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Choque cultural: qué es, consecuencias y ejemplos de choque de culturas en la historia (América, México…)

El término de “choque cultural” no es algo nuevo y, ciertamente, existe desde los tiempos de los conquistadores. En esta entrada abordamos las implicaciones del choque de culturas y cómo pueden influir en las sociedades; te invitamos a seguir leyendo para conocer el contexto histórico y social que rodea los procesos de la adaptación cultural.

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¿Qué son los choques culturales?

El choque cultural (choque de culturas o shock cultural) se refiere a la sensación de incertidumbre, confusión o ansiedad que los individuos pueden experimentar cuando viajan a otros países. Cuando hablamos de qué es el choque cultural nos referimos a hacerle frente a las novedades que hay en un entorno distinto a lo que se ha conocido, y es un proceso normal que pueden pasar las personas en una sociedad distinta, algo qué es diversidad cultural; por ejemplo, mudarse al extranjero implica la adaptación cultural y entender cómo funciona el nuevo ambiente donde se hará vida.  

Cuando ocurre un shock cultural, hablando del concepto de cultural, puede ocurrir un choque de ideas, porque los individuos están tratando de comprender el ámbito y las novedades. De hecho, el choque de cultura no solo ocurre cuando las personas se mudan a otra ciudad o país, también sucede cuando se van de vacaciones, hacen negocios  o estudian en el extranjero para obtener nuevos conocimientos. 

En este contexto existen consecuencias culturales, de las cuales hablaremos más adelante; pero uno de los principales retos es adaptarse a las costumbres locales, el idioma, a la diferencia del clima, la comida y los valores. Sin embargo, en la definición cultural, esto no necesariamente debe verse como algo negativo, pese a que puede ser estresante; pero no es tan difícil superarlo.  

En la definición de impacto cultural se puede entender que cada persona tiene una forma distinta de adaptación, porque los procesos varían. No obstante, cuando se habla de la definición de choque cultural, implica la presencia de fases específicas por las que pasa la mayoría de los individuos que habitan el nuevo entorno.

Importancia del choque de culturas

Ahora que hemos definido qué es choque cultural, debemos explicar cuál es la importancia de que se dé un choque de dos culturas. Como se dijo al principio, este shock comúnmente es experimentado por viajeros, por personas que han emigrado a otros países. Además, los individuos expatriados y estudiantes de intercambio también son un ejemplo de quienes se ven afectados por el impacto social; es un efecto sorpresa de tener una nueva forma de vida.

Aunque puede ser un proceso difícil para algunas personas, la mayoría suele adaptarse a su nuevo entorno y a menudo superan el choque cultural. Como resultado de la adaptación al choque entre dos mundos, las personas pueden experimentar el crecimiento personal y pueden tener la perspectiva de que están teniendo una experiencia favorable.

Por otro lado, cuando las personas se cuestionan cuáles son las culturas a las cuales podrían adaptarse los hace evaluar las formas de afrontar un nuevo evento, al tiempo que expande su visión del mundo y mejora el criterio cultural. De este modo, los individuos van materializando el significado de adaptarse a algo que es completamente desconocido, pero aún así tienen la motivación para comprender el significado de culturalidad y seguir adelante en un viaje que estará lleno de exploración espiritual y cultural.

En el momento en el que las personas entienden qué es diversidad cultural pueden afrontar los procesos de cambio, pueden romper la rutina y asimilan cuáles son los hechos culturales que forman parte de este nuevo país. Asimismo, el choque cultural es importante para las personas porque pueden aumentar sus niveles de confianza en sí mismos, ya que descubrirán que no todo es tan malo como parece y podrán encontrar la forma de desenvolverse en el mundo, sin importar cuál sea la problemática cultural que enfrente.

Causas del choque cultural a nivel individual y social 

El choque cultural puede causar varios síntomas tanto en el individuo como en la sociedad en general, y puede aparecer de varias formas. Un ejemplo de  cuáles son los problemas culturales es nostalgia leve a severa, alienación, aislamiento y frustración. Por otro lado, las personas que experimentan los cambios en lo qué es cultura diferente, pueden sentir depresión, irritabilidad, rigidez muscular y hasta pueden echarse a la soledad. 

Proceso individual

Sobre las causas, el antropólogo finés-canadiense, Kalervo Oberg describió los síntomas del shock cultural de la siguiente forma:

«(…) Lavado excesivo de manos; preocupación excesiva por el agua potable, la comida, los platos y la ropa de cama; miedo al contacto físico con asistentes o sirvientes; la mirada lejana ausente; un sentimiento de impotencia y deseo de dependencia a largo plazo residentes de la misma nacionalidad; accesos de ira por demoras y otras frustraciones menores; demora y negativa absoluta a aprender el idioma del país anfitrión; miedo excesivo a ser engañado, robado y herido; gran preocupación por dolores menores y erupciones en la piel; y por fin esa terrible añoranza de volver a casa (…)»

Vale recordar que estas causas no son un patrón repetitivo en todas las personas, porque algunas se adaptan mejor que otras. Esto sucede porque los individuos suelen idealizar y tener expectativas sobre cómo será su experiencia y no esperan que las cosas se salgan de control o que los afecten de forma negativa. Expertos en el tema aseguran que mientras más se prepare una persona para la nueva “aventura” es probable que los impactos del choque cultural sean más positivos que negativos.

Proceso social

Ahora bien, en el caso del impacto del choque cultural a nivel social, las personas y sus redes sociales (el contacto y las relaciones) tienen una fuerte influencia en cómo se puede adaptar un individuo a un nuevo entorno. Por ejemplo, la cultura de Estados Unidos es muy diferente a la de Latinoamérica, pero en algunos casos los miembros de la sociedad latina pueden acoger más rápido a una persona nueva, porque lo ven como un semejante, y esto se relaciona positivamente con la actitud hacia la cultura de acogida y los niveles adaptación transcultural.

Sin embargo, en algunas culturas tienden a ser un poco más “estrictas” o poco abiertas a la llegada de personas de otros países, quienes harán vida en lo que ven como su casa. Este, por supuesto, es parte de los ejemplos de cultura mental, la cual varía según cada país. En algunos casos las redes sociales pueden ser más abiertas a enseñar el funcionamiento de la cultura del país de acogida, mientras que en otros casos puede existir menos receptividad como sociedad anfitriona. 

Las etapas que caracterizan el choque cultural

Las personas que experimentan un choque cultural pueden pasar por cuatro etapas o fases básicas más una adicional, pero estás pueden variar de forma signifique se explican a continuación. 

La etapa de la luna de miel

Tras haber definido lo qué es cultural, empezamos con la primera etapa del shock cultural, la cual se conoce comúnmente como la fase de luna de miel. Este término desarrolla la forma en la que las personas se enfrentan en un principio al choque cultural; por lo general las personas están encantadas de estar en su nuevo entorno y de conocer cómo es el funcionamiento de la nueva cultura.

Por lo general, las personas qué significa culturales cambios que podrá atravesar, y vive su experiencia como una aventura o un tiempo vacacional, lo cual no tiene nada de malo si alguien solo está de paso. Asimismo, esta fase está dominada por el entusiasmo, la curiosidad y la percepción de que se podrán presentar infinitas oportunidades. 

Sin embargo, la fase de luna de miel, para aquellos que se mudan definitivamente, no suele durar tanto tiempo.  Además, un punto a destacar en esta etapa es que el juicio puede volverse vacilante y su mente nada más busca enfocarse en las cosas agradables; aunque hay posibilidad de que se creen relaciones amistosas con los nacionales anfitriones, suelen ser bastante superficiales en la mayoría de los casos.

La etapa de la frustración

Seguidamente, el shock cultural presenta la etapa de la frustración, en donde las personas pueden volverse irritables, desorientadas y van cayendo en cuenta de que ha pasado el tiempo de la euforia inicial. Ahora deben tratar de encajar en el nuevo entorno tanto a nivel social como laboral, y esto puede ocasionar estrés y cansancio. En esta fase las personas caen en un estado de frustración al no poder entender el accionar, la forma de conversar y  hacer las cosas de otras personas de su nuevo entorno.

Como resultado, los individuos  pueden sentirse abrumados por su nueva cultura y mucho más cuando el idioma es totalmente distinto al de su habla natal. La adaptación a los hábitos y valores culturales también pueden volverse un desafío, y eso se traduce en que las tareas del día a día tomen más tiempo en realizarse. En esta etapa se pueden desarrollar los siguientes síntomas físicos y psicológicos: 

  • Frustración
  • Irritabilidad
  • Nostalgia
  • Depresión
  • Sentirse perdido y fuera de lugar
  • Fatiga mental y física
  • Problemas para conciliar el sueño
  • Falta o incremento de apetito

Cuando el choque cultural impacta en la comunicación, las personas se sienten frustradas y creen que no podrán establecer una conexión interpersonal o amorosa de manera efectiva; es por ello que esta fase suele ser la más difícil en el proceso de adaptación cultural, puesto que algunas personas ceden a su autopresión, y pueden sentir la necesidad de volver a su país de origen o pueden aislarse de todos. 

La etapa de adaptación 

La etapa de adaptación suele ser gradual, puesto que los individuos han ido superando la crisis y los momentos difíciles de la segunda fase, y la frustración ha ido disminuyendo poco a poco, a medida que va comprendiendo todas las novedades y se va adaptando a su nuevo entorno. Esto no quiere decir que ya hayan superado todo, puesto que el tema del idioma aún puede ser un factor influyente, pero las personas que se encuentran en la etapa adaptativa ya están más familiarizadas y pueden relacionarse de una forma más eficaz. 

La fase de la adaptación implica la aceptación de los problemas, porque las personas ya han evaluado cuáles son los pros y contras; se permiten avanzar  y comienza a trabajar en aquello que les afecta. También empiezan a mejorar sus habilidades lingüísticas y de socialización,  y comienzan a sentirse más a gusto en el lugar donde ahora hacen vida; además, la relación con los anfitriones nacionales también comienza a mejorar de forma significativa, pues hay más disposición cuando es evidente que la persona nueva quiere integrarse y aprender sobre la cultura y costumbres de su país. 

La etapa de aceptación o recuperación

La cuarta etapa se llama aceptación o recuperación. En esta fase del choque cultural las personas pueden experimentar la vida de una forma más plena y comienzan a disfrutar ampliamente su nuevo hogar y país. En este contexto, las creencias,  actitudes y la perspectiva del entorno se ven de forma positiva, y esto genera confianza en sí mismos y en el ambiente que los rodea, al tiempo que su sentido del humor se siente más vivo y mejora con el tiempo.

En la fase de recuperación van quedando atrás los obstáculos, la frustración, los malentendidos, así que las personas pueden sentirse más relajadas, felices y a gusto con la nueva cultura. 

De hecho, se animan a participar en los eventos sociales y culturales que son propios del nuevo país, también dejan atrás los viejos comportamientos, los modales y valores, porque se han adaptado a una nueva forma de vida. La comprensión completa de su entorno es necesaria para funcionar y prosperar tanto a nivel social como laboral.

Choque de reingreso

Como valor agregado debemos nombrar una quinta etapa, la cual es conocida como la etapa de reingreso o  choque cultural inverso, el cual puede ocurrir cuando la persona vuelve a su lugar de origen tras haber vivido en el extranjero durante un período extenso. Con el choque de reingreso los individuos empiezan a cuestionarse cómo eran las cosas cuando se fueron a vivir fuera de su país y empiezan a hacer comparaciones. 

El choque cultural inverso hace que las personas se den cuenta de que todo ha cambiado y es probable que sientan que ya no pertenecen a ese lugar, el que una vez fue su hogar, puesto que pueden ver que sus familiares, amigos y la ciudad han experimentado cambios a pesar de que su presencia ya no estaba. Aunque puede generar nostalgia y un poco de tristeza, las personas en esta etapa pueden comprender que las cosas básicas como las costumbres y tradiciones siguen igual, y se aferran a ello para continuar relacionándose y conectando con sus raíces.

Consecuencias de los choques culturales

Las consecuencias del choque de culturas pueden sentirse tanto a nivel físico como emocional y afecta a la persona nueva, como a las personas de la sociedad anfitriona que están recibiendo a un nuevo integrante. En esta sección hacemos un repaso por las consecuencias del choque cultural en las civilizaciones y de forma individual. 

Choque entre civilizaciones

El choque de culturas se ha dado en la historia y los expertos han abordado estos casos. Hablando del choque entre civilizaciones, como ejemplos de problemas culturales, el politólogo estadounidense Samuel P. Huntington (1927-2008) abordó el tema su artículo The Clash of Civilizations and the Remaking of World Order (1996), un análisis polémico del estado de la política mundial después de la caída del comunismo con el fin de la Guerra Fría, el cual fue catalogado como “provocador y profético”, pero ha servido para seguir analizando cómo han sido los confrontamientos entre las civilizaciones.

El centro del mundo

Huntington evaluó el hecho de que las civilizaciones reemplazaron a las naciones y sus ideologías como la fuerza central de la cultura política global. 

En su análisis, argumentó que toda civilización “se ve a sí misma como el centro del mundo y escribe su historia como el drama central de la historia humana” y, probablemente, este es uno de los factores principales del choque entre las civilizaciones, porque cada una quiere mostrar su fuerza ante las demás o, por el contrario, prevalecer en ideologías políticas, religiosas y culturales.

La perspectiva de la vida

Asimismo, aseguró que “los supuestos filosóficos, los valores subyacentes, las relaciones sociales, las costumbres”, y la forma en la que las personas ven la vida de forma general, difieren significativamente entre civilizaciones; y agregó:

«La revitalización de la religión en gran parte del mundo está reforzando estas diferencias culturales. Las culturas pueden cambiar, y la naturaleza de su impacto en la política y la economía puede variar de un período a otro».

Sin embargo, cuando el politólogo estadounidense habló sobre los choques y los qué significa culturales, agregó que  las principales diferencias en el desarrollo político y económico entre civilizaciones  es que “están claramente arraigadas en sus diferentes culturas”. Y esto se acentúa con sus perspectivas de la vida. 

Choques individuales

Los efectos psicológicos y emocionales del choque cultural pueden ser evidentes y variar entre las afecciones que causan lesiones y en enfermedades, o simplemente no se manifiestan a niveles tan preocupantes. No obstante, a diferencia los ciudadanos del país anfitrión, son los expatriados los que se ven más afectados en el primer año de adaptación; algunos no quieren regresar a su país natal por temor al qué dirán y pueden vivir sumidos en la nostalgia y, en el peor de los casos, prefieren por suicidarse. 

Desafío mental

Desde el enfoque psicológico, los expertos coinciden en que el choque cultural no solo implica un desafío mental por el hecho de mudarse lejos de casa, ya que también puede pasar por problemas académicos, conflicto de identidad cultural y dificultades interpersonales. 

Esto sucede porque la persona atraviesa por cambios drásticos que no siempre sabrá cómo afrontarlos, así que pueden sufrir un cuadro de “desorientación psicológica”, la cual se evidencia en las primeras fases del shock cultural.

Identidad multicultural

Ciertamente, las consecuencias de los choques culturales en los individuos pueden ser tanto positivas como negativas. Pero, de acuerdo a los sociólogos y antropólogos, las personas que mantienen una fuerte identidad cultural y que, a su vez, están dispuestos a abrir su mente a nuevas culturas y costumbres, pueden adaptarse e integrarse más rápido. 

Esta fusión de culturas se traduce en un beneficio tanto para el individuo que es nuevo en la sociedad como para los anfitriones de ese país; esto genera la sensación de unificación y se puede desarrollar una identidad multicultural.

Ejemplos de choques civilizatorios a nivel histórico

A nivel histórico existió un choque cultural que quedó grabado en la memoria de la humanidad, como el choque de culturas entre indígenas y españoles, o el choque de dos mundos. Para explorar los ejemplos de choque cultural, nombraremos algunos casos de choque cultural entre civilizaciones.

Choque cultural en México – Caída de Tenochtitlán

El primer caso que abordaremos es cómo ocurrió el choque cultural en la conquista de México, que sucedió  a principios del siglo XVI, cuando los conquistadores españoles, liderados por Hernán Cortés (1485-1547), llegaron a la tierra azteca y se encontraron con los indígenas mexicas. La primera impresión que tuvieron los españoles fue que los aztecas eran paganos, puesto que le rendían culto a sus propios dioses y hacían rituales que incluían muertes y fuego. Así que decidieron implantar la conversión al cristianismo y ordenaron la destrucción y el saqueo de sus templos en la ciudad de Tenochtitlán, la tierra prometida por sus dioses.

Por otro lado, cuando se habla de cómo ocurrió el choque cultural de Tenochtitlán entre los mexicas y españoles, suele pasar desapercibido el hecho de que los aztecas solo tenían un sistema de escritura pictórico y su forma de comunicarse estaba basada en el cando y la poesía, pues de esta manera podrían transmitir a las demás generaciones su historia, ideas y costumbres. 

La caída de Tenochtitlán fue ocasionada por los conquistadores españoles (Patrick Gray, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

En este contexto, los españoles les mostraron el alfabeto, que era más flexible y entendible, pero limitó la forma en la que funcionaba la tradición oral de los indígenas mexicas, la cual tenía un sentido de responsabilidad colectiva bastante rudimentaria. De hecho, sus libros, mapas y pergaminos se llamaban códices porque estaban constituidos por registros pictóricos, o glifos que reposaban piel de venado o papeles nativos.

Entonces, cuando abordamos la forma en cómo ocurrió el choque cultural en la conquista de Tenochtitlán, se puede decir que sucedió de forma arbitraria, puesto que los aztecas se vieron obligados a adoptar nuevas culturas, valores, la religión, y la forma de vida que implementaron los hombres de Cortés. Los hechos desencadenaron en la caída del imperio Azteca y Tenochtitlán, que pasó a ser parte de la colonia de Nueva España. 

La conquista de América

Ahora bien, en estos ejemplos de culturales también incluimos uno de los choques culturales más recordados y por el cual cada 12 de octubre se conmemora el Día de la Hispanidad (Descubrimiento de América, Día de la Raza o Día de la Resistencia Indígena): la Conquista de América. 

La conquista de América por parte de España sucedió como una continuación de “la Reconquista” liderada por la corona española. En sus esfuerzos, los monarcas cristianos en la Península Ibérica deseaban retomar los territorios conquistados por los ejércitos musulmanes en el siglo VIII, así que Isabel de Castilla y su esposo, Fernando de Aragón, se armaron con sus mejores hombres y derrotaron a la dinastía nazarí, para poner fin a los 800 años de dominio árabe en Europa. 

Sin embargo, la búsqueda de territorios ibéricos no se quedó en esa victoria, y tiempo después, en octubre de 1492,  llamaron a Cristóbal Colón para que se presentara ante los reyes de Castilla, quienes le encargaron dar con las tierras de “El Nuevo Mundo». Por supuesto, estos movimientos estaban siendo monitoreados por el Papa Alejandro VI, quien le otorgó a la corona española la soberanía sobre todas las tierras no cristianas al otro lado del Atlántico.

Colón llegó a América el 12 de Octubre de 1492 (Patrick Gray, CC BY 2.0, Flickr / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Como es bien sabido, Cristóbal Colón descubrió a América junto a sus compañeros exploradores y, al igual que sucedió en México, el uso de la fuerza se hizo notar, para ejercer control total sobre estas tierras, así como la conversión al cristianismo en las poblaciones indígenas. Los registros históricos narran que misioneros españoles enviados al Nuevo Mundo, como Bartolomé de las Casas, quedaron horrorizados con la explotación laboral de los indígenas y las enfermedades que contrajeron al quedar expuestos a los efectos de la guerra y los trabajos forzados.

Vale destacar que los hombres de la Corona de Castilla no solo buscaban evangelizar las colonias nuevas en el Caribe y Latinoamérica, sino que también deseaban la riqueza de estas tierras que, al final de los tiempos, se mantuvieron gracias a las plantaciones y a la explotación de las minas de oro. Por supuesto, las personas que residían en aquellas pequeñas islas se sintieron vulnerables ante el poder de los españoles, y tuvieron que adaptarse a una vida de trabajo duro; adoptaron nuevas ideologías políticas y religiosas, y también aprendieron sobre las costumbres de los conquistadores.

En conclusión, el choque cultural a través de los años ha sido considerado como un fenómeno normal, y es un ejemplo de impacto social, pero a nivel histórico queda representado como una acción de arbitrariedad. No obstante, en las sociedades modernas, el choque de culturas implica una serie de causas y efectos que pueden ser tanto positivos como negativos, aunque pueden variar según las fases y la capacidad de adaptación de cada persona. 

Tipos de ciudades: clasificación, definición, características y funciones (metrópolis, industrial, dormitorio…)

Cada país tiene una forma de definir su clasificación de ciudades partir de cuántos habitantes tiene registrados, asimismo los tipos de ciudades varían de acuerdo a las políticas de las distintas naciones. Sin embargo, con los indicadores de los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) de la Organización de las Naciones Unidas (ONU) podemos tener una idea de cómo son las clasificaciones según las características de las ciudades y también definiremos los principales tipos de ciudades. 

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Ciudad global

Iniciando con la clasificación de ciudades por población, el primer concepto en la lista es el de ciudad global, el cual se ubica en la geografía urbana e indica que estamos en presencia de una ciudad que ha sido impactada por los efectos de la globalización. Además, una de las características de una ciudad global es que se convierte en una potencia en cuanto a las redes de comunicación y las redes sociales, y también son centros mundiales a nivel político, económico y cultural.

Tokio es un centro de tráfico internacional (LittleMouse, Pixabay).

El término de ciudades globales fue popularizado por la socióloga neerlandesa, Saskia Sassen, en 1991 para referirse a ciudades como Londres, Tokio y Nueva York como principales ejemplos de ciudades globales, clasificándolas como “ubicaciones clave dentro de la economía mundial”. Para profundizar en el ejemplo, podemos nombrar a la población del área metropolitana de Tokio (13,96 millones), la región de Japón que destaca por sus grandes estructuras, movilidad de comercio, y también es considerado un importante centro de tráfico internacional. 

Metrópolis

La palabra metrópolis nace del griego y significa “ciudad madre”. Es un término que se utiliza para describir qué hay en una ciudad grande, es decir, el concepto global de lo que son las grandes y centros clave de la actividad socioeconómica nacional y regional. En este sentido, la definición de metrópolis en geografía comparte casi las mismas características de una ciudad global, pero los dos términos varían debido al menor énfasis que se le da a una metrópoli en cuanto a los niveles de importancia internacional, aunque esto puede variar dependiendo del país y su desarrollo. 

Manhattan es una de las ciudades más visitadas de Estados Unidos (Ronile, Pixabay).

También implican tópicos como el nivel de vida y la infraestructura, es por eso que una ciudad global puede ser una metrópolis, pero no siempre pasa que una metrópolis sea una ciudad global. En este caso, Manhattan (1,631,990 habitantes) es un distrito de Nueva York que se considera como una de las mejores candidatas para identificar cuándo se considera ciudad metrópolis; es una de las más famosas y las más visitadas, y siempre se le ve como un sinónimo de la Ciudad de Nueva York, y es el lugar en donde yacen las mayores atracciones artísticas y de arquitectura como el MoMa, el Empire State Building y el Times Square. 

Metrópolis regionales

De acuerdo a la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE), las metrópolis regionales o las áreas metropolitanas (áreas urbanas) son aquellas que se componen de una ciudad más sus áreas circundantes, conocidas como zonas de desplazamiento. Para que un área considerada como metrópolis regional debe albergar más de un millón de habitantes, pero esta cifra puede variar dependiendo de cada país. 

Valencia es la metrópolis regional de España (Dominio público, PxHere).

La OCDE sostiene que “las áreas metropolitanas son agregaciones de celdas de cuadrícula y sus límites no están adaptados a las unidades administrativas locales o áreas de enumeración estadística”. Por otro lado, las metrópolis regionales, por lo general, enfocan su influencia política y económica en la región más que en el país. 

Logo

Para ejemplificar, nos cuestionamos a partir de cuántos habitantes se considera ciudad en España, y la respuesta es: desde los 1500 habitantes por kilómetro cuadrado. Un claro ejemplo de metrópolis regional es Valencia, la cuarta área metropolitana más grande de España con una población de más de cinco millones de habitantes. Valencia destaca por su arquitectura Art Nouveau, sus calles coloridas, su Paella y su cultura. 

Metrópolis nacionales

Como hemos dicho antes, la población mínima para ser ciudad en España parte de los 1500 habitantes y, en este caso definimos a las metrópolis nacionales, las cuales son ciudades que superan el millón ciudadanos registrados y tienen su influencia centrada en toda la nación; es decir, las metrópolis nacionales se convierten en el centro económico y en el núcleo del poder político porque el Gobierno Central reside en las metrópolis nacionales. 

Madrid destaca por su centralidad política, cultural y económica (Julius_Silver, Pixabay).

En este caso, volvemos a España para fijar a Madrid como el sinónimo de las funciones de las ciudades centrales de un país. Madrid como ejemplos de metropolis nacionales, tiene aproximadamente 6,736,407 de habitantes, es una de las tres comunidades más grandes de España, y también es uno de los mejores lugares para disfrutar de la variedad gastronómica, cultural; es uno de los tipos de ciudades en arquitectura que más destaca, porque se puede admirar la huella gótica y barroca en templos, castillos, edificios y museos.

Metrópolis continentales

Los tipos de ciudades en urbanismo pueden variar mucho dependiendo de los países y, en este caso, las metrópolis continentales son aquellas ciudades que están constituidas por una población de varios millones de personas; ese el número de habitantes para ser ciudad de este tipo. Además, las metrópolis continentales centran su poder económico y político en el país y en el continente, pues su importancia la posiciona como una pieza fundamental en esos tópicos. 

París es conocida como «La Ciudad el Amor» y también de la moda (Walkerssk, Pixabay).

Como ejemplo de metrópolis continental viajamos a Francia, para seleccionar París como una de las ciudades con altos niveles de importancia política dentro de la Unión Europea. París tiene al menos 11,142,000 personas habitando sus distintas áreas, entre ellas la capital; esta zona es muy conocida por ser “La Ciudad del Amor” o la “Ciudad de las Luces”, pero también es la meca de la moda. Además, París representa una figura política y económica con mucho poder a nivel global y continental. 

Megaciudad

La definición de megaciudad se ha utilizado para describir a las ciudades que superan los 10 millones de habitantes, esa es la cantidad base de habitantes para ser ciudad considerada como una metrópolis mundial. La primera vez que se escuchó el término fue en 1904, cuando fue documentado por la Universidad de Texas. De acuerdo a los registros, la primera megaciudad, según los estándares modernos fue Nueva York, ciudad que ya había superado la marca de los 10 millones de habitantes en 1936. 

Nueva York es la ciudad de los rascacielos (FrankWinkler, Pixabay).

Partiendo de Nueva York como una tendencia, las grandes ciudades empezaron a desarrollarse en países como París, Londres y Tokio. Por otro lado, como parte de las metropolis mundiales, Nueva York (aproximadamente 19,415,392 habitantes), que tiene influencia política y económica a nivel mundial. 

Vale destacar que también es considerada la capital de la moda, la diplomacia y también es el hogar de grandes empresas multinacionales; Nueva York es la ciudad más poblada de Estados Unidos, y una de las más importantes por su nivel cultural, artístico y económico.

Megalópolis

Con respecto a la definición de ciudad en geografía, una megalópolis es un grupo de ciudades interconectadas entre sí. La definición de megalópolis se documentó por primera vez a principios del siglo XX. Con respecto a su constitución y con cuántos habitantes se considera ciudad de este tipo, está determinada por el crecimiento de cada ciudad, que no siempre sucede de forma homogénea.

Vistazo a las edificaciones de Yakarta en 2008 (yohanes budiyanto, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

De acuerdo a los expertos, la geografía influye a grandes rasgos en la ubicación de las megalópolis, y lo mismo aplica para las conexiones de transporte internacional y regional, las cuales deben ser óptimas. Asimismo, el crecimiento económico de una ciudad puede impactar de forma positiva en las ciudades vecinas y puede reimpulsarlas. Como un claro ejemplo de megalópolis podemos nombrar al área metropolitana unificada de Yakarta-Bandung, en Indonesia.

Yakarta (10,915,364 de habitantes) es la capital nacional, pero también es el punto central de control de la economía del país, así que tiene poder a nivel económico y administrativo, y con la unión ferroviaria de Bandung, funciona como un núcleo destacado en el ámbito del comercio. 

Pueblo pequeño

Ahora haremos una especie de pausa para hablar de los pueblos pequeños o ciudades pequeñas, las cuales son identificadas como asentamientos urbanos que no tienen gran tamaño poblacional y territorial; también funciona como una frontera entre la ciudad y el pueblo. Hablando de la diferencia entre pueblo y ciudad, sencillamente abordamos el alcance en cuanto su extensión, la población –que suele estar entre los 2,000 habitantes– su jurisdicción propia y la diferencia entre las entradas económicas. 

Nevada es una de las ciudades antiguas mejores conservadas de Estados Unidos (Frank Schulenburg, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

En el caso de los pueblos pequeños, su economía depende de la industria, el comercio y los servicios; en algunos países las ciudades pequeñas pueden depender de la ganadería y la agricultura sin ser una zona rural desactualizada. Un ejemplo de este tipo de ciudades es Nevada City, en California, Estados Unidos. Nevada tiene una población de unos 3,166 habitantes, y es un lugar que destaca por sus casas victorianas; además, es una de las ciudades pequeñas mejor conservadas de los Estados Unidos. Atrae a los turistas por su historia de la fiebre del oro y por su hermoso Bosque Nacional Tahoe, en el norte de California.

Ciudad industrial

Tras marcar la diferencia entre ciudad y pueblo, es momento de volver a las ciudades. En este caso, la definición de ciudad industrial se refiere a una zona que está constituida por un grupo de instalaciones industriales independientes, las cuales funcionan de forma simultánea.

La entrada de Sialkot, 2017 (YaminJanjua, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Por lo general, las ciudades industriales están en los límites de la zona central y cuentan con buenos caminos, líneas ferroviarias y su infraestructura es variada, pero está dominada por las zonas con grandes plantas de trabajo. Un ejemplo de ciudad industrial es Sialkot (736,000 de habitantes), una zona pequeña, pero esencial de Pakistán, y está ubicada al pie de los picos nevados de Cachemira, cerca del río Chenab, en el norte de la provincia de Punjab.

Sialkot es muy conocida porque se ha hecho un nombre en la fabricación de artículos deportivos, instrumentos quirúrgicos y artículos de cuero. Asimismo, son excelentes trabajadores del bordado, la confección de prendas y la construcción de varios instrumentos musicales.

Ciudad dormitorio

Con respecto a la definición de ciudad dormitorio, podemos decir que es una pequeña comunidad con pocas industrias. En este tipo de ciudades viven personas que tienen que viajar hacia otros pueblos o ciudades para hacer vida laboral. 

Este tipo de ciudades tienden a tener una economía débil patrocinada por los negocios minoristas de la localidad; algunos de estos pueblos pueden estar muy lejos o muy cerca de la ciudad, y de ello depende el nivel de empleo y la estabilidad socioeconómica.

Alcalá de Henares guarda historia y cultura de España en su existencia (MemoTravels, Pixabay).

Un ejemplo de ciudad dormitorio es Alcalá de Henares (197,804 habitantes), la ciudad antigua de España, ubicada al noroeste de Madrid, que es considerada emblemática porque alberga la Universidad de Alcalá y porque se impulsó con la mano de obra de los agricultores y cazadores para subsistir en el siglo XVI. Es una ciudad dormitorio con importancia histórica y cultural para la nación.

Ciudad universitaria

Seguidamente, la ciudad universitaria es aquella que está definida por una economía que se basa en los ingresos que provienen de las distintas universidades que se encuentran en  la zona. Por su puesto, la población base es mayoritariamente universitaria, y puede estar conformada por una o varias universidades centrales con núcleos urbanos que buscan cubrir las necesidades de los estudiantes universitarios.

Sociológicamente hablando, las ciudades universitarias se ven beneficiadas por las investigaciones, las responsabilidades sociales corporativas  y los demás extensión comunitaria que son ofrecidos por los integrantes de las universidades, que esperan servir a la comunidad por agradecimiento o placer individual. 

Actualmente, Boulder es es una de las mejores ciudades universitarias de Estados Unidos (Lee Coursey, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Como ejemplo de ciudad universitaria tenemos a Boulder (Colorado), en Estados Unidos. Esta ciudad universitaria tiene una población aproximada de 329,316 habitantes, y alberga a la Universidad de Colorado y la Universidad de Naropa, que es la primera universidad budista estadounidense. Asimismo, cuenta con varios institutos de ciencias, movimientos artesanales locales y empresas tecnológicas; en Boulder se puede hacer vida estudiantil con todos los servicios garantizados y se ha posicionado como una de las mejores ciudades universitarias de los Estados Unidos.

Ciudad turística

Una ciudad turística es aquella que mueve  su economía basándose en el turismo de sus zonas fuertes. Las ciudades turísticas son frecuentadas por su clima (sea cálido o frío), la gastronomía, la calidad de los servicios y el comercio, la cultura y la atención a los turistas. Por lo general, estos elementos son la clave para que las ciudades se conviertan en una zona de turismo con visitas nacionales e internacionales. 

Vista de Bagkok desde un rascacielos (Sijpat-ETKT, Pixabay).

Por ejemplo, Bangkok (Capital de Tailandia), con un aproximado de 22,8 millones de visitantes anuales, se ha ubicado en el top de las ciudades más turísticas del mundo. Bangkok, que tiene una población estimada de unos nueve millones de habitantes, basa su economía en el turismo nacional y es conocida como la ciudad de los rascacielos, y la ciudad más top del street food en todo el mundo. Es una especie de Nueva York, pero del   asiático, pues la conocen como “la ciudad que nunca duerme”.

Ciudad administrativa

Como su nombre lo indica, una ciudad administrativa es aquella funciona como sede de una administración regional o nacional. Es decir, es el núcleo administrativo del gobierno de un país y, en este caso, las capitales de las naciones  y regiones son ciudades de este tipo. 

El Distrito de Columbia es la cuidad administrativa estadounidense (12019 / 10258, Pixabay).

Un ejemplo de ciudad administrativa es Washington D. C., que es la capital de los Estados Unidos. Washington D. C. (o Distrito de Columbia) cuenta con una población de 7,738,692 habitantes, aproximadamente, y es la casa del gobierno estadounidense. Limita con el estado de Maryland, el estado de Virginia y está ubicado en la orilla sur del río Potomac. 

Además, funciona como una metrópolis internacional, un destino turístico y guarda grandes recuerdos de la historia y cultura estadounidense. 

Ciudad comercial

Una ciudad comercial funciona con el motor económico o sector terciario. Así que es una ciudad que tiene gran movimiento en el ámbito de compra y venta de productos, bienes y servicios, y tiene gran interés turístico y cultural. Ciudades como Tokio, Londres, Nueva York, Dubai y Hong Kong son los mejores ejemplos de ciudades comerciales.

Hong Kong funciona cono entrepuerto con China y Estados Unidos (AndyLeungHK, Pixabay).

En el caso de Hong Kong, esta ciudad ubicada en el sureste de China, tiene una población de casi 7.500 millones de habitantes, y es  la octava entidad comercial del mundo, pues funciona como entrepuerto para el comercio entre China y Estados Unidos, y otros países como Japón y Taiwán.

La ubicación geográfica estratégica de Hong Kong le permite figurar como uno de los mejores tipos de ciudades comerciales, porque sus infraestructuras están superdesarrolladas, así como su red de comunicaciones internacionales.

Ciudad portuaria

Finalmente, en esta lista de clasificación de ciudades, tenemos a la ciudad portuaria, la cual es aquella que prevalece en buenos niveles de economía porque tiene un puerto o varios, los cuales permiten la entrada y salida de embarcaciones, lo que facilita el comercio marítimo y aumenta el interés político.

Las ciudades portuarias cuentan con infraestructuras necesarias para sacar el máximo provecho a su ubicación geográfica y, de esa forma, repuntan sus niveles económicos y mantienen buenas relaciones sociopolíticas. Un ejemplo de ciudad portuaria es Miami, en Estados Unidos.

Miami es una de tantas ciudades portuarias del mundo (MustangJoe, Pixabay).

Miami es poseedora del Fascell Port, un importante puerto marítimo que se encuentra en la Bahía de Biscayne, en Florida, y es considerado uno de los puertos de pasajeros del mundo que, a su vez, permite una gran cantidad de movimiento en su puerto de carga. Además, Miami es una zona costera, llamativa y turística que no solo se beneficia de la entrada portuaria, sino de la vida nocturna y de la diversidad cultural. 

En resumidas cuentas, los tipos de ciudades y su funcionamiento en el ámbito económico y social está ligado a cómo se manejan los distintos países. Asimismo, la clasificación de las ciudades puede variar de acuerdo a los estándares de cada nación, pues no siempre se guían por los lineamientos internacionales.

Dilema del erizo de Arthur Schopenhauer: significado, ejemplos y explicación de otros curiosos dilemas

El dilema del erizo está basado en una parábola de Arthur Schopenhauer. En ella se reflexiona sobre como dos personas pueden llegar a herirse al no saber cuál es el límite en una relación. Es un texto donde se habla del amor, del dilema de la pareja, de la fobia al amor, la confianza y los límites en todo tipo de relaciones.

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Dilema del erizo de Schopenhauer

Arthur Schopenhauer es el creador de la parábola del dilema del erizo:

 “En un día muy frío, un grupo de erizos que se encuentran cerca sienten simultáneamente una gran necesidad de calor. Para satisfacer su necesidad, buscan la proximidad corporal de los otros, pero cuanto más se acercan, más dolor causan las púas del cuerpo del erizo vecino. Sin embargo, debido a que el alejarse va acompañado de la sensación de frío, se ven obligados a ir cambiando la distancia hasta que encuentran la separación óptima (la más soportable)”.

Es un texto que se publicó en la obra Parerga y paralipónema de Arthur Schopenhauer, en 1851, exactamente en el Volumen II, Capítulo XXXI “Alegorías, parábolas y fábulas”, Sección 396.  

Fue el último libro de este autor, pero el que tuvo más repercusión y notoriedad para el autor, en el plasmó “pensamientos dispersos, aunque sistemáticamente ordenados” como él mismo llegó a aclararlo en la época.

¿Por qué los erizos?

Los erizos son pequeños animales que están llenos de púas. Suelen ser animales que transmiten ternura, aunque les precede su cubierta filosa que también les sirve de escudo contra los animales enemigos.

La sociedad ha adoptado diferentes expresiones relacionadas con los erizos a raíz del dilema, como ‘qué es estar erizo’. Expresión que se plantea cuando una persona no tiene nada, a nivel económico.

Así como se han adoptado expresiones, se asocia el dilema de los erizos con el significado de filofobia. Que consiste en un problema serio con el miedo a enamorarse o comprometerse de forma emocional con alguien. Las personas que pasan años sin lograr establecer una relación duradera o seria toman un test de filofobia para comprobar si lo padecen.

Biografía de Arthur Schopenhauer

Schopenhauer, fue un filósofo alemán con gran popularidad en España y toda Hispanoamérica. Además, es considerado el padre del pesimismo metafísico. Nació en 1788 y falleció en 1860, a causa de un paro respiratorio. Era de danzig, Polonia y fue hijo de un próspero comerciante y una escritora.

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Fotografía de Schopenhauer de 1859 realizada por Johann Schäfer (Schäfer, Johann, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Sus padres siempre se preocuparon por darle una excelente educación, a pesar de tener malos entendidos con su madre y no ser muy fanático de la profesión de su padre. Al morir su padre, viajo hasta Frankfurt del Main, allí vivió solitariamente y se dedicó al estudio de las filosofías budistas e hindúes del misticismo.

Tuvo una vida solitaria

Al cumplir los 30 años publicó una de sus obras principales ‘El mundo como voluntad y representación’ (1819), aunque por muchos años pasó inadvertida.

En ella busca proponer los elementos éticos y metafísicos que dominan en su filosofía pesimista y atea. Schopenhauer se vio influenciado por excelentes personajes de la historia, como Platón o Goethe, a este último lo llegó a conocer y a conversar con él, en las reuniones que realizaba su madre. Sin embargo, veneraba los trabajos filosóficos de Kant.

Fue una gran influencia para futuros filósofos, en los que destacan Friederich Nietzsche y el alemán Richard Wagner, así como múltiples trabajos y obras del siglo XX. El filósofo nunca se casó ni formó una familia, por eso se le conoce como un hombre solitario, la única relación pública que tuvo fue con una cantante de ópera, conocida como Caloine Richter.

Sus obras

  • Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente
  • Sobre la visión y los colores
  • El mundo como voluntad y representación
  • Commentatio exponens theoriam colorum physiologicam, eademque primariam
  • Sobre la voluntad en la naturaleza

Ejemplos de personajes u obras influenciadas por el dilema del erizo

El dilema del erizo ha servido como influencia en distinta elaboraciones a lo largo de la historia, siendo las siguientes solo algunas de ellas.

Sigmund Freud

El padre del psicoanálisis y una de las mayores mentes intelectuales del siglo XX, citó la parábola hedgehog dilemma, que significa dilema del erizo en inglés, en uno de los pie de página de su ensayo ‘Psicología de las masas y análisis del yo’. La cita fue la siguiente:

“Consideremos el modo en que los seres humanos en general se comportan afectivamente entre sí. Según el famoso símil de Schopenhauer sobre los puercoespines que se congelaban, ninguno soporta una aproximación demasiado íntima de los otros”.

Luis Cernuda

También conocido como Bidón, fue un reconocido poeta español y crítico literario. En su poesía ‘Donde habite el olvido’ (1933) hace mención del dilema del erizo, idea principal. La cita fue la siguiente:

“Como los erizos, ya sabéis, los hombres un día sintieron su frío. Y quisieron compartirlo. Entonces inventaron el amor. El resultado fue, ya sabéis, como en los erizos”.

Neon Génesis Evangelion

El dilema del erizo en Evangelion se refleja como una serie de anime dirigida por Hideaki Anno y creada por el estudio Gainax. El director se basó en el dilema de los erizos para la construcción de la personalidad del protagonista de la serie.  

La historia está basada en un mundo futurista, donde los humanos son custodiados por una organización paramilitar, que se encarga de luchar con los seres desconocidos utilizando humanoides. Sin embargo, al avanzar la serie de anime, los personajes van tornándose inestables mentalmente, mostrando diferentes afecciones emocionales.  Es en el cambio de emociones e inestabilidad que se presenta el dilema del erizo en Shinji Ikari, protagonista de Eva.

Henry

Se trata de un cortometraje de realidad virtual. Fue creada por Oculus Story Studio en 2015 y dirigida por Ramiro López Daú. La cinta que tiene una duración de 12 minutos cuenta la historia de un erizo que le gusta dar abrazos, pero no tiene amigos porque al hacerlo los lastima.

Durante la trama, que es narrada por Elijah Wood, se ve al erizo en una cocina, con un pastel de cumpleaños, solo. Mientras dan a entender que el erizo está triste por no tener amigos para celebrar su cumpleaños, aparecen un grupo de globos de animales que terminan volando por la casa.

Sin embargo, cuando Henry trata de abrazar a uno de ellos, el globo explota. Los globos intentan escapar de la habitación y vuelven a dejar a Henry solo. Luego se escucha que tocan la puerta y son de nuevo los globos de animales, pero esta vez vinieron con una tortuga. La misma, al abrazar al Henry no sufre, porque su caparazón es lo suficientemente fuerte para que las púas de Henry no lo dañen.

Dilema del prisionero

Es un modelo clásico de la teoría de juegos, que busca demostrar que dos personas no son capaces de cooperar, así exista un interés para ambas partes de por medio.

Dilema del tranvía

La definición de este dilema explica que: “Un tranvía corre fuera de control por una vía. En su camino se hallan cinco personas atadas a la vía por un filósofo malvado. Afortunadamente, es posible accionar un botón que encaminará al tranvía por una vía diferente, por desgracia, hay otra persona atada a ésta. ¿Debería pulsarse el botón?”

La ética y los prejuicios juegan una gran parte en esta toma de decisiones. Esta situación es un experimento mental que creó Philippa Foot y que ha sido analizado por Judoth Jarvis Thomson. Suele exponerse en tratados de derecho penal y todo lo relacionado a esta rama.

Efectos similares al dilema del erizo

La teoría del Yin y Yang

Esta teoría consiste en que todo lo que existe son opuestos inseparables y contradictorios. Es una teoría que tiene su origen en el siglo III y es de gran importancia en la filosofía y la cultura china. En la teoría del Yin y Yang, el yin representa lo oscuro, lo intuitivo, la capacidad que hay para nutrir la vida, como el agua. Mientras que, el Yang, representa lo luminoso, la expansión, el fuego y el ímpetu que puede tener una persona.

Otro de los conceptos que nos plantea el Yin y Yang, es que todos los seres humanos llegan al mundo “completos”. Sin embargo, puede surgir la violencia en uno mismo, en el momento menos esperado. Esto significa que el ser humano puede sentirse feliz y desesperado en un solo día y está en la capacidad de odiar y amar al mismo tiempo y a una misma persona.

Es una teoría que se relaciona con el dilema del erizo, porque nos muestra que dos opuestos pueden convivir en armonía, a pesar de las adversidades, que es también una solución al dilema del erizo.

Teoría del equilibrio según Fritz Heider

Se trata de una teoría emocional que busca explicar el cambio de actitud en una persona. Con esta teoría Heider quiso explicar que las relaciones interpersonales necesitan tener un equilibrio. Cuando no existe ese equilibrio se genera una fricción entre las personas o los involucrados.

El psicólogo austriaco detalla en su teoría que las relaciones pueden ser de afecto o de unidas. Las primeras, se caracterizan por las actitudes positivas o negativas que tiene una persona hacia otra. Mientras que las de unidad son relaciones de causalidad o similaridad que pertenecen a un mismo grupo ya establecido. Un ejemplo de las relaciones de unidad, son las familias.

Arthur Schopenhauer en la reflexión del dilema del erizo da entender a la sociedad que los seres humanos siempre necesitan del apego, de las atenciones, de las relaciones. Sin embargo, después de un tiempo pueden quebrarse. Nada es perfecto y todo puede hacer daño en algún punto, pero es posible encontrar soluciones o límites que permitan la convivencia en armonía.  

Armin Hofmann: biografía y análisis de las obras y diseños del creador del estilo suizo

Armin Hofmann era un diseñador gráfico reconocido mundialmente por su “estilo suizo”, ya que nació en Suiza en 1920 y perteneció a varios movimientos característicos de su país y a la reconocida Escuela de Basilea. De su autoría tiene los más importantes y reconocidos manuales de diseño, con referencia mundial. Sus carteles son conocidos por la carencia de color y usa como elemento principal la tipografía. De esta manera, sus las obras de Armin Hoffman son reconocidas fácilmente, pues su estilo lo llamó “la trivialización del color”.

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Biografía de Armin Hoffman

En 29 de junio de 1920, Armin nació y se crio en Winterthur, Suiza, y falleció el 18 de diciembre de 2020, en la ciudad suiza de Lucerna, a la edad de 100 años. La muerte de Armin Hoffman ocurrió al lado de su esposa Dorothea Hofmann-Schmid.

Inicios

Comenzó su carrera asistiendo a la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich, pero al tiempo quiso ampliar su experiencia de impresión siendo litógrafo en Basilea y Berna. Con este nuevo empleo, abrió un taller de diseño y, después de toparse con Emil Ruder en el tren, se enteró que la Escuela de Artes y Oficios de Basilea se encontraba en la búsqueda de un profesor.

Y lo logró. Con solo 26 años, en 1947, se convirtió en el profesor de la Allgemeine Gewerbeschule Basel School of Art and Crafts, ubicada en Basilea. Una escuela que se caracteriza por influir en la comunidad del diseño gráfico, pero internacionalmente, ya que su tradición es formar a grandes del diseño gráfico, como lo fue el mismo Armin Hofmann o Emil Ruder y Wolfgang Weingart.

La también reconocida diseñadora estadounidense, April Greiman, fue una de sus alumnas en la Schule für Gestaltung de Basilea en 1970. El impacto de esta artista en el medio del diseño es tan grande, que la tildan de ser una de las exalumnas de Hofmann más célebres. 

Este lugar para Armin representó el mejor inicio de su carrera como diseñador gráfico, por lo que fue el sitio apropiado para crear una base sólida, creativa y amplia en sus diseños. Se dedicó formar alumnos por más de cuatro décadas y forjó un camino único en su trayectoria. Supo plasmar en sus libros cada idea que había aprendido y hacía lo que fuese necesario para enseñar un buen diseño. Convirtiéndolo en una de las figuras más importantes de Suiza y el mundo.

Influyente internacional

Siguió escalando hasta formar parte del departamento de diseño gráfico y sus decisiones fueron clave en el desarrollo del estilo, conocido como Swiss Style. En 1968, Armin Hofmann tuvo la idea de desarrollar una clase avanzada de diseño gráfico y pasó a convertirse en jefe del departamento de la escuela de artes más importante de Suiza.

Fue profesor invitado de la Universidad de Yale en 1955, enseñó en la Escuela del Museo de Filadelfia y fue invitado en la Conferencia Internacional de Diseño de Aspen. Armin Hofmann fue un maestro muy influyente hasta su jubilación en 1987, pero antes de eso se dedicó a escribir el “Manual de diseño gráfico”. Este es el libro de Armin Hoffmann más conocido entre los destacados del diseño e innovación. Incluso, forma parte de la distinción Royal Designer for Industry (RSA).

Esto fue creado en 1936 para crear estatus, aumentar el nivel de prestigio y mejorar la industria del campo entre los diseñadores. La distinción solo es otorgada a quien haya superado una “excelencia sostenida en el diseño estético y eficiente para la industria». Armin Hofmann forma parte del selecto grupo de 200 diseñadores en tener RDI, siendo el honor más alto del Reino Unido.

¿Cuál era el estilo de Armin Hofmann?

El estilo que caracteriza al diseñador gráfico suizo es una mezcla de todo, pero con toques únicos que marcaron su carrera en un antes y un después. Recordemos que como buen profesor su estilo de enseñar era un poco ortodoxo, pues tenía una amplia base con estándares nuevos que se fueron ampliando a medida que su educación iba avanzando por todo el mundo.

Su estilo tenía variaciones de Alemania, Rusia y Holanda, aunado a un estilo arquitectónico y vanguardia artística. El arte de Armin Hoffman es conocido por ser con poco color y más asociado a la fuente, algo a lo que Hofmann consideró «trivialización del color».

La importancia que Armin Hofmann fuese educador, lo llevó a tener recursos ricos y nuevos de la expresión visual, donde escribió libros, escenarios, símbolos, carteles, sistema de signos, exhibiciones, tipografías y hasta gráficos ambientales. Su trabajo dentro del diseño gráfico partía de tres importantes formas gráficas: punto, línea y forma. Suena sencillo, pero Armin Hofmann convertía sus obras en complejas y muy representativas de su sello. Todo Estados Unidos y Europa sabía identificar sus creaciones.

Característica de su estilo

Colegas y alumnos comentan que su estilo era muy inusual al de otros profesores, pues empleaba técnicas de foto-typesetting, fotomontaje y composición experimental. Todas apoyaban la tipografía de Armin Hoffmanque sin serif. Esto lo hizo interesante ante los ojos de sus admiradores.

Fue la principal cabeza para crear el estilo conocido como Swiss Style. Un diseño gráfico que se dedica a la resolución visual, representada como una amplia visión y detrás una belleza artística. Pero Hofmann siempre respetaba los valores culturales y el medio ambiente, caracterizando aún más su estilo, estructura y espacio como diseñador gráfico. Las creaciones de Armin Hofmann van desde piezas escultóricas, baldosas, paredes acústicas hasta pinturas en vidrio y libros.

Pero, ¿qué quería lograr Armin con cada trabajo y cada enseñanza? Algo llamado Klangen. Algo así como una especie de sonido musical en el idioma alemán y que se describe como la convergencia de la vitalidad perceptual y la lógica visual.

Armin Hoffman en el MOMA y Multipremiado

En 1964, obtuvo su primer premio en Lausana en la Exposición Nacional de Suiza. En 1987, quedó como Doctor Honorario de la Universidad de las Artes de Filadelfia y un año después recibió una distinción de la Royal Society of Arts. Recibió el Premio de Cultura de Basilea en 1997, obtuvo la medalla del Instituto Americano de Artes Gráficas en 2011 y en 2013 se llevó el Gran Premio de Diseño de la Oficina Federal de Cultura de Suiza. Los diseños de Armin Hoffman le han dado reconocimiento mundial y lo han llevado a estar en importantes lugares, como lo fue el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa).

Swiss Style

Como lo dijimos anteriormente, el Estilo Suizo o Estilo Internacional, nació entre Rusia, Holanda y Alemania, durante los años 1920 y 1930. Pero el movimiento se concretó en Suiza, en 1950, con Armin Hofmann liderando. Recordemos que Hofmann identificó sus diseños gráficos solo limitando sus obras a dos colores: blanco y negro.

El Estilo Tipográfico Internacional o Swiss Style es un estilo dentro del diseño gráfico y durante más de dos décadas cobró fuerza y repercusión mundial, incluso este estilo sigue siendo una gran influencia dentro del diseño en la actualidad.

El Swiss Style se caracteriza por mantener la legibilidad, objetividad y limpieza en cada creación, pero el sello más importante es que deben ser creaciones asimétricas; es decir, utilizar cuadrículas, letra sans-serif, alineado a la izquierda y texto derecho irregular, precisión, abstracción geométrica, sencillez, objetividad y fotografía. Este estilo creado por Armin Hofmann está asociado únicamente a utilizar fotografías, en lugar de ilustraciones o dibujos.

La mayoría de los trabajos del Estilo tipográfico internacional están representados en tipografías en su diseño principal, además del texto. Para conseguir el Swiss Style deberás jugar con el tamaño, color, posición, contraste, interletrado y peso, ya que este estilo no puede estar asociado a la decoración, por el contrario, está casado con la seriedad, busca objetividad y favorece la comunicación clara.

Extractos de Bauhaus, De Stijl y The New Typography están influenciados en las obras de Armin Hofmann, Ersnt Keller, Josef Müller-Brockmann y Max Bill, los creadores del estilo suizo. Estos maestros del diseño combinaron varios elementos de otras tendencias para crear la simplicidad y elegancia del Swiss Style.

Análisis de la obra de Armin Hoffman

Sus diseños gráficos recorrieron ciudades como Nueva York, Milán, Basilea, Minneapolis y Filadelfia. Pero acá te contaremos algunas de sus obras y sus diseños más importantes.

Manual de Diseño Gráfico

Es un libro que escribió en 1965 y muestra sus tres principales elementos: la forma, la línea y el punto, ofreciendo a todos los estudiantes un enfoque completamente diferente del diseño gráfico con formas geométricas claras y minimalistas.

Portada del Manual de Diseño Gráfico (Captura de pantalla de Niggli)

Das Holz como Bau Stoff

En 1952 diseñó un póster para la Oficina de Extensión Comercial de Suiza.

Póster para la Oficina de Extensión Comercial de Suiza realizado por Hoffman (Captura de pantalla del MOMA).

Crónica de la comunidad de Fichtelberg

Este libro lo escribió junto a Albert Lichtblau y Horst Pecher, y fue publicado en 2009.

Póster de Giselle de Armin Hoffman

Escuchar o leer los nombres “Giselle, Armin Hofmann” es una misma oración es hacer referencia a uno de los pósteres de Armin Hoffman más emblemáticos. En él resaltó una técnica de ballet convirtiéndose en uno de sus trabajos más importantes, ya que fue exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1959.

Armin-Hofmann-Giselle
Giselle (Captura de pantalla de MOMA).

El retrato de Armin Hoffman se encuentra en cualquier lugar que estudie o instruya sobre diseño gráfico. La influencia que ha tenido el diseñador y como el estilo suizo de Armin Hoffman ha recorrido el mundo se ve en cada rincón del mundo.

Poblados Marítimos: El Cap de França

Con este título se denominó a la zona comprendida entre las acequias dels Ángels y de la Cadena, ambas situadas al norte del Cabanyal. Una zona que con el paso del tiempo se convertiría en una parte de los terrenos de la actual Malva-rosa. La anécdota sobre este nombre viene por ser así denominada, exageradamente, su situación al norte del límite de Pueblo Nuevo del Mar, poblado formado por pescadores dentro de la jurisdicción, independiente desde 1836 a 1897, del Cabanyal y el Canyameral.

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Estos pescadores se dedicaban a la pesca del bou, y los bueyes utilizados para esta modalidad de pesca se guardaban en un edificio situado en la playa y denominado “la casa dels bous”, construida en el Cabanyal, siendo la última en edificarse, por el lento avance de la población desde el Grau a la Malva-rosa, que se hacía de una forma desordenada y sin control. Situación que permitía a los pescadores, construir cabañas sin ninguna autorización.

En 1863 el catastro nos dice que constaba de 341 barracas alineadas en 9 calles, que se extendían desde la acequia de Pixavaques a la de La Cadena. Algunas de las calles actuales han perdurado en el tiempo, y se corresponden a los siguientes títulos:

  • Alameda, actual Reina
  • Buenaguía actual Barraca
  • San Nicolás actual Padre Luis Navarro
  • Reina Amalia actual Progreso
  • Soledad actual José Benlliure
  • Sol actual Escalante
  • San Roque actual Arzobispo Company
  • Pilar, actual Tramoyeres
  • San Ramón

Diseñadores gráficos famosos: biografía y trabajos de los 25 mejores diseñadores gráficos de la historia

El ser humano tiene una asombrosa capacidad para evocar definiciones, sensaciones y emociones con tan solo observar una imagen. A través de ese lenguaje, los mejores diseñadores gráficos de la actualidad, crean una identidad propia para productos y servicios. Tal es su alcance que 25 de ellos son reconocidos mundialmente como diseñadores gráficos famosos, ya que logran fusionar el arte con el mercadeo y la identidad de marca. 

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Diseñadores gráficos reconocidos a lo largo de la historia

El arte y diseño gráfico se conjugan en logotipos, imágenes corporativas  y toda una identidad de marca a través de las imágenes de diseñadores  que han hecho historia en este ámbito.  Sus diseños famosos son reconocibles en cualquier lugar del mundo. El mayor aporte de estos 15 ilustradores o artistas gráficos consiste en su sencilla genialidad creativa, logrando crear un lenguaje en el que se establece un vínculo entre la marca y el cliente.

1. Paul Rand

Aun cuando este listado no posiciona a los mejores diseñadores gráficos de la historia por su orden numérico, sí es necesario mencionar que quien abre la lista es Paul Rand por ser considerado el más importante entre los diseñadores gráficos famosos.

Su mayor apuesta fue recalcar la labor comunicativa del logotipo. Con sus imágenes sencillas, pero efectivas, logró captar la identidad corporativa de gigantes empresariales como NexT, Ford, la cadena ABC y el fabricante informático IBM.

Disenadores graficos famosos Paul Rand
Paul Rand (Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Las obras de Paul Rand se distinguen por no sucumbir a los embates del tiempo. Sus líneas sencillas, modernas y sobrias continúan evocando la calidad de las marcas que representan. Silenciosamente les hablan a las multitudes acerca de las corrientes modernistas imperantes en las décadas de 1970 y 1980 en Europa.

Su estilo de diseño se define bajo las reglas del Bauhaus, propio del racionalismo alemán; la deconstrucción impuesta por De Stijl en los Países Bajos; y las teorías del constructivismo en la imagen, puesto de moda en Rusia.

La expresión “el diseño es simple por eso es tan complicado” deja en claro el pensamiento de Rand, quien optó por la deconstrucción de marcas complejas en logotipos sobrios y longevos.

Disenadores graficos famosos Paul Rand Logotipo de IBM
Logotipo de IBM (Paul Rand, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

2. Milton Glaser

Milton Glaser es otro de los referentes obligatorios del diseño gráfico. El neoyorquino es responsable de una de las imágenes más conocidas y replicadas en el mundo. Se trata del famoso diseño “I ♥ NY” (I Love New York).

Disenadores graficos famosos Milton Glaser
Milton Glaser (Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Su trabajo destaca entre los diseñadores editoriales famosos, ya que forjó su reputación diseñando en revistas como Paris Match, Village Voice y Esquire; asimismo, fue cofundador de la New York Magazine, en compañía del periodista Clay Felker. Su talento editorial también marcó huella en los periódicos que rediseñó, como en el caso de La Vanguardia, O’Globo y The Washington Post.

Del mismo modo, expuso la fluidez de su lenguaje visual  creando portadas de discos y carteles para músicos. Uno de sus diseños más legendarios fue la carátula del disco de Bob Dylan del año 1967.

Disenadores graficos famosos Milton Glaser Logotipo I Love NY
Diseño I Love NY (Jason.Kufer, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

3. David Carson

En oposición a otros diseñadores gráficos famosos, David Carson optó por la estética del caos. Así se evidencia en las portadas de las revistas Ray Gun, donde trabajó activamente a lo largo de su carrera.

Sus líneas no son ordenadas ni sistemáticas. Al contrario, irrumpen en medio del desenfoque, imágenes distorsionadas y tipografías desproporcionadas.

Disenadores graficos famosos David Carson
David Carson (Norman Posselt, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Se destacó en el diseño editorial, generando polémicas con las arriesgadas portadas de los magazines Musician, Beach Culture, Transworld Skate Boarding y Surfer. En esa década de 1990, el impacto de su tendencia gráfica encajaba perfectamente con la música de moda: el punk y el grunge. 

El estilo desafiante de Carson le hicieron ganar fama entre quienes disfrutaban intentando descifrar aquellas imágenes en las revistas musicales.

Durante la década de 1990, las obras de Carson pasan a otro plano, abriéndose paso en la consultoría de diseño para la gran industria estadounidense. Entre ellas, las empresas Hallmark Corporation, Pepsi, Burton Snowboards , Nike, Game Net Outdoors y Levis.

Posteriormente, incursionó en la dirección fílmica de comerciales para las empresas Microsoft, Coca-Cola, Cituybank y TV Guide, entre otras.

Disenadores graficos famosos David Carson Diseno revista Ray Gun
Revista Ray Gun (H. Michael Karshis, CC BY 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

4. Stefan Sagmeister

La biografía de Stefan Sagmeister está marcada por una de sus frases célebres, y es que “el diseño necesita agallas”. Nacido en Austria en 1962, ingresó en la University of Applied Arts de Viena donde cursó la carrera de diseñador gráfico, prolongando sus estudios en el Pratt Institute de New York.

Disenadores graficos famosos Stefan Seigmaster
Stefan Sagmeister (Merinda123, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Para el año 1991 cambió de domicilio hasta China, donde trabajó para las firmas Tibor Kalman y Leo Burnett y. Tras una época en el gigante asiático, abrió su propio estudio de diseño, colaborando en la elaboración de portadas para discos, obteniendo 5 nominaciones para el Grammy. Ganó en un par de ocasiones por su trabajo en el disco de Talking Heads “Once in a lifetime”, así como en el disco de Brian Eno y David Byrne titulado “Everything That Happens Will Happen Today”.

Del mismo modo, es popular por sus pósters transgresores y llenos de energía. La más famosa de las obras de Stefan Sagmeister se remonta a 1999, cuando se autoinflingió una serie de heridas con una navaja de afeitar para dar vida a la tipografía que anunciaba una ponencia en el Instituto Americano de Artes Gráficas (AIGA).

Irónico, controvertido y siempre cargado de polémica, Stefan Sagmeister es uno de los diseñadores gráficos famosos de la historia.

Disenadores graficos famosos Stefan Seigmaster Diseno Poster AIGA
AIGA-Detroit Poster Stefan Sagmeister (BBC World Service, CC BY-NC 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

5. Carolyn Davidson

Entre los nombres de diseñadoras famosas resalta el de Carolyn Davidson, la estadounidense creadora del logotipo de la marca Nike. La anécdota de tan genial diseño se remonta al año 1971, mientras Davidson estudiaba en la  Universidad Estatal de Portland. En ese momento Phill Knight, el fundador de la actual marca Nike, pagó por el arte la suma de 35$ USD.

A simple vista parece una palomita similar al check de una lista, lo que trasmite una sensación positiva y tranquila. Sin embargo, Carolyn Davidson le aclaró a Knight que se trataba de una representación gráfica minimalista, sobria, de las alas de la diosa griega de la victoria, Niké,  de la cual también se derivó el nombre de la marca.

Disenadores graficos famosos Carolyn Davidson Logotipo Nike
Diseño del logotipo Nike y evolución en el tiempo (Carolyn Davidson, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

6. Nigel Holmes

El diseñador inglés Nigel Holmes es conocido como el pionero de la infografía o gráficos de información.

Dio los primeros pasos en el diseño gráfico en su ciudad natal, Londres, en la década de 1970, hasta que se trasladó a Nueva York en 1977 para fundar en la revista Time el departamento de gráficos. A partir de entonces, se enfocó en perfeccionar su método para la elaboración de una infografía.

Desde entonces su estilo se fue definiendo entre las líneas gruesas de color negro, uso limitado del color y enriquecimiento del diseño solo con siluetas.

Esta manera de diseñar le favoreció en especial mientras se empezaba a incursionar en el diseño digital. Los diseños para la revista Time  eran pasados en las computadoras Mac, permitiendo la digitalización del trabajo final.

En 1993 fundó su empresa llamada Explanation Graphics, teniendo el paso de clientes de la talla de Nike, Sony, Visa y Apple, por mencionar algunos.

Disenadores graficos famosos Nigel Holmes Diseno de Infografia
Making An Information Graphic, by Nigel Holmes (Austin Kleon, CC BY-NC-ND 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

7. Storm Thorgerson

El británico Storm Thorgerson es conocido como un genio del diseño de portadas de discos, especialmente los de la banda Pink Floyd. De hecho, una de las insignes obras de Thorgerson es la portada del disco The Dark Side of the Moon.

Disenadores graficos famosos Storm Thorgerson
Storm Thorgerson (Jheald, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Los diseños de Thorgerson son surrealistas, imaginativos y no mueren con el tiempo. Su vigencia radica en hacer un prólogo visual de la música grabada en el disco. Cabe contar entre las portadas más famosas las de The Cranberries, Peter Gabriel, Led Zeppelin y Muse, entre otros.

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Los cuatro jinetes del apocalipsis en el cuarto LP de Muse, cuyo diseño pertenece a Thorgerson (Warner Bros).

8. David Consuegra

David Consuegra encabeza la lista de nombres de diseñadores famosos latinoamericanos, ya que es reconocido internacionalmente como creador de la carrera de diseño gráfico en su Colombia natal.

Disenadores graficos famosos David Consuegra
David Consuegra (Juan Consuegra, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Aprendió del genio Paul Rand mientras estudiaba diseño en Nueva York. Luego se dedicó a la actividad docente en universidades españolas y colombianas, a la vez que colaboraba con el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

En su labor investigativa y educativa, también se dedicó a la producción y traducción de textos de diseño al español, entre ellos, la obra de Rudolph Kolch, “El libro de los signos”. Del mismo modo, se ha dedicado al estudio de objetos prehispánicos, en la búsqueda de patrones y significados artísticos.

Disenadores graficos famosos David Consuegra Logotipo de Inravision
Logotipo de Inravisión (ElUsuarioDesconocido, CC0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

9. Saul Bass

Saul Bass es el responsable de la relevancia  que adquirieron los carteles de cine como parte de la presentación de una buena película. Él introdujo ritmo, color, movimiento y expectativa en el arte de elaborar afiches cinematográficos.

Disenadores graficos famosos Saul Bass
Saul Bass (ApolitikNow, CC BY-NC 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre los carteles de cine memorables creados por Bass se pueden mencionar  los de Con la muerte en los talones y Psicosis, ambas dirigidas por Alfred Hitchcock, así como el poster para Uno de los nuestros, de Martin Scorsese.

Disenadores graficos famosos Saul Bass Poster Pelicula Vertigo
Póster cinematográfico de la película Vértigo (Saul Bass, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

10. Art Paul

Arthur “Art” Paul es el creador de uno de los logotipos de diseñadores gráficos famosos mejor reconocible del planeta. La inocente imagen de un conejito sería desde el momento de su esbozo, la imagen de una de las revistas más vendidas en el mundo: el logotipo de Playboy.


Nacido en Chicago en el año de 1925, se vio en la necesidad de trabajar desde pequeño, pues había quedado huérfano de padre con apenas un año de edad. Repartía el periódico y sentía un gusto profundo por la admiración del arte. Descubrió ese deleite observando por largos ratos una escultura que mantuvo consigo hasta el final de su vida; se trataba de una imagen que su hermano mayor hizo de su hermana.

Obtuvo una beca para estudiar en el Instituto de Arte de Chicago, gracias al apoyo de un profesor que vio su talento. Tras su servicio en la segunda Guerra Mundial, se sirvió del plan de ayudas para veteranos y así continuar sus estudios, esta vez en el Instituto de Diseño de Chicago, donde obtuvo el grado de licenciado en el año 1950.

Era un joven ilustrador cuando recibió el encargo del diseño de un logotipo para la revista fundada por Hugh Hefner. Tenía una clara influencia minimalista de diseño, por lo que se enfocó en realizar trazos simples en el boceto del tan famoso conejito con pajarita. En menos de una hora su idea quedaría plasmada para siempre como una de las identidades de marca más conocidas del mundo.

Hefner supo de inmediato que lo quería para el trabajo de imagen en su revista. Durante 29 años Arthur Paul desarrolló la imagen editorial de Playboy, siendo un referente en el área de publicaciones especializadas en entretenimiento e información.

Disenadores graficos famosos Art Paul Logotipo de Playboy
Logotipo de la revista Playboy (Downtowngal, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

11. Massimo Vignelli

Massimo Vignelli es un claro ejemplo de qué son los diseñadores gráficos y cómo cada uno orienta su estilo en función de crear un lenguaje gráfico efectivo. Vignelli se encuentra entre los más importantes nombres de diseñadores famosos ya que fue quien ilustró los mapas de las vías del metro de Nueva York.

Disenadores graficos famosos Massimo Vignelli
Massimo Vignelli (Wikimassimovignelli, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Nació en Milán en el año 1931, pero vivió la mayor parte de su vida en Nueva York. Hizo carrera profesional como arquitecto, especializándose luego en el diseño de interiores, decoración y diseño gráfico.

Para Massimo y su esposa, Lella Vignelli, el diseño era único y por lo tanto, mantenían un riguroso método de creación para todo cuanto diseñaban. Mantenían el foco en la funcionalidad efectiva, manteniendo coherencia entre los objetos y su identidad empresarial.

Durante la década de 1960, los Vignelli se centraron en la elaboración de carteles informativos para el teatro, así como para la Bienal de Venecia y la empresa Pirelli. También ejercieron en la actividad docente impartiendo clases en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia. En esa misma década fundó junto a Bob Noorda el estudio Unimark, con sedes en varias ciudades estadounidenses.

En sus estudios fueron creados los logotipos de American Airlines. Tras separarse de Unimark, Vignelli creó los empaques y la imagen de los almacenes Bloomingdale’s.

El trabajo más importante de Massimo Vignelli es, sin dudas, el mapa del metro de Nueva York, así como sus carteles de señales. El estilo sencillo y colorido para diferenciar las líneas del metro, así como los puntos para establecer las paradas tuvo un impacto positivo tal que ha sido replicado en los trenes subterráneos de otras ciudades. Incluso, con ellos se establecieron normas y un manual para la elaboración de carteles del metro.

Disenadores graficos famosos Massimo Vignelli mapas del metro de New York
Ilustración de los mapas del metro de Nueva York (section215, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

12. Susan Kare

El talento de Susan Kare es una muestra de cómo el diseño gráfico en el arte logra nutrirse y generar nuevos conceptos. Kare es artista y una de las diseñadoras gráficas más ingeniosas de todos los tiempos.

https://www.youtube.com/watch?v=FKh4rdu3Lwk

Sus normas básicas para el diseño son el significado del diseño y que este sea claro, entendible para cualquier persona. En 1982 aceptó un trabajo para Apple, en el cual debía concentrarse  en el diseño de interfaz. La idea consistía en crear elementos universales, reconocibles y amigables para que cualquier persona que no fuese programador, pudiera manejar perfectamente una computadora.

Susan Kare se basó en el puntillismo y el bordado en punto de cruz para crear los iconos pixel a pixel, en un cuaderno de hojas cuadriculadas. Con sus dibujos humanizó los comandos del lenguaje de programación de una forma clara y directa, fáciles de recordar para cualquier usuario. Fue así como se mantuvo en Apple en el área de tipografía y diseño de interfaz hasta 1986.

Actualmente es consultora independiente y continúa creando iconos para empresas como IBM, Sony, Motorola, Facebook y Pinterest. Además, es quien diseñó el jugo Solitario de Windows.

Disenadores graficos famosos Susan Kare Iconos
Sketch of Graphic User Icons, 1982. #000000 icons. Gridded notebook. SFMOMA (rocor, CC BY-NC 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

13. Alan Fletcher

Alan Fletcher  se formó como diseñador y en las artes a partir de la década de 1950, cuando asistió a la Escuela de arte en Hammersmith así como a la Central School. Luego, impartió clases de inglés en Barcelona, hasta que obtuvo un cupo para ingresar en el Royal College of Art.


Fletcher es el creativo responsable de la imagen del Victoria & Albert Museum de Londres, el Institute of Directors y la empresa de noticias Reuters. También es uno de los fundadores de Pentagram, agencia de diseño famosa en la década de 1970.

Su mayor aporte fue darle identidad a corporativa a diversas impresas a través de la simplificación de sus fuentes tipográficas.

Disenadores graficos famosos Alan Fletcher diseno editorial
Diseño editorial (Alan Fletcher. Design Museum/London (Kim Eriksson, CC BY-NC 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

14. Herbert Lubalin

Entre los diseñadores gráficos internacionales figura el nombre de Herbert Lubalin, creador de la famosa tipografía Avant Garde. Lubalin nació y murió en la ciudad de Nueva York (1918-1981), donde también se formó como diseñador en la Cooper Union School of Art


Trabajó en numerosos proyectos vanguardistas, en especial a nivel de identidad editorial. Asimismo, dictó innumerables conferencias  en Europa, Canadá, Japón, Estados Unidos y Sudamérica.

Entre sus obras destacan la labor de diseño de imagen que desempeñó en la revista Eros. Asimismo, contaba con su propio estudio, de donde surge la idea de la tipografía Avant Garde. Más adelante también crearía las fuentes ITC Serif Gothic y la LSC Condensed y Ronda, entre otras.

Disenadores graficos famosos Herbert Lubalin Diseno tipografia Avant Garde
Herb Lubalin Type (brett jordan, CC BY 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

15. Vincent Connare

Hay quienes se han vuelto diseñadores famosos por legarnos, quizás, los diseños más impopulares de la historia. Amada y odiada a la vez, la fuente Comic Sans es el diseño que catapultó a la fama a Vincent Connare.

Disenadores graficos famosos Vincent Connare
Vincent Connare. BoringIV: Vincent Connare #2 (Isabelle, CC BY-NC-ND 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Su trabajo resalta entre los diseñadores digitales ya que trabajó en los vanguardistas proyectos de Microsoft en los Estados Unidos durante la década de 1990. En esa misma época creó los estilos tipográficos Wingdings y Trebuchet.

Connare se graduó como pintor y fotógrafo graduati del Instituto Tecnológico de Nueva York, alcanzando luego el grado de Maestría en Diseño Tipográfico, otorgado por la Universidad de Reading. Constantemente dicta conferencias de talla mundial explicando qué se necesita para crear la tipografía apropiada que sea aceptada internacionalmente.

En su caso, Comic Sans fue creada como la tipografía de los cuadros de ayuda animados. Vincent explica que, originalmente, el tipo de letra del ayudante era muy sobrio, así que replanteó la idea de cambiarla por otra más divertida, similar a una caricatura.

Tal vez sea que Comic Sans hartó a buena parte de los usuarios de Microsoft por su uso indiscriminado en resúmenes y todo tipo de redacciones. Pero no se puede negar que en ese momento se mantuvo como la más popular de las fuentes por reflejar un estilo jovial y diferente a los que existían en otros ordenadores.

Disenadores graficos famosos Vincent Connare Tipografia Comic Sans
Tipografía Comic Sans (BoringIV: Vincent Connare #1 (Isabelle, CC BY-NC-ND 2.0, Flickr/Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Los mejores diseñadores gráficos del mundo en la actualidad

El acceso a las herramientas de edición de imágenes en línea, ya sea a través del ordenador o de dispositivos móviles, ha desplegado un escenario en el que muchos se preguntan si el diseño, como profesión, está en su ocaso.

Por ello urge responder la siguiente pregunta: ¿qué es un diseñador gráfico? El trabajo de diseñadores gráficos se enfoca en crear un lenguaje visual, una imagen que muestra la identidad de aquello que se está graficando. Además, tiene que ser útil y efectivo en su labor comunicativa.

Entonces, ¿los diseñadores gráficos están en declive en esta época en la que es tan sencillo, para cualquier persona, generar imágenes  llamativas?  No, al contrario, su carrera está más viva que nunca. Por ello, prosigue el listado de los 25 diseñadores gráficos famosos del mundo, específicamente con los más reconocidos en la actualidad.

16. Charles Kidd

Charles “Chip” Kidd es uno de los diseñadores gráficos famosos del mundo por haber creado el logotipo de la película de Steven Spielberg “Jurassic Park”. El icónico dinosaurio en medio de un círculo sigue siendo fácilmente reconocible por cualquiera desde la década de 1990, cuando se estrenó la primera película.

Disenadores graficos famosos Charles Chip Kidd
Charles “Chip” Kidd (Pat Loika, CC BY 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El nombre de Chip Kidd también es popular en los EEUU por crear portadas muy llamativas para la editorial Alfred A. Knopf.

Disenadores graficos famosos Charles Chip Kidd Logotipo de Jurassic Park
Chip Kidd at TED2012: Full Spectrum, February 27 – March 2, 2012. Long Beach, CA. Photo: James Duncan Davidson (TED Conference, CC BY-NC 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

17. Javier Ramírez «El Chá!”

Javier Ramírez, conocido también como “El Chá!”es uno de los artistas gráficos mexicanos integrales que goza de mayor fama en la actualidad. Su creatividad es inagotable, empleándola enérgicamente entre empleos de diseño gráfico, proyectos propios, locutor y bajista de dos bandas musicales: Fobia y Moderatto.

Disenadores graficos famosos Javier Ramirez El Cha
Javier Ramírez El Chá, músico y locutor en Convoy (Festival Ambulante, CC BY-SA 2.0, Flickr/Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Se profesionalizó en el área de diseño gráfico en la Universidad Nacional Autónoma de México y cuenta con su propio estudio, llamado Hula Hula.

Ha participado en numerosos proyectos para firmas como Hard Rock Café, Sony BMG, Cartoon Network, entre otras. Sin embargo, se ha dedicado con mayor ahínco al diseño de portadas de discos y colaboraciones en el desarrollo de imagen de personajes de cómics.


18. Aries Moross

Aries Moross, también conocida como Kate Moross, es una genial exponente del diseño gráfico en el arte. Nació en el Reino Unido, y su carrera despegó desde muy joven, desempeñándose en varias áreas: ilustradora, directora de arte e indudablemente, uno de los nombres más importantes entre los diseñadores contemporáneos.

Disenadores graficos famosos Aries Moross
Kate Moross. Typo Berlin 2013 – Day Two (Jens Tenhaeff, CC BY-NC 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre sus trabajos más relevantes se pueden enumerar su obra de arte contemporáneo OOOOF, el diseño de tipografía colorida y vanguardista, la dirección de la gira 2019 de las Spice Girls y la creación de imágenes en vivo de la banda One Direction. Actualmente dirige su famoso negocio Studios Moross.

Disenadores graficos famosos Aries Moross diseno de arte OOOOF
‘OOOOF’ by Kate Moross, Covent Garden (Loz Pycock, CC BY-SA 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

19. Andreas Preis

Andreas Preis es un joven diseñador gráfico radicado en Berlín que se especializa en el trazo del arte con aerosoles. Sus obras suelen ser formas humanas o de animales caracterizadas por el trazo geométrico de Preis.


Su técnica se basa en realizar primero el trazo dibujado sobre soportes físicos. Luego, los digitaliza para editarlos hasta obtener la imagen final.

Ha trabajado para clientes de talla mundial como DC Comics, TNT, Nike, Adidas y ESPN Classic, por mencionar algunos.

Disenadores graficos famosos Andreas Preis Diseno geometrico
Luminale Premiere: Cross Hatch – March 18th, 2018 (European Central Bank, CC BY-NC-ND 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

20. Rubén Fontana

Rubén Fontana es un diseñador gráfico argentino especializado en tipografía. De hecho, su apellido le da nombre a una de las marcas de diseñadores gráficos más conocidas en el mundo: Fontana Diseño.


En su estudio se ha dedicado a crear por cuatro décadas identidades empresariales internacionales, así como estilos de fuentes que pueden ser adquiridas en su sitio web. Es el primer argentino en formar parte de la Asociación de Tipografía Internacional. Uno de sus mayores aportes consiste en haber impulsado la materia de tipografía en la carrera de Diseño Gráfico de la Universidad de Buenos Aires.

Actualmente continúa trabajando en su estudio e impartiendo conferencias internacionales enfocadas en imagen corporativa y diseño tipográfico.

Disenadores graficos famosos Ruben Fontana Diseno Tipografia Palestina
New Font: Palestina (FontShop , CC BY 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

21. Alex Trochut

El diseño gráfico contemporáneo se ha nutrido enormemente de la creatividad de Alex Trochut, diseñador gráfico español, referente actual en toda Europa.

Disenadores graficos famosos Alex Trochut
Alex Trochut (Baptiste Pons, CC BY-NC-ND 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Se ha especializado en la creación de imágenes a través de la tipografía exquisitamente elaborada con trazos sobrios y pequeños detalles que añaden un tono vanguardista sin llegar a ser recargado.

Ha trabajado para clientes como The Guardian, Coca-Cola, Brittish Airways y The Rolling Stones, por mencionar algunos. Asimismo, continuamente dicta conferencias relativas al diseño de imágenes a través de la tipografía.

Disenadores graficos famosos Alex Trochut diseno de tipografia
OFFF: Alex Trochut (Alexander Johmann, CC BY-SA 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

22. Yugo Nakamura

Nakamura es uno de los diseñadores pioneros en el diseño digital animado, por eso es reconocido con apodos como El Genio del Flash o como Yugop. Es el máximo exponente del diseño gráfico en la nación nipona.


Completó las carreras de arquitectura, ingeniería y paisajismo en su Japón natal, en la ciudad de Tokio.

Al principio de su desempeño profesional se especializó en el diseño de puentes, pero pronto pasaría a ser una mente ingeniosa en cuanto al uso del programa Adobe Flash.

Disenadores graficos famosos Yugo Nakamura Diseno del Industrious Clock
Industrious Clock (Ars Electronica, CC BY-NC-ND 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

23. Dr. Alderete

El reconocido diseñador gráfico de nacionalidad argentina, Dr. Alderete, es una leyenda viva del diseño y la ilustración latinoamericana. Su nombre se encuentra entre la lista de diseñadores editoriales famosos por su incansable trabajo como ilustrador de libros  y sus portadas, entre ellos Los logos series, Latin American Graphic Design e Illustration Now, Kustom Graphics, entre otros.


Alderete suele explicar a quienes recién inician su trayectoria como ilustradores que son muchos los empleos de diseñador gráfico. Sin embargo, cada profesional va encontrando su propio camino a través del estilo que va definiendo.

En su haber ha trabajado con empresas como Nickelodeon, MTV, Once TV y la cadena Fox. Actualmente le dedica más tiempo a sus propios proyectos, como su tienda virtual, el trabajo editorial y la producción discográfica.

Disenadores graficos famosos Dr Alderete disenos
Dr. Alderete en TMDG 2011 (Pablo Zarate , CC BY-NC-ND 2.0, Flickr /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

24. Rob Janoff

Rob Janoff es un claro ejemplo que qué son los diseñadores gráficos. Es el creador de la icónica imagen de la manzana mordida de Apple. Con este logotipo sobrio y a la vez versátil, demuestra una vez más la responsabilidad de los diseñadores gráficos y sus trabajos para crear una imagen que no envejezca con el paso del tiempo.

Su idea se generó mientras trabajaba en la agencia de publicidad Regis Mckenna en 1977. Desde entonces trabajó en diversos proyectos que no modificarían la estructura original del logotipo de Apple, sino que se renovaría constantemente con efectos visuales.

Disenadores graficos famosos Rob Janof Logotipo Apple
Logotipo arcoíris de Apple (Rob Janoff, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

25. Noma Bar

Nacido en Israel, Noma Bar es un diseñador gráfico que se basa en los planos monocromáticos para crear imágenes geniales. De esta manera maneja el espacio negativo creando imágenes en apariencia ocultas.

Disenadores graficos famosos Noma Bar
Noma Bar (Samuel Wiki, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Utiliza un lenguaje visual incisivo, causando un impacto duradero entre el público de sus clientes editoriales como The Guardian, UKnow, The Economist y el Esquire.

Disenadores graficos famosos Noma Bar disenos
Diseño y uso del espacio negativo (Delta News Hub, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Los diseñadores gráficos famosos han alcanzado su reputación por hacer de la disciplina de la imagen una forma efectiva de comunicación. La claridad de sus mensajes queda establecida entre trazos sencillos y fáciles de entender, generando así símbolos universales que hablan de una identidad de marca. Por ello, los mejores diseñadores gráficos de todos los tiempos continúan instruyendo a las nuevas generaciones en la construcción de un lenguaje entendible a través de las imágenes.

Cinco noticias clave del lunes 17 de enero

Media cucharada de aceite de oliva al día reduce el riesgo general de muerte en un 34%

Un estudio llevado a cabo por la Universidad de Harvard concluyó que cocinar con media cucharada de aceite de oliva al día podría aumentar la longevidad y reducir el riesgo de cáncer, infartos, y también ayuda a reducir las posibilidades de padecer la enfermedad del Alzheimer. 

Asimismo, los científicos explicaron que suplantar 10 gramos de margarina y mantequilla por una cantidad equivalente de aceite de oliva disminuyó el riesgo de muerte en un 34%, en comparación con las personas cuyas dietas contenían poco o nada de aceite de oliva. 

Además, el estudio indicó que los beneficios del aceite de oliva podrían derivarse de su componente de compuestos vegetales y ácidos grasos monoinsaturados que “incluyen propiedades antioxidantes y antiinflamatorias y la capacidad de reducir la presión arterial”. Agregaron los expertos que las personas que consumen más aceite de oliva también son “más activos físicamente, más propensos a comer más frutas y verduras que aquellos con menos aceite en su dieta”.

Un primer estudio mundial ha revelado las causas de la “anemia espacial”

La Universidad de Ottawa y el Hospital de Ottawa han realizado un estudio, el primero en su tipo, que ha revelado cómo los viajes espaciales pueden causar recuentos más bajos de glóbulos rojos, lo que se conoce como anemia espacial. La investigación contó con el análisis de 14 astronautas, y encontró que sus cuerpos destruyeron “un 54% más de glóbulos rojos en el espacio de lo que normalmente harían en la Tierra”. El estudio mostró que…

“al llegar al espacio, se destruyen más glóbulos rojos, y esto continúa durante toda la duración de la misión del astronauta» y, sobre esto, los expertos detallaron que la destrucción de glóbulos rojos era “un efecto primario de estar en el espacio, no solo causada por cambios de fluidos”. 

Aunque el tema de la “anemia espacial” suene preocupante, los investigadores subrayaron que «afortunadamente, tener menos glóbulos rojos en el espacio no es un problema cuando tu cuerpo no tiene peso”, pero advirtieron que los efectos se sienten al aterrizar en la Tierra porque el cuerpo debe empezar a lidiar con los efectos de la gravedad. 

El FaceBit puede detectar la frecuencia cardíaca, respiratoria y los estados emocionales

El FaceBit, o “Fitbit para la cara”, es un pequeño sensor de que se conecta a una máscara facial y utiliza un pequeño imán para rastrear la frecuencia respiratoria y cardíaca del usuario, así como su estado emocional e indica cuánto tiempo ha estado usando la máscara o si la máscara tiene alguna filtración.

Este dispositivo está pensado tanto para la comunidad médica como para toda la comunidad. De acuerdo a los ingenieros de la Universidad Northwestern, quienes se encargaron del diseño del FaceBit, el pequeño chip se puede usar para “predecir el estado emocional y el nivel de fatiga del usuario”. 

El FaceBit funciona con una pequeña batería, pero se recarga constantemente simplemente por la fuerza  y el calor de la respiración del usuario. El calor del Sol también ayuda a que la batería dure al menos 11 días con carga completa, según detallaron los investigadores.

Expertos aseguran que la sociedad vive en una era donde los sentimientos triunfan sobre los hechos

Científicos de la Universidad e Investigación de Wageningen (WUR), junto a la Universidad de Indiana, analizaron el uso de millones de libros y noticias en inglés y español publicados entre 1850 y 2019, y evaluaron más de 5,000 palabras de uso frecuente. El estudio reveló que la sociedad está en “la era de la posverdad, donde los sentimientos triunfan sobre los hechos”, pues el lenguaje se ha vuelto “menos racional y más emocional en los últimos 40 años”.

El equipo descubrió que palabras como «determinar” y “conclusión” que fueron populares entre 1850 y 1980 han sido reemplazadas por “sentir” y “creer”. Asimismo, identificaron que con el nacimiento de las redes sociales aumentó el uso de un lenguaje “cargado de emociones y disminuyeron las palabras relacionadas con hechos”. 

El equipo también identificó que hay mucha presencia del lenguaje relacionado con la creencia, la espiritualidad, la sapiencia y la intuición, como “imaginar, compasión, perdón, sanar”.

Una encuesta revela que los padres sienten haber desarrollado superpoderes tras tener un bebé

La encuesta, realizada por OnePoll en nombre de Stokke, una compañía del ámbito familiar, encontró que los reflejos de los padres, el incremento repentino de la fuerza y hablar el idioma de los niños, son algunos de los “superpoderes’” que las personas han desarrollado después de convertirse en padres. 

De acuerdo a los datos, el 43% de los encuestados opina que convertirse en “un modelo a seguir” supuso un gran cambio en la paternidad y maternidad. 

La encuesta a 2,000 padres también reveló que el 63 % dijo que encontró la capacidad de entender el “lenguaje de los niños”, y el 53 % de todos los padres desarrollaron una “súperfortaleza” o se convirtieron en un “dúo dinámico” que puede llevar mejor la vida de ser padres

Poblados Marítimos: El Canyamelar

Habitado desde muy antiguo, por casas dispersas, no constituyó un núcleo de población hasta finales del siglo XVIII o principios del XIX. Como hemos podido ver en capítulos anteriores, junto con las partidas del Cabanyal y del Cap de França formó parte del Poble Nou del Mar.

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Ocupaba la zona comprendida entre la Atarazana Norte del Grau y la acequia de Gas, que lo separaba del Cabanyal. Extramuros de la parte septentrional de la muralla del Grau, se fueron edificando barracas y viviendas por parte de los pescadores, y en pleno siglo XIX, la retirada del mar, lo que aumentó considerablemente, la zona litoral, y el reconocimiento como población independiente, dio lugar a su nueva fisonomía.

Se supone que el nombre le viene por el cultivo de la caña de azúcar dulce (canyamel), plantaciones que se mantuvieron hasta mediados del siglo XVIII cultivo, al parecer, introducido, por los árabes, aunque hay quienes lo atribuyen a los romanos, e incluso a los íberos, y que tuvo gran desarrollo en Valencia a lo largo de toda la Edad Media, en Castellón, la Valldigna, Oliva y sobre todo en Gandia, donde en 1800, aún quedaban restos de los molinos llamados trapixadors, aunque en la actualidad el cultivo de las caña de azúcar está desaparecido.

Aunque otros autores, sitúan el origen de su nombre a la existencia de numerosos cañaverales de una especie de caña, la Arundo Dinax, muy corriente en zonas pantanosas y en las orillas de los ríos. Razón por la cual esta planta era muy abundante bordeando el Grau, desde la margen del Turia hasta la acequia de Vera. En la zona también existían grandes plantaciones de cáñamo, elemento indispensable para la vida marítima. A los que se dedicaban a esta industria se les llamaba cañameros.

Obras del Romanticismo: 60 obras destacadas de los principales representantes del Romanticismo en pintura, música y literatura

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El arte del Romanticismo se dejó sentir desde sus propios inicios en el siglo XIX, propagándose en destacadas disciplinas como la literatura, pintura y música, donde se dejaron de lado los preceptos que habían marcado el neoclasicismo y el academicismo. Este movimiento artístico, surgido en Europa, se extendió hacia otras latitudes, como América Latina, y en ambos continentes emergieron algunos de los principales exponentes del Romanticismo que hoy siguen siendo referentes en las mencionadas áreas. Este artículo está dedicado a detallar sesenta obras del Romanticismo, destacadas dentro del mundo literario, musical y de la pintura de esa majestuosa era artística.

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Los 25 músicos románticos más importantes del periodo y sus obras clave

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Las principales obras literarias del Romanticismo

Iniciamos esta interesante lista con algunos de los autores y obras de la literatura romántica, que desde sus primeros momentos, maravilló a la opinión pública y al ámbito de las letras en general. Muchos de los escritores que presentaremos a continuación, continúan siendo preponderantes en este arte, y sus libros han dado la vuelta al mundo, siendo reeditados y publicados en múltiples ocasiones, por el destacado éxito que han tenido a lo largo de los años. Descubre los más consagrados autores y obras del Romanticismo literario:

1. Orgullo y prejuicio

Iniciamos este listado de obras literarias cortas del Romanticismo con la publicación de la escritora británica Jane Austen, que trata la historia de cinco mujeres humildes que son impulsadas por su madre a encontrar el amor para escalar y posicionarse dentro de las altas esferas sociales, buscando superar la discriminación y el clasismo.

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2. Cumbres borrascosas

Emily Brönte, junto a sus hermanas Charlotte y Anne, forman parte de la oleada de autores literarios del Romanticismo inglés. Esta única novela de Emily relata una historia de amor trágica, encabezada por un hombre despreciado por su condición social en su juventud, que busca venganza y justicia en su lugar de origen una vez alcanzado el poder y el éxito que obtiene en edad adulta.

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3. Frankestein o el moderno Prometeo

El nombre de Mary Shelley no puede quedar por fuera dentro de este top de los principales autores y obras del Romanticismo, todo un clásico dentro de la novela gótica y la ciencia ficción, donde se narra las vivencias de un estudiante de medicina, creador de un engendro compuesto con partes humanas diseccionadas, que cobra vida solo para convertirse en un monstruo con sed de venganza.

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4. Oliver Twist

Otro de los representantes del Romanticismo literario es Charles Dickens, autor de este libro protagonizado por un niño huérfano que crece en un contexto oscuro y complicado como lo fue el de la Inglaterra en época victoriana, donde la desigualdad y la pobreza estuvieron a la orden del día.

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5. Cantares gallegos

Rosalía de Castro es merecedora de un puesto entre los autores del Romanticismo literario español. Esta compilación de poemas manifiesta las costumbres, intimidad y el amor presentes dentro de la sociedad gallega, a la vez que busca enaltecer el sentimiento de identidad que, en la época en la que fue publicado el libro, no contaba Galicia con el resto de España.

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6. Fausto

El polifacético alemán Johann Wolfgang von Goethe es el autor de este libro, una tragedia que simboliza la atracción del protagonista por la magia, el naturalismo y por la filosofía, donde frecuentemente, hace reflexiones sobre las razones de la vida humana.


7. Los miserables

Entre los poetas destacados del Romanticismo resalta el nombre de Víctor Hugo, autor de esta crónica que representa las revueltas populares y la lucha por la libertad y otros principios que se encarnaron durante el contexto de la Revolución Francesa, reflejados en el protagonista de esta obra que lucha por sus convicciones. Por medio de esta publicación, Víctor Hugo sobresale entre los escritores y poetas representativos del Romanticismo en general.


8. Rimas y leyendas

Gustavo Adolfo Bécquer es catalogado como uno de los poetas más representativos del Romanticismo español. La tradición y el amor se hacen presentes en esta importante recopilación literaria que legó el escritor hispánico para el público lector, fanático del terror y la fantasía.


9. Don Juan

Uno de los poetas del movimiento del Romanticismo más sobresalientes fue Lord Byron, considerado el precursor de la poesía en lengua inglesa. Este poema de corte satírico, emula la leyenda de Don Juan, esta vez representado por un joven puberto que tiene que lidiar con la seducción de las mujeres.


10. El estudiante de Salamanca

De los autores destacados del Romanticismo en España tenemos a José de Espronceda, escritor de esta compilación de versos narrativos que componen este poema de cuatro partes, donde se perciben sentimientos como el cinismo, la rebeldía, la transformación y la locura.


11. El gato negro

El estadounidense Edgar Allan Poe también engrosa la lista de importantes escritores del Romanticismo, ya que simpatizó con este movimiento una vez llegado a tierras norteamericanas. Este cuento terrorífico combina lo mejor de la opresión psicológica y las emociones que aflora el humano al encontrarse en espeluznantes situaciones.


12. Los novios

Una pareja tiene que sobrevivir a las penurias derivadas de las malas decisiones políticas y económicas que no han dejado más que peste, hambruna y guerra en la Milán de 1630. Este interesante libro de Alessandro Manzoni es otro imperdible del Romanticismo.


13. Moby Dick

Esta novela del novelista estadounidense Herman Melville, cuenta la historia de un capitán que se obsesiona con la captura de una ballena blanca, animal que emerge de los mares como representación del mal, rudeza y hostilidad, presente en los profundos mares.


14. Los hermanos Karamázov

Esta obra del ruso Fiódor Dostoievski narra las vivencias de tres hermanos que crecieron en una tradicional familia noble rusa, encabezada por un padre que, muchos años después, es asesinado. Este crimen reúne a sus descendientes para tratar de descifrar el misterio que gira en torno a esta tragedia familiar.  


15. Madame Bovary

Otra interesante novela romántica es esta obra de Gustave Flaubert, que relata la búsqueda que encabeza una joven mujer casada por hallar el amor y la comprensión que su matrimonio no ha podido darle.


16. Jane Eyre

Otra de las hermanas Brönte ocupa un lugar significativo entre los principales representantes del movimiento literario del Romanticismo. Charlotte es la escritora de esta obra, protagonizada por una mujer temperamental con un pasado difícil, que establece una fuerte relación amorosa con un señor durante su tiempo como institutriz en una prestigiosa casa.


17. Ficciones

Jorge Luis Borges es uno de los más consagrados autores del movimiento literario del Romanticismo latinoamericano. El argentino es el escritor de esta compilación de cuentos que motiva al lector a reflexionar acerca de variados aspectos de la vida, movido por la perspectiva del autor.


18. Atala

François – René, vizconde de Chateaubriand, es otro de los principales representantes del Romanticismo literario, siendo considerado el precursor de este movimiento en su Francia natal. La religión y la naturaleza se hacen presentes en esta historia de amor no correspondido, que bien recuerda a otros romances de este tipo, clásicos en la literatura mundial.


19. Anna Karenina

El escritor ruso León Tolstoi es otro de los autores del Romanticismo en literatura que contribuyó a la expansión de este movimiento artístico en su país de origen, todo gracias a este libro, que habla sobre tres matrimonios que se desarrollan durante la época del Imperio ruso, movidos por alegrías, penurias, tristezas y desafíos como el adulterio.


20. El conde de Montecristo

Cerramos esta lista de principales autores y obras de la literatura del Romanticismo con uno de los libros más aclamados del escritor francés Alejandro Dumas, que narra la historia de amor, venganza y aventura, que vive un joven marinero injustamente enjuiciado por un crimen que no cometió.


Algunas obras principales del Romanticismo dentro de la pintura

La pintura fue otro de los ámbitos donde el arte del Romanticismo destacó. Muchos de los artistas de esta era, bien sea nuevos pintores o experimentados autores que simpatizaron con este movimiento, lograron desprenderse de las clásicas técnicas que se habían aplicado hasta ese entonces, creando reconocidas obras de arte que hoy siguen engalanado las más destacadas galerías en todo el mundo. Entre los máximos exponentes del Romanticismo dentro de la pintura y sus más reconocidas piezas artísticas se encuentran:

21. La libertad guiando al pueblo

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(Louvre Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Eugène Delacroix es uno de los afamados autores de la época del Romanticismo. Esta pintura refleja el patriotismo, simbolizado por la representación humana de la libertad que motiva al pueblo a luchar contra sus opresores. La pieza, referente del arte político, se ha asociado a acontecimientos como revoluciones y victorias populares.

22. La balsa de la Medusa

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(Louvre Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta pintura del francés Théodore Gericault figura entre las más hermosas obras del arte del Romanticismo, donde el creador se inspiró en una tragedia motivada por el naufragio de una embarcación que costó la vida de cientos de soldados, logrando sobrevivir a esta calamidad solo quince personas. El realismo al representar tan dramático escenario, ubicó al artista entre los autores más sobresalientes del Romanticismo.

23. El nacimiento de Venus

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(Museo del Prado, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Antonio María Esquivel supo combinar los elementos artísticos de la Antigüedad con las novedades ofrecidas por la corriente romántica. El artista español es el autor de uno de los desnudos femeninos más admirados dentro de esta época artística, simbolizando además una escena mitológica tan representada como el nacimiento de la diosa Venus.

24. El caminante sobre el mar de nubes

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(Hamburger Kunsthalle, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta particular pieza del alemán Caspar David Friedrich, representa todo lo que se buscaba durante la era romántica,  ya que es un cuadro que refleja profundos sentimientos como la melancolía, nostalgia, drama y otros estados emocionales, presentes en la pintura que muestra a un caminante que se adentra en un tempestuoso paisaje.

25. El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace

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(National Gallery, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otra aclamada pintura romántica es la pieza del inglés William Turner, que representa la última navegación del otrora victorioso navío HMS Temeraire, viajando hacia su desguace. La obra simboliza el sentimiento patriótico y político, además de sentimientos y emociones que se expresan en el paisaje de esta maravillosa pintura.

26. La pesadilla

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(Detroit Institute of Arts, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El pintor suizo Johann Heinrich Füssli mezcla el terror, el erotismo, la mitología y el ocultismo a través de esta obra, que muestra a una mujer dormida poseída por un íncubo que se presenta en sus sueños eróticos, todo ello ante la presencia de un oscuro caballo que atestigua dicha escena.

27. La barca de Dante

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(Museum of Fine Arts of Lyon, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otro lienzo de Delacroix que simboliza de manera humana, uno de los pasajes más destacados de La Divina Comedia, pieza literaria de Dante Alighieri. Esta pintura muestra el descenso de Dante y de Virgilio al purgatorio y al infierno, a bordo de una barca rodeada de almas desnudas.

28. Los niños Hülsenbeck

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(Hamburger Kunsthalle, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Esta bella obra del alemán Philipp Otto Runge simboliza la nostalgia, inocencia y otros sentimientos relacionados con la infancia, por medio de la representación artística de los hijos de un amigo del artista, pintados junto a unos girasoles.

29. La conquista de Belgrado

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(National Museum of Serbia, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

En el arte del Romanticismo resaltaron varias pintoras, como en el caso de Katarina Ivanović, que representa el momento histórico cuando se da la primera insurrección serbia, que motiva a la captura de la ciudad de Belgrado a fines de 1806.

30. Los prófugos de Parga

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(Tosio Martinengo Gallery, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otra pieza de Francesco Hayez que es un referente dentro del Romanticismo italiano, donde se trae en escena el desplazamiento de los habitantes de Parga durante la ocupación de este territorio en 1818 por parte del imperio Otomano.

31. La gran odalisca

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(Louvre Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El desnudo femenino en forma natural fue uno de los temas frecuentes dentro de la pintura romántica. En esta oportunidad, el francés Jean Auguste Dominique Ingres pinta a una odalisca sin vestimenta recostada sobre un diván en una pose atractiva.

32. Eco y Narciso

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(Walker Art Gallery, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El pintor inglés John William Waterhouse se inspira en un poema mítico griego, obra de Ovidio, que ilustra la escena de las dos figuras protagonistas, antes del ensimismamiento del joven por su propio reflejo que derivó en su ahogamiento en el agua.

33. El mar de hielo

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(Hamburger Kunsthalle, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otra pintura de Friedrich se presenta en este listado, siguiendo con la temática de paisajes turbulentos, donde se manifiestan profundos sentimientos como la fragilidad extrema que cuenta el ser humano, simbolizada en la pieza por el profundo mar de hielo que, a su vez, es testigo de un naufragio.

34. La catedral de Chartres

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(Louvre Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El artista francés Camille Corot es otro de los autores que hizo uso de elementos paisajísticos y naturales para asociarlos con sentimientos propios del hombre, elementos que son notables en esta representación pictórica, donde hay un vínculo entre lo humano y lo natural.

35. La bahía de Weymouth

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(National Gallery, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Este cuadro del pintor inglés John Constable refleja el buen manejo del artista dentro de la representación de paisajes, donde siempre sobresalió. Esta obra simboliza uno de los lugares favoritos del artista, creada durante su luna de miel en el lugar.

36. El beso

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(Pinacoteca di Brera, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El pintor italiano Francesco Hayez es el autor de esta obra de arte, donde conjugan la pasión de dos jóvenes por medio de un apasionado beso y la simbolización patriótica, nacionalista y de compromiso militar y político que se promovía en las primeras décadas del siglo XIX.

37. La maja desnuda

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(Museo del Prado, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Es una de las obras emblemáticas del pintor español Francisco de Goya, que representa de forma muy natural un desnudo femenino, desprendiéndose del ámbito mitológico que venía dándose en torno a las piezas pictóricas de este tipo. Fue encargada en su momento por el político Manuel Godoy.

38. El desesperado

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(Gustave Courbet, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Este autorretrato del francés Gustave Courbet es la clara expresión del Romanticismo en toda su extensión, representándose a sí mismo como un joven que mira con impaciencia y desesperación al espectador de la obra.

39. La carreta de heno

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(National Gallery, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Otro cuadro con temática paisajística es esta obra del inglés John Constable, donde se inspira en el valle de Dedham, localidad donde nació, para representar un ambiente bucólico, nostálgico y triste, en una pieza artística admirada en su momento por otros artistas de la corriente romántica como Géricault y Friedrich.

40. Dido construye Cartago

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(Joseph Mallord William Turner, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Lo clásico fue una de los mayores influjos de los artistas del Romanticismo, pero el toque característico de esta corriente decimonónica se obtiene del aspecto naturalista de las piezas artísticas emergidas durante ese contexto. Un buen ejemplo de ello es este cuadro de William Turner, inspirado en un pasaje de la Eneida de Virgilio, mostrando el apego por el pasado histórico.

Destacadas obras y autores del Romanticismo en el ámbito musical

Otra de las disciplinas donde se desarrollaron principales personajes del Romanticismo fue en la música, cuyas piezas y composiciones aún forman parte de los repertorios de orquestas afamadas y recitales sobresalientes en todo el mundo, en parte por la innovadora forma en la que fueron creadas bajo la concepción de la corriente romántica. De los principales autores del Romanticismo y sus obras musicales tenemos:

41. El barbero de Sevilla

Esta famosa ópera del compositor italiano Gioacchino Rossini (1816) lo proyectó entre los autores sobresalientes del Romanticismo musical. Esta comedia se basa en la obra homónima de Pierre-Augustin de Beaumarchais.

42. Preludio N° 9

Entre los autores importantes del Romanticismo dentro de la música se encuentra el compositor polaco – francés Fréderic Chopin, quien legó al mundo majestuosas piezas, como ésta, que solo ocupa doce compases.

43. Fantaisie-Impromptu

Otra de las majestuosas composiciones de Chopin que lo catapultó entre los autores más destacados del Romanticismo dentro del arte musical. Esta obra, creada en 1834 y publicada después de la muerte del músico, es una de las más reconocidas ejecuciones de piano del artista.

44. Estudio en 12 ejercicios

Franz Liszt fue uno de los encargados de poner en alto el Romanticismo en el ámbito musical. Muestra de ello es esta composición de su autoría, donde da luces de su magistral ejecución en el piano.

45. Sonata de Pascua

La pianista alemana Fanny Mendelssohn es una de las máximas exponentes del Romanticismo musical, rompiendo a su vez con paradigmas y prejuicios que rodeaban en ese entonces la participación de la mujer en este arte. Un ejemplo de su genio es esta bella pieza, compuesta en 1828.

46. El holandés errante

Esta ópera de Richard Wagner es otra de las manifestaciones del arte del Romanticismo dentro de la música. En 1843, el compositor creó esta pieza de tres actos, inspirado en las Memorias del señor de Schnabelewopski, del escritor Heinrich Heine.

47. An der schönen blauen Donau 

Tal vez este complicado nombre no te venga a la mente, pero este hermoso vals de Johann Strauss se hizo popular bajo el nombre El Danubio azul. Compuesto en 1866, tiene una enorme carga patriótica, surgida para aminorar los efectos de la derrota sufrida por Austria por parte de Prusia ese mismo año, en el marco de la Guerra de las Siete Semanas.

48. El lago de los cisnes

Otro de los máximos representantes del Romanticismo musical es Piotr Ilich Tchaikovsky, quien dejó un extenso legado en este subgénero artístico por sus magníficas composiciones. La reconocida música del ballet homónimo ha dado la vuelta al mundo a través de recitales llevados a cabo por aclamadas compañías de danza, que se mueven al compás de esta prestigiosa pieza, presentada por primera vez en 1877 como un cuento de hadas.

49. Fantasía sobre aires polacos

El nacionalismo siempre estuvo presente en la obra de Chopin, hecho que se ve manifestado en esta exquisita pieza, compuesta cuando solo contaba con 18 años de edad. A manera de himno, exalta el espíritu patriótico que destacó el músico en la mayoría de sus creaciones.

50. La traviata

Esta ópera del músico italiano Giuseppe Verdi es una de las más aclamadas en todo el mundo, siendo objeto de admiración aún en los recitales recientes, donde se disfruta con la misma pasión con la que se vivió en su primera presentación en Venecia, en 1853. Inspirada en la novela de Alejandro Dumas La dama de las camelias, Verdi fue el encargado de componer la música de esta pieza de tres actos.

51. El anillo del Nibelungo

Esta ópera creada por el compositor Wagner en 1876, exalta lo más relevante de la mitología germana, concretamente, las figuras más representativas de las sagas islandesas. Tanto la música como la letra de este ciclo de cuatro óperas fue creada por el músico alemán durante un lapso de 26 años, resultando una extensa, compleja, pero magnífica pieza romántica y épica.

52. Romeo y Julieta

Tchaikovsky fue el encargado de componer, en 1869, esta maravillosa obertura de fantasía, inspirándose en la historia de amor que se desarrolló en la reconocida tragedia literaria escrita por el inglés William Shakespeare. Por otra parte, muchos dicen que esta pieza fue fruto de una decepción amorosa sufrida por el músico ruso, coincidiendo con los sentimientos florecidos en la famosa novela shakesperiana.

53. Madama Butterfly

Giacomo Puccini fue el encargado de componer la música de esta célebre obra de tres actos, basada en el cuento homónimo del escitor John Luther Long. Fue estrenada en 1904 en Milán y, a partir de allí, se ha disfrutado en miles de ocasiones en distintos recitales alrededor del mundo.

54. Fantasía op. 15 D 760

Conocida como El caminante, esta pieza musical de Franz Schubert es otro de los referentes del Romanticismo musical, donde el compositor austríaco jugó un rol muy importante para su consagración dentro de este género artístico.

55. El Cascanueces

Otra obra de Tchaikovsky que lo posicionó entre los compositores y autores representativos del Romanticismo, es la música que engalana el cuento de hadas – ballet homónimo, tan reconocido sobre todo en época navideña. Desde su puesta en escena en 1892, El Cascanueces ha sido pieza de admiración del público de todas las edades.

56. Réminiscences de Don Juan

La obra del pianista y compositor Franz Liszt tuvo su punto de consagración gracias a esta pieza, ópera de tipo fantástico catalogada como la más exigente y compleja del germano, donde supo manifestar el dramatismo y la nostalgia trasmitida, en su primer momento, por la obra que influyó al músico a componerla: Don Juan, drama de Lorenzo da Ponte y Mozart. Por su complejidad, pocas veces es ejecutada en la actualidad.

57. Cantos de España

El español Isaac Albeniz es el autor de esta magistral composición en piano, una suite impregnada de colorido y que hace un recorrido musical por lo mejor de los sonidos ibéricos.

58. Rigoletto

Giuseppe Verdi es uno de los autores relevantes del Romanticismo dentro de la composición musical. Fue el encargado en componer la música de esta ópera de tres acto, estrenada en 1851 en Venecia como pieza fundamental del arte romántico.

59. La sonámbula

El italiano Vincenzo Bellini engrosa la lista de compositores de obras del Romanticismo con la ejecución musical de esta ópera de dos actos estrenada en Milán en 1831 bajo libreto de Felice Romani. Fue catalogada en su tiempo como semiseria, ya que presenta elementos tanto de la ópera bufa como de la seria.

60. Melodía en la bemol mayor

La pianista francesa Louise Farrenc logró romper las barreras patriarcales dentro de la música, destacándose como una de las pioneras de la composición llevada a cabo por mujeres. Una de sus reconocidas piezas es ésta.

Por medio de las obras del Romanticismo se puede ver la importancia que tuvo y que aún sigue teniendo este movimiento, siendo muchos de sus autores, influencias importantes para las posteriores etapas artísticas que han surgido en el tiempo. El arte del Romanticismo rompió paradigmas que se habían establecido en las centurias anteriores a su surgimiento, originadas en gran parte por escuelas e instituciones inspiradas por las creaciones de corte antiguo. El Romanticismo y sus autores aclamados lograron, en un destacado momento histórico, darle un giro al arte en general, progreso y avance que, hoy en día, el público puede seguir disfrutando y que se mantendrá por generaciones futuras.

Software comercial: qué es, tipos, características, ventajas y ejemplos de programas de software comercial

Pese a lo habituada que está la población al uso de software comercial raras veces los usuarios de menor exposición a la tecnología entienden en que se diferencia este programa comercial de otros tipos de licencias y lo que se puede o no hacer con él. Esto es un error grave que puede llevar a los piratas a enfrentar problemas legales. A continuación, todo lo que debe saber sobre los softwares comerciales y sus limitaciones de uso:

Ejemplos de software libre:
Tipos, definición y características de 30 aplicaciones y programas de software libre

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¿Qué es el software comercial?

Un software comercial es aquel que se crea y distribuye con el objetivo de conseguir ganancias de cualquier tipo. En pocas palabras, todo aquel sistema de computación por el que se debe pagar para poder usarse se consideran aplicaciones de software comercial.

Este tipo de programas informáticos poseen un código fuente protegido, para evitar su copia, redistribución o modificación, lo que salvaguarda de cierta manera los derechos intelectuales de sus creadores.

Algunas raras excepciones se pueden considerar software libre, es decir, que su código fuente está abierto para que los usuarios avanzados puedan modificarlo y distribuirlo.

En principio, los sistemas de software venían ligados a las piezas de hardware, por lo que no se consideraban un “producto” como tal, sino parte de un servicio. Con el paso de los años y con el desarrollo de equipos más potentes, capaces de hacer más cosas, marcas como Microsoft e IBM sentaron las bases de los primeros softwares privados.

La comercialización masiva de sistemas informáticos bajo licencia o pago se sustenta en lo complejo y demandante de su fabricación, requiriendo tanta logística, personal e infraestructura como cualquier otro producto.

A partir de los años 60 y 70 nacen entonces legislaciones para proteger los derechos de autor del software a través de contratos, códigos binarios irreproducibles y códigos fuentes secretos.

Toda esta serie de acontecimientos crearía las bases para el surgimiento de los más grandes imperios tecnológicos, en un mercado que mueve miles de millones de dólares al año.

Diferencias entre software libre y software comercial

Muchas personas tienen dudas sobre qué es el software libre y comercial, si tienen relación o son antagonistas, así que antes de continuar es importante aclarar las diferencias de software libre y comercial para evitar confusiones.

El software libre es aquel que les otorga a los usuarios cuatro derechos fundamentales: Usarlo, copiarlo, modificarlo y distribuirlo como desee. Para ello, el código fuente se hace público. La falta de alguno de estos derechos puede poner en duda la condición de “libre” de un programa.

Como principal diferencia entre software libre y software comercial podemos establecer que el primero puede venir directamente de una comunidad en la red, mientras que el segundo está siempre asociado a una marca.

Otra diferencia entre software libre y comercial es que los primeros tienen implícito el acceso al código fuente mientras que los segundos no.

Ahora, ¿puede un software comercial considerarse libre? La respuesta es sí, siempre y cuando el proveedor no limite las futuras acciones que el usuario pueda hacer con él, un programa puede considerarse software comercial y libre.

Para saber entonces en qué se aplica el software comercial, basta con ver cualquier sistema operativo de código cerrado.

Características del software comercial

Todo software comercial, sea libre o no, tienen un cúmulo de características fundamentales que los identifican:

Código privado

Los softwares comerciales tienen en su mayoría un código fuente que es privado, lo que quiere decir que pertenecen a una empresa o marca quien responde por la legalidad y desempeño de sus sistemas.

Algunas fuentes consideran que los softwares libres y comerciales no existen, porque a pesar de que permiten la modificación, distribución y uso, la propiedad intelectual sigue perteneciendo al creador original del código fuente, quien puede en algunos casos tomar derecho de cualquier “variante” creada por los usuarios.

Para definir entonces qué es software comercial importa revisar más sus políticas de derechos de autor que la libertad de su código fuente.

En esta disyuntiva se generan softwares mal llamados semilibres como por ejemplo el software educativo libre y comercial destinado al apoyo docente.

Pertenecen a un modelo de negocios

Como ya se ha mencionado, todo software comercial busca conseguir beneficios económicos de su distribución para sustentar el crecimiento de los fabricantes y justificar la maquinaria de trabajo que los hace posibles.

Incluso cuando se distribuyan muestras gratuitas estas se consideran comerciales, ya que tienen como objetivo llamar la atención del usuario para que se decida por un modelo premium.

Restricciones de copia y distribución

Todos los softwares comerciales tienen políticas que prohíben hasta cierto punto la copia indiscriminada del producto y su redistribución entre terceros.

Algunos fabricantes, sobre todo los de software libre, tienen legislaciones menos estrictas.

A pesar de que existe un marco legal para la protección de los derechos del usuario, la facilidad de los sistemas informáticos para su modificación y reproducción en comparación con los bienes físicos, por ejemplo, representa una lucha desgastante para esta industria.

Si un usuario paga por un software comercial y algún tercero quiere hacer uso de dicho software debe pagar por él.

Copiar y modificar un software para utilizarlo sin pagar por la debida licencia se considera un acto ilegal, al menos en USA y Europa.

Soporte y respaldo a través del fabricante

Todo software comercial ligado a una licencia de uso tiene cierto nivel de obligaciones con respecto a sus usuarios.

Si bien es cierto que muchas marcas pequeñas no prestan ni la más mínima atención a las quejas de los usuarios, en línea general todos estos tipos de programas vienen acompañado de un servicio posventa o soporte técnico que garantiza el disfrute del programa y que da valor a su licencia.

Todo software comercial tiene una marca asociada y toda marca vela por la reputación de sus productos, siendo esta una de las mejores garantías que ofrece la adquisición de una licencia.

Tipos de software comercial

Dependiendo de la disponibilidad y características principales de los paquetes de software comercial pueden existir diferentes tipos. En lo que respecta al formato (un método de clasificación popular en el pasado) podemos distinguir tres:

  • Software en CD: Que se distribuyen en unidades de CD y que suelen acompañar al hardware en determinados equipos especiales.
  • Software en USB o unidades externas: Programas como los asistentes de reparación mecánica o sistemas de diseño profesional, que son muy pesados, pueden venir en unidades extraíbles.
  • Software en la nube: Gracias al avance de las redes de internet y los servidores en la nube, muchas marcas modernas ofrecen sus sistemas a través de descargas directamente en línea.

Independientemente del formato en el que se distribuyan las distintas aplicaciones informáticas o sistemas operativos, se pueden reconocer cuatro tipos de softwares comerciales propiamente dichos:

Freeware

El Freeware es un tipo de software comercial más distribuido y conocido de todos porque es gratis. Si, gratis.

La idea de estos programas informáticos es que los distintos usuarios, empresas y potenciales clientes tengan la oportunidad de probarlos para que luego se decidan en comprar la versión comercial paga, que suele ser más potente o avanzada.

Los Freeware pueden ser copiados y redistribuidos de manera ilimitada, siempre y cuando no se realicen acciones contra su código fuente, ya sea para modificar su funcionamiento o robar el código para fines personales.

Si se busca definir qué es software libre y comercial puede que lo más cercano a eso sea un freeware.

Shareware

Los Shareware son bastante similares a los Freeware ya que estos pueden adquirirse de manera gratuita, pero a diferencia de los anteriores poseen funcionalidades limitadas que se pueden desbloquear al adquirir la licencia.

Mientras que un Freeware es una versión gratis de un programa más poderoso, los Shareware son softwares poderosos que están limitados a propósito para empujar al consumidor a pagar una licencia por el acceso a todas las funciones.

Software de evaluación (Demoware)

Los softwares de evaluación son el segundo modelo de negocios de este tipo más conocidos y reproducido.

Se tratan de programas que incorporan un reloj o contador de tiempo en el que los usuarios disfrutan de una prueba gratis completa con todas las funcionalidades. Una vez acabado el tiempo de prueba los usuarios deben pagar la licencia o simplemente dejar de usar el software.

Este tipo de distribución es notoriamente popular en programas como antivirus, cortafuegos, bloqueadores de spam y otros accesorios de seguridad.

Software propietario

El software de propietario es el modelo más restrictivo, ya que no puede ser distribuido, copiado, modificado o manipulado desde su código fuente sin autorización del fabricante.

Para poder instalar este tipo de programas es necesario una licencia que se puede conseguir a través del fabricante, ya sea pagándola en línea o comprando el CD/USB correspondiente. Usualmente, limitan en el número de equipos máximos en el que se pueden instalar y utilizar antes de agotar la licencia, con frecuencia de 1 a 3 dispositivos.

Este tipo de software comercial vienen equipados para funcionar solo donde son instalados por primera vez, lo que dificulta que puedan ser copiados y pasados a un tercero de manera gratuita.

Usar este tipo de programas sin pagar licencia se considera un acto ilegal de piratería, aunque raras veces esto persuade a los hackers.

Ventajas y desventajas del software comercial

Tal como pasa con casi todos los productos o servicios los softwares tienen tanto ventajas como desventajas que definen su utilidad y uso:

Ventajas del software comercial

Como ventajas generales podemos hablar de su robustez. Un programa comercial suele estar diseñado para hacer tareas específicas y hacerlas muy bien, además distribuyen su producto a las principales compañías con buenas estrategias de marketing convirtiendo sus formatos en un estándar de referencia.

Siendo más puntuales, podemos mencionar los siguientes puntos clave a favor:

Producto sólido y funcional

Detrás de cada programa comercial hay muchas horas de trabajado, creatividad y conocimiento profesional en programación e interfaces de usuario, como resultado este tipo de aplicaciones o sistemas tienden a ser más robustos y funcionales que las versiones no comerciales o libres.

Mayor nivel de adaptabilidad al hardware y al usuario

De nada sirve comerciar con un producto que luego no puede ser usado, con esto en mente los desarrolladores dedican muchas horas de desarrollo y testeo para asegurarse de que sus programas comerciales serán compatibles con la mayoría de dispositivos.

A esto se le suman sus diseños simples, fáciles de entender y que están optimizados para ofrecer la mejor experiencia de usuario posible sin sacrificar funcionalidad.

A diferencia de los programas no comerciales que, aunque pueden llegar a tener las mismas funciones, con frecuencia se enfocan en la funcionalidad sin considerar si los usuarios entienden o no el cómo funcionan.

Soporte posventa y procesos de defensa al consumidor

Al estar atados a una licencia y a un pago los diferentes desarrolladores se esfuerzan por darle valor a su producto, como ya se ha mencionado antes.

Esto quiere decir que los sistemas comerciales suelen contar con un buen apartado técnico, mecanismos para solucionar problemas, canales de contacto frecuente, asesorías de uso, actualizaciones constantes del código fuente y corrección de errores.

En un sentido general, la marca da seguridad a los usuarios quienes tienen métodos legales para hacer valer sus derechos y exigir soluciones. Un software no comercial, de código libre y modificado ofrece garantías de ningún tipo.

Software comercial y sus desventajas

Considerando los puntos débiles de este tipo de programas podemos destacar la accesibilidad y las limitaciones que representan para los usuarios más avanzados (que pagan por un producto que parece no pertenecerles). Siendo puntuales podemos resaltar las siguientes desventajas:

Funcionalidades limitadas y reguladas por el fabricante

A pesar de que los softwares comerciales están bien diseñados en cuestión de compatibilidad, raras veces se crean pensando en operar de manera multiplataforma, es decir, solo funcionan para determinados dispositivos o arquitecturas, dependiendo de características del sistema operativo comercial para el que son pensados.

Dicho de otra manera, el mismo programa no suele operar en sistema operativo libre y comercial al mismo tiempo.

Si a esto se le suma la prohibición de modificación y distribución, se vuelven productos de uso realmente limitados al menos en un sentido legal.

Redistribución del producto ilegal

La restricción de distribución es prácticamente un campo fértil para la piratería a pequeña escala y en muchos aspectos insostenible a largo plazo.

Cuando una persona paga por un producto que resulta útil, seguramente se origina el escenario en el que quiera compartir esa utilidad con sus allegados, después de todo, ya ha pagado por ello. Esto no es posible de manera legal.

Si se considera que una persona puede tener múltiples dispositivos, una pequeña oficina o sentir el deseo de compartir sus herramientas, se crea un problema ético. En este sentido el uso de software libre y comercial de manera responsable queda a discreción del usuario.

Coste de adquisición del producto

El pago por empleo está implícito en el concepto de software comercial y esto suele ser una desventaja.

Aunque muchas plataformas, programas y aplicaciones son muy accesibles en comparación con las funcionalidades que aportan, otras pueden llegar a tener un valor desproporcionado.

Esto se hace más evidente en plataformas como Windows, iOS y Adobe. Al ser formatos estándar o de utilización habitual todo el que busque compatibilidad debe estar dispuesto a pagar algunos cientos de dólares.

Esto limita el acceso a las herramientas a los habitantes de bajos recursos, incrementando la brecha tecnológica a nivel mundial incluso en software educativo comercial.

Esta razón hace que países con legislaciones más ambiguas o de poco seguimiento a las leyes de derechos intelectuales sean el reino de la piratería de licencias.

Ejemplos de software comerciales

A continuación se presenta una lista representativa con algunos ejemplos de software comercial de cada tiempo. Entiéndase que no se busca reconocer al mejor programa, al más popular o al más funcional sino a buenos representantes de cada categoría.

Freeware – uTorrent

uTorrent es, tal como lo define su fabricante: “El modo más rápido, fácil y divertido de descargar torrents, punto.”

Este programa es extremadamente ligero y permite realizar descargas p2p que, si bien no son muy seguras en cuanto virus y contenido malicioso, son mucho más rápidas que las que se realizan a través servidores convencionales.

Dado que las descargas se hacen directamente desde los ordenadores de otros usuarios que ya tienen el archivo, es posible traerse códigos indeseados.

Pensando en esto uTorrent ofrece un freeware llamado clasic que cumple muy bien sus funciones generales y si los usuarios desean estar libres de anuncios o incorporar cortafuegos para evitar virus, deben bajar una versión más potente llamada uTorrent Pro + antivirus que tiene un coste por licencia.

Software comercial: uTorrent
Descargas p2p a través de torrent (uTorrent)

Shareware – WinRAR

WinRAR es probablemente de los software comerciales más utilizados en la actualidad; se trata de un programa para gestionar archivos comprimidos y un excelente ejemplo de cómo funciona un Shareware.

Cualquier persona puede descargar desde la página oficial este programa ligero que soporta una cantidad masiva de formatos de compresión de archivos para descomprimir.

¿Desea funcionalidades extras? El mismo programa le ofrece un kit avanzado a través de una licencia premium (y una cantidad masiva de recordatorios cada vez que use el programa).

Aunque no posea una versión de prueba (común en los Shareware) el objetivo es el mismo.

Software comercial: WinRAR
Interfaz de descompresión de archivos (Winrar)

Software de evaluación (Demoware) – Photoshop

Adobe es una de las marcas más reconocidas en lo que respecta a la edición, control y procesamiento de medios audiovisuales en ordenadores. Dentro de su kit de herramientas el Adobe Photoshop es uno de los más grandes referentes en el sector.

Con este programa se puede hacer literalmente de todo con las imágenes, siendo reconocida como una de las herramientas más poderosas para diseñadores gráficos y expertos en diseño en general.

Este es un software de comercial que cuenta con una versión de prueba de 15 días y luego queda deshabilitada hasta que el usuario adquiera una licencia mensual.

Software comercial: Photoshop
Edición activa de ilustración en múltiples plataformas a través de Photoshop (Adobe)

Software propietario – Windows

El sistema operativo de Microsoft es la imagen perfecta de qué es un software comercial de propietario. Está prohibida su distribución, modificación y uso sin alguna de las tantas licencias que posee, según el tipo de maquinaria.

Este es uno de los SO más utilizados a nivel mundial y es el modelo informático comercial que todo el mundo conoce y suele relacionar como el rostro del ordenador.

Windows lanza una versión nueva cada pocos años lo que obliga a mantener actualizadas las licencias, renovar pagos anuales y actualizar ordenadores viejos que no soporten las antiguas versiones, que terminan por ser discontinuadas (sin soporte técnico).

Software comercial: Windows 11
Imagen promocional de lanzamiento de Windows 11 (Microsoft)

En resumen, un software comercial posee diferentes licencias y permisos que pueden ser pagas, pero en todos los casos su código fuente está protegido por estrictas leyes de derechos de autor y de confiabilidad empresarial para evitar su lucro o reproducción indiscriminada por parte de terceros. Quienes deseen gozar de los beneficios de un programa comercial, deben hacerlo a través de la licencia apropiada si no quieren enfrentar cargos por piratería.