el abanico de opciones halladas dentro del pop barroco, sobresalen algunos de los temas que han marcado un hito dentro de este estilo musical. Las piezas más emblemáticas de este género son:

The Zombies – She’s Not There

La canción debut de esta célebre banda británica fue una de las primeras con estilo pop barroco, mezclado con sonidos del rock y el jazz para convertirse en un clásico de este subgénero y referencia para muchas de sus versiones actuales.

Beach Boys – Wouldn’t it Be Nice

El sencillo del renombrado album «Pet Sounds» es uno de los pioneros en el uso de instrumentos no convencionales dentro del pop, como la trompeta, piano, saxofón, órgano, mandolina y acordeón, dando como resultado una de las mejores canciones del pop barroco de todos los tiempos

Alaska y Dinarama – Ni tú ni Nadie

El segundo sencillo del álbum Deseo Carnal (1984) de la agrupación española, es recordado como uno de los más destacados del pop barroco europeo por su melodía en crescendo acompañada de puentes instrumentales y el sonido de instrumentos de viento, como el caso del corno.

Bee Gees – Odessa

Los integrantes de Bee Gees se involucraron de lleno en la fusión de ritmos como el rock y la ópera, trayendo al público uno de los mejores álbumes de la historia de la música. Una muestra de ello es el primer sencillo del álbum Odessa, conocido con el mismo nombre.

Fools Garden – Lemon Tree

Esta canción de la agrupación alemana es otra de las muestras de la influencia del pop barroco, britpop e indie pop, encontradas en el resurgimiento de este género a mediados de los 90. Se trata de un sencillo del álbum Dish of The Day, que se consagró internacionalmente por el uso de sonidos de trombón, trompeta e instrumentos de cuerda.

Coldplay – Viva la Vida

La renombrada banda Coldplay ingresó de lleno al chamber pop con este maravilloso tema, segundo sencillo del disco «Viva la Vida or Death and All His Friends». La letra que relata uno de los acontecimientos históricos más notables, como la caída de Luis XVI de Francia, es acompañada con instrumentación acorde a dicho contexto detallado.

Lana del Rey – Video Games

De su segundo álbum, Born to Die sobresale este tema, una balada pop influenciada por el subgénero indie en tonalidad fa sostenido menor, que rápidamente se hizo viral en Youtube por su letra y melodía, siendo uno de los más destacados temas de la intérprete norteamericana.

Radiohead – Burn the Witch

De la mezcla del pop barroco y art rock surgió este tema, primer sencillo del disco «A Moon Shaped Pool», publicado en 2016. El sonido de la canción hace recordar los momentos de popularidad del chamber pop en toda su extensión.

En la actualidad, el chamber pop se ha consolidado por medio de los numerosos solistas y grupos musicales que, influenciados por los primeros temas destacados del pop barroco, rescataron dichos sonidos para la producción de innovadores temas que buscan recordar la época dorada de este subgénero musical, ya considerado un clásico en el ámbito del pop.

Libros motivadores: los 30 mejores libros de motivación y superación personal. Textos inspiradores y positivos

En un entorno desafiante, leer libros motivacionales representa una gran estrategia para cambiar tu perspectiva del mundo y a su vez, prevenir los problemas de salud mental, que en tiempos pandémicos, se han agudizado. Los libros motivadores son útiles para fortalecer el poder mental y no perder el ánimo en momentos retadores.

Despertar de conciencia:
Qué es, síntomas y cómo elevarte a nivel espiritual

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El hombre en busca de sentido (1946)

Esta célebre obra literaria fue escrita por el psiquiatra austríaco Viktor Emil Frankl. El texto proclama un mensaje alentador, pues narra las experiencias que vivió el autor en los campos de concentración nazi. Su lema principal es encontrarle propósito a la vida para superar cualquier adversidad.

Es un libro lleno de frases esperanzadoras. El lema más conocido es el que enseña que al hombre pueden arrebatarle todo, menos la libertad de elegir su actitud ante cualquier circunstancia.

Esta obra favoreció el descubrimiento de la logoterapia, que consiste en la sanación psíquica a través de la búsqueda del sentido de la vida. La narración de Frankl es una de las más conmovedoras historias de motivación personal.

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Editorial Herder.

Usted puede sanar su vida (1984)

Escrito por la conocida autora norteamericana Louise Lynn Hay, considerada predecesora del movimiento de crecimiento personal. Se trata de uno de los libros best seller más recomendados del género de autoayuda. Este libro se recomienda reiteradamente entre las lecturas de motivación personal.

La obra se centra en la capacidad curativa natural del ser humano a través de la declaración de afirmaciones eficaces y sobre todo, en el control de los pensamientos, prefiriendo los positivos para mejorar la salud física, mental y emocional del individuo.


Inteligencia emocional (1995)

Del psicólogo y escritor norteamericano Daniel Goleman. Se trata de uno de los mejores libros motivacionales que se haya escrito. La obra enseña que el coeficiente intelectual no es concluyente para lograr el bienestar. De hecho, habilidades como el autocontrol, la empatía y el entusiasmo determinan el destino de cada persona.

Este fascinante libro le otorgó a su autor fama mundial. El texto hace énfasis en que el ser humano debe aprender a gestionar y detectar tanto las emociones propias como las ajenas, para con ello, alcanzar el éxito personal.

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Editorial B de Bolsillo.

La buena suerte (2004)

Es un libro que devela las claves del bienestar. Escrito por el prestigioso autor español Álex Rovira. La obra hace uso del recurso literario de narrar historias para conmover al lector y a su vez, crear una conexión emocional con el leyente, desde el principio de sus páginas. La idea principal es crear las situaciones para materializar los sueños.

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Editorial Empresa Activa.

Deja de ser tú (2012)

Escrito por el neurocientífico norteamericano Joe Dispenza, quien a raíz de sufrir un grave accidente en 1986, que casi lo deja paralítico, decidió escribir este libro, en base a su experiencia de recuperación. La obra se inspira en la capacidad del ser humano de transcender los límites de la mente a través del trabajo interior, la meditación, los ejercicios físicos y una alimentación apropiada, para crear así su propia realidad.

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Editorial Urano.

Padre rico, Padre pobre (1997)

Se trata de un libro escrito por el afamado inversor y autor de origen japonés Robert Kiyosaki, en coautoría con la autora estadounidense Sharon Lechter. La obra superventas, ha sido calificada como uno de los mejores libros para cultivar la educación financiera.

Este libro puede descargarse desde cualquier web de libros gratuitos o de bibliotecas virtuales sin cargo; razón por la cual destaca entre los libros de motivación personal gratis. La premisa básica del texto es mejorar la actitud hacia la vida y el dinero.

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Editorial Aguilar

El monje que vendió su ferrari (1996)

Esta célebre novela escrita por el autor canadiense Robin Sharma, es uno de los libros de crecimiento personal con mayor éxito de ventas. La obra narra la historia de un exitoso abogado cuyo estresante estilo de vida le ocasiona un infarto del que sobrevive.

Posteriormente, debido a una crisis existencial, decide emprender una labor espiritual que le transforma la existencia de manera extraordinaria. El texto no es solamente uno de los mejores libros de superacion personal cortos, sino también ocupa un lugar importante entre los libros de superación personal gratis para leer.


Controle su destino: despertando al gigante que lleva dentro (1991)

Escrito por el afamado autor estadounidense Anthony J. Robbins. Se trata de una de las obras más leídas en el ámbito del desarrollo personal. La idea principal del texto es propiciar el autoconocimiento, con el fin de identificar las creencias que limitan al ser humano para lograr reemplazarlas por ideas capaces de reforzar sus potencialidades.

El texto de Robbins, quien es un coach de renombre mundial, destaca entre los libros de superación personal para jóvenes.

Editorial B de Bolsillo.

Autocontrol: cómo funciona la voluntad (2012)

Es una obra con sólidas bases científicas escrita por la autora estadounidense Kelly McGonigal. El texto explica que el autocontrol es una habilidad inherente al ser humano, que se cultiva con buena nutrición, enfoque en el presente, higiene del sueño, actividades satisfactorias y descanso reparador.

El autocontrol en oposición a la impulsividad, resulta trascendental para mejorar la salud emocional, física y mental. Este libro es uno de los mejores libros de superación personal recomendados.

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Editorial Urano.

La historia de mi vida (1902)

De la célebre autora Helen Keller. La obra autobiográfica relata la experiencia de vida de esta conferenciante y activista política norteamericana quien pese a haber desarrollado una enfermedad que la dejó sordociega a los diecinueve meses de nacida, se convirtió en una referente motivacional por su gran espíritu de superación personal.

Considerado como uno de los mejores libros inspiradores, el texto relata la experiencia vital de Keller, quiera fuera un asombroso ejemplo de resiliencia, paciencia, entusiasmo y altruismo. Colaboró activamente en la creación de la primera Fundación Americana para los ciegos, impactando positivamente la vida de millones de personas.

El trayecto de vida de Helen Keller fue influenciado en gran parte por la deferencia de su maestra, Anne Sullivan, cuyas enseñanzas le permitieron convertirse en una oradora mundialmente reconocida. Prueba de ello es que, un centenario después de su desaparición física, Keller sigue siendo admirada en el ámbito del desarrollo personal.


El poder del ahora (1997)

Es un libro bestseller cuya idea principal es vivir en el presente y comprender que la mente es una útil herramienta al servicio del ser humano y no al revés. Basado en las vivencias espirituales del autor alemán Eckhart Tolle, quien reflexiona sobre las consecuencias de vivir en automático por el hecho de no domesticar la mente y el ego.

Este libro, traducido a 33 idiomas, asume como idea principal la no identificación del individuo con su mente. Por tal motivo, el texto ha sido catalogado por los expertos como el mejor libro de superación personal.

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Editorial Gaia.

El caballero de la armadura oxidada (1987)

Escrito por el autor norteamericano Robert Fisher. Es una novela que trata sobre las barreras emocionales que, en ocasiones, construye el ser humano para evitar ser lastimado.

La enseñanza del libro es que el verdadero amor no surgirá mientras existan armaduras que se erigen sobre los cimientos del miedo a exponer los sentimientos. El texto representa una de las lecturas de superación personal cortas.

Editorial Obelisco.

Los 7 hábitos de la gente altamente efectiva (1989)

Es un libro superventas escrito por el autor norteamericano Stephen Richards Covey. La idea principal de esta obra es cultivar siete prácticas para alcanzar el éxito, a saber: ser proactivo, tener un propósito claro, priorizar lo significativo, negociar buscando soluciones mutuamente satisfactorias, comprender sin juzgar, sinergia en las relaciones humanas y sobre todo, renovarse para lograr la efectividad personal.


Las 7 leyes espirituales del éxito (1994)

Del prestigioso autor y médico indio Deepak Chopra, es un libro que pone en entredicho la cultura del esfuerzo exasperado para lograr el éxito personal. Así pues, para Chopra, la definición de éxito es subjetiva y se logra con siete principios naturales que rigen al universo: potencial innato que surge del autoconocimiento, dar y recibir, causa y efecto, menor esfuerzo, intención y deseo, desapego y por último, el dharma.


Los dones de la imperfección (2010)

De la autora norteamericana Brené Brown, es un texto que cuestiona las imposiciones sociales de vivir una existencia falsificada en base a las expectativas de los demás. La idea principal del libro es atreverse a vivir desde la autenticidad y para ello hace falta coraje.

Para Brown, las personas felices reconocen sus debilidades y no pretenden ser perfectas. Incluso actúan siempre con heroicidad, dado que son capaces de afrontar contextos de riesgo e incertidumbre, sin dejar de lado su vulnerabilidad. Este texto sobresale entre los mejores libros de superación personal.

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Editorial Gaia.

El Alquimista (1988)

Del brasilero Paulo Coelho, es una clásica novela alegórica escrita en tercera persona, que enseña cuatro grandes lecciones de vida: vivir en el presente, seguir los sueños definidos como “leyendas personales”, reconocer el “tesoro” o potencial interior y emprender el viaje que va desde la mente hasta el corazón. Leer esta obra ayuda a entender el subconsciente y por eso, destaca entre los libros de autoayuda personal.


Libera tu magia (2016)

De la autora norteamericana Elizabeth Gilbert. La obra invita a los aspirantes a escritores a tomar acción para materializar sus metas, lo cual implica mantenerse creativos, entusiasmados, disciplinados, humildes, pacientes y por encima de todo, capaces de lidiar con el rechazo.

La autora es un ejemplo de constancia, disciplina, motivación y superación personal. Entender que lo que se hace no es por fama ni dinero, sino por la alegría de escribir es la idea principal de esta obra de Gilbert, quien es conocida por escribir libros motivacionales para mujeres, como la novela “Comer, rezar y amar”, ampliamente recomendada.

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Editorial Aguilar.

La alquimia del pensamiento y asumiendo la vida con sabiduría (2014)

Esta obra literaria del escritor colombiano Gerardo Schmedling describe pormenorizadamente las técnicas para reprogramar la mente y eliminar falsas creencias con la intención de alcanzar el bienestar personal. Se trata de un libro lleno de valiosos consejos y motivaciones para la vida.

Para Gerardo Schmedling, el único problema del ser humano está en la mente. El libro enseña que el individuo debe dejar de identificarse con la mente. Además se toma consciencia cuando se dejan de cometer los mismos errores. Esa es la mejor evidencia de haber aprendiendo de ellos.

Lo más elemental y profundo de la alquimia del pensamiento, radica en que todo lo que alguien le desee a cualquier persona o a cualquier ser, se lo está deseando a sí mismo; motivo por el cual no le desees a nadie, por ninguna circunstancia, nada que no sea de amor. El texto es recomendado entre los libros de ayuda personal.


Los cuatro acuerdos (1997)

Del escritor mexicano Miguel Ángel Ruiz Macías. La obra, inspirada en la sabiduría de los toltecas, está considerada como una guía sencilla para poner en práctica en la vida diaria. Se trata de uno de los mejores libros cortos de superación personal.

El texto inspirado en temas de motivación personal, se basa en poner en práctica cuatro grandes principios: ser impecable con las palabras, no tomarse nada personal, no suponer sino más bien preguntar y hacer siempre lo mejor que puedas y sepas.


Sé amable contigo mismo: el arte de la compasión hacia uno mismo (2011)

Esta obra de la escritora y psicóloga estadounidense Kristin Neff, explica que la excesiva autoexigencia es muchas veces contraproducente para lograr el bienestar emocional del individuo y lejos de motivarle, puede llevarse a actuar con desprecio u hostilidad hacia sí mismo.

El texto, basado en más de 40 investigaciones científicas, convirtió a su autora en una de las personas más influyentes en el ámbito de la motivación personal, debido a su dedicación continua al estudio de los beneficios de la autocompasión, virtud que, cultivada con equilibrio, te permitirá conocer tu propia valía. Se trata de uno de los mejores libros para amarse a uno mismo.

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Editorial Paídos.

El elemento (2009)

Del escritor británico Ken Robinson, quien define al “elemento” como el punto de conexión entre las inclinaciones naturales del ser humano y su verdadero potencial. Cuando el individuo descubre aquello que le encanta hacer y que además se le da bien, su vida se transforma. Así describe el apasionante viaje subjetivo hacia la creatividad.

La obra de Robinson aborda con perspicacia, grandes temas de superacion personal y motivación. El texto ha sido catalogado no solo como un clásico entre los libros de motivación laboral, sino también como de los mejores libros de éxito personal.

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Editorial Grijalbo.

Reinventarse (2010)

Este libro del escritor y médico español Mario Alonso Puig, es un excelente texto para cultivar el autoconocimiento. La lectura de esta obra te permitirá conocer a profundidad tu interior, lo cual se traduce en imperturbabilidad y una mayor confianza en ti mismo.

Para Puig, para reinventarte es ineludible que seas capaz de conocerte a ti mismo. Esta obra sobresale entre los mejores libros para la motivación personal. Puede decirse que este libro es uno de los más valiosos textos de motivación personal.

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Editorial Plataforma.

El guerrero pacífico (1980)

Es un texto calificado como un clásico del crecimiento personal. El libro, escrito por el maestro de artes marciales y autor estadounidense Dan Millman, enseña que los verdaderos éxitos del ser humano se logran desde el interior, lo cual implica dejar atrás la actitud de víctima de los acontecimientos; sino más bien, convertirse en creador de la realidad. La vida no es lo que nos sucede, sino que lo haces con lo que sucede.

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Editorial Sirio.

El poder del pensamiento positivo (1952)

Del escritor estadounidense Norman Vincent Peale, considerado el creador de la tesis del pensamiento positivo. Esta obra literaria es una de las mejores dentro del ámbito del autodesarrollo, ya que ha ayudado a personas de todo el planeta a lograr plenitud en sus vidas.

La clave es reemplazar los pensamientos negativos por aquellos que generen bienestar y eso solo se logra dándose cuenta de las conductas de uno mismo. Este texto destaca entre los libros para superación personal.

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Editorial Océano.

El camino de Steve Jobs (2011)

Escrito por el empresario norteamericano Jay Elliot, es un libro que narra la historia de Steve Jobs, quien en vida, transformó el mundo de la tecnología como hasta ahora nadie lo ha conseguido.

Elliot trabajó con Jobs y expone de primera mano las vivencias que le proporcionaron una gran capacidad inventiva al genio de la informática. Si de libros positivos se trata, esta obra te servirá para inspirarte en la vida de un hombre que supo dejar huella en el mundo tecnológico.

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Editorial Aguilar.

Cuestión de confianza (2012)

Este libro escrito por el médico y autor británico Russ Harris es una obra basada en la Psicología de Aceptación y Compromiso (ACT). La idea central del texto es aprender a creer en nosotros mismos  y cultivar la autoconfianza duradera para lograr una vida verdaderamente satisfactoria. Es uno de los mejores libros sobre motivación.

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Editorial Sal Terrae.

El antídoto (2012)

Del autor británico Oliver Burkeman, es un libro que pone en evidencia los diferentes mundos mentales de las personas que les lleva a percibir realidades distintas. La obra devela los riesgos de la positividad tóxica y al mismo tiempo, su tesis es tan honesta, que su lectura se exhorta entre los libros sobre superación personal.

Burkeman explica con agudeza e ironía que no se puede estar feliz todo el tiempo; por el contrario, el verdadero bienestar consiste en aceptar la incertidumbre y reconocer que ciertas dosis de tristeza son muy legítimas en determinados momentos de la vida.

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Editorial Indicios.

Transforma tu cerebro con PNL (2011)

Este libro escrito por la reconocida experta en programación neurolingüística Wendy Jago, es una guía valiosa para entrenar el cerebro con el fin de gestionar las emociones, bien sean positivas o negativas, ello con el propósito de adaptarse satisfactoriamente a un mundo incesantemente cambiante. La obra de Jago es los uno de los mejores libros de superacion personal.

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Editorial Urano.

Dirige tu vida (2018)

Es un libro alentador escrito por el biotecnólogo, experto en psicología social e inteligencia emocional Pau Forner Navarro, de nacionalidad ibérica, quien además de ser un reconocido autor español con más de un millón de lectores en todo el planeta, actualmente se desempeña como consultor especializado en comunicación on line.

La obra de Forner, calificado como uno de los mejores autores de superación personal, se basa en evidencias científicas comprobadas y devela que la autoconfianza y el carisma son habilidades sociales que pueden cultivarse con disciplina y práctica diaria. Lo anterior requiere valentía y enfrentar los miedos para conseguir el éxito personal.

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Editorial Planeta.

Ámate como si tu vida dependiera de ello (2012)

Del autor estadounidense Kamal Ravikant, es una eficaz guía para cultivar el amor propio. La lectura de este libro, ha mejorado la vida de muchos individuos alrededor del mundo. Para Ravikant, quien padeció de una depresión severa que casi lo lleva al suicidio, confiesa que el secreto de la vida está en aprender a amarse a uno mismo.

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Editorial HarperCollins Español.

No cabe duda que el entusiasmo es contagioso. En el desarrollo personal, los libros motivadores ocupan una posición privilegiada. El objetivo de leer libros motivacionales es alcanzar favorables cambios a través de guías de vida llenas de sabios consejos. Al leerlos y ponerlos en práctica, obtendrás no solo conocimiento, sino también la energía suficiente para sustentar al espíritu de la vida.

Garage rock: qué es, historia, álbumes clave y los mejores artistas de música garage (Arctic Monkeys, Strokes…)

No se puede hablar de la historia del Rock & Roll sin pasar por la turbulenta década de los sesenta y maravillarse con la energía desafiante del garage rock. Este subgénero fue muy subestimado en su propio tiempo, al punto de que tres décadas después fue que la importancia de la música garage se reconoció realmente, así como su impacto en el Rock moderno. ¿Conoces bien su historia?

Géneros musicales rock:
Los 35 principales subgéneros de la música rock (características, historia, bandas…)

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¿Qué es el garage rock?

El Garage Rock es un subgénero musical crudo, enérgico y rebelde del Rock and roll que se desarrolló durante la década de los 60 en Estados Unidos. A pesar de ser un estilo musical simple, con acordes poco estilizados y al que se le atribuyó en su tiempo la fama de estar encabezado por inexpertos o principiantes paso a la historia como una de las mayores representaciones del espíritu del rock and roll: Puro, salvaje, pegadizo, natural, enérgico y juvenil.

Origen e influencias del Rock Garage

El garage Rock se encuentra fuertemente influenciado por el Jazz, el rock instrumental, el blues y sobre todo la música surf, otro género importante en el país. También se reconoce como un fuerte impulsor de su origen a la nombrada Invasión Británica, una revolucionaria explosión de popularidad que tuvo lugar a mediados de los 60 de grupos europeos afamados en Estados Unidos como The Rolling Stones, The Kinks o The Beathles.

Por mucho tiempo se dijo que el Rock Garage era una imitación amateur de subgéneros del Rock más instrumentales y refinados, que al no poder alcanzar el mismo nivel de complejidad, terminaron por estancarse en lo que luego se reconocería como un movimiento con identidad.

Para ser justos, su controvertido origen no impidió que varias décadas después fuera reconocido como uno de los mejores subgéneros del Rock de los años 60.

Identidad del género ante otros estilos de rock

Inicialmente el termino de “Rock de garaje” era de uso peyorativo. Los músicos expertos solían usar el termino con frecuencia como etiqueta de burla para las bandas de jóvenes sin estudio o sofisticación musical alguna, que practicaban su propia versión del Rock and roll descuidado en los garajes de sus padres. Con el tiempo, el termino seria adoptado con orgullo por las bandas como un símbolo de juventud e identidad.

El Rock de garaje de la época solía caracterizarse por el uso frecuente de guitarras eléctricas con gran distorsión, baterías frenéticas, vocalistas enérgicos, egresivos y jóvenes; con letras simples y pegadizas.

Lo que en principio parecía una abrumadora falta de preparación y un estilo amateur sin forma alguna, terminó por tomar forma rápidamente (aunque por poco tiempo) como una corriente indomable del Rock and Roll, simple de entender y de disfrutar.  

Todas estas características terminaron por darle identidad propia a garage musical y a sus grupos realmente famosos a nivel local que, a su vez, dieron lugar a competencias al estilo de “Batalla de las bandas” que dio gran relevancia a este submundo.

Historia y evolución del rock de garaje

Definir un punto histórico específico en el que nació el Garage Rock es complicado y extenso, pero podemos situarnos de partida en las corrientes que dieron origen al blues o al country estrictamente clásico, que poco a poco derivó en el rockabilly, otro subgénero del rock and roll de los 50 cuya energía impactó por completo a la generación naciente del 60 que, en su intento de crear algo con poca preparación y presupuesto, desarrollaron un estilo lleno de energía que representaría a los jóvenes de la década.

Crecimiento y difusión del género

Una de las cosas que más sorprenden de Rock de garaje es que realmente no fue reconocido como un género independiente por los músicos de la época, si no que se definiría como tal por la siguiente generación de jóvenes de los 70/90 que poco a poco fueron descubriendo esa pieza perdida entre éxitos locales de radios de baja difusión. Esta es una de las razones por las que muchos iconos originarios del género fueron conocidos años después.

Con grupos de jóvenes que apuntaban a la fama local, con bajo presupuesto y con una forma de operar completamente disruptiva para la época, este estilo se caracterizó por su alto nivel de experimentación, lo que volvía a las primeras bandas algo volátiles.

Con algunos años de maduración en el movimiento (del que nadie era consciente en realidad) este estilo de grupos musicales de rock and roll libre, ansiosos por demostrar lo que se podía lograr con poca preparación y gran energía, se fueron viralizando por todo Estados Unidos.

Para 1963, fecha donde podemos situar sin lugar a dudas el inicio formal del género con varias figuras emblemáticas, ya existían al menos unos cientos de grupos independientes y unos pocos realmente populares fuera de su área local.

Auge del rock garage

A partir de 1963 bandas de garage rock se fueron haciendo cada vez más sonadas, con nombres como The Seeds, The Music Machine, The 13th Floor y The Sonics.

Como ya se ha dicho antes, muchos de los éxitos de estos grupos se caracterizaron por hits esporádicos, toques famosos a nivel local y muy pocos méritos reconocidos en las listas de los más reproducidos en el país durante la década.

A pesar de que el género comenzó siendo un marginado de la música refinada o un estilo “Punk” muy simple por los medios más poderosos de ese entonces, se volvieron un símbolo para gran parte de la juventud de mediados de los 60 que mucho debieron después a la música de garaje.

A finales de los 60 siguieron apareciendo nombres a la ya interminable lista de bandas con gran potencial como la legendaria Iggy and The Stooges cuyo líder, James Newell Osterberg, Jr. terminaría por seguir una carrera de solista con ecos en la actualidad (Con hit relevantes como Iggy Pop – Lust for Life).

La misteriosa desaparición del género

Otro de los factores que más destacan del género es su segregación. El estilo “garaje” influenció a gran parte de los subgéneros de rock que vinieron después de 1968. Su estilo de bajo presupuesto, gran crudeza y energía juvenil fue un recordatorio de poder que existía en la libertad de crear música, más por el placer de hacerlo que por sobre pensar cada detalle en el arte de la composición.

Pese a toda la importancia del rock de garaje, poco destaca de él para finales de los sesenta. Muchos piensan que los grupos juveniles de garaje simplemente se separaban al crecer y las pocas bandas que nacieron con un estilo “de garaje” se fueron refinando naturalmente hasta derivar en otros subgéneros como la psicodelia, el hard rock y en garage punk post 60.

Renacimiento y transformación

Ya que este estilo crudo incentivó de gran manera al nacimiento del Punk de finales de los 70, muchas bandas de este grupo les reconocieron como proto-punk, gracias a esto, el rock de garaje perdió parte de su mérito como estilo propio.

No fue hasta la década de los 80 que discográficas como «Original Artyfacts From The First Psychedelic Era (1965-1968)» trajeran a los iconos de rock and roll de los 60 a una generación que desconocía esta versión tan rustica y diferente al resto de estilo refinados predominantes de la época.

De esta manera, no fue hasta dos décadas después el que rock de garaje fue reconocido y popularizado realmente dentro y fuera de los Estados Unidos, dando origen a un movimiento denominado Revival.

Encabezando esta transformación, casi un puente entre el punk y el estilo original de garaje de los 60, se encontraron bandas como The Stooges y MC5, que luego abrieron paso a iconos modernos como The Black Keys con temas como Howlin for You o The Growlers.

Esta ultimo revival del género despertó también a grandes nombres fuera de Estados Unidos que se impregnaron del estilo como Fratellis, Los Esquizitos, The Vines y Kaleo (ya en un estado de rock más indie).

Características del rock garage

Existen ciertas características que definieron en gran medida a este género, conformado por un sinfín de pequeños grupos que para su época no creían tener nada en común. Aquí alguna de ellas:

Calidad del sonido

El Rock de garaje poseía una calidad o refinamiento del sonido bastante bajo en comparación con otros géneros previos, algo que se intentó solucionar en década de los 80. Esta limitante originalmente surgía de los parlantes de la época y de la inexperiencia tacita en los grupos, por lo que raras veces este estilo musical poseía composiciones con notas complejas o difíciles de reproducir.

Energía

A pesar de ser reproducibles y de bajo nivel musical (hablando en un nivel exclusivamente técnico), algo que no era fácil de copiar fue la energía, la euforia frenética de los instrumentos y el carácter juvenil del estilo garaje.

Distorsión

El alto nivel de distorsión de los instrumentos y a veces de los parlantes, que era modificados de manera rudimentaria para evitar la sobre saturación, se volvieron una característica del rock de garaje, una propiedad que compartieron estrechamente con el noise rock, así como algunos indicios de la psicodelia que vendría años después.

Improvisación

El Rock de garaje fue en toda su extensión un estilo extremadamente experimental, por lo que cada pequeño grupo local podía hacer alarde de pequeños matices distintivos que heredaron a las generaciones siguientes. Esta variabilidad en el género fue una de las características que hizo posible su evolución y fácil incorporación a géneros posteriores.

Instrumentación

Siguiendo a los géneros de los que estaba influenciado como el coll jazz, el R&B, el country, el doo-wop (en una fase muy primitiva) y el rock instrumental, el estilo de garaje se caracterizó por el uso de poca instrumentación, casi en su mayoría: la guitarra eléctrica, el bajo, la batería y algunas veces un piano.

Simpleza

Este género se caracterizo finalmente por su honestidad y su simpleza. Los críticos, años más tarde, reconocerían en el garage rock el merito de haber creado algo con mucho impacto y a la vez sumamente básico, letras simples y secuencias sencillas.

Artistas icónicos del género

Aunque el número de pioneros en el género puede alcanzar los miles (si contamos las luminarias locales poco conocidas) existieron bandas que realmente encabezaron al estilo de garaje y se convirtieron en parte indispensable de la discografía de esta época sin dueño de rock and roll. A estos se le suman los movimiento “new age” que a pesar de nacer en periodos cercanos al 2000 mantuvieron el estilo de garage con ciertos matices de punk de una forma casi intacta.

The Hives

Aunque el movimiento de rock de garaje se considera exclusivamente estadounidense, durante la década de los 90 en adelante se sumaron grupos que conservaron el estilo a la perfección, al punto de volverse referentes casi de culto a nivel internacional. The Hives es uno de ellos.

Esta banda sueca estrenó con el estilo de Rock garage con su albun EP Oh Lord! When? How? (1993) caracterizados por su gran energía y sus matices de alta intensidad que con el tiempo derivaron al Punk rock.

Garage Rock: The Hives
The Hives en Esplande Park (2011) (Stuart Sevastos, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

The Strokes

Otro grupo sumamente importante en el resurgir del Garage Rock en los años 2000 fue The Strokes, especialmente con su álbum Is This It (2001). A pesar de que su estilo actual dista un poco del modelo clásico con el cual se fundó el originalmente en 1998, siendo conocidos como el verdadero prototipo de rock garage por algunos, Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond, Jr. y Nikolai Fraiture pasaron a la historia como pioneros en el restablecimiento del género. En el 2021, The Strokes ganó el Grammy al mejor álbum de Rock con The New Abnormal (2020).

Garage Rock: The Strokes
La banda completa The Strokes en el 2002 (Roger Woolman, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

The Seeds

The Seed es una banda de rock de garaje formada en los Ángeles, una de las más famosas en esta categoría durante la década de los 60, siendo considerados como uno de los pioneros del subgénero y una gran introducción para quienes buscan descubrir los matices iniciales del garage. Parte icónica de su música puede ser el hit Pushing Too Hard y su disco debut The Seeds (1966).

Garage Rock: The Seeds
Foto del Grupo The Seed en 1966 (Montgomery Ward. This is an ad promoting the group’s new album., Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

The Music Machine

Entre las bandas de garage que fueron luego bautizadas como proto punk y que representan un puente perfecto con los grupos de rock revival del 2000 está The Music Machine. Este grupo no alcanzó la fama en su momento (1966) pero gran parte de su discografía se considera una influencia clave para el género. Destaca principalmente su álbum (Turn On) The Music Machine (1966).

The White Stripes

The White Stripes es una de las bandas de resurgimiento que, según la opinión de algunos, mejor conservó el espíritu original de rock de garaje: simple, enérgico, pegadizo, rebelde y disruptivo en todo sentido. Esta banda estadounidense fue reconocido gracias a su álbum White Blood Cells (2001) aunque la mayor parte de su discografía es respetada. Ha sido uno de los grupos estadounidenses de Rock garage más apreciados a nivel internacional.

Garage Rock: The White Stripes
The White Stripes, en 2001, primera gira por Japón. (Masao Nakagami, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

MC5

MC5 es una verdadera banda de culto, pionera tanto en el original rock rustico y simple como en el Hard rock. A pesar de tener un inicio prometedor y alcanzar fama rápidamente, la trayectoria del grupo no fue tan larga como se hubiera esperado (1964-1972). Discografías como Kick Out the Jams (1969) se consideran verdaderos clásicos simbólicos en la historia del rock.

Garage Rock: MC5
MC50 en directo en der Fabrik Hamburg 2018 (Frank Schwichtenberg, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

The Sonics

The sonics es uno de los grupos que mayor influencia tiene sobre el resto de sus congéneres. Este grupo estadounidense es uno de los pioneros del rock de garaje, activos desde 1960. Su estilo, crudo, energético y brutal a su propia manera les ha garantizo un lugar distintivo en la historia del género y algunos de los hit más impresionantes de rock clásico de garaje. Si se escucha con detenimiento su discografía (como !!!Here are The Sonics!!! (1965)) se puede ver claramente su impacto en la evolución de los géneros posteriores.

Garage-Rock-The-Sonics
The Sonics tocando en el Record Store Day de 2015 (Peter Hilgendorf, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Kings of Leon

Este grupo estadounidense formado por Caleb Followhil, Nathan, Jared y Matthew tubo un gran éxito en el Reino Unido y poseen una de las trayectorias más poderosas del género, aunque su evolución los llevó más hacia el rock alternativo en sus últimos trabajos. Entre su discografía destaca Only by the Night (álbum 2008) e hits como Sex on Fire.

Garage Rock: Kings of Leon
Kings of Leon en Benicàssim 2007 (yo, ELOdry, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

Álbumes clave del rock garage

Se pueden identificar algunos discos fundamentales en la historia del garage rock, tanto clásicos como contemporáneos. Estos son solo algunos de ellos.

Arctic Monkeys – Whatever the People Says I Am, That’s What I’m Not

El álbum debut de los «monos árticos» representó su ascenso inmediato a la fama a nivel británico y también internacional.


Arctic Monkeys – Favourite Worst Nightmare

El segundo álbum de los monos árticos representó una ligera evolución en el sonido de la banda, pero nunca despegándose de la música de garage. El álbum tampoco defraudó a nivel comercial.


The Hives – Barely Legal

El álbum debut de The Hives es uno de los discos representativos del garage rock de finales del siglo pasado. Pese a no contar con una buena recepción a nivel comercial, sigue siendo muy bien recordado a lo interno de los más fanáticos.


Canciones emblemáticas del rock garage

Para finalizar, vale la pena revisar algunas canciones emblemáticas del género (tanto revival como clásicas) que nos ayuden a entender, a modo de introducción, este indispensable pero difuso subgénero al que el punk y el rock moderno deben tanto. Dicho de otra forma, podemos intentar definir qué es el rock de garaje con estas piezas:

The kingsmen – Louie Louie

Puede que Louie Louie fuera una de las canciones clásicas (muy clásicas) más remasterizadas y reinterpretadas del género, entre ellas, la versión de The Kingsmen es una de las mejores. La canción de Richard Berry ha sido una de las más disruptivas del género, particularmente por su lenguaje (si consideran la época). Un imperdible de la historia del Rock & roll.

The Sonics – Strychnine

Canciones como Strychnine son la demostración perfecta de cómo the sonics se ganó la fama del estilo garage de música llena con icónicos gritos, de estilo agresivo, pegajoso y energético. Esta es una gran demostración del espíritu del rock de los años sesenta.

The 13th floor elevators – You’re gonna miss me

A pesar de que The 13th floor elevators es considerado uno de las primeras bandas del estilo psicodelia propiamente dicho, no se puede negar su relación (al menos en esencia y franqueza de sonido) con el rock de garaje en sus primeros trabajos. You’re gonna miss me es un tema icónico dentro de la evolución de esta subcultura.

The Strokes – The End Has No End

Canciones como this is it y The End Has no End han demostrado por que este grupo de rock garage fue uno de los pocos en alcanzar un periodo de fama tan duradero, con discografía simple pero bien estructurada y diferenciable del resto de contemporáneos.

Aunque su estilo más moderno ha generado algunas discusiones por si debe o no considerarse todavía parte del género como tal, es sin duda una gran influencia para todo el resurgir del garage y una introducción perfecta al matiz moderno de esta joya del rock.

The Hives – Hate to Say I Told You So

Trabajos como Hate to Say I Told You So es un recordatorio perfecto del ímpetu osado, la energía, la simpleza, el poder y la agresividad de las verdaderas bandas de rock garage que tanto se aprecian. Otro puente ideal entre las perspectivas clásicas y el renacer moderno de este género.

Arctic Monkeys – The View from the Afternoon

Una de las canciones clave de Whatever the people says I am, that’s what I’m not, el álbum debut de Arctic Monkeys. Si no hubiese sido por I Bet you look good on the dancefloor, es bastante probable que esta canción fuese mucho más reconocida.

El Garage Rock es uno de los subgéneros quizás menos conocidos por el publico en general, no por la falta del componente épico y eterno de la mayoría de sus congéneres musicales, si no por las peculiaridades de su historia, pero no importa si se trata de oír las versiones clásicas de los 60 o las versiones modernas cargadas de agresividad y energía juvenil, la música garage sigue conectando y generando emociones duraderas, tanto en sus hits icons como en la herencia que dejó para siempre en la música moderna a nivel internacional.

Géneros musicales rock: los 35 principales subgéneros de la música rock (características, historia, bandas…)

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En la historia de la música rock, es frecuente la incorporación de ritmos e instrumentos trayendo toques característicos a los numerosos subgéneros. Esto viene acompañado de letras que gozan de gran aceptación, por lo que la evolución del rock no ha parado desde su origen en el siglo anterior. No hay estilo más aclamado que el rock, género musical originado en el siglo XX y con tal popularidad que, buscando adaptarse a todos los gustos, evolucionó hasta dividirse en variados subgéneros del rock. ¿Quieres conocerlos? Lee el siguiente artículo, donde mostramos los 35 géneros musicales rock más importantes.

Rock progresivo:
Características, álbumes y bandas esenciales de la música progresiva (Pink Floyd, Yes, Queen…)

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Rock and roll

Origen

Si hay que responder a una pregunta como «dónde nació el rock», Estados Unidos podría ser una de las opciones de respuesta.

Los antecedentes del rock and roll están en EEUU cuando en 1940- 1950, se mezclaron ritmos como el R&B, country, blues, folk, góspel y boogie-woogie. El significado de rock and roll proviene de la jerga afroamericana para referirse a movimientos sexuales, pero comenzó a usarse este término en alusión a los pasos de baile de ese género rock.

Popularidad

La música rock and roll tuvo auge en los 50, gracias al gusto del público juvenil por este sonido, en contraste con otros ritmos musicales que eran frecuentemente escuchados por gente más adulta.

Características

En las características del rock and roll encontramos el uso fundamental de la guitarra, batería y piano, la estructura del blues de forma acelerada, dando cabida a la improvisación. A pesar de la evolución del rock and roll, los sonidos de estos instrumentos permanecen presentes.

Artistas más relevantes

Entre los consagrados rockeros de los 50 están Elvis Presley, Chuck Berry,  Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Gene Vincent, Eddie Cochran, Bill Haley, entre otros.

Rock instrumental

Origen

Se originó entre 1950 y 1960 en Estados Unidos, es decir, durante la primera década del rock and roll, con la diferencia de este último género que se hace énfasis en los instrumentos musicales en lugar de la voz.

Popularidad

Fue sumamente aclamado en las siguientes tres décadas a partir de su aparición, siendo incorporado en bandas y artistas de ese entonces.

Características

Como su nombre lo indica, resalta la preponderancia de instrumentos como la guitarra eléctrica, batería, bajo, sintetizadores, y elementos ajenos al rock como arpas, violines, violonchelos, entre otros.

Artistas más relevantes

Carlos Santana, Eric Johnson, Chuck Berry, The Ventures, The Shadows, Paul Gilbert, Brian Jones, Dick Dale, Steve Vai, Joe Satriani, entre otros.

Garage rock

Origen

Puede que el nombre te dé una idea de dónde se originó el rock de garaje. Y es que este subgénero nació en EEUU a finales de los cincuenta, de la mano de bandas conformadas principalmente por aficionados y adolescentes al imitar a las estrellas del rock and roll o experimentando con el soul, R&B, blues y cool jazz.

Popularidad

Tuvo auge iniciados los sesenta, con varios declives y resurgimientos entre los 80 y los 2000 en todo el mundo.

Características

Tocado por artistas autodidactas, con poca o nula preparación musical. Utilización de secuencias de notas octavas y quintas, mezcladas con baterías agresivas, amplificadores y pegadizas letras.

Artistas más relevantes

The Seeds, The Leaves, The Blues Magoos, Question Mark & the Mysterians, The Remains.

Arena rock

Origen

Aunque no se trate de un estilo musical como tal, sí engloba a los artistas que se han presentado en multitudinarios conciertos desde la década de los sesenta, sobre todo en cantantes de rock progresivo, clásico y pesado.

Características

Los artistas ofrecen shows multitudinarios y escenarios gigantes y sumamente iluminados, destacando el vídeo, el uso de luz láser, humo y otros elementos de estos enormes recitales, celebrados en estadios de futbol, beisbol o cualquier otro espacio con amplia capacidad.

Artistas más relevantes

Queen, Styx, The Who, The Rolling Stones, The Beatles, Led Zeppelin, Van Halen, Bon Jovi, Aerosmith, Kiss, Deep Purple, U2, entre otros.

Rock electrónico

Origen

Surgió en los inicios de los sesenta en el Reino Unido, con sonidos originados por instrumentos electrónicos y los propios del rock clásico.

Popularidad

Tuvo auge entre 1970 y 1980. Se mantiene vigente en todo el mundo gracias a las derivaciones de este subgénero musical.

Características

Incorporación de cajas de ritmos, sintetizadores, samplers y otros elementos electrónicos combinados con la guitarra eléctrica, batería y bajo.

Artistas más relevantes

Electric Light Orchestra, Yes, Pink Floyd, Devo, The Cars, The Human League, Depeche Mode, The Chemical Brothers, Radiohead, Pendulum, M83, Groove Armada, Daft Punk, Evanescence, Papa Roach, Rise.

Rock psicodélico

Origen

La definición de rock psicodélico refiere a la inspiración en la cultura psicodélica, con sonidos simulando los efectos de las drogas. Si no sabes dónde y cuándo surgió el rock psicodélico, se originó a mediados de los 60 tanto en Reino Unido como en EEUU.

Popularidad

Inmediato a su aparición, el rock psicodélico se hizo popular en el público como uno de los tipos de rock más escuchados, siendo influencia para otros derivados del rock como el acid rock, rock progresivo, hard rock, art rock y el heavy metal.

Características

Este estilo intentaba emular los efectos psicodélicos de estupefacientes, incorporando sonidos electrónicos y de instrumentación exótica. Uso de la guitarra eléctrica, órganos, clavecines, sitar, tabla y sintetizadores. Fue uno de los estilos rockeros pioneros en la incorporación de letras surrealistas y excéntricas, haciendo alusión directa a los alucinógenos.

Artistas más relevantes

Entre los nombres rockeros más importantes de este subgénero se encuentran el de Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Doors, Pink Floyd, Iron Butterfly, Grateful Dead y Jefferson Airplane.

Art rock

Origen

Contrastando al rock psicodélico, el rock artístico surgió en la segunda mitad de los sesenta en Inglaterra, buscando dar un giro intelectual, creíble y sustancialmente artístico al rock.

Popularidad

Tuvo auge entre 1960 y 1970, simultáneo al rock psicodélico.

Características

Cuenta con letras llenas de poesía, álbumes conceptuales, elementos estéticos orientados al arte, incorporación de sonidos tradicionales como la música clásica, jazz, experimenta y música del mundo.

Artistas más relevantes

Bee Gees, Genesis, The Beatles, Queen, Radiohead, Pink Floyd, David Bowie, Slint, The Moody Blues, The Rolling Stones.

Surf rock

Origen

Para los que se preguntan cómo surgió el rock surf, nació en California en 1960, siguiendo el estilo del rock and roll pero con sonidos y letras que hacen recordar la vida en la playa y al surf.              

Popularidad

Destacó entre 1961 y 1965, motivado a su uso en bandas sonoras de filmes playeros, y aceptado por los jóvenes adeptos al estilo de vida surf. Resurgió en los 80, apoyado en sellos discográficos especializados en este subgénero.

Características

El escuchar música de rock surf recuerda a los sonidos de guitarra iniciales dentro del rock and roll, incorporado instrumentos de cuerda que simulen tanto este sonido como el que hacen las olas del mar.

Artistas más relevantes

Dick Dale es el músico de rock surf más emblemático, seguido de agrupaciones como los Beach Boys, Jan and Dean, The Ventures, The Chantays, The Bel-Airs, The Surfaris, The Trashmen, entre otras bandas.

Pop rock

Origen

La historia del pop rock se remonta a mediados de los sesenta en Inglaterra, combinando recursos de la música pop con los del rock.

Popularidad

Cuenta con enorme popularidad desde sus inicios hasta el presente.

Características

Las letras pop son acompañadas por ritmos fuertes característicos del rock, como los sonidos de guitarras eléctricas o baterías.

Artistas más relevantes

Entre los múltiples artistas destacan The Cranberries, The Police, U2, Alanis Morisette, Billy Joel, OneRepublic, Robbie Williams, 5 Seconds of Summer, One Direction, Weezer.

Hard rock

Origen

Pasa saber de dónde proviene el rock duro, surgió a fines de los 60 en Reino Unido y EEUU al tomar sonidos del rock psicodélico, garaje y el blues.

Popularidad

Se extendió entre 1970 y 1990, recuperando su auge llegado el año 2000 y sigue siendo popular el escuchar música rock de este tipo.

Características

Utiliza el bajo, batería, teclados y guitarra eléctrica, siendo estos dos últimos propios una clara diferencia entre rock y rock and roll. Composiciones en tonalidad mayor con escala pentatónica y diatónica, incorporando un solo de guitarra.

Artistas más relevantes

The Jimi Hendrix Experience es considerada la primera banda de rock de este estilo. Otros artistas son The Kinks, The Rolling Stones, The Beatles, The Who, Led Zeppelin, Deep Purple, AC/DC, Guns N’ Roses, Aerosmith, Kiss, Queen, Alice Cooper, Van Halen.

Folk rock

Origen

El género folk surgió a mediados de los sesenta en EEUU, al combinarse sonidos del folk, blues y el rock clásico. Aunque nació considerado como un rock de fusión, pronto cobró fuerza como un subgénero propio.

Popularidad

Traspasó las fronteras estadounidenses para ser fuertemente escuchado en Europa y Asia finalizando los años sesenta.

Características

Para saber qué y cómo es el rock estilo folk, hay que notar estas particularidades:

  • Tiene sonidos sin mucha distorsión instrumental,
  • Arreglos de piano estilo country y góspel,
  • Uso de la armónica diatónica, característico en el folk y el blues.

Artistas más relevantes

Bob Dylan, The Mamas & The Papas, The Byrds, Simon & Garfunkel, Nick Drake, Neil Young, Cat Stevens, Donovan, Mumford & Sons.

Blues rock

Origen

Para saber qué es la música rock con sonidos de blues, solo debes imaginar la mezcla entre este ritmo y el rock clásico, tal y como se hizo a mediados de los sesenta en EEUU e Inglaterra.

Popularidad

Tuvo auge a partir de su surgimiento, manteniéndose presente en la actualidad, siendo uno de los subgéneros del rock más utilizados.

Características

Los rasgos esenciales de este estilo son: el uso de potentes riffs, improvisación musical, interpretación en tiempo rápido, utilización de dos guitarras (principal y acompañamiento), bajo, batería, pianos y órganos. 

Artistas más relevantes

ZZ Top, Eric Clapton, Cream, Alabama Shakes, Blue Cheer, Carlos Santana, B.B. King, Led Zeppelin, The White Stripes, Jimmy Page, Bon Jovi, Jimi Hendrix, John Mayer, Aerosmith, AC/DC, por nombrar algunos.

Rock progresivo

Origen

Si sientes curiosidad por descubrir dónde surgió el rock progresivo, pues nació en Inglaterra, EEUU e Italia entre 1960 y 1970, como una derivación del rock psicodélico pero con un estilo más artístico.

Popularidad

Se extendió rápidamente en el mundo a mediados de los setenta, manteniendo esta popularidad hasta la década siguiente. El resurgimiento actual se ha dado más que todo en países latinoamericanos.

Características

Cuenta con composiciones basadas en la música clásica, también influenciadas por sonidos de jazz. Por lo general, tiene canciones largas con letras ambiciosas, donde se puede notar el uso de sintetizadores y la destreza de los músicos.

Artistas más relevantes

The Moody Blues, Soft Machine, Emersos, King Crimson, Genesis, Focus, Lake & Palmer, Renaissance, Yes, Rush, Mike Oldfield, Pink Floyd, Jethro Tull, entre otros.

Jazz rock

Origen

Surgió en los Estados Unidos durante la década de los setenta como un subgénero del rock progresivo, pero gracias a la incorporación de sonidos propios del jazz combinados con los del rock, pudo independizarse entre los géneros musicales rock.

Popularidad

Cobró fuerza durante gran parte de los setenta en EEUU, Europa, Japón y Latinoamérica, decayendo a finales de esa década.

Características

Cuenta con líneas características del jazz, como los solos, las aportadas por el bajo y la batería. Arreglos musicales emulando al de las bandas de jazz. La incorporación particular del solo requirió la incorporación de bandas instrumentales de alto nivel.

Artistas más relevantes

  • Norteamérica: Blood, Sweat & Tears, Chicago, Dreams, Ligthouse, Chase.
  • Reino Unido: CCS, Ginger Baker’s Air Force.
  • Latinoamérica: Alma y Vida, Luis Alberto Spinetta, Fulano, La Marraqueta.

Gothic rock

Origen

Las bandas de rock nuevas, a la par de sus propias composiciones, realizan crossovers de los clásicos sonidos que sirvieron de inspiración a los artistas de este género, demostrando que las personas rockeras aún tienen mucho que disfrutar. El rock gótico es un ejemplo de ello.

Los orígenes del rock gótico se remontan a finales de los setenta en el Reino Unido, cuando cobró fuerza el gusto por lo siniestro, generándose también la subcultura gótica.

Popularidad

Se extendió por toda Europa y llegó a América durante los ochenta y, a pesar de ciertos altibajos, se ha mantenido activo en países anglosajones y de habla hispana.

Características

Las guitarras crean un efecto siniestro en las composiciones, a la par del bajo, instrumento fundamental en este subgénero. El uso de la batería es constante y repetitivo.

Artistas más relevantes

Christian Death, Bauhaus, The Cure, Souxsie and The Banshees, Joy Division, Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim, The Mission, Cinema Strange, The Frozen Autumn, entre otros.

Rock experimental

Origen

El también llamado rock vanguardista es otro de los subgéneros de rock creados en los sesenta en el Reino Unido, buscando desprenderse del tradicional estilo de los géneros musicales rock  antecesores.

Popularidad

Ha tenido fama desde la misma década de su origen, pasando por diferentes etapas que han permitido su vigencia hasta la actualidad.

Características

Se basa tanto en el rock como en la música experimental, con estructuras, instrumentos y sonidos poco convencionales dentro del género clásico, creando composiciones vanguardistas.

Artistas más relevantes

Half Japanese, Frank Zappa, Deftones, Sonic Youtch, Primus, Porter, Swans, King Crimson, Can, The Pop Group, Stereolab, Red Crayola, por nombrar algunos.

Heavy metal

Origen

También conocido como metal, inició a fines de los sesenta tanto en EEUU como en Reino Unido, países donde estaban muy de moda el hard rock y el rock psicodélico.

Popularidad

Tuvo fuerza en los ochenta, decayendo en la década siguiente por la popularidad que adquirió el grunge. Actualmente, siguen sonando artistas de este género en varias partes del mundo.

Características

La diferencia entre rock y metal reside en las guitarras, siendo en el metal más distorsionadas y fuertes, contando también con los sonidos de la batería y el bajo más pesados que lo convencional. En cuanto a la voz, se acostumbra el uso del falsete, voz áspera o sonidos graves.

Artistas más relevantes

Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Blue Cheer, Sir Lord Baltimores, UFO, Scorpions, Rainbow, Judas Priest, Iron Maiden, Venon, Saxon, Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax y muchos otros más.

Space rock

Origen

Surgió en Inglaterra entre 1960-1970 como una corriente del rock psicodélico.

Popularidad

A pesar de los pocos grupos musicales existentes, tuvo alcance en los setenta, resurgiendo en tiempos actuales.

Características

Cuenta con prolongadas instrumentaciones, sonidos y letras relacionadas con efectos propios del espacio, ciencia ficción o fantasía.

Artistas más relevantes

Hawkwind, Syd Barrett, Gong, Led Zeppelin, Monster Magnet, The Flaming Lips, Spacemen 3, Starset, Porcupine Tree, The Pineapple Thief.

Glam rock

Origen

Nacido en Inglaterra entre 1970 y 1980, buscando darle un giro al rock tanto musical como a nivel estético. De hecho, el término «glam» es una reducción de «glamour», haciendo alusión al estilo adoptado por los cantantes en contraste con los del rock psicodélico que dominaban la escena musical.

Popularidad

Se hizo muy popular a inicios de los años setenta en todo el Reino Unido, extendiéndose a otros países anglosajones.

Características

Boogie rock pegadizo, riffs de guitarras potentes, letras hedonistas, melodías bailables. De las características de los rockeros destaca su vestimenta, compuesta por elementos como purpurina, estampados, botas de plataforma y otros accesorios femeninos en contraposición al conservador ambiente estético del rock impregnado de machismo.

Artistas más relevantes

David Bowie, Elton John, Queen, Kiss, T. Rex, Alice Cooper, Roxy Music, Slade, Sparks, New York Dolls, Gary Glitter.

Acid rock

Origen

Su origen data de finales de los sesenta en EEUU, producto de la fusión del rock psicodélico, garage rock, hard rock y otros sonidos aclamados en ese entonces.

Popularidad

Fue un subgénero muy seguido sobre todo en los comienzos de los setenta.

Características

De las características de los rockeros ácidos más importantes destaca el uso de sustancias psicotrópicas que corrían libremente en los recintos donde se presentaban, dando pie a que realizaran improvisaciones o solos de hasta 20 minutos de duración. Esta música también encontró en el rock psicodélico marcadas influencias.

Artistas más relevantes

Jimi Hendrix, Eric Clapton, Blue Cheer, Iron Butterfly, Cream, The Amboy Dukes, The Electric Prunes, Jefferson Airplane, Pentagram, entre otros.

Roots rock

Origen

El rock de raíces se remonta a finales de los sesenta en EEUU, cuando los artistas de esa época que no congeniaban con el rock psicodélico, comenzaron a experimentar con sonidos tradicionales dentro del rock, folk, blues y el country.

Popularidad

Esta nueva ola tuvo su auge en las décadas posteriores, dividiéndose en diferentes etapas encabezadas por distintos subgéneros.

Características

Se hace notable la presencia de sonidos propios del country, folk, rock and roll, rock clásico y el blues, como una especie de regreso a las raíces antecesoras del rock como tal.

Artistas más relevantes

The Eagles, Bob Dylan, The Byrds, Gram Parsons, The Doobie Brothers, entre otros.

Funk rock

Origen

Surge a principios de los setenta en EEUU, gracias a la fusión del funk con el rock moderno.

Popularidad

Es uno de los subgéneros musicales del rock que ha mantenido su popularidad hasta tiempos actuales.

Características

Es notoria la presencia del bajo, cuenta con pegadizos pero sencillos riffs de guitarra y con sonido constante de la batería.

Artistas más relevantes

Red Hot Chili Peppers, Faith No More, Extreme, Funkadelic, Parliament, Phish, Incubus, Jamiroquai, Illya Kuryaki and the Valderramas, The Neptunes, Maroon 5, Gorillaz.

Punk

Origen

Tuvo sus inicios en Reino Unido, EEUU y algunos países europeos entre 1970 y 1980, como respuesta contracultural manifestada a través de la protesta, característica de todo el movimiento punk.

Popularidad

Cobró fuerza durante los ochenta tanto en sus lugares originarios como en todo el mundo. Una segunda oleada surgió en 1990 y, hoy en día, sigue escuchándose de forma moderada. Ha dado pie a múltiples derivados del rock como, por ejemplo, el anarco-punk, crust punk y el riot grrrl, por nombrar algunos, y cada uno dentro de los distintos tipos de rockeros.

Características

Hereda el sonido ruidoso del garage rock, tiene agresivas y cortas melodías, composición minimalista, escasos arreglos musicales, batería con tempos acelerados, sencillez en el sonido amplificado. La vestimenta de los rockeros punk es acorde a la utilizada en esta contracultura.

Artistas más relevantes

Sex Pistols, Ramones, Blondie, Crass, The Clash, The Damned, Black Flag, Circle Jerks,  Dead Kennedys, Bad Religion, Los Saicos, Green Day, Blink-182.

Rock industrial

Origen

Nació a finales de los setenta en EEUU y Reino Unido, combinando sonidos y elementos de la música industrial con subgéneros musicales del rock como el punk y el electropunk.

Popularidad

Gozó de aclamación en las décadas de los ochenta y noventa, expandiéndose en Europa y el resto del mundo, gracias al surgimiento y éxito del metal industrial como subgénero de este estilo musical.

Características

Utiliza instrumentos típicos como guitarra eléctrica, bajo y batería y los mezclan con sampler, sintetizadores, cajas de ritmos, incorporando también ruidos de máquinas y de fábricas, como si de un entorno industrial se tratara.

Artistas más relevantes

Pere Ubu, Killing Joke, Swans, Big Black, The Young Gods, KMFDM, Ministry, Nice Inch Nails, Marilyn Manson, Rammstein, Rob Zombie, Oomph!, entre otros.

Soft rock

Origen

El rock suave surgió en simultáneo en EEUU y Suecia, Inglaterra a finales de los setenta, al suavizar los sonidos y letras que, hasta entonces, venían escuchándose en las radios.

Popularidad

Tuvo notoriedad en las dos décadas posteriores, y actualmente, se escucha de forma moderada.

Características

Incorpora elementos de la música clásica, emulando al estilo barroco del siglo XVIII, a manera de dar un giro suavizado a los sonidos tradicionales del rock, conteniendo además letras poco controvertidas y sencillas.

Artistas más relevantes

Bread, Queen, Bee Gees, Toto, Journey, Roxette, The Eagles, Meat Loaf, Europe, Phil Collins.

Noise rock

Origen

El rock ruidoso inició en los setenta dentro del rock alternativo, tanto en EEUU como en Australia, Japón, Inglaterra y otros países europeos

Popularidad

Fue aclamado como rock alternativo durante los 80, alcanzando el éxito comercial independiente en los noventa.

Características

Si bien cuenta con algunas similitudes con el rock alternativo, el noise rock no sigue una estructura armónica o de ritmo propia, diferenciándose así de los otros subgéneros surgidos a partir del estilo underground.

Artistas más relevantes

Melt Banana, Neptune, Moonlander & Moodswinger, Sonic Youth, Lightnning Bolt.

Indie rock

Origen

A partir de los ochenta, comenzó a desarrollarse como subgénero del rock alternativo tanto en Inglaterra como en EEUU. El significado de rock indie deriva de las creaciones independientes de los artistas propios de este género musical, y aunque el término comenzó a utilizarse para designar a sellos discográficos, posteriormente, se relacionó a la música que patrocinaban.

Popularidad

Alcanzó fama en las décadas posteriores a su creación, y en la actualidad,  es bastante popular dentro de la música rock.

Características

Este subgénero musical promueve la premisa «Do It Yourself» o «hazlo tú mismo», por lo que muchos artistas componen y graban sus canciones en pequeños estudios o hasta en sus propios hogares, algo notorio en tiempos actuales, algo íntimamente ligado al uso de herramientas digitales.

Artistas más relevantes

Lana del Rey, The Rapture, Spiritualized, Enon, Count Five, The Stone Roses, Inspiral Carpets, Beirut, Galaxie 500, entre muchos otros más.

Rock alternativo

Origen

Entre el rock y sus tipos está este subgénero, nacido a principios de los 80 en Reino Unido y EEUU como respuesta alternativa a los sonidos tradicionales y una manera de alejarse de la cultura comercial propia de dichos estilos rockeros, inclinándose así al movimiento underground.

Popularidad

Cobró fama masiva en los años 90, escuchado en pequeños recintos como clubes y bares, y con grabaciones a través de disqueras independientes.

Características

Para saber qué es el rock alternativo, solo debes considerar los siguientes rasgos:

  • Tiene sonidos menos armónicos y melódicos,
  • Posee letras inclinadas a temas depresivos, tristes y desgarradores,
  • El ritmo de las canciones es lento,
  • Utiliza variadas formas de tocar la guitarra, siendo la acústica una de las más implementadas.

Artistas más relevantes

Violent Femmes, The Feelies, R.E.M., The Velvet Underground, Sonic Youth, The Replacements, Jane’s Addiction, Pixies.

Grunge

Origen

Los inicios del rock grunge se remontan a finales de los ochenta, surgiendo en Seattle como un subgénero del rock alternativo. Para saber qué significa rock grunge, es un término anglosajón para referirse despectivamente a algo «sucio», tal como pasó con este estilo que fue criticado inicialmente por artistas y bandas clásicas y disqueras comerciales.

Popularidad

Ganó fama a principios de los noventa gracias al éxito comercial de los álbumes «Nevermind» de Nirvana y «Ten» de Pearl Jam, catapultando (irónicamente) también la popularidad del rock alternativo.

Características

Utiliza guitarras distorsionadas, baterías pesadas y melodías en forma repetitiva. Entre las características de los rockeros artistas destaca su incursión en sellos independientes, el rechazo a los lujos propios de los otros géneros del rock más comerciales y la composición de temas mostrando inconformidad con ciertos aspectos de la sociedad.

Artistas más relevantes

Los representantes del rock estilo grunge más aclamados son Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, The Melvins, Stone Temple Pilots, Mudhoney, Green River y Soundgarden.

Rock de fusión

Origen

Este subgénero se originó a finales de los ochenta, con la mezcla de otros sonidos populares como el rap, funk, metal, hard rock, otros subgéneros del rock y variados estilos musicales no convencionales con el rock.

Popularidad

Ha tenido fama desde sus comienzos hasta tiempos actuales, gracias a la gran variedad de ritmos musicales que han sido fusionados con el rock.

Características

El rasgo más importante dentro de este tipo de rock es que da cabida a toda fusión con otros géneros, desmoronando así las barreras impuestas en los inicios del rock que se encasillaba en un solo sonido.

Artistas más relevantes

Red Hot Chili Peppers, Primus, Urban Dance Squad, Fishbone, Aerosmith, Anthrax, Beastie Boys, Living Colour, Linkin Park.

Sleaze rock

Origen

Tuvo sus inicios en Los Ángeles a inicios de los ochenta como derivado del glam metal.

Popularidad

Destacó durante la década de los ochenta y la primera mitad de los noventa, teniendo un resurgimiento moderado en épocas recientes.

Características

Cuenta con música más agresiva, elaborada, irreverente y sucia que el típico estilo glam.

Artistas más relevantes

Guns N’Roses, Faster Pussycat, L.A. Guns, Bang Tango, Dirty Penny.

Math rock

Origen

Se creó a finales de los ochenta tanto en E.E.U.U. como en Japón, siendo considerado en sus inicios un estilo de rock indie y progresivo.

Popularidad

Es un estilo underground, tuvo auge durante toda la década de los noventa.

Características

Tiene estructuras musicales y ritmos muy complejos, riffs distorsionados, priorización de la batería. La voz no es sino un recurso secundario.

Artistas más relevantes

Foals, Minus The Bear, Clónicos, son algunas de las bandas de rock nuevas que usan este estilo.

Geek rock

Origen

 Se originó en los 90 en EEUU gracias a las combinaciones de diversos estilos como el blues rock, indie rock, rock alternativo, punk rock, rock psicodélico, garage rock, noise rock y otros subgpeneros destacados.

Popularidad

Desde sus inicios, ha mantenido su fama hasta el presente, sumándose más y más artistas a este subgénero rockero.

Características

Las principales características de los rockeros geek se fundamentan en su modo de vestir y personalidad, incorporando temas geeks en las letras de sus canciones. Por lo demás, el  sonido viene dado por el uso de teclados electrónicos, moogs, sintetizadores y las clásicas guitarras eléctricas, batería y bajo.

Artistas más relevantes

The Rentals, Weezer, Nerf Herder, Fountains of Wayne, They Might Be Giants, The Aquabats, Ween, Pixies, Beck, Nada Surf, Airbag, OK Go, entre otros.

Stoner rock

Origen

Surgió en California a principios de los noventa, como un estilo derivado de la fusión del metal, rock ácido y rock psicodélico. De este último tomará la influencia de los estupefacientes, utilizando el cannabis como «inspiración».

Popularidad

Se ha mantenido su auge hasta tiempos recientes.

Características

Se usan sonidos de bajos altamente distorsionados, voces melodiosas, tempos de lentos a medios y una producción que emula lo clásico. Además, tiene sonidos pesados, graves y duros propios de los antecesores de este subgénero, como el rock ácido y el psicodélico.

Artistas más relevantes

Kyuss, Yawning Man, Masters of Reality, Queen Of The Stone Age, Clutch, Royal Boold, Wolfmother.

Britpop

Origen

Creado en Gran Bretaña en los noventa, inspirado en míticas bandas de la región.  

Popularidad

Ha mantenido su auge desde sus inicios hasta el presente.

Características

Son bandas conformadas por integrantes jóvenes, influenciados fuertemente por las agrupaciones que tuvieron éxito en los 60 y 70. Muchas de estas bandas actuales recurren a la amplia fama de subgéneros musicales del rock para sus composiciones.

Artistas más relevantes

Oasis, Coldplay, Blur, Suede, Kasabian, Keane, The Stone Roses.

Como resumen de la historia del rock, cabe decir que el origen de los rockeros como expresión social y cultural es simultáneo a la aparición del rock. Puede sorprenderte los numerosos géneros musicales rock que existen actualmente, y es que paulatinamente, el rock gana más seguidores de agrupaciones con estilos musicales propios, derivando en los subgéneros del rock ya descritos. Así, el rock se mantiene como uno de los géneros con más fanaticada mundial, y promete seguir vigente para las futuras generaciones prestas a disfrutar de esta música. Si preguntas a algún fanático qué es rock, lo más seguro es que responda que es un estilo de vida y cultura arraigado en el planeta.

Escultores actuales: los 18 escultores modernos de arte contemporáneo más famosos y sus obras

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Las obras de los escultores actuales se caracterizan por el cambio y la innovación. La escultura ha experimentado grandes transformaciones y las creaciones incluyen materiales y estilos que nunca antes fueron tomados en cuenta. Los escultores modernos experimentaron el cambio más radical en sus formas de expresión a partir del siglo XX. En ocasiones sus imágenes rompen de forma definitiva con la tradición y se incluyen nuevos elementos como el movimiento y la interacción de la obra con el público. En este artículo se podrán conocer algunos de estos artistas famosos actuales y sus obras más emblemáticas. 

Pintores contemporáneos:
Los 25 pintores actuales más importantes y sus obras de arte más famosas

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Lorenzo Quinn

Lorenzo Quinn es un ex actor y escultor italiano famoso. Nació en Roma en 1966 y es el quinto hijo del famoso actor Anthony Quinn. A principios de los 80 incursiona en el mundo del arte como pintor, después que se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Nueva York. Luego actúa profesionalmente junto a su padre en una película italiana dirigida por Giacomo Battiato en 1988: Stradivari. Posteriormente, interpreta al artista español Salvador Dalí en la película Dalí, trabajo que lo hizo merecedor un premio en el Festival de Cine de Biarritz como Mejor Actor Novel.

En el 2008 su escultura Evolution es elegida para inaugurar las instalaciones de Halcyon Gallery en Londres. En el 2009 hace una exposición donde se incluyen diversas obras del artista. Sus esculturas de la serie Forces of Nature de Quinn aparecen en diversos lugares del mundo: Inglaterra, Estados Unidos, Mónaco y Singapur. Otras obras son La dolce vita (2011) y Dar y Tomar (2013). Más recientemente, en el 2019, crea sus conocidas esculturas Soporte y Árbol de la vida.  

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La fuerza de la naturaleza II, Berkeley Square, Londres. Instalado en febrero de 2011 (Halcyon Gallery, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Glen Roberts

Glen Roberts nació en Estados Unidos en 1962. El artista se mudó en el 2002 a América Latina y renunció a su nacionalidad estadounidense, sin embargo, tampoco adquirió ninguna otra nacionalidad. En su perfil de Amazon se describe como “El hombre sin país”.

El artista es reconocido gracias a su espectacular escultura Mustang que se encuentraen Dallas (Texas). La obra es una de las ecuestres de mayor tamaño en el mundo y fue votada como la mejor escultura pública en el 2012. Esta obra está considerada entre las mejores esculturas del mundo y su nombre entre los principales escultores.

Glen fue un estudioso de la anatomía toda su vida por lo que captura el movimiento y la esencia en sus esculturas de manera única. En el 2019 recibió la prestigiosa medalla Rungius por sus aportes a la conservación de la vida silvestre y por sus interpretaciones artísticas. El artista es uno de los escultores más famosos de su generación.

Escultores actuales: Glen Roberts
Espectacular escultura Mustang que se encuentra en Dallas (Texas) (Hippopx)

Joan Abras

Joan es uno de los más polifacéticos escultores catalanes actuales. Entre las disciplinas que desarrolla se encuentran la escultura, el dibujo, la pintura y la cerámica. También es diseñador de joyas. Estudió en la Escuela de Cerámica de la Bisbal en Gerona. Su carrera artística la comienza haciendo murales en cerámica y decoración de fachadas. Algunas de sus obras más conocidas son: Torso De Mujer Desnuda, Pareja De Pescadores, Rostro Femenino, Gas A Fons… El arte contemporáneo en escultura de Joan Abras se expresa con el personal estilo que el artista le imprime a todas sus obras.

Obra Passeig de Mar (Palamós) (Enric, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Jerzy Kalina

Jerzy Kalina nació en Polonia en 1944. Es un artista que en sus comienzos estuvo dedicado a la cinematografía y escenografía teatral. También fue intérprete. En 1971 se graduó en Varsovia, en la Academia de Bellas Artes.

Este creador comienza su actividad artística en 1971 y ha presentado la más reciente obra en 2020; una escultura de Juan Pablo II ubicada en el Museo Nacional de Varsovia. Entre sus múltiples creaciones tiene muchas distinguidas obras como: el Monumento Katyn en Podkowa Leśna y el Monumento a las víctimas de la tragedia de Smolensk en la Plaza Piłsudski (Varsovia). Se encuentra entre los nombres de escultores famosos contemporáneos.

Una de sus obras más reconocidas es Transeúntes anónimos, descubierta en 2005 en Wrocław y reconocida como una de las más insólitas del mundo por Budget Travel, una revista estadounidense. También ha sido premiado varias veces debido a su trayectoria y labor. El más reciente reconocimiento fue en el 2019 en la categoría Artista Reconocido con la Medalla de Stanisław Ostoja-Kotkowski. El arte de esculturas de Jerzy Kalina es sorprendente e innovador.

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Obra «Passage» instalada en Wrocław el 13 de diciembre de 2005, (Fred Romero, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

Chong Fah Cheong

Chong Fah Cheong es un famoso escultor de Singapur debido a las numerosas esculturas públicas que ha realizado. Su obra, al igual que la de otros escultores actuales, se distingue por representar la vida de las personas que habitan en su ciudad, sobre todo en los márgenes del río Singapur.

Desde temprana edad mostró su inclinación y talento con el arte. A los 14 años se unió al Noviciado Hermanos La Salle, que es una orden religiosa en Penang, Malasia. Después de siete años de formación recibió su título, pero abandonó la orden religiosa.

Se casó y tuvo dos hijos, ahora vive en Canadá, aunque todavía expone en Singapur. En el 2014 recibió el Medallón Cultural (Artes Visuales). Entre los artistas de esculturas de su generación, Chong Fah Cheong es uno de los más importantes exponentes.

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La primera generación (2000) de Chong Fah Cheong en Cavenagh Bridge , Singapur. (Michael Gwyther-Jones., CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Pablo Atchugarry

Este famoso artista uruguayo ha participado en más de 80 exposiciones en diversos países. Es uno de los escultores uruguayos actuales más innovadores en su obra. Su primera escultura fue Caballo en 1971. También hizo una versión de la Piedad del Vaticano (Miguel Ángel) en mármol. Este reconocido artista representó a Uruguay en el 2003 en la Bienal de Venecia. En el 2007 crea una Fundación (Pablo Atchugarry) para entablar una relación directa con el público. Es uno de los artistas escultores uruguayos más conocidos.

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La Piedad de Pablo Atchugarry en Fundación Atchugarry (Victor Escardó, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Gyula Pauer

Gyula Pauer nació en 1941 en Budapest. Fue un artista que se destacó por sus trabajos de escultor y pintor. También fue actor y cineasta. Estudió en la Academia de Arte y por cuatro años se desempeñó como asistente de Alajos DeBattista. Ha trabajado en varias películas como diseñador de vestuario, actor y escenógrafo. También fue profesor de la Academia Húngara de Bellas Artes (Budapest 1990) y miembro de la Academia de Literatura y Arte (1993). En 1993 le otorgan el premio Munkácsy.

Es reconocido por su obra del 2005 en el muelle del Danubio, en donde junto a Can Togay, director de cine, erigieron un memorial del Holocausto con su obra de 60 pares de zapatos, en una longitud de 40 m. Las esculturas y sus autores quisieron representar a los judíos despojados de sus zapatos que eran arrojados al Danubio después de dispararles. Estos dos escultores y sus obras dejan un recordatorio histórico imborrable en las orillas del Danubio.

Escultura. Zapatos a orillas del Danubio (Dennis JARVIS, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Carl Fredrik Reuterswärd

Carl Fredrik Reuterswärd fue un escultor y pintor sueco. En 1986 recibió la Medalla Príncipe Eugen de pintura. El artista es reconocido por su afamada escultura llamada No violencia, que muestra un revolver con la punta atada en un nudo. Sus esculturas de arte contemporáneo son un llamado a la paz.

La obra se encuentra fuera de las Naciones Unidas (ciudad de Nueva York). Solo existen tres originales y están en Mälmo, Suecia y New York, pero existen versiones de la obra expuestas en otras partes del mundo. La obra, como la de otros escultores actuales, tiene contenido social, ya que  rinde tributo a John Lennon después de su asesinato y representa la paz. Reuterswärd murió a los 81 años debido a una neumonía, en Suecia en el 2016.

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La obra de la No violencia de Carl Fredrik Reuterswärd på Solliden (Henrik Sendelbach, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Zenos Frudakis

Zenos Frudakis nació en Estados Unidos en 1951. Es un reconocido escultor que ha realizado obras muy diversas. Desde muy pequeño sintió inclinación por el arte. Sus primeros intentos fueron con la masa que su madre le daba cuando la preparaba para hornear el pan. Estudió en la Academia de Bellas Artes (Pensilvania). También tomó lecciones de escultura con Evangelos Frudakis (su hermano mayor), y de pintura con el destacado James Hanes.

Por cuatro décadas ha realizado monumentales creaciones entre las que se encuentran personajes históricos, figuras deportivas, animales, etc. Sus obras más notables se encuentran en la ciudad de Nueva York, en el  Cementerio Nacional de Arlingtonen en Virginia, el Imperial War Museum en Inglaterra, Embajada de Estados Unidos en Pretoria… Su obra Freedom ubicada en el centro de Filadelfia es una de las más aclamadas.

La escultura de la libertad con el escultor Zenos Frudakis (Zenos Frudakis, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons/ Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Bruno Catalano

Bruno nació en Marruecos. En 1970 partió junto a su familia hacia Francia. Comenzó a incursionar en el arte y la escultura en Marsella en 1981. A partir de 1985 comienza su obra, realizando grandes esculturas hechas en bronce. Tiene un particular estilo que lo diferencia del resto de los esculturistas de su generación, ya que sus creaciones son reconocidas porque les faltan secciones sustanciales, aunque sus primeros trabajos fueron convencionales.

Con una carrera de más 21 años, este artista ha estado presente en las colecciones públicas y privadas más grandes del mundo. Con sus esculturas incompletas llegó a Inglaterra, España, Bélgica, China, Suiza… Está entre los más originales escultores contemporáneos.

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Escultura «Van Gogh» de Bruno Catalano (Bruno Barral, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Tom Frantzen

Tom Frantzen nació en Bélgica en 1954. Sus obras son imágenes callejeras que forman parte del entorno de la ciudad de Bruselas y de otros lugares del país. Estudió en la  Escuela Nacional de Arquitectura y Artes Visuales. Ha estudiado en diversas partes del mundo: Francia, Italia, Alemania y Estados Unidos. Construyó su propia fundición en 1977. Él describe su obra como la de un artista flamenco contemporáneo de fantasía. Es uno de los famosos escultores modernos del siglo XX.

La Ribambelle Joyeuse del artista belga Tom Frantzen. Inaugurado en octubre de 2018 a orillas del Sena en Troyes, Francia (Raymondlafourchette, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Louise Bourgeois

Louise Joséphine Bourgeois fue una artista dedicada a la pintura y el grabado, aunque más conocida por sus esculturas de estilo único. Su nombre figura entre los pintores y escultores famosos de su generación y entre los principales artistas de la escultura.

A lo largo de su carrera exploró diversos temas como la familia, la muerte, el cuerpo, la sexualidad y el inconsciente. Según como lo definía la propia artista eran procesos terapéuticos de hechos ocurridos durante su infancia. Aunque no seguía ningún movimiento particular, su obra es relacionada con el arte feminista y el surrealismo.

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La escultura de la araña gigante Maman por la escultora neoyorquina Louise Bourgeois en Ottawa (Taschenmonster, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons/ Recorte, mejora de tono y resolución de la original)

Petrus Spronk

Petrus es un aclamado escultor y ceramista. Sus obras se han exhibido nacional e internacionalmente por más de cuatro décadas. La más reconocida es la obra de arte pública que se encuentra afuera de las instalaciones la Biblioteca Estatal de Melbourne. Es un fragmento arquitectónico que emerge del pavimento de Swanston Street. Es de los autores de esculturas más destacados de su generación y uno de los escultores actuales más conocidos.

Escultura pública Fragmentos arquitectónicos en Swanston Street , Melbourne, Australia. Hecho de piedra azul de Port Fairy, se eleva del suelo fuera de la biblioteca estatal (Alan Levine, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

David Cerný

David Cerný nació en Praga en 1967. Este escultor es conocido por sus obras de controvertida temática. Estudió Diseño y luego Artes Plásticas (Universidad de Artes Aplicadas, Praga). También realizó estudios en la Universidad de Boswil (Suiza) y luego en  Nueva York. Entre sus obras más conocidas están: Quo vadis, El tanque rosa, La estatua de San VenceslaoViselec (colgado) es una famosa escultura del artista y representa a Sigmund Freud, una estatua colgada desde el techo de un edificio (calle Husova, Praga). Debido a su original y controvertida obra se encuentra entre los grandes escultores del mundo. 

Escultura Viselec, de David Černý, en Praga (Xosema, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Sergi Aguilar

Sergi Aguilar nació en Barcelona (España) en 1946. Es un dibujante, escultor, orfebre y fotógrafo de gran renombre. Comenzó dedicándose a la joyería, desarrollando un estilo novedoso y vanguardista en lo relacionado a las formas y los materiales que usa. Esta entre los escultores españoles actuales más conocidos.

Estudió y en el Conservatori de les Arts del Llibre (Barcelona). Ha viajada por el mundo exponiendo sus esculturas: París, Londres, Stuttgart, Praga y Menorca. Algunas de sus obras más conocidas son: Julia, Sense retorn, Límite Interior, Fourteen, Conversación

Escultura urbana de acero con cuatro elementos diseminados que marcan los puntos cardinales. Homenaje a Carlos Barral. (ARCavallé, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Andy Scott

Andy Scott nació en Glasgow y se graduó en la Escuela de Arte de esa ciudad. Es uno de los escultores más importantes de su generación. Es reconocido por sus obras que son figuras a gran escala, donde mezcla la fabricación moderna con la artesanía tradicional. Sus creaciones son más de 80 piezas que se encuentran en todos los rincones del mundo y en el Reino Unido. Generalmente trabaja con acero galvanizado. Entre sus obras más reconocidas están The Kelpies y Bacon of Hope.

«COB» – Bexley, Londres (Bikeparks at English Wikipedia, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Kendra Haste

Kendra Haste es una escultora que desde los 90 ha estado presente en un gran número de exposiciones. Su trabajo se basa sobre todo en la representación de animales, utilizando mallas de alambre galvanizado. La artista está entre los escultores famosos modernos más conocidos. Ha ganado gran reputación a nivel mundial y sus obras están incluidas en todo tipo de colecciones. Además es miembro del grupo que forman la Sociey of Animal Artists (Estados Unidos) y la Sociedad de Artistas de Vida Salvaje (Reino Unido).

Dos de los leones hechos por Kendra Haste fuera de la Torre de Londres.(Julian Mason Matt Brown, James Burke, Tammy Young Heck, respectively, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Rowan Gillespie

Rowan Fergus Meredith Gillespie nació en Dublín en 1953. Es un artista irlandés de renombre internacional por sus esculturas de bronce. Sus años de formación los pasó en Chipre. En 1969 asiste a la Escuela de Arte (Nueva York). Ahí el escultor de bronce Sally Arnup le dio a conocer por primera vez el proceso de fundición.

Sus obras se encuentran en Estados Unidos, Canadá y en Europa. Sus figuras humanas son de tamaño natural y presentan expresiones demacradas e inquietantes. Igual que la mayoría de los escultores famosos y sus obras modernas, este artista rompe con lo clásico y presenta un estilo totalmente revolucionario.

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«Blackrock Dolmen», escultura de Rowan Gillepsie en Dublín (Sarah777 at English Wikipedia, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Los escultores actuales se han alejado de las formas tradicionales de escultura, dando paso al movimiento y al uso de diferentes tipos de materiales que incluyen hierro, resinas, piedra, plásticos y técnicas mixtas. Los escultores modernos en general no se restringen a un estilo concreto y expresan libremente los diversos movimientos artísticos. En muchas ocasiones sus obras forman en parte del entorno y le ofrecen al público la posibilidad de interactuar con ellas.  

Movimiento punk: origen, historia, características, ideología e imágenes célebres de la cultura punk

El movimiento punk nace en Estados Unidos a mediados de la década de 1970. Surge una corriente liderada por jóvenes que, decepcionados de las instituciones, deciden protestar enérgicamente. Eran los años del Watergate, donde salieron a flote los abusos de poder y la corrupción del gobierno. La cultura punk consideró que el movimiento hippie, con su lema de “paz y amor”, no había logrado ningún cambio importante en la sociedad y decide adoptar una actitud más “ácida”.

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Qué es el punk

Es importante comenzar definiendo qué significa punk, lo cual explica en gran parte el rechazo social al que ha estado sometido este movimiento desde sus inicios, y que, por otra parte, ha sido causa y consecuencia de sus comportamientos.

La palabra punk se traduce del inglés como basura o suciedad, la cual por extensión, cuando se aplica al movimiento con este nombre, significa vago o escoria social. Es un término altamente despectivo que, según dicen, fue utilizado inicialmente por un crítico para referirse a la música de una banda underground estadounidense conocida como The Fugs.

Posteriormente, una subcultura que surge en la década de 1970 adoptará este nombre, el cual la describe en la medida que la misma cuestiona los valores sociales imperantes y se rebela contra todas las normas establecidas, utilizando principalmente la música como vía de expresión, pero que es sobre todo una filosofía de vida.

Quiénes son los punks

Actualmente el punk se considera como un fenómeno del pasado. Se refiere principalmente a los jóvenes que en las décadas de 1970 y 1980 adoptaron una actitud rebelde e irreverente, la cual se reflejaba principalmente en su música y en su apariencia personal donde destacaban los peinados extravagantes y un modo peculiar de vestir.

Sin embargo los punks son mucho más que eso y en otro contexto más profundo el concepto punk hace referencia a un estilo de vida que se basa en valores auténticos, en contra del consumismo y a favor de la  ecología. Prueba de ello es que en la actualidad una gran parte de los punks son veganos y participan en movimientos ambientalistas.

Origen de la música punk

La música punk, manifestación principal de la cultura punk, nace a partir del rock pero con un nuevo estilo, ya que al igual que este movimiento considera que los hippies no lograron cambios sociales importantes, también se rebelan contra el rock tradicional que creen ha pasado a ser un producto comercial. 

A partir de esta premisa, crean un nuevo estilo de música que proviene de la fusión del rock con otros géneros. Para entender qué es punk en términos musicales, hay que remitirse en primera instancia al garage rock, que mezcla elementos de soul, blues y R&B, y en segundo lugar al hardcore, que imprime ritmos más rápidos y sonidos más contundentes.

Historia de los punks

Una vez conceptualizado qué son los punks, es interesante revisar los datos más relevantes acerca de la historia del movimiento. En el mismo se visualizan tres etapas, las cuales se detallan a continuación y se ilustran con imágenes punk.

Primera etapa – Década de 1970

El movimiento punk surge a mediados de 1970. La primera banda que se considera representante del género es The Ramones (1974) que se funda en Estados Unidos. Seguidamente aparece The Sex Pistols (1975) en el Reino Unido y posteriormente Black Flag (1976) en Estados Unidos. Sin embargo, todavía el punk no estaba totalmente definido musicalmente. Ya en esta década se comienza a ver el estilo de sus peinados, que aparentemente se inspiraron en la película The Taxi Driver (1976).

En las siguientes imágenes de punks observamos un peinado con cresta mohicana.

Movimiento-punk-Primera-Etapa
Peinado punk. (The original uploader was Gegenalles at German Wikipedia.(Original text: Jay Neill), CC BY-SA 2.0 DE, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Segunda etapa: Década de 1980

En los años de 1980 el punk evoluciona hacia el hardcore, convirtiéndose en un ritmo mucho más fuerte y rápido. Igualmente comienzan a aparecer muchas bandas de este estilo en todos los países. Por otra parte, se populariza la forma de vestir punk y todos los jóvenes que siguen la tendencia adoptan la moda. En este sentido, se dice que influyó particularmente la tienda SEX de Londres, que pertenecía al manager de The Sex Pistols.

En las imágenes de los punks que siguen se aprecia el atuendo típico.

Movimiento-punk-Segunda-Etapa
Atuendo punk. (Zura Mondebadze / Pexels).

Tercera etapa: Década de 1990 – Actual

A partir de la década de 1990 muchas bandas suavizaron su música haciéndola menos ruidosa. Igualmente la mezclaron con otros géneros dando lugar a una gran cantidad de subgéneros entre los que se incluye el pop-punk. En cuanto a la moda, una fiebre de los años 1990 fueron los tatuajes.

En las fotos de punks que vemos a continuación se pueden observar tatuajes en personas punk.

Movimiento-punk-Tercera-Etapa
Tatuaje punk. (brechtbert, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Características de los punks

No se puede englobar a esta subcultura y definir las características de los punketos de forma general, ya que son muy diferentes unos de otros, comenzando porque algunos son punks por moda mientras que otros por convicción. Decir cómo son los punks implica hacer salvedades en cada caso.

Ideología de los punks

Algo que los agrupa a todos es que son inconformistas por naturaleza, de hecho el movimiento implica protesta, aunque la causa puede ser muy diferente. También sucede que, en muchos casos, la rebeldía no pasa de ser un estilo agresivo en la forma de tocar los instrumentos. La ideología punk se considera anarquista porque tradicionalmente han rechazado la autoridad.

Comportamiento social

En la década de 1970 y 1980 los punks fueron catalogados como violentos, porque con frecuencia protagonizaban desórdenes. Varios punks famosos estuvieron implicados en acontecimientos turbios, más de uno se suicidó, muchos fueron farmacodependientes, algunos murieron por sobredosis y, según la historia, existieron diversos casos con trastornos de personalidad.

Lenguaje de los punks  

El lenguaje de los punks se expresa a través de su apariencia y de su música, que se opone a todo lo dogmático y conservador. La música es su máxima manifestación, a través de la cual levantan su voz hacia todo lo que consideran injusto. Algo particular de la música punk es que los instrumentos no son acompañantes, sino que cada uno habla en la misma medida que las letras.  

Filosofía  

La filosofía punk se acerca al nihilismo en cuanto al escepticismo y rechazo a todos los prejuicios y fundamentos de la moral y la religión. En algunos casos es un nihilismo existencialista, que proclama el sinsentido de la vida, pero en otros es vitalista y promueve  nuevos valores sociales. 

Indumentaria de los punks

La vestimenta de los punketos era de color negro. Usaban chaquetas de cuero, pantalones pitillo que a veces eran vaqueros rotos, camisetas agujereadas y botas altas o zapatillas. Los peinados eran extravagantes, algunos con crestas tipo mohicano, y solían teñirse el pelo de verde, azul o rojo. Otra de las características punks es que eran adeptos a los tatuajes y generalmente  llevaban piercings en la nariz, orejas y cejas.

La música

La música punk engloba varios estilos y subgéneros. En general se distingue por ser muy ruidosa, con sonidos de guitarras amplificadas y distorsionadas, así como con mucho peso de la batería y el bajo. Igualmente el ritmo es muy rápido y las letras pueden ser sencillas, agresivas, contestatarias, o de tipo existencialista.

Artistas del género punk   

Para ilustrar lo que ha sido y actualmente es el género musical punk, se ha seleccionado un grupo de nueve representantes de diferentes países, haciendo énfasis en los orígenes y en los temas que marcaron la historia.

Artistas

En la actualidad existen muchas bandas y cantantes que hacen música punk, pero es relevante resaltar a los grupos que fueron ícono, tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, Perú, México y España. 

The Ramones

The Ramones es la banda pionera del estilo punk. Fue fundada en el año 1974 en Nueva York por Jeffrey Hyman (compositor y vocalista) y John Cummings (guitarrista), quienes eran amigos de la infancia. A ellos se les agregaron Douglas Colvin (bajista) y Tom Elderly (baterista). El grupo permaneció unido hasta 1996, ya que sus integrantes eran poseedores de personalidades muy especiales y tuvieron muchos problemas.

Tomaron el nombre de The Ramones para aparentar ser hermanos y la denominación proviene de que Paul McCartney utilizaba el seudónimo de Paul Ramone para pasar de incógnito cuando se registraba en los hoteles. Por esta razón, todos los integrantes de la banda comenzaron a usar el apellido Ramone, además de adoptar nombres ficticios: Joey (Jeffrey); Johnny (John); Dee Dee (Douglas); y Tommy (Tom).

Este último, quien sufría de trastorno bipolar, se separó del grupo en 1978 alegando que era menospreciado por los demás y fue sustituido por Marc Bell, quien pasó a llamarse Marky Ramone. Por otra parte, Joey era obsesivo compulsivo e incluso había estado internado cuando joven. Él y Johnny, además de que peleaban frecuentemente por cuestiones políticas, se enemistaron en 1980 cuando el segundo comenzó a salir con la novia del primero.

En total esta banda grabó 21 álbumes con 212 canciones entre las que sobresalen: I Wanna Be Sedated (Quiero ser sedado); Sheena Is A Punk Rocker (Sheena es una rockera punk); y Blitzkrieg Bop (Golpe Blitzkrieg), que recuerda una táctica bélica alemana durante la Segunda Guerra Mundial.

Movimiento punk. The Ramones. Concierto en The New Yorker Theater, 1976.
The Ramones. Concierto en The New Yorker Theater, Toronto, 1976. (Plismo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

The Sex Pistols

Esta banda la pionera del punk en el Reino Unido. Fue creada en 1975 por el empresario Malcolm McLaren, dueño de una tienda de ropa de estilo punketo llamada SEX. El cantante y letrista de esta agrupación fue John Lydon, que adoptó el nombre artístico de Johnny Rotten (Johnny Podrido). A Malcolm le pareció genial la apariencia de Lydon cuando lo conoció, ya que tenía el pelo verde y una camiseta que decía: I hate Pink Floyd (Odio a Pink Floyd). 

The Sex Pistols hizo historia en Londres, no sólo por su música, sino además por la violencia que solía desatarse en sus conciertos. Su canciones eran absolutamente irreverentes y sin reparo acerca de con quien se metían. En 1997 sacaron un tema totalmente irrespetuoso, que se hizo muy famoso, titulado “God Save The Queen”, cuando la Reina Isabel cumplía Bodas de Plata. Esto ocasionó que Rotten fuera golpeado y atacado con un arma blanca.

Otro de los músicos más polémicos de la banda, que es recordado en Reino Unido como el artista que más escándalos ha ocasionado, es el bajista Simon John Ritchie, quien se hacía llamar Sid Vicious y entró a formar parte del grupo en 1977 en sustitución de Glen Matlock. Sid era sumamente agresivo y murió por sobredosis de heroína.

Esta banda de punkeros duró poco, ya que se disolvió en 1978 cuando Rotten decidió renunciar, aunque luego se reunieron en varias oportunidades para dar conciertos. Mientras el grupo estuvo unido se produjeron aproximadamente siete álbumes de estudio y varios en vivo. Tres de las canciones más famosas son: Anarchy In The U.K. (Anarquía en el Reino Unido), God Save The Queen (Dios salve a la Reina) y Holidays In The Sun (Vacaciones en el sol).

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The Sex Pistols. Concierto en Paradiso, Ámsterdam, 1977. (Photograph: Koen Suyk, CC0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Black Flag

Esta banda, que inicialmente se llamó Panic, fue fundada en 1976 por el guitarrista y compositor Greg Ginn, quien tenía una tienda de audio y vídeo en California. Allí trabajaba Keith Morris, que fue el primer cantante del grupo. Este local se convirtió en el estudio de Black Flag y allí grabaron su primer EP llamado Nervous Breakdown (Ataque de nervios), pero ninguna compañía discográfica se interesó, por lo que Ginn convirtió su negocio en una disquera.

Por otra parte, el grupo se presentaba en locales con mala reputación y con frecuencia se armaban escándalos que terminaban en redadas, por lo que estaban fichados por la policía. Black Flag era una banda considerada transgresora de la moral y las buenas costumbres y una amenaza a los valores tradicionales estadounidenses, comenzando por su símbolo, una bandera negra que representa el anarquismo.

Black Flag fue una de las primeras bandas que incorporó el Heavy Metal en sus temas musicales, pero en 1981 se fue el cantante Keith Morris y llegó Henry Rollins, a raíz de lo cual se modificó un poco el estilo hacia una música un poco más lenta, que tenía elementos del jazz y del pop. Todos los músicos y cantantes de la banda cambiaron varias veces en el tiempo, y el único que se mantuvo hasta su disolución en 1986 fue el fundador.

Posteriormente, en el año 2003, el grupo se reunió para dar tres conciertos a favor de una organización que rescataba gatos. En total grabaron doce álbumes y entre sus canciones más destacadas están: Rise Above (Elevación), Rats Eyes (Ojos de rata) y Nervous Breakdown (Ataque de Nervios).

Movimiento punk. Black Flag en concierto. Alemania, 2013.
Black Flag en concierto. Alemania, 2013. (Smial (FAL or GFDL 1.2), via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

The Clash  

The Clash, originaria del Reino Unido, fue una de las primeras bandas de música punk. Se fundó en 1976 y sus integrantes iniciales fueron: el cantante Joe Strummer; los guitarristas Mick Jones y Keith Levene; el baterista Terry Chimes; y el bajista Paul Simonon. Este grupo se distinguió por sus letras cargadas de una marcada agresividad, así como también por protagonizar hechos violentos.

La banda tuvo diferentes integrantes debido a desavenencias y a problemas por causa de la heroína, manteniéndose únicamente Simonon hasta el año 1986 en que definitivamente se separaron. Durante sus diez años de existencia fue un grupo muy renombrado, cuyos discos estuvieron en el top de las ventas,  especialmente su tercer álbum titulado London Calling (1980) que fue catalogado como uno de los mejores de la década.  

En total grabaron seis álbumes de estudio, siendo el primero The Clash (1977) y el último Cut The Crap (1985), además de dos EP y doce singles. Las canciones más renombradas del grupo son: Police & Thieves (Policías y ladrones), Complete Control (Total Control) y Should I Stay Or Should I Go (Debería quedarme o debería irme).

Movimiento punk. The Clash en concierto. Paul Simonon en Palladium (Nueva York), Septiembre 1979.
The Clash en concierto. Paul Simonon en Palladium (Nueva York), Septiembre 1979. (Sands7, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Bad Religion  

Bad Religion es una banda fundada en California en 1980 que todavía sigue activa. Su creador es Greg Graffin, actual vocalista de grupo, y además se mantienen desde sus comienzos el guitarrita y compositor Brett Gurewitz y el bajista Joe Bentley. A este grupo se le atribuye la creación de un nuevo estilo denominado hardcore melódico, que consiste en hacer más rítmico el sonido tradicional de punk. Adicionalmente, han agregado elementos de la música folk estadounidense.

Una de las grandes interrogantes sobre Bad Religion es el porqué del nombre, así como de su logo que está compuesto por una cruz y sobrepuesto sobre ella el signo de prohibido. Al respecto, Greg Graffin ha comentado que en un principio ésta fue una forma de mostrarse transgresores, pero igualmente piensa que la religión, con sus dogmas, mantiene a la gente adormecida. Él dice no ser ateo sino naturalista.

Hasta el momento han grabado 17 álbumes de estudio y uno en directo, así como 2 EP. Su primer álbum fue How Could Hell Be Any Worse? (Cómo podría ser peor el infierno) de 1981 y el último se titula Age Of Unreason (Edad de la sinrazón) de 2019. Pero el tercero, llamado Suffer (Sufrir), es mejor de todos y está considerado como uno de los más importantes en la historia de la música punk rock.

Entre muchas otras, las canciones de este grupo que destacan son: Delirium Of Disorder (Delirio de trastorno), Pessimistic Lines (Líneas pesimistas) y Generator (Generador).

Movimiento punk. Bad Religion en concierto. Festival Provinssirock en Finlandia, 2013.
Bad Religion en concierto. Festival Provinssirock en Finlandia, 2013. (Cecil, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Rise Against   

Este grupo, creado en Chicago en el año 1999, es uno de los más recientemente formados. La voz y el guitarrista principal es Tim Mcllrath y su estilo es hardcore punk. Rise Against es una de las agrupaciones más exitosas de los últimos tiempos, logrando Discos de Oro y Discos de Platino en Estados Unidos y Canadá.

Rise Against representa uno de los tipos de punk más diferentes dentro del movimiento. Sus integrantes no consumen drogas ni alcohol, aparte de ser veganos, y además pertenecen a PETA, que es una organización que defiende a los animales. Adicionalmente, muchas de sus canciones tocan temas ecológicos y han obtenido varios reconocimientos por parte de organizaciones que promueven la preservación del ambiente.

El grupo ha producido diez álbumes de estudio hasta la fecha, siendo el primero The Unraveling (El desentrañamiento) de 2001 y el último Nowhere Generation (Generación de ninguna parte) de 2021, pero el álbum más premiado es Rise Against de 2008. Entre las canciones más escuchadas están: Prayer Of The Refugee (Oración del refugiado), Savior (Salvador) y Give It All (Dalo todo).

Movimiento punk. Rise Against en concierto. Italia, 2015.
Rise Against en concierto. Italia, 2015. (Manuel Tassi, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Los Saicos   

Una banda que no puede dejar de ser nombrada es Los Saicos de Perú, ya que se fundó en 1964, diez años antes que Los Ramones, y posee las características del punk en cuanto al sonido de los instrumentos y las voces. Sus fundadores fueron cuatro jóvenes aficionados a la música.

El nombre del grupo proviene de sádico, que era como pensaron llamar a la banda en un principio, pero luego lo vieron demasiado atrevido. La vida de esta banda fue corta ya que se separaron en 1966, aunque luego se reunieron para hacer conciertos en los años 1969, 2010 y 2017.

En total produjeron ocho sencillos y cinco álbumes, siendo las canciones más recordadas: Ana, Demolición y Cementerio.

Movimiento punk. Los Saicos en 1965.
Los Saicos en 1965. (RockSkaPunkMetal, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Dangerous Rhythm     

Este es un grupo mexicano de música punk rock que surge en el año 1978. A partir de 1984 cambió su nombre a Ritmo Peligroso y también su estilo. Con el lanzamiento de su álbum En La Mira incorporaron a su música ritmos latinos y así se han mantenido hasta la fecha. El vocalista del grupo es el cantante y compositor de origen cubano Piro Pendás, quien fue el fundador de la banda.

En total han producido tres álbumes como Dangerous Rhythm y cinco como Ritmo Peligroso. De su primera etapa las canciones más famosas son: Electroshock, Up and Down (arriba y bajo) y Colors.

Movimiento punk. Ritmo Peligroso, 2021.
Ritmo Peligroso, 2021. (Claudias1957, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora del tono y resolución de la original).

Kaka de Luxe      

Kaka de Luxe fue pionero del punk en España y sembró la semilla para que luego se formaran otras bandas de punk. Surge en 1977 a partir de un grupo de amigos entre quienes estaban Carlos Berlanga, Manolo Campoamor y Fernando Márquez, y después llegaron Alaska, Enrique Sierra y Nacho Canut. En 1978 fue lanzado un EP que llevaba el nombre del grupo y contenía las canciones: Toca el Pito, Rosario, La Pluma Eléctrica y Viva el Metro.

Por diversos motivos esta agrupación sólo duró aproximadamente un año. Luego se reunieron en 1983 en el programa de TVE llamado La Edad de Oro y también fue lanzado un álbum de la banda titulado Canciones Malditas, que es el único que existe. Entre sus canciones más recordadas están: Pero Me Aburro y La Tentación.

Canciones célebres de la música punk

A continuación se presentan las canciones más representativas de cada una de las bandas anteriormente reseñadas que, por otra parte, ilustran las diferencias en cuanto a estilos e influencias musicales.

Los Ramones – I Wanna Be Sedated

Quiero ser sedado fue lanzada en 1978 y corresponde al álbum Road To The Ruin (Camino a la ruina). Habla de un viaje que hicieron Los Ramones a Londres, donde su única actividad fue ver películas estadounidenses en la habitación del hotel.

Black Flag – Rats Eyes

Ésta es una canción muy peculiar, que trata sobre cómo se ve el mundo a través de los ojos de una rata. Pertenece al álbum Slip It In (Deslízalo dentro) del año 1984.

The Clash – Should I Stay Or Should I Go

Este tema fue escrito por Mick Jones en 1981. Según algunos dicen, se refiere a una relación amorosa problemática que mantenía el guitarrista por aquellos años, mientras que otros alegan que es sobre la Guerra de Las Malvinas.

The Sex Pistols – Anarchy In The U.K.

Esta canción recibió excelentes críticas. Es un single que se lanzó en 1976 y habla de las consecuencias que podía acarrear el gran desencanto de la juventud, que se sentía perdida y sin alicientes.

 

Bad Religion – Generator

Generator es uno de los temas del álbum de 1992 que tiene el mismo nombre. Según Graffin, el compositor y líder del grupo, la letra trata sobre la dualidad material y espiritual del ser humano.

Rise Against – Savior

Savior habla de los rencores y el perdón en las relaciones. Éste es un tema del álbum Appeal To Reason (Apelar a la razón) de 2008 y estuvo en los primeros lugares de preferencias durante más de un año.

Los Saicos – Ana

Ana fue lanzada en 1965 y es la canción más famosa de Los Saicos. Se refiere a un amigo que le roba la pareja a otro, lo cual al parecer sucedió en la banda.

Dangerous Rhythm – Electroshock

Esta canción retrata escenas relacionadas con un hombre que está hospitalizado y recibe un electroshock. Fue lanzada en el año 1980 y pertenece al álbum del mismo nombre.

Kaka The Luxe – La Tentación

La Tentación es un tema del álbum Las Canciones Malditas de 1983. La letra se refiere a una mujer que se deja seducir por un hombre que resulta ser un sádico.

El movimiento punk en España y México

El movimiento punk se ha formado de manera diferente en cada país. No sucedió igual en Estados Unidos que en el Reino Unido, o en otras latitudes, ya que cada cual tuvo sus condicionantes propias. Para comprender qué es un punk es interesante analizar los casos de España y de México.

El punk en España

Según un estudio sociológico sobre el movimiento punk en España, éste se fue gestando por etapas, donde las primeras de ellas corresponden a fenómenos autóctonos propios del momento político que se vivía para la época, siendo oportuno recordar que el período 1975- 1978 representa la transición democrática.

1970-1975

En estos años ya comenzaron a aparecer movimientos culturales independientes que abarcaban publicaciones, arte, cómics y teatro alternativo, así como grupos de música que fundamentalmente hacían rock callejero, lo cual significa más agresivo. Algunos periodistas especializados en música de la época lo denominaron rock bronca, mientras que otros lo relacionaron con el punk que ya sonaba comenzaba a sonar en Inglaterra y Estados Unidos.

1975-1980

En este período, el tema noticioso musical del extranjero era el movimiento punk, aunque visto como un fenómeno social negativo, ya que se enfocaba en la apariencia de los punketos, con sus crestas coloridas y vestimentas extravagantes. Adicionalmente, se reportaban los hechos violentos de Londres asociados a la banda The Sex Pistols. Por otra parte, en 1977 surge en Madrid la banda Kaka de Luxe, que fue el primer grupo punk en España, pero es después de 1980 que aparecen otros representantes de este movimiento.

1980-1990

Durante este tiempo, específicamente entre 1980 y 1985, aparece el fenómeno denominado Movida Madrileña, que luego se extiende a otras ciudades. Pero este movimiento no tenía mucho que ver con el punk, sino más bien con el pop. Paralelamente comienzan a nacer las bandas punks, que eran mucho más contestatarias y, aunque el punk no fue un movimiento social, en muchos casos punks e ideología fueron de la mano y la música actuó como instrumento político para despertar las conciencias.

En estos años saltan a la palestra grupos de la cultura punk tales como: Los Nikis (que se inspiraban en Los Ramones), La UVI, Zoquillos y Larsen, entre otros.

Década de 1990 hasta el presente

A partir de la década de 1990 se cruzan dos tendencias. Por una parte, muchas bandas de punk comienzan a suavizar sus estilos, lo cual también sucede a nivel mundial, mientras que otras desaparecen. Y por la otra, hablando concretamente de España, hay grupos que se mantienen tal cual nacieron y surgen otros más anárquicos como es el caso de Nocivo, Oligofrenia, Kaos y The Pleasure Fuckers, por mencionar algunos.

El punk en México

El origen de los punks en México es diferente del europeo o el norteamericano. Un análisis de la Universidad Nacional Autónoma de México indica las causas políticas y económicas que influyeron en el desarrollo del movimiento musical en este país, así como sus características. Para saber qué es ser punk en México hay que entender el momento histórico en que surgen, ya que la definición de punk está supeditada a este factor.

Situación política y social

El mandatario de la época enfocaba su atención en el desarrollo de la industria y le había retirado el apoyo al campo, por lo que se produjeron masivas migraciones hacia las ciudades, creándose grandes cinturones de miseria, que lógicamente eran focos de delincuencia. Como respuesta, la policía hacía redadas en las barriadas pobres, llevándose y maltratando a culpables e inocentes.

El desempleo era altísimo y los sueldos miserables, por lo que las mayorías pasaban muchísima necesidad. Y, adicionalmente, ante las protestas de los estudiantes, se había producido una gran masacre el día de Corpus Christie de 1971, aunada a otra ocurrida en 1968 por parte del gobierno anterior.

El punk entre 1970 y 1980

El movimiento punk comienza por los jóvenes de clases socioeconómicas altas, que poseían los medios para viajar a Estados Unidos y presenciar los conciertos de las bandas de este país, así como para comprar los instrumentos musicales y grabar discos.

El primer grupo de punk que aparece en México es Dangerous Rhythm (1978) los cuales disfrutaban de buen status social y, sin que ello vaya en desmedro de su calidad y representatividad en la música, más bien seguían una corriente del momento.

Posteriormente, en 1980 surge una banda procedente de la pobreza de los suburbios que es Rebel´d Punk y, aunque con instrumentos mucho más humildes y ropa de basurero, el fenómeno comienza a extenderse rápidamente. Lógicamente, producto del resentimiento acumulado, estos grupos musicales eran muy anárquicos y las fuerzas del orden los perseguían.

1990 – Actualidad  

Para los años de 1990 habían proliferado bandas de todos los estratos, entre ellas: Massacre 68, Síndrome del Punk, Desorden Público, Descontrol, La Plebe y La Criatura. La mayoría se mantiene vigente a la fecha y han cambiado de actitud. Protestan contra el status quo a través de sus letras pero no son violentos. Ya la policía no los acosa y han continuado ganando seguidores provenientes de las nuevas generaciones.

Esta exposición acerca de la cultura punk rompe paradigmas respecto a quiénes fueron esos jóvenes que en algún momento pueden haber parecido excéntricos o raros. El movimiento punk fue muy importante y está catalogado por los sociólogos como un fenómeno que influyó enormemente en el pensamiento de la sociedad actual.

Cinco noticias clave del miércoles 24 de noviembre

«The Matrix Resurrections» no será otra secuela del montón

Ya se acerca la fecha anhelada para ver la cuarta entrega del universo de Neo, The Matrix Resurrections. Sobre esto, el coguionista de la película, David Mitchell (El atlas de las nubes), dio varios detalles de lo que se puede esperar (o no) de Matrix 4.

“(…) No puedo decirte de qué se trata esta película, pero podría explicarte de qué no se trata. Ciertamente, no es una secuela más, sino algo autónomo que contiene, sin embargo, las tres Matrix que precedieron de una manera realmente ingeniosa”.

Agregó que esta nueva entrega es “una creación muy hermosa y extraña”, pero va a lograr varias cosas que no se han visto antes en las películas de acción, “lo que significa que subvierte las reglas de los éxitos de taquilla”, dijo. La película se estrenará simultáneamente en cines y en HBO Max el 22 de diciembre.

Descubrieron una máscara de hierro de 1.800 años que confirma la existencia del Imperio Romano en Turquía

En Turquía, los arqueólogos que han estado realizando excavaciones en una estructura fortificada en la antigua ciudad de Adrianópolis, en Paphlagonia (provincia de Karabük), hallaron un trozo de máscara de hierro que habría sido usada por un miembro de la caballería romana hace unos 1.800 años.

Los arqueólogos de la Universidad de Karabük, que han estado excavando la zona desde el 2003, aseguraron que este y otros hallazgos indican que la región estuvo bajo la influencia del Imperio Romano a principios del siglo III d.C. Asimismo, dijeron que es posible que Hadrianópolis (o Cesarea) estuviese habitada desde el siglo I a.C. hasta el siglo VIII d.C.

“’Seguimos iluminando la historia de la región con nuestros estudios (…) Durante nuestras excavaciones llegamos a datos importantes que muestran la existencia del Imperio Romano en la región”, dijo Ersin Çelikbaş, el arqueólogo principal.

Un estudio reveló que las personas depresivas son más propensas al «Sextech»

Expertos del Instituto Kinsey de la Universidad de Indiana encuestaron a 8.004 adultos estadounidenses y les preguntaron sobre su salud mental y comportamientos sexuales mientras navegan en Internet, y el resultado que obtuvieron estuvo condicionado por estas últimas vertientes. 

De acuerdo al estudio, es más probable que las personas usen tecnologías sexuales digitales, o sextech, si tienen problemas mentales como ansiedad o depresión, para poder aliviar la carga que sienten, mejor conocida como angustia psicológica. En contraparte, las personas que se sienten solas tienden a no involucrarse tanto en este tema.

Estos “espacios sexuales”, explicaron, son vistos como un “último recurso” para aquellas personas que no han podido tener algún tipo de experiencia sexual en la vida real. 

Este es el nuevo juego de realidad aumentada que permite ganar en Bitcoin

Fold AR es el nuevo juego de realidad aumentada que está desarrollado por Niantic (Pokémon Go) y la compañía financiera Fold. El juego se parece a PG, pero su tema central es la criptomoneda, por lo que la actividad principal será “minar” los Bitcoins.

Juego Fold AR
Fold presenta un nuevo juego de realidad aumentada para buscar bitcoins. (Fold).

Will Reeves, el CEO de Fold, aseguró que Fold AR consiste en encontrar “cubos de código binario” para que sean tocados como los como bloques de Minecraft hasta que revelen un premio para el usuario. Dichos premios pueden ser Satochis o potenciadores para Fold que dan acceso a una rueda de la fortuna.

El juego de realidad aumentada. aunque forma parte del Metaverso, se inicia en la aplicación de Fold y luego procede a generar bloques para los jugadores en distancias variadas con las tasas reales de minería de Bitcoin. Fold AR, otro de los tantos juegos play to earn, tendrá otras mejoras a inicios de 2022.

¿Los bebés pueden llorar dentro del útero de la madre? 

Si una madre embarazada empieza a sentir a su bebé en el segundo trimestre del embarazo, porque patea y se mueve, ¿es posible que lo pueda escuchar llorar?

Probablemente no sea motivo de sorpresa, pero no, los bebés no pueden llorar en el vientre de la madre, en primer lugar, porque sus lagrimales se están desarrollando y solo sirven para hidratar sus ojos y mantenerlos húmedos en el tiempo de gestación, y, en segundo lugar, los bebés están dentro del saco amniótico que, por supuesto, está lleno de líquido, y esto impide que pueda llenar sus pulmones para lanzar un llanto. Dicho de otra forma, su primer llanto se oirá cuando la madre dé a luz.

No obstante, los bebés sí pueden hacer muecas parecidas a las de llanto o la risa mientras están adentro. De acuerdo a un estudio, empiezan a hacer “gestos faciales preliminares” entre la semana 24 y la 35 semanas, y van aumentando la complejidad de sus expresiones mientras crecen con la «edad gestacional”.

Palabras venezolanas: 100 frases, regionalismos, modismos y expresiones venezolanas graciosas y populares

El vocabulario de Venezuela, que tiene influencias del País Vasco, las Islas Canarias y Andalucía,  puede ser complejo porque algunas palabras venezolanas varían en significados según los estados y regiones del país. Asimismo, el idioma venezolano adoptó palabras de inmigrantes de Portugal e Italia, por lo que el lenguaje de Venezuela está compuesto de dialectos y subdialectos variados en sus diferentes estados. Si deseas conocer un poco más de frases venezolanas y las palabras más comunes, te invitamos a seguir leyendo.

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Palabras venezolanas

Las palabras venezolanas que vamos a nombrar a continuación son apenas la punta del iceberg de todo un conjunto de palabras típicas de Venezuela que, posiblemente, no estén todas recopiladas en un diccionario venezolano. 

1. Achantado (a) 

Achantado (achantao) puede referirse a una persona que sea de accionar lento o que es tímida por naturaleza. No obstante, la palabra “achante” o “achantar” también se usa para referirse a un estado de ánimo “relajado”. Por ejemplo: Armamos el achante en casa de Eduardo y estuvimos ahí relajados. 

2. Ahorita

La palabra “ahorita” se puede utilizar en distintos países de habla hispana como México, Puerto Rico o República Dominicana, y cada uno de ellos le asigna un valor de tiempo diferente. En este caso, por cómo hablan los venezolanos, “ahorita” se refiere a “en un momento” o “ya mismo”; por ejemplo: Ahorita mismo lavo la ropa y me pongo a cocinar.

No obstante, también puede significar que la tarea se va a realizar tan pronto la persona sienta que debe hacerlo. Puede ser en 15 o 30 minutos, y sigue siendo “ahorita”, precedido de un “ya va”. Ejemplo: Estoy desocupándome, ahorita lo hago, ya va. 

3. Antiparabólico

En vocabulario venezolano ser antiparabólico significa prestar poca atención a los comentarios de terceros, o también puede ser una persona desinteresada, indiferente,  que “no le para bolas a nada”.

 Por ejemplo: Andrés se viste como le da la gana y no le importa combinarse, es muy antiparabólico con ese tema. 

4. Arrecho

Venezuela en palabras podría definirse como algo “arrecho”, que quiere decir genial o impresionante; pero también puede usarse para expresar molestia por cualquier motivo. Aquí van unos ejemplos:

  • “¡Qué arrecho quedó el nuevo mural de ese edificio!” / “¡Esos zapatos están arrechísimos!”
  • “No puedo más, estoy arrecho contigo”. / “Qué arrecho eres tú, que no te atreves a decir la verdad”

5. Burda 

“Burda” es otra de las palabras venezolanas famosas y se usa para referirse a “mucho”, algo en grandes cantidades. Por ejemplo:  “Hace burda de frío”, “te quiero burda”. 

6. Bandera

“Bandera” se usa en el slang under de Caracas, la ciudad capital de Venezuela. Es un término empleado para decir que algo es bueno, de calidad y vistoso. Por ejemplo: “Esa gorra está bandera”. 

7. Botarse

Aunque suene extraño, “Botarse” en Venezuela no solo significa echar algo a la basura, sino que también se utiliza para expresar que una persona se destacó o se lució haciendo su trabajo, un detalle, etc. Ejemplos:

  • “Este año el Gobierno quiere botarse con las navidades”
  • “Pedro se botó con el regalo de bodas de Ana” 

8. Brutal

Otra de las palabras venezolanísimas más usadas es “brutal”. Esta palabra suele utilizarse más que nada para un hecho positivo, algo excelente. Por ejemplo: “Arreglamos el cuarto y quedó brutal”, “Qué brutal está quedando la decoración de la plaza”.

9. Conflei

“Conflei” es una de las palabras más venecas que puede haber. Se origina del cereal Corn Flakes de Kellogg’s, que en Venezuela siempre se ha pronunciado conflei; el nombre quedó para todo tipo de cereal independientemente de la marca. Ejemplo: “Fuimos a comprar conflei y no había del que me gusta”.

10. Chimbo

Continuando con las palabras venezolanas y su significado, tenemos “chimbo”, que se utiliza en el dialecto de Venezuela para expresar que algo es lamentable o triste. Por ejemplo: 

  • “Qué chimbo que se murió tu papá y no pude estar a tu lado”
  • “Es muy chimbo que cuando yo te necesito tú nunca estás”

11. Marico (a)

A simple vista, puede que haga ruido que las personas en Venezuela usen la palabra “marico” sobre “amigo” para referirse a una amistad. No obstante, una de las cosas típicas de Venezuela es que puede darle la vuelta a los significados. 

Por ejemplo, esta palabra se puede usar en una situación de incredulidad o impresión: “¿Tú eres marico? ¡No lo puedo creer!; también en una conversación normal: “Marico, ayer compré una torta brutal”.

12. Chama (o)

“Chama” es otra de las palabras venezolanas populares que más se pueden escuchar. Es utilizada entre los más jóvenes y se refiere a una chica o un chico; por ejemplo: “Esa chama se ganó un carro en un concurso”, “Ese chamo es lindo, pero no me cae bien”.

13. Chivo

Otra de las palabras propias de Venezuela es “Chivo”, que mayormente se emplea en el ámbito laboral para describir a una persona poderosa y con mucha influencia; en pocas palabras para referirse a un jefe. Ejemplo: “El esposo de Ana es el chivo de esa empresa”. 

14. Chance 

Uno de los modismos venezolanos más usados es “chance”, y se refiere a tener una oportunidad o tiempo. Por ejemplo:

  • “Ya no me da chance de ir al mercado”
  • “Ese chamo no tiene chance conmigo porque no me gusta”

15. Carajito (a)

Una de las palabras coloquiales más comunes es “carajito / carajita”, que se usa como adjetivo para referirse a los niños. Por ejemplo: “Esa carajita no me quiere hacer caso, le diré a su papá”.

16. Pana 

¿Cómo hablan los venezolanos cuando no usan la palabra “pana”? Es curiosa, pero también pegajosa.

 De acuerdo a leyendas populares, en los años 70 esta era una de las frases de chicos malos (llamados patoteros) que usaban para referirse a los jóvenes bien portados que pasaban el tiempo en las esquinas cercanas a las panaderías; luego la palabra “pana” se extendió desde Caracas a todo el país. Esta palabras en venezolano traducidas al español sería colega, amigo, compañero. Por ejemplo: 

  • “Andrés es muy pana y me cae súper bien”
  • “Esa jeva es pana de mi novia”
  • También se emplea para darle énfasis a una verdad: “De pana que te quiero mucho”

17. Peo

“Peo” es una palabra graciosa que forma parte de las palabras del español venezolano, y se utiliza para referirse a un problema o a las flatulencias. Aquí van unos ejemplos:

  • “Le formé un peo porque no lavó los platos”
  • “Me tiré un peo muy podrido”

18. Coba

“Coba” es otra palabra Venezuela que es muy usada, las personas dicen “alguien me cayó a coba” para referirse a una mentira. Por ejemplo: “Eso no pasó así, Juan te cayó a coba” o “Eso es pura coba”.

19. Jevo (a) 

“Jevo / Jeva” es una las variantes lexicas de Venezuela para referirse al sexo masculino/femenino o cuando se habla de la pareja amorosa. En este caso, un ejemplo sería: “Ayer salí a cenar con mi jeva y la pasamos brutal”. 

Entonces, ¿cómo se dice hombre en Venezuela? Respuesta: Chamo, pana, jevo, marico. 

20. Culo

“Culo / Culito” es una palabra que se usa entre los jóvenes adultos para referirse a la persona con la cual están saliendo, que bien puede ser un interés amoroso o alguien con quien disfrutan del sexo casual. Por ejemplo: “Ayer fui al cine con mi culito y luego cenamos pizza” o “Tengo un culo que me tiene loco”.

21. Despelote

En Venezuela cuando se forma un “despelote” quiere decir que hay disturbio o desorden. Por ejemplo: “En el concierto se formó un despelote y nos tuvimos que ir” o “Hay un despelote en el salón de al lado”. 

Ahora, si vamos a tierra azteca y traducimos palabras de Venezuela y su significado en México, esta sería “desmadre”.

22. Piche 

Venezuela tiene estados chistosos, como los del oriente o la región zuliana, por sus expresiones y dialectos jocosos. En este caso, “Piche” es una palabra que se usa para expresar que algo huele mal o un alimento está descompuesto. Ejemplos:

  • “Aquí huele a piche”
  • “Bota el arroz, que se puso piche”

23. Bollo

Se puede usar para referirse a la vagina de la mujer (cuando la pelvis es abultada), a una caída aparatosa, o a una comida. Ejemplos:

  • “Esa jeva tiene un bollo enorme”
  • “Ayer me di un bollo y me duele la espalda”
  • “Me encanta el bollo con queso y mantequilla”

24. Bolsa

¿Cómo se dice bolsa en Venezuela? Pues  igual que en varios países hispanohablantes, pero tiene otro significado como valor agregado. Bolsa también se usa para referirse despectivamente a una persona idiota, torpe o de poca inteligencia; por ejemplo: ¡Si eres bolsa! ¿Cómo te caíste de la bicicleta?”

25. Jurungar 

Es un verbo utilizado como sinónimo de registrar o curiosear. Un ejemplo es: “Deja de jurungar las cosas que no son tuyas”.  Haciendo una traducción de esta palabras en Venezuela y su significado en español, tenemos como resultado “hurgar”.

26. Corotos

Se utiliza para referirse tanto a las pertenencias como a los trastes. Por ejemplo: “Me voy de la casa y me llevo mis corotos”, “No dejes esos corotos sucios ahí”.

27. Chévere

Se refiere a algo o alguien guay, cool, elegante o agradable. Se puede emplear de la siguiente manera: 

  • “Ese pana es muy chévere”
  • “La pasamos chévere anoche”
  • “Qué chévere fue verte”
  •  “Esos zapatos están chéveres”

28. Flojo

“Flojo” es una palabra que funciona como sinónimo de perezoso o para indicar que algo no está bien ajustado. Es por ello que una de las preguntas más recurrentes sobre el dialecto venezolano es cómo se dice flojo en inglés; la respuesta es “lazy”. 

29. Ladilla

Las ladillas son infecciones de transmisión sexual que genera una picazón intensa, pero en Venezuela, la palabra se usa como sinónimo de fastidiosos. Ejemplo: “Ya vienes tú con tu ladilla otra vez”. 

Si traducimos esta palabras de Venezuela y su significado en español, sería “aburrimiento” o “tedio”.  Ladilla se emplea en las palabras venezolanas para expresar fastidio por una situación o persona: “Qué ladilla tener que ir al laboratorio en la mañana”.

30. Niche 

Se emplea para decir que algo es de mal gusto o de mala calidad, pero también para referirse de forma despectiva a una persona que no se viste bien o a la moda. Ejemplo: “Mariana se compró una cartera muy niche”.

Por otro lado, niche funciona como un sinónimo de marginal. Pasa mucho que, en ese país, los nombres de niña venezolanos suelen ser compuestos, una mezcla de iniciales de los padres o familiares (como Franyerli) y, generalmente, se consideran “nombres niches”. 

31. Frito 

“Estar frito” es una de las frases venezolanas que se utiliza para indicar que la persona no tiene dinero en ese momento. También se emplea para decir que está loco basándose en sus acciones y personalidad.  Ejemplos:

  • “No puedo comprar esto ahorita porque estoy frito”
  • “José se fue solo por la oscuridad, está muy frito” 

Frases venezolanas

En esta sección enlistamos las frases venezolanas más populares que son las frases típicas de Venezuela que más predominan en el slang del país. 

32. Bájate de la mula

Cuando una persona dice “bájate de la mula” es una petición a que salde su deuda monetaria. Ejemplo: “Bájate de la mula que me debes 100 dólares”.

33. Échale bolas 

Se puede traducir como “ponerle ganas”. Por ejemplo: “Échale bolas a los estudios que ya estás por graduarte”.

34. Dale pues

Esta es quizás una de las frases de Venezuela más utilizadas. Se emplea en diferentes contextos de la vida; por ejemplo: 

  • Concretando un negocio: “Dale pues, quedamos así” (trato hecho)
  • Para cortar una conversación: “Dale pues, dejémoslo hasta ahí” (tono de molestia)
  • A modo de confirmación/ok: “Dale pues, me gusta la idea”

35. Anda a ver si el gallo puso

Es una frase que se utiliza para zafarse de alguien, pero más que nada va dirigida hacia los niños: “No estés escuchando las conversaciones de adultos, anda a ver si el gallo puso”. Puede resultar desconcertante en el momento, ya que los gallos no ponen. 

36. Eres el chivo que más mea

Esta es una de las frases típicas de Venezuela que se emplea para decir que una persona es la más “arrecha” o la más destacada en lo que hace. Ejemplo: “Juan es el chivo que más mea de ese negocio”.

Curiosamente, se dice que la frase viene de la “competencia” entre las cabras adultas para ver quién puede emitir más fuerte (o más veces) su sonido particular. 

37. Mano ‘e caimán

Se usa para referirse a una persona tacaña. “Mano ‘e caimán” es una comparación con las patas cortas del reptil.

38. El año de la pera

“El año de la pera” es una frase muy utilizada para indicar que algo pasó hace mucho tiempo o que no pasará nunca. “Me voy del país, nos vemos el día de la pera”. 

39. Mamando y loco 

Al igual que frito, “mamando y loco” es una frase empleada para expresar que no tiene dinero en su cuenta, al menos no en el momento. Ejemplo: “Pagué mis deudas y quedé mamando y loco”.

40. A llorar pa’l valle

Esta frase generalmente se le dice a las personas que están tristes y llorosas por acciones propias, pero no hacen nada para cambiarlo. “Vaya a llorar pa’l valle” es un llamado de atención a que se ocupe de otra cosa y deje de lamentarse. 

41. Pa’tras ni pa’ coger impulso 

Esta frase puede ser una de las lindas palabras venezolanas, porque tiene una especie de fuerza. Ante las adversidades, rendirse no es una opción válida, así que pa tras ni pa coger impulso.

42. Se me hizo agua el guarapo

Otra de las hermosas palabras venezolanas es “se me hizo agua el guarapo” y no tiene nada que ver con el café frío, sino con el sentimiento que se produce por alguna vivencia o situación. Por ejemplo: “Se me hizo agua el guarapo cuando murió el perrito en la película”.

43. Como loro en plancha de zinc

“Caminar como loro en plancha de zinc” es una frase que se usa para burlarse de alguien que está ebrio y se va tambaleando, o también para mofarse de una mujer u hombre que no camina bien con tacones. 

44. Mira con las manos y toca con los ojos

Frase que se le dice a los niños curiosos que siempre van tocando los artículos en una tienda o en el mall. Por ejemplo: “Aprende a mirar con las manos y tocar con los ojos”.

45. Le dan la mano y agarra el brazo completo 

Con esta frase los venezolanos hablan de una persona que abusa de la confianza que le han dado. Ejemplo: “A él le di la mano y me quiso agarrar el brazo”. 

Expresiones venezolanas

Ahora continuamos con las expresiones venezolanas más populares. Pueden ser frases groseras, graciosas y bastante peculiares.

46. No hay manera

Es una forma de decir “esto es lo que hay, y hay que aceptarlo”. Por ejemplo: “Solo tengo 50 dólares para la semana, no hay manera”. 

47. Ahora sí le cayó mierda al ventilador

Se usa en situaciones incómodas o cuando pasa algo malo y se cree que no puede empeorar. Ejemplo: “Se me dañó la laptop y el teléfono no me quiere prender… Ahora sí le cayó mierda al ventilador”. 

48. Volvió con el rabo entre las patas

Esta frase se aplica a personas que han vuelto arrepentidas tras haber tomado una decisión rotunda. Ejemplo: “Se fue de la casa con otra mujer y volvió con el rabo entre las patas”.

49. ¡Tú juras!

Es una expresión que se utiliza para recordarle a una persona que se equivocó o se va a equivocar. Ejemplo: ¡Tú juras que vas a comer helado sin mí!”

50. La chiva que pare tres

Es una expresión jocosa para indicar a una persona que ha quedado como “la tercera rueda” o que está sobrando. Por ejemplo: “En la cita de ellos quedé como la chiva que pare tres: dos chupando teta y uno por fuera”.

51. ¡Te agarré con las manos en la masa!

Se utiliza cuando se sorprende a alguien que estaba haciendo algo a escondidas. Ejemplo: “Te vi comiendo pastel, ¡te agarré con las manos en la masa!”

52. Vestida y alborotada

Expresión que se utiliza para indicar que una persona quedó plantada. “Me dejaste vestida y alborotada cuando estaba lista para ir a la fiesta”, es un buen ejemplo.

53. Se le fue la comebollo

Usada para expresar que alguien habló de más o dijo algo que debía guardar en secreto. Ejemplo: “A Luis se le fue la comebollo (la boca) y contó todo”.

54. Ponte las pilas

Es un llamado de atención para que la persona siga en movimiento o se llene de energía. Ejemplo: “Ponte las pilas que hay mucho trabajo por hacer”.

55. ¡Eso no llega!

Expresión del slang under para expresar que no hay oportunidad de hacer algo. Por ejemplo: “Iba a tu casa, pero me dio sueño, ¡así que eso no llega!”.

56. ¡Pícale una torta pues!

Es una expresión que se emplea hacia una persona que suele ser lamebotas (jalabolas en Venezuela) o un adulador. “Pícale una torta pues, si tanto te gusta”.

57. ¡Seguro hoy llueve!

Expresión que se usa cuando sucede algo increíble, pero más que nada se emplea cuando una persona se digna a hacer algo que debió finiquitar hace tiempo. Ejemplo: “Ya vi que limpiaste el baño, ¡seguro hoy llueve!”

58. Baila más que bola ‘e perro

Es una de las expresiones más graciosas de esta lista es “baila más que bola ‘e perro”, y se usa para referirse a una persona que se mueve exageradamente al bailar o que tiene cierta destreza en el baile.

59. Me corto una bola/teta 

En este caso “me corto una bola” o “me corto una teta” se emplea para aseverar que las sospechas de algo son ciertas. Ejemplo: “Carlos tiene a otra, me corto una teta si no es así”.

60. Con la lengua afuera

Expresión que denota cansancio o agotamiento. Ejemplo: “Vengo caminando del trabajo. Llegué con la lengua afuera”.

61. Dándole a la sin hueso 

Se emplea para referirse a una persona o varias que llevan rato conversando. Ejemplo: “Ellas están allá dándole a sin hueso (lengua) sin parar”.

62. Sufre por lo que otro goza

Cuando alguien dice “aquel sufro por lo que yo gozo” quiere decir que una persona se está molestando por algo que no tiene que ver con él o ella, pero prefiere criticar. 

Dichos y refranes venezolanos

Ya casi llegamos al final de esta especie de guía de palabras venezolanas, y es momento de llegar al punto en donde todos nos sentimos sabios: los refranes. 

63. El que llora su mal no lo remedia

Se refiere a que si una persona se la pasa llorando por algo que le sucedió, eso no cambiará las cosas. 

64. Lo que haces con las manos lo desbaratas con los pies

Se refiere a una persona que hace una cosa bien y luego comete un error con una acción distinta. 

65. Amigo el ratón del queso y se lo come

Hace referencia que una persona trata con otra que le ofrece una amistad falsa.

66. La cruz en el pecho y el diablo en el hecho

Quiere expresar que una persona suele hablar una cosa, pero sus acciones dicen todo lo contrario. 

67. Nadie sabe lo que está en la sopa, sino la cuchara que lo menea 

Quiere decir que cada persona tiene una vida con altos y bajos, y solo esa persona pasa lo que le sucede, por lo que nadie está en derecho de juzgar.

68. Quien tiene rabo de paja a la candela no se acerca

Esto se refiere a que una persona no puede juzgar a otra por un hecho o acción si no está a salvo de que pueda sufrir lo mismo.

69. En boca cerrada no entran moscas 

Tiene mucho que ver con los chismes, pues quiere decir que mientras más callado se está en menos problemas va a aparecer. 

70. Al mejor cazador se le va la liebre

Significa que una persona no está exenta de cometer errores por muy profesional o estudiosa que sea. 

71. Cada ladrón juzga por su condición

Se refiere al caso en el que una persona habla mal de otra, acusándola o juzgándola porque en su caso haría lo mismo. 

72. Por el becerro se amarra a la vaca

En un contexto romántico este refrán aplica cuando un chico joven quiere enamorar a una chica joven, y entonces empieza por ganarse la aprobación de los padres. 

73. Cachicamo trabaja pa’ lapa

Quiere decir que hay personas que se ganan la vida trabajando con esfuerzo, mientras que otra se ve beneficiada.

74. El que no la debe, no la teme

Este dicho se refiere a que si alguien no ha hecho nada malo, no debería temer por las consecuencias. 

75. Corre piojo que viene el peine

Es un llamado a estar alertas porque se avecinan días difíciles.

76. El que madruga coge agua clara 

Es una variación de “el que madruga Dios lo ayuda”. Quiere decir que si alguien despierta temprano tendrá la oportunidad de aprovechar el día y hacer sus diligencias. 

77. No gastes pólvora en zamuro 

Se refiere a que alguien no debe perder tiempo hablando con alguien que no tomará su consejo.

78. En tiempos de guerra cualquier hueco es trinchera

Se aplica a aquellas personas que, por lo general, son conformistas y no ven más allá de su nariz. Asimismo, es un refrán muy utilizado entre jóvenes para decir que pueden estar con cualquier persona “aunque sea fea”. 

Insultos venezolanos

En esta sección de palabras venezolanas enlistamos las groserías venezolanas e insultos más conocidos. 

79. Cómete un cerro de mierda

Es una expresión de rechazo que invita a una persona a fastidiar a otro lado. 

80. Cara de culo

Es una especie de insulto amigable hacia una persona. Por ejemplo: “¿Por qué andas con cara de culo?”

81. Cara de tabla

Habla de una persona que es cínica y descarada. Ejemplo: “Eres demasiado cara de tabla como para decir la verdad”.

82. Güevón

Se refiera a una persona que está fingiendo que no sabe algo; es el equivalente a “hacerse el loco”. Ejemplo: “Yo sé que sabes, pero te haces el güevón”.

83. Bachaquera (o)

Término despectivo hacia una persona que trabaja revendiendo ropa o variedad de artículos en la calle. 

84. Cabeza ‘e ñame 

Es el equivalente a cabeza hueca y en Venezuela puede variar según las regiones. Existe “cabeza ‘e verga” o “cabeza ‘e guevo”.

85. Habla paja

Se refiere a una persona que habla mucho y difama a las otras personas. “Andrés es un mentiroso y habla paja”, es un buen ejemplo de su uso.

86. Toche

Uno de los regionalismos de Venezuela más gracioso está en la región andina, donde una persona “toche” es alguien atolondrado o tonto. Ejemplo: “Ya le expliqué como era, no sea toche usted”.

87. Cara ‘e verga

Tiene una connotación similar a ser cara ‘e  tabla, pero esta expresión tiene un poco más de fuerza.

88. Coño ‘e madre

Es una forma de recordar, de forma vulgar y despectiva, quién es la madre de otra persona. Pero también se usa de forma jocosa; por ejemplo: “Ven acá, coño ‘e madre, juguemos truco”.

89. Mamagüevo

Una persona  “mamagüevo” es alguien insoportable, pedante y egocéntrico. Ejemplo: “Luis es muy mamagüevo, no lo soporto”. 

90. Bagre

Es un insulto para decirle a una persona que es tan fea como el pescado llamado bagre.

91. Bruja

Una persona “bruja” suele ser alguien chismoso que está al pendiente de la vida de los demás y también es habla paja. También se usa como “sapo” y, al mismo tiempo, esta palabra se usa para referirse a la Guardia del país. 

92. Pajuo

Puede emplearse como Sapo o bruja, pero “pajuo / pajua” tiene una connotación más negativa. Ejemplo: “No le cuenten nada porque él es un gran pajuo”.

93. Tombo

En Venezuela, la palabra “tombo” se utiliza para referirse a los uniformados que mantienen el orden en el país. 

94. Rata

Esta es una de las frases groseras graciosas que se usa para identificar a una persona que es mala y perjudica a otros, pero también puede ser alguien que sea muy sarcásticos, frontal y con humor negro. Ejemplo: “Ella es muy pana, pero es una ratica”. 

95. Pingazo/ Coñazo

Ambas funcionan como sinónimos de dar o recibir un golpe. Ejemplo: “Me di un coñazo durísimo con la puerta”.  

96. Puta/Prepago

Se refiere a una persona que trabaja vendiendo su cuerpo. La primera es una forma de decir prostituta, mientras que la primera hace un guiño despectivo a las tarjetas de recarga para los celulares con planes prepago que una vez existieron. 

97. Marisco/ Pargo

Ambas palabras venezolanas son una forma despectiva de decirle gay u homosexual a un hombre. 

98. Cachapera

Se utiliza como connotación negativa para referirse a una mujer que es lesbiana. 

99. Cachuo

Se usa un insulto hacia una persona que está siendo víctima de una infidelidad y no lo sabe o, en su defecto, se hace el loco. 

100. Pirata

Cuando algo es de mala calidad o es un producto de imitación, una de las palabras venezolanas que se emplean es “pirata”. No obstante, también aplica para señalar a una falsa amistad.

Si buscas en Google qué significa Venezuela, probablemente te aparezca “pequeña Venecia” o “Veneciola”,  pero además de eso, también significa diversidad; y no solo en dialecto, sino también en sus frases venezolanas, expresiones graciosas y en las palabras venezolanas más populares. Y aunque busques cómo se dice Venezuela en inglés y te diga que es lo mismo —porque lo que varía es la pronunciación— algo si es cierto: Venezuela sabe cómo tener un significado inesperado para cada palabra. 

Cinco noticias clave del martes 23 de noviembre

«The Idol» se estrenará en HBO y estará protagonizada por The Weeknd

The Idol será un drama protagonizado y cocreado por Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd (Blinding Lights), quien ideó la serie con su socio productor, Reza Fahim, y el creador del aclamado show juvenil Euphoria, Sam Levinson.

La serie aún no tiene fecha de estreno, pero es de conocimiento público que Amy Seimetz (Atlanta) estará a cargo de la dirección de los seis episodios que están confirmados para el programa de HBO. Asimismo, el elenco está integrado por Lily-Rose Depp, Suzanna Son, Melanie Liburd, Troye Sivan, Nico Hiraga y Anne Heche, entre otros.

The Idol, que ha estado en proceso creativo desde el verano, va a tener lugar en Los Ángeles, donde un gurú de la autoayuda se enreda de forma extraña con un cantante pop emergente. Hasta ahora no hay más detalles de la serie de The Weeknd.

Arqueólogos encuentran la joyería “más antigua del mundo” en Marruecos

Los arqueólogos que trabajan en la cueva Bizmoune, en el suroeste de Marruecos, revelaron un sorprendente hallazgo: 33 cuentas de concha que datan de entre 142.000 y 150.000 años. Este es un descubrimiento que arroja luz sobre la identidad de género y cómo usaban las prendas los antepasados. 

Las cuentas se encontraron entre 2014 y 2018 y, desde entonces, han pasado por varios análisis científicos. Hasta ahora se cree que es la joyería más antigua del mundo. De acuerdo al informe, las conchas tienen pequeñas marcas de perforación que indican que fueron hechas por humanos.  

Además, encontraron rastros de ocre y pudieron deducir que las joyas están muy relacionadas con la cultura Ateriana de la Edad de Piedra Media del norte de África. Según indicaron, las prendas no solo se utilizaron como elemento decorativo, sino como una forma de expresar “su identidad con su ropa”.

The Edge, el guitarrista de U2, revela que están trabajando en un nuevo álbum

Puede que el 2022 tenga nuevo material auditivo para los fanáticos de U2, pues ,de acuerdo a las declaraciones de The Edge, el guitarrista de la banda, están trabajando en un nuevo álbum, por lo que están encerrados en “una torre de canciones”. 

The Edge reveló que el proyecto será el seguimiento a Songs of Experience (2017) y que han estado trabajando con el bajista Adam Clayton en nuevas ideas para las canciones. También aseguró que todo se trata de “disfrutar la experiencia de escribir y no tener expectativas ni limitaciones en el proceso”.

The Edge también comentó que U2 aún no tenía algún productor en mente para el nuevo álbum, pero dijo que disfrutó trabajando con Martin Garrix en la canción de la UEFA Euro 2020, We Are The People. EL guitarrista no confirmó fecha de lanzamiento y se limitó a hablar de que están disfrutando probando cosas nuevas en la música. 

Científicos convirten las palomitas de maíz en un aislante ecológico

Un equipo de científicos en Alemania ha desarrollado un aislante ecológico a base de palomitas de maíz pensando en la reducción de costos, la sostenibilidad y en la reducción del daño al medio ambiente. 

Explicaron que tener un aislamiento en el hogar puede reducir los costes de calefacción y, a la vez, disminuir las emisiones de CO2, pero alrededor del 90% del aislamiento actual está hecho con materiales no renovables (como plásticos a base de petróleo) que contribuyen al aumento de la contaminación.

El aislante ecológico, que está basado en el de la industria del plástico, permitirá la “producción rentable de paneles aislantes a escala industrial”, y también servirá para que los “materiales aislantes naturales ya no sean solo productos de nicho”, y estén más presentes en las construcciones. Además, repele el agua y ofrece buena protección contra el fuego. 

Expertos aseguran el desastre espacial de Rusia causará estragos durante varios años

Ya rondan en internet varias imágenes de la gran nube de basura espacial que se creó tras la prueba de armas antisatélite de Rusia, la cual rompió en pedazos el satélite de inteligencia de 40 años Cosmos 148.

Dicen los expertos que el antisatélite ruso, que se lanzó el 15 de noviembre, destruyó deliberadamente Cosmos porque ya no estaba operativo, pero al final originó un desastre que causará estragos en las naves espaciales durante años, sino décadas. Este es un grave problema para el espacio en el que han incurrido otros países como China, India y Estados Unidos.

Debido al impacto, astronautas de la Estación Espacial Internacional (ISS), que orbitaban a 260 millas de la Tierra, debieron mantenerse refugiados en unas cápsulas de escape durante al menos dos horas para dejar pasar sin inconvenientes los escombros. Cosmos 148 era un satélite soviético de Inteligencia Electrónica y de Señales que se lanzó el 16 de septiembre de 1982.