Después del breve reinado de Fruela II, la guerra civil se enseñoreó del reino. Entre los diferentes pretendientes al trono leonés estaban Alfonso, Ramiro y Ordoño, que eran hijos de Fruela II; mientras que, por otra parte, estaban los hijos de Ordoño II: Alfonso, Sancho y Ramiro.
El primogénito de Fruela, Alfonso Froilaz el Jorobado, es aclamado rey de León por parte de sus partidarios. Pero, el primero en el orden sucesorio por parte de Ordoño II, Alfonso, pide ayuda al rey de Pamplona Sancho I Garcés, que es su suegro.
Este le presta
ayuda y Alfonso, junto con el apoyo de los nobles de Galicia y del condado de
Portugal, arroja a Alfonso Froilaz del trono leonés, con lo que éste no tiene
más opción que refugiarse en Asturias, donde pudo conservar el poder hasta el
año 931.
Fruela II de León (H.de Ávila / Museo del Prado, Madrid)
Pero Alfonso Ordoñez no consiguió verse reconocido en todo el reino, pues su hermano Sancho se hizo coronar en Santiago de Compostela, siendo reconocido pacíficamente por su hermano Alfonso Ordoñez, aunque, con posterioridad, hubo una lucha entre los dos hermanos de la que salió finalmente triunfante Alfonso IV.
Alfonso fue coronado en León el 12 de febrero de 926, mientras su hermano Sancho recibía Galicia y su hermano Ramiro el condado de Portugal, aunque ambos reconocían la supremacía de Alfonso.
Sancho murió tres años después, sin descendencia, y Alfonso reunió de nuevo Galicia con León.
Alfonso
se retira como monje a Sahagún
El año 931 ocurre un suceso inesperado: Alfonso IV, que acaba de perder a su mujer Oneca, se retira como monje a Sahagún.
Antes
llamó a su hermano Ramiro, que residía en Viseo, y,
ante los nobles y obispos, reunidos en Zamora, le cedió el trono el 6 de
noviembre de 931.
Oneca, Reina de Pamplona (imagen de la Genealogía de los Reyes de Portugal / António de Holanda)
Alfonso
abandona el monasterio
Un año más tarde, y sin que
se sepan las causas, abandona el
monasterio y, tras apoderarse de Simancas, logra entrar en León, de la que
estaba ausente Ramiro, que había salido en campaña para auxiliar a los
toledanos rebelados contra Córdoba.
Avisado
de los movimientos de Alfonso, regresa con su ejército y hace prisionero a su
hermano.
Alfonso
Froilaz y sus hermanos aprovechan esta situación para acometer contra
Ramiro desde sus posesiones asturianas, pero, una vez más, vence Ramiro
II, que les hace prisioneros, conduciéndoles a León para encerrarles junto a Alfonso
IV, dando por acabado el enfrentamiento por el trono leonés.
A
todos los hace cegar y a Alfonso IV lo traslada a Ruiforco donde murió en el
933.
El
condado de Castilla, testigo de la contienda
Durante la contienda entre los
Froilaz y los Ordóñez, el conde de Álava y Lantarón, Álvaro
Herraméliz, reconoce a Alfonso IV, pues
está casado con una hermana de su mujer, de la estirpe navarra.
El conde Nuño Fernández
también le reconoce en un documento del 25 de febrero de 926, aunque puede que
su postura durante la contienda no fuera muy clara y por eso debió de caer en
desgracia.
En Castilla, la situación se complicó con el enfrentamiento de Alfonso IV y Ramiro II. Los condes Álvaro Herraméliz, de Álava y el de Burgos Gutier Núñez, eran fieles a Alfonso IV, mientras que, por esa época, aparece un documento, fechado el 1 de enero de 931, que está firmado conjuntamente por Ramiro II y el conde Fernán González.
Retrato de Ramiro II de León (José María Rodríguez de Losada)
El triunfo
obtenido por Ramiro tendrá como consecuencia el final del poder de los condes
de Burgos y Álava y el ascenso del verdadero conformador de Castilla como
unidad política e histórica, Fernán González.
Del matrimonio de Alfonso
IV con Oneca de Pamplona nacieron Ordoño IV y el infante Fruela.
Tres emperadores, tres primos, enfrentados por una guerra mundial
Cuando se lee sobre la I Guerra Mundial siempre llama la atención la chispa que hizo saltar todo por los aires en Sarajevo, las batallas en las trincheras y el barro, la utilización de gas venenoso, Verdún, Somme, Marne o el final con el Tratado de Versalles.
Pero, es más raro caer en la cuenta de que esta guerra podía tener tintes de conflicto familiar.
Tres de las grandes potencias participantes estaban dirigidas por monarcas, Rusia, Reino Unido y Alemania, que eran primos, los tres nietos de la reina Victoria.
No se sabe si celebrarían las fiestas de cumpleaños en familia o alguna cena de Navidad, pero entretenidas si tenían que ser.
Un zar, un rey y un kaiser
En Rusia gobernaba el zar Nicolás II, el Imperio Británico de Jorge V era aliado de Rusia y en frente tenían al káiser Guillermo II de Alemania. La guerra acabó con la monarquía en Rusia y en Alemania.
En la primera triunfó la
revolución bolchevique que se llevó por delante al zar y su familia. Alemania, con
la perdida de la guerra, perdió también la monarquía y se instauró una
república que vio la llegada de A. Hitler, pero esa es otra historia.
En concreto la reina Victoria era abuela directa de Guillermo II y de Jorge V, mientras que el zar Nicolás era su nieto-político (su madre era hermana de la madre de Jorge).
Retrato formal de la reina Victoria en el momento de su Jubileo de Oro, 1887
Quien mejor ha escrito
sobre este asunto ha sido la historiadora británica Miranda Carter la que
desgranó tanto la personalidad de nuestros tres protagonistas como las
relaciones familiares entre ellos.
Su libro “The Three
Emperors: Three Cousins, Three Empires and the Road to the World War One” (Los
tres emperadores: tres primos, tres imperios y el camino hacia la Iª Guerra Mundial)
lo detalla con precisión.
Cuestión de personalidad
Al káiser Guillermo II le describe como una persona sin talento y que todo lo basaba en su disciplina militar prusiana, arrogante, con aires de grandeza, y con un poderoso complejo de inferioridad.
Cuenta que al zar le
superó el cargo, muy pronto en el trono por la muerte de su padre, no contaba
ni con su personalidad ni con su decisión. Su autocracia y tiranía con el
pueblo facilitó que la revolución prendiera en sus súbditos y triunfara.
Kaiser Guillermo II (Vilma Parlaghy, 1895)
No aceptó cambios ni
adaptación a los nuevos tiempos, la sociedad rusa estaba muy atrasada respecto
al resto de Europa occidental. Firmemente convencido de que su autocracia era
dada por Dios y que cualquier desafío tenía que ser eliminado implacablemente.
La diferencia entre Jorge
V y sus primos era que no era tan adicto a los uniformes y al ejército. Era
contario a los cambios y al progreso, digno sucesor en conservadurismo de su
abuela Victoria. Enemigo de los viajes y de las relaciones internacionales.
Tanto él como Guillermo estaban
dominados por la clase política que era quien en realidad regia los destinos de
sus países. No así Nicolás, que mantenía sus poderes sin una clase política al
uso.
Carter pinta a nuestros
protagonistas como superficiales sin tener en cuenta los problemas de sus
respectivos pueblos.
Al final, solo uno se mantuvo en el poder tras el conflicto bélico, el conservador Jorge V fiel descendiente de su abuela Victoria, el menos glamuroso y poderoso de los tres, pero el más pragmático. Nicolás fue ejecutado y Guillermo se exilió en Holanda.
Rey Jorge V, 1934 (John St Helier Lander)
La autora concluye que tanto Willy, como Nicky y George, como eran llamados por sus madres, no estaban preparados para gobernar, ni tenían talento para ello.
Solo coincidieron en un par de ocasiones, la última un año antes de comenzar la guerra y, evidentemente, las relaciones eran tensas.
Conclusión
La guerra dinamitó cualquier
vestigio de lazos familiares. Por poner un ejemplo, Jorge V denegó ayuda en
forma de asilo al zar y su familia lo que pudo haberles salvado la vida.
Y con el tiempo, cambió el nombre de la familia por el de Windsor para eliminar cualquier relación con Alemania (el marido de la reina Victoria era alemán) quitando el Sajonia Coburgo-Gotha del papel.
Si la reina Victoria
pretendía con su entramado de matrimonios entre sus hijos, con las realezas
europeas una situación de control y estabilidad, se produjo todo lo contario y
la Gran Guerra hizo saltar por los aires ese sueño.
Entre todas las bibliotecas del mundo, si hay una que suscita pasión esa es la de Alejandría, la mayor biblioteca de la antigüedad. Su fundación se remonta al 330 a.C y fue obra de Ptolomeo I Soter (367-283 a.C.), uno de los generales de Alejandro Magno.
La filosofía del proyecto era abarcar el conjunto del saber humano acumulado hasta ese momento.
El primer bibliotecario de tan faraónico proyecto fue Demetrio Falero (350-280 a.C) que, según las crónicas de la época “recibió grandes sumas de dinero para adquirir, de ser posible, todos los libros del mundo”.
Pasión bibliófila
La biblioteca fue punto de encuentro y “ebullición” de médicos, filósofos, matemáticos, astrónomos y eruditos, en definitiva de todo aquel que sintiera amor hacia el conocimiento, en cualquier faceta del saber.
Grabado del siglo XX de Heron, héroe matemático de Alejandría
El recinto se componía de diez grandes salas y de cámaras aisladas habilitadas para el estudio. Es difícil poder estimar el número de volúmenes que consiguió reunir, algunos estudiosos lo elevan a los setecientos mil, una cifra nunca conseguida en una colección hasta ese momento y que tardaría siglos en ser superada.
Desgraciadamente, nada sabemos de cómo se almacenaban los papiros en los estantes, cuál era el método de consulta y, en caso de lo que hubiera, cómo era la organización de los préstamos.
Tan sólo nos ha llegado que
Calímaco de Cirene (310-240 a.C) en su obra Pinakes
–formada por ciento veinte libros- reseñó cada uno de los ejemplares del
fondo bibliotecario. Lo hizo ordenándolos de forma alfabética por título, autor
y, además, realizó una pequeña descripción de los mismos.
Sin embargo, sí conocemos los métodos, en algunos casos delictivos, que seguían los funcionarios de la biblioteca para incrementar la colección. Tenían orden de registrar de forma minuciosa todo navío que atracara en el puerto de Alejandría en busca de libros.
Cualquier manuscrito que fuese detectado debía ser requisado, al menos temporalmente, y llevado a la Biblioteca, en donde un grupo de expertos decidiría qué hacer con el ejemplar. Si ya se disponía de un ejemplar, debería ser restituido inmediatamente a su dueño.
Recreación artística del interior de la biblioteca de Alejandría
En caso contrario podía
ser copiado y, a continuación, devuelto, pero en otras ocasiones el original pasaba
a formar parte de las estanterías y lo que se entregaba al propietario era una
simple copia. Eso sí, los egipcios tenían la delicadeza de indemnizar a su
antiguo tenedor.
Este tipo de adquisición
se denominó el “fondo de los barcos”, lo cual daría origen con el correr de los
siglos al “depósito legal”.
Un texto antiguo cuenta que en Atenas se custodiaba con enorme celo las obras autógrafas de Sófocles, Eurípides y Esquilo, las cuales no podían ser retiradas de su emplazamiento original.
Después de muchas argucias Ptolomeo II Filadelfo (309-246 a.C) consiguió el préstamo temporal de las mismas, a cambio de una fianza de quince talentos de plata, una cifra elevada para la época.
Ptolomeo II se comprometió a cuidarlas, copiarlas y a continuación devolverlas, pero lo que sucedió realmente es que los egipcios se quedaron con los originales y lo que restituyeron fueron las reproducciones, eso sí, declinando el reembolso del depósito.
Durante el reinado de Ptolomeo III Evergetes (246-211 a.C) fue preciso construir un edificio anexo –biblioteca filial- para albergar parte de la colección, puesto que el edificio original se les había quedado pequeños.
Ptolomeo II Filadelfo (Bronce. 49 BCE – 25 CE / Herculano, Villa dei Papiri)
La ubicación elegida fue un barrio de nueva construcción, distante a la biblioteca original, en la zona sur de Alejandría.
En definitiva, la
dinastía ptolemaica mostró una pasión bibliófila ignota hasta aquel momento, en
una época en la que la ignorancia y la brutalidad eran las señas de identidad
culturales.
Durante 40 años, las obras de Saul Bass fascinaron a directores de
películas, espectadores y amantes del cine en general, que encontraron en el
estadounidense al perfecto artífice de la síntesis de un film: sus créditos.
La Nouvelle Vague: Origen, características, directores y 15 películas que cambiaron el cine
Pero su increíble huella no se quedó en la pantalla grande, si no que también
llegó a coronar las lides publicitarias.
Repasar la biografía Saul Bass es sumergirse en una historia de vocación
y empeño, estrategia y desafíos, que terminan por sorprendernos con grandes
duplas. Saul Bass Hitchcock, es una de las más inolvidables, y también polémica,
ya que el trazo y la visión del genio
gráfico traspasó a los teatros en una de las escenas más emblemáticas del cine
mundial.
Reconocido como uno de los diseñadores gráficos más importantes de todos los tiempos, Saul Bass, ha quedado en la historia del arte como el más grande artífice del diseño con fines cinematográficos y comerciales.
Nació en el Bronx, el 8 de Mayo de 1920 y desde muy pequeño manifestó su gusto por el dibujo, casi de manera enfermiza y con increíble pasión.
Saul Bass nació en Nueva York en 1920
Este hijo de inmigrantes judíos de Europa del Este, se vio pronto
buscando la manera de ayudar con los ingresos familiares, y una vez que terminó
la educación básica, se volcó a trabajar. Corría la época de la Gran Depresión
y el joven Bass, pintaba escaparates y carteles para puestos ambulantes de
fruta en el vecindario donde hacía vida.
Pero con 17 años, el soñador Saul vio la suerte llegar a su vida, cuando uno de estos carteles comerciales
callejeros captó la atención de un miembro de la Liga de Estudiantes de Arte de
Manhattan, quien le ofreció una beca para ampliar su formación en el Arts
League de Nueva York.
Años después, aún en formación, Bass intentó buscar trabajo como diseñador y con el firme propósito de conseguirlo, armó lo que sería su primer portafolio para poner en marcha toda una estrategia de promoción en las agencias de publicidad del momento.
Durante meses, no dejó de recorrer toda Nueva York con este fin, hasta que llegó la afortunada llamada de su primer trabajo. Por supuesto que, en adelante, cambiaría de agencia en varias ocasiones, pero siempre causando maravillosa impresión con sus habilidades creativas.
Con miras a proseguir sus estudios, Bass se enroló en el Colegio Brooklyn, y allí se topó con el diseñador húngaro Gyorgy Kepes, quien presentó a los ojos del artista emergente el estilo Bauhaus y constructivismo ruso, ambas claras influencias de su trabajo.
Hasta 1946 el neoyorquino se movió en su ciudad, con distintos trabajos. Entonces, se mudó a Los Ángeles y apenas unos años después, en 1950, fundó su propio estudio.
Gyorgy Kepes
Inicialmente, su estudio se dedicaría a trabajos con fines publicitarios,
pero una propuesta del cineasta
independiente Otto Preminger estaría re-direccionando las intenciones de Bass,
incluso sin saberlo. Preminger, le encargó el diseño del póster de su película
“Carmen Jones” en 1954 con tal fascinación por el trabajo logrado que, la
petición se extendería a los créditos de la película. Nacía toda una leyenda
del diseño gráfico en el cine.
Con varios trabajos en puerta, Bass contrató como asistente a quien sería
su esposa y más fiel aliada de vida y profesión, Elaine Makatura Bass, con
quien llevó adelante innumerables proyectos, incluyendo a sus dos hijos.
Estilo gráfico de Saul Bass
Un estilo llamativo e inquietante define el pensamiento de Bass plasmado en arte. Hasta su llegada a Hollywood, los créditos de apertura en la cinematografía no eran más que monótonas seguidillas de letras formando nombres. El mayor factor de sorpresa que habían empleado, hasta entonces, los técnicos de los grandes estudios o la National Screen Service –otrora responsable de esto-, era cambiar el tamaño y tipo de letra según el film. Pero, con la incorporación de Bass al proceso creativo de la cinematografía, concretamente en este aspecto, las secuencias de apertura de las películas verdaderamente tomaron otro nivel para convertirse en auténticas obras de arte.
Bass sabía que debía enganchar al
espectador en los primeros minutos de la película con su arte, así que su labor no podía cumplirse de cualquier forma. El hoy
recordado como artesano de Hollywood, solía incluir marcos de colores sólidos y
jugar con distintas formas geométricas para presentar animaciones minimalistas
en torno a los créditos.
Así, se pueden enumerar entre las diversas técnicas de Bass, la animación
de recortes, el montaje, el diseño de nombres y la composición con acción real.
A medida que Bass se iba familiarizando con la industria y marcando su sello
particular, podía reconocerse una entrega artística mucho más acabada, con formas básicas, colores planos y miradas
únicas tomadas, como solo podía hacerlo, de la estética del arte moderno.
Obra de Saul Bass
Logotipos
Bell (1969)
Bass tuvo la encomiable labor de refrescar el ya avejentado logotipo de la compañía de comunicaciones American Bell Telephone Company, conocida como Bell. Los trazos del diseñador, quien eliminó la frase “Bell System” del interior, le dieron flexibilidad y un aire más moderno a la icónica campana, logrando preservar el reconocimiento de marca con el que ya contaba la empresa en la época.
Logotipo Bell
El resultado fue un gráfico limpio y atractivo, con una campana de contorno más grueso, fácil de reconocer y usar con fines corporativos.
Fue utilizado hasta 1984 cuando el propio Bass fue asignado con el diseño
de un nuevo logo para la compañía,
resaltando esta vez sus letras iniciales.
AT&T (1984)
En 1983, Saul Bass cambió radicalmente el concepto del logo de Bell, una vez que la compañía decidió usar las letras iniciales de su nombre, AT&T.
Logotipo AT&T
Incorporó a la gráfica una esfera que simbolizaba el alcance global que había logrado la empresa. En dicha esfera, mantuvo unas bandas en representación del origen estadounidense de la organización y conservó su característico azul.
Warner Communications (1972)
Una estilizada doble uve que identifica a la empresa matriz, Warner communications desde 1972 gracias al ingenio de Bass. Como es usual en su propuesta gráfica, este logo se reviste de atemporalidad, tanto que después de 40 años sigue resultando bastante actual y vigente. Simple, original y muy armonioso, lleva el sello Bass sin duda.
Kleenex (1980)
En los 80, cuando se buscaba una identidad gráfica limpia, reflexiva y pensada para perdurar, Bass era el hombre a llamar, y eso hizo Kleenex a inicio de esta década. ¿El resultado? Un logo que, a pesar de identificar a una compañía de papelería sanitaria, no tenía ni una sola lágrima que secar.
Logotipo Kleenex
Bass usó un tipo de letras unidas que, indirectamente, llenaba de sonrisas la palabra Kleneex y daba justo en la nota emocional indicada para proyectar el espíritu alegre y amigable que quería transmitir la compañía. Fue apenas modificado en 2008 con una ligera curvatura.
Quaker Oats (1971)
No hay mejor versión del Sr. Quaker que el monocromático y estilizado que propuso Bass para su logo en 1971. Apenas una silueta sonriente que parecía invitarte a probar con confianza el producto. La simplicidad y los trazos en colores sólidos se vuelven a hacer presenta bajo el diseño de la mano de oro.
Logotipo Quaker Oats
United Airlines (1973)
Bass resolvió los problemas de lectura en las reducciones del logo original de United, con una sólida forma de escudo y los colores rojo, blanco y azul en alusión a la bandera estadounidense. Hasta su fusión con Continental en 2010, este fue el logo que usó la empresa.
Hanna-Barbera (1979)
Nuevamente Bass supo captar el espíritu de la marca con este logo que, con movimiento o no, da la sensación de dinamismo, amén de sus colores que enseguida conectan con la naturaleza de la empresa productora de dibujos animados. Como la mayoría de los logos de Saul Bass, este resulta muy atemporal y fácil de estampar en la memoria colectiva.
Logotipo Hanna Barbera
Celanese (1965)
La corporación Celanese obtuvo una buena cuota de la visión de Bass con la creación de este logo, que extendía la C del nombre de la marca a modo de un laberinto y con escape infinito, tanto como las aspiraciones de la compañía de estar en el número uno en lo que a fabricación de materiales especializados se refiere.
Logotipo Celanese
Este diseño fue usado hasta 2008 cuando, en base a la misma idea de Bass, se modernizó la línea y el trazo de la C.
Dixie (1967)
Este inconfundible logo estuvo vigente hasta 2003 y el vínculo inquebrantable con la marca de vasos y platos, casi obliga a preguntarse por qué fue reemplazado en algún momento. La propuesta gráfica de Bass en este caso, logra ser divertida y aun así quedarse en la línea clásica con una increíble versatilidad de usos.
Logotipo Dixie
Minolta (1978)
Esta compañía japonesa, la primera en crear una cámara autofocus en 35mm le encargó a Saul Bass el rediseño de su marca en 1978. El diseñador aprovechó la simetría de la palabra Minolta tomando como punto central la O, y orientó su diseño a un círculo que representaba ese punto medio en el nombre de la marca.
Logotipo Minolta
Bass bautizó este círculo como “a magic dot” y explicó que simbolizaba expansión mientras agregó 5 líneas blancas a las cuales señaló como “rayos de luz”.
Pósters
Anatomy of a Murder (1959)
Al igual que en la secuencia de apertura de este drama criminal que también estuvo a su cargo, el póster de Anatomy of a Murder, da al film una identidad fuerte y atemporal. Con un juego de palabras del título, Saul alinea la disección de un cuerpo en evidencia de un crimen que pareciera haber sido cortado sin piedad.
Póster Anatomy of a Murder (1959)
Un claro acercamiento de Bass a lo primitivo como tantas veces lo plasmó. Usando letras a mano en distintas dimensiones, Saul busca jugar con las distintas versiones de un crimen que se mezclan en el propio film.
El hombre del Brazo de Oro (1955)
Es este su primer gran logro como diseñador vinculado al cine. Bass decidió emular el personaje de Frank Sinatra en la película para el póster promocional, un jazzista adicto a la heroína que lucha desesperadamente por poner su vida en orden. Un brazo blanco recortado sobre fondo negro aparece dándole completa atención al lado más abstracto del papel de Sinatra, el de su adicción.
Póster El hombre del Brazo de Oro (1955)
Vértigo (1958)
Póster Vértigo (1958)
Inspirado en la portada de un libro de matemáticas que tenía espirales, Bass experimentó con esta forma para sintetizar la esencia de la película y plasmar el complejo remolino en el que está inmerso el personaje de James Stewart en el film.
West Side Story (1961)
La ilustración casi minimalista para la película de Robert Wise maravilló a la industria con un contraste de blanco y negro que acentuaba la fuente negra contra las simples ilustraciones de dos personajes bailando.
Póster West Side Story (1961)
Bass le da un aspecto más callejero con un acabado urbano y desgastado en la tipografía. La escalera en zig-zag al mejor estilo de los edificios en Nueva York ayuda al espectador a ubicarse inmediatamente.
The Cardinal (1963)
De todos los pósters de Saul Bass, este quizás representó el mayor reto pues debía crear un símbolo libre de cualquier tipo de vinculación eclesiástica, para evitar ahuyentar a un espectador que no quisiera ver una película enlazada con la religión.
Póster The Cardinal (1963)
Finalmente, Saul se decidió a convertir al nombre de la película en ese símbolo. Una composición con marcada tendencia moderna que dividía en dos para anunciar que se trata de un film de Otto Preminger; el “the” de “The Cardinal” con especial tamaño y en negro, daba cuenta de la autoridad superior de la Iglesia Católica Romana, que se impone ante la palabra «Cardinal» casi en miniatura. El negro sólido que soporta ésta composición sin duda devela el lado oscuro del largometraje.
The Fixer (1968)
El cartel de “The Fixer”, un film de John Frankenheimer, muestra al espectador en el entramado camino que debe recorrer el personaje principal, interpretado por Alan Bates, un abogado norteamericano que debe defender a un judío en la Rusia de los Zares.
Póster The Fixer (1968)
Grand Prix (1966)
La manera más elocuente de aludir a una carrera y su velocidad, la consiguió Bass en unos trazos desgastados que se yuxtaponían en la silueta de varios coches de carreras. El cartel del Grand Prix, fue otro encargo de Frankenheimer para el genio Bass.
Póster Grand Prix (1966)
Filmografía
Psicosis
Hoy día el éxito de Psicosis y su alcance sigue teniendo repercusión en la industria del cine. Pues bien, la crítica atribuye gran parte de este éxito al propio Bass, quien fue el encargado de hacer el storyboard de una de las escenas más emblemáticas de la película y en la historia del séptimo arte.
Storyboard de Psicosis
Aunque Alfred Hitchcock nunca reconoció esto públicamente, la codirección de Bass en esta secuencia es una realidad para los entendidos en Hollywood.
La vuelta al Mundo en 80 días
Póster La vuelta al mundo en 80 días
Para la época, la secuencia de títulos y créditos finales de este film fue la más larga y cara realizada jamás. Cada fotograma de la película fue hecho a mano, lo que se tradujo en una inversión de 65 mil dólares.
Pero el minucioso trabajo de Bass valió la pena el esfuerzo, pues logró una colorida, graciosa y animada secuencia que sirvió de estupendo cierre para esta propuesta de Michael Anderson: entradilla de La vuelta al Mundo en 80 días
Créditos de la película La vuelta al mundo en 80 días
The Big Country
En esta película de William Wyler de 1958, Bass orientó su forma de hacer los títulos de inicio hacia una modalidad menos gráfica, e incorporó el uso de la imagen real. Aquí, los créditos persiguen dinámicamente el paso de una caravana que se sumerge en el infinito Oeste. Acompañado con la música de Jerome Moross, Bass logra la transición sublima de los créditos iniciales a la narración del film en su inicio.
Walk on the wild side
Saul Bass logró que los títulos fuesen tan importantes en la industria cinematográfica, que este recurso incluso podía convertirse en una amenaza para el éxito del film, tal es el caso de Walk on the wild side, en el que los títulos de apertura fueron tan llamativos y alabados por la crítica, que realmente la película solo es recordada por eso.
The Man with the Golden Arm
Al igual que en el póster, Bass hace uso de una imagen tan cargada de simbolismo como el brazo, en auténtica alegoría a la drogadicción. Esto causó, por supuesto, una gran conmoción. Bass cuenta que se inspiró en su propia manera de digerir la impresión que le había causado ver, por primera vez, el cuadro del ‘Guernica’ de Picasso, en el que también aparecen unos brazos en tensión.
Póster The Man with the Golden Arm
Otros trabajos gráficos de Saul Bass
En la misma línea de su aporte al cine, como diseñador gráfico, Bass
sintió la necesidad de darle vida a su peculiar visión gráfica, pero de otra
manera. Así, incursionó en la dirección de cortometrajes e incluso llegó a
estar galardonado por ello.
The Searching Eye (1964)
Siempre ligado al plano visual, y lo que ve como artista, Bass apuesta en este corto a explorar lo que nunca se ve. Amante de las metáforas, el diseñador y director se ancla en las acciones más sencillas de un niño en una playa para descubrir esa otra dimensión oculta. Con la cámara, agrega una profundidad que da cuenta de la conciencia visual del protagonista, mostrándola en primera fila.
Why Man Creates (1968)
Este film, de 25 minutos de duración, fue co-escrito por Bass junto al guionista Mayo Simon. Se trataba de una pieza documental que combinaba las ya conocidas animaciones del genio Bass con marcada tendencia a la estética del cine experimental europeo para analizar la naturaleza de la creatividad. Le valió el Oscar a mejor corto documental en 1968.
Phase IV (1974)
Único largometraje de Bass, el cual, por años, fue objeto de burla y desdén, aunque no se puede decir lo mismo de su aceptación en las aulas. Se convirtió en un objeto de culto entre amantes del cine y jóvenes en formación en la industria.
Sin duda, es una buena manera de entender el mundo estético de Bass aun cuando no recibió el aplauso esperado. Las secuencias con las hormigas son verdaderas muestras de cine, y cada que podía, Bass hacía alardes visuales que llegaban a hipnotizar.
Notes on the Popular Arts (1978)
Bass ilumina la pasión de aquellos que viven y respiran con la televisión, las películas, la música popular y el arte impreso. Notas sobre artes populares utiliza varias técnicas –acción, animación y efectos especiales- para explicar cómo es que estas manifestaciones artísticas pueden llegar a ser extensión y expresión de un ser humano.
The Solar Film (1980)
Apenas 9 minutos les tomó a Saul y Elaine Bass –su esposa y aliada artística- abogar por el uso de energía solar. Para ello, se valieron de imágenes reales con un poco de animación, que hizo más amena la entrega informativa sobre cómo el hombre seguía desperdiciando sus recursos naturales y de qué manera esto atentaba a la vida de los seres humanos.
Premios otorgados a Saul Bass
Durante su afortunada trayectoria, Saul Bass logró hacerse de varios premios y reconocimientos, entre ellos, el Royal Designer of the Industry que otorga la Sociedad Real de Artes de Londres, el cual recibió en 1965. Apenas unos 3 años después, Bass validaría su talento para la dirección al ser reconocido por la Academia de las artes con el Oscar a mejor documental por su corto “Why Man Creates”.
Saul Bass con el Óscar por el documental «Why Man Creates» (AMPAS)
En 1977, el artesano de Hollywood fue nombrado Art Director of the Year
por el Arts Directors Club de Nueva York y en 1981 recibió la Medalla de Oro
del American Institute of Graphic Arts (AIGA).
Para 1984, fue honrado con una beca de la Academia Bezalel de Jerusalén,
y otros tantos institutos de arte avalados a nivel mundial, quisieron reconocer
su labor. El Colegio de Arte de Filadelfia y Los Angeles Art Center College of
Design, le otorgaron respectivamente doctorados honoris causa. Bass también
llegó a ser miembro del consejo ejecutivo de la Conferencia Internacional de
Diseño de Aspen, Colorado.
Como si fuera poca está abultada lista de premios y galardones, el arte de Bass ha recorrido el mundo en
museos, instituciones y espacios académicos desde exposiciones en el
Festival de Cine de Rotterdam en 1981, en la Cinemateca Francesa en París en
1982, y en el Festival de Cine de Zagreb en Yugoslavia, en 1984 hasta una
retrospectiva de sus aportes gráficos en el departamento de arte de la
Universidad de California, en Los Ángeles, colecciones de su obra en el Museo
de Arte Moderno de Nueva York, en la Biblioteca del Congreso de EE.UU. en
Washington, DC, en Ámsterdam, en el Museo Stedlijk o en Checoslovaquia en el
Museo de Praga.
Curiosidades sobre Saul Bass
Solo un talento como el de Bass pudo lograr que los títulos de una película se convirtieran en un verdadero espectáculo, tanto que gracias a su arte, los créditos iniciales de una película dejaron de proyectarse sobre la cortina del teatro y en cambio, los carretes de las películas comenzaron a marcarse con una nota para el operador que decía «Proyeccionista – tira la cortina antes de los títulos».
Alguna vez Bass reflexionó en modo humorístico, “para el público
promedio, los créditos iniciales de las películas solamente implican que quedan
3 minutos para comer palomitas de maíz.”
Pero a pesar de su sencillez, Saul Bass realmente se convirtió en la
realeza hollywoodense de la realización cinematográfica. Aun estando en el Hall
de la fama de los directores artísticos de la meca del cine, Bass se empeñaba en mirarse como cualquier
mortal, uno que realmente amaba lo que hacía. «No hay nada glamuroso en lo
que yo hago. Sólo soy un trabajador. Quizás yo soy mucho más afortunado que la
mayoría en eso, porque yo recibo una considerable satisfacción por hacer un
trabajo útil, del cual yo y a veces otros, pensamos que es bueno».
En su afán perfeccionista, el diseñador que alguna vez pintó carteles en
las calles del Bronx, supo darle a su propuesta gráfica la justa medida que
necesitaba el cine, y el cine darle la justa medida que anhelaba Bass. «Quiero
hacer cosas bellas, incluso si a nadie le importan» solía decir. Y vaya si
lo logró.
Sus más grandes colegas y admiradores dentro del gremio saben que una
pieza falta en el cine desde que Bass dejó de existir a sus 75 años en Los
Ángeles, en 1996. El cáncer habrá arrebatado su vida, pero no su legado, que todavía hoy es reconocido como uno de los
más impactantes que ha podido tener la historia de los filmes en el mundo,
por ser auténtico, atemporal y minimalista.
La historia de cómo Daria Pushkareva terminó convirtiéndose en una cuidadora de animales discapacitados por vocación es verdaderamente ejemplar.
Quien fuese una de las más reconocidas fotógrafas de bodas de Rusia, con experiencia adicional de seis años en cine, se dio cuenta un día que la vida era mucho más que tener extenuantes jornadas de trabajo de 15 horas al día.
Después de aceptar que no se sentía realmente feliz con su estilo de vida y con su carrera, tomó la decisión que lo cambiaría todo: retirarse de la fotografía para tener su propio refugio de animales.
Todo comenzó con un cachorro
Mientras trabajaba aún con las cámaras, Daria hacia donativos y administraba terapias y alojamientos para perros en internet.
Pasado un tiempo, se topó con un cachorro de un refugio sin un ojo que no solo necesitaba dinero para una consulta con un oftalmólogo veterinario, sino que requería de alguien que le llevase a la consulta.
Daria no solo hizo el donativo para la consulta (unos 132€), sino que además llevó al cachorro al veterinario.
Después de esa experiencia, Daria y su marido comenzaron a rescatar un perro tras otro. Todos ellos compartían una misma característica: estaban enfermos o presentaban alguna discapacidad y algunos ya estaban en riesgo de ser sacrificados.
Foto: @danka_pu / Instagram
La mudanza a una casa de campo
Tras adoptar a un perro con trauma cráneo-cerebral que actuaba de manera muy agresiva hacia los demás perros de la casa, se vieron frente a una decisión: o lo regalaban o se mudaban a las afueras de la ciudad para darle el espacio que necesitaba al aire libre.
No dudaron en apostar por la segunda opción, así que, después de solicitar dos préstamos, pudieron mudarse a una casa en el campo a 160km de Moscú.
Con la nueva casa y el pasar del tiempo, la familia se iría agrandando. Después de cuatro años, Daria y su esposo tuvieron que ampliar el recinto de los animales y hacer mejoras a la casa para poder adoptar a un total de 100 animales entre perros, zorros árticos y perros mapaches.
Así es un día normal para Daria
Tanto Daria como su marido desarrollaron con el tiempo la experiencia veterinaria necesaria que les ha permitido cuidar muy bien de sus animales.
Para Daria, un día común comienza bien temprano, al amanecer, proporcionando comida y paseo a todos sus animales.
El cuido también incluye la atención médica necesaria con veterinarios, la limpieza de sus espacios y la interacción amorosa con los caninos.
Foto: @danka_pu / Instagram
Con el tiempo, Daria cambió las fotos de boda por fotos con sus tiernas mascotas caninas en su Instagram.
Actualmente, ella y su marido cuentan con dos empleados que les ayudan con los quehaceres de los perros. También tienen la valiosa ayuda de algunas personas que voluntariamente les envían donativos para la manutención de las mascotas.
A pesar de que su principal ocupación y prioridad son sus 100 animales, Daria todavía encuentra tiempo para trabajar como freelance para proyectos fotográficos que no requieren tanto tiempo de ella. Actualmente, se dedica exclusivamente a los retoques.
Con tan hermosa labor, Daria desea incentivar una cultura de cuidado y buena actitud hacia los animales, y de manera muy especial, hacia los que presentan alguna discapacidad.
La zona turística costera de Byron Bay, Australia, ahora es mucho más accesible gracias a su renovado tren, que se ha convertido en un tren solar.
Manteniendo la infraestructura original de los vagones
de 1949, el único gran cambio que presenta la locomotora de 70 años es que
ahora es impulsada por el sol y no por combustibles fósiles.
La principal renovación que presenta el tren para poder convertirse a la energía solar, se puede ver en el techo, que ahora está equipado con paneles solares curvos. Estos paneles, son capaces de generar hasta 77kWh.
La adaptación de un tren de antaño a tecnología solar fue todo un reto
El ingeniero de Lithgow Railway Workshop que trabajó en el proyecto del tren de Byron Bay, Tim Elderton, aseguró que si bien era un reto, estaba muy motivado:
«Todos dijeron que no se podía hacer y me encantan los desafíos».
Entre las adaptaciones necesarias para que el tren de antaño funcionara con energía solar, se cuenta el reemplazo de su motor diésel por una unidad de tracción eléctrica hecha a medida.
Tren turístico de Byron Bay
Para los viajes
de noche o durante los días nublados, las baterías pasan a cargarse a partir de
la red eléctrica, proveniente de una fuente local de energía renovable.
También fueron restaurados las pistas y el puente entre el resort Elements of Byron Bay y la ciudad de Byron Bay. En el tren reacondicionado pueden viajar 100 pasajeros sentados junto con equipaje, tablas de surf y bicicletas.
Tecnología solar empleada en el Byron Bay
Los paneles solares colocados sobre el techo del tren son de tecnología flexible de SunMan, que produce 77kWh; cantidad que se almacena en el sistema de baterías instalado.
Por su parte, este sistema de baterías posee la misma capacidad de un Tesla Model S, permitiendo realizar de 12 a 15 viajes con una sola carga. Igualmente, los circuitos de control, la iluminación del tren, los compresores y la potencia de tracción, también funcionan a partir de estas baterías.
Aun cuando el Indian Railways es uno de los primeros trenes híbridos con paneles solares, el Byron Bay es el primer tren que se alimenta de energía solar al 100%.
Si se pudiese definir la arquitectura rusa con un solo término, ese sería pintoresco. Y muestra de ello es esta casa abandonada que se encuentra en la antigua aldea de Pogorelovo, entre Sudan y Chukhloma, a 340 km de Moscú.
Esta aldea, de
la cual se dice que quedó abandonada hace 25 años, alberga una hermosa casa de
campo, como una de las pocas construcciones en pie que están perfectamente
conservadas.
La casa de campo de Pogorelovo: una obra de arte en madera
Lo más impresionante de esta casa de madera, es que no ha sido restaurada en ningún momento. Pese a ello, se conserva en perfecto estado, como si el tiempo se hubiese detenido en ella.
La casa fue construida por un campesino de la aldea, de nombre Ivan Polyashov, en 1902.
En 1917, la familia del campesino sufrió los ataques comunistas, que les dejaron sin ganado y sin sus instrumentos y maquinaria para trabajar la tierra. Sin embargo, la familia pudo conservar la casa.
Los mitos transmiten
conocimientos ancestrales. Narran hechos que posiblemente sucedieron, aunque
llenos de fantasía y simbolismo, y se refieren a lugares que realmente existen
o existieron.
De hecho, inspirados por los mitos, muchos arqueólogos han logrado descubrir ruinas de emplazamientos sobre los cuales se pensaba que sólo habían estado en la imaginación.
Igualmente, a
través de los mitos se observa cómo las diferentes culturas concebían al mundo,
por lo que la mitología está muy relacionada con la filosofía.
Según Robert Graves, reconocido investigador de la mitología griega, los centauros fueron un clan que habitaba en una región llamada Tesalia, cuyo tótem era un caballo.
Como es sabido, el tótem es un ícono o símbolo con el que se identifican los integrantes de un grupo tribal, creándose así un sólido vínculo al descender todos de un antepasado común, lo cual le asigna características distintivas.
Quirón, el primer centauro
Sobre el origen de Quirón, el primer centauro, existen dos mitos con sus respectivas variantes.
Uno de ellos narra cómo Cronos se transformó en caballo para evitar que su esposa Rea lo reconociera, cuando pretendió a la hermosa oceánide o ninfa marina Filira de la que se enamoró perdidamente, mientras que el otro hace referencia a Ixión, rey de Tesalia, quien trató de seducir a la diosa Hera, esposa de Zeus, y por eso fue castigado.
En el primero de los mitos, donde Quirón es hijo del titán Cronos y de la oceánide Filira, que parecería ser el más coherente, Rea descubre a su marido y la amante huye a las montañas, para dar a luz a un ser deforme que sólo tiene forma humana de la cintura hacia arriba, ante lo cual Filira cae en estado de desesperación y pide a los dioses que la conviertan en una planta de tilo.
El pequeño
centauro queda huérfano y es adoptado por los dioses del Olimpo, quienes le
transmiten múltiples habilidades entre las que destacan la música y el arte de
curar a los animales, creciendo como un ser bondadoso y sabio que se convierte en un gran
maestro.
Quirón tuvo varios alumnos, entre los cuales los más famosos son: Aquiles “el de los pies ligeros”, protagonista de la Ilíada de Homero, y Heracles (Hércules), héroe griego poseedor de fuerza insuperable, que llevó a cabo las fantásticas doce tareas impuestas como penitencia por el Oráculo de Delfos.
«Aquiles y el Centauro Quirón» (Pompeo Batoni, 1746 / Galleria degli Uffizi, Florencia, Italia)
A través de sucesivas centurias la descendencia de Quirón se fue multiplicando, degenerando en gigantescos centauros pendencieros y violentos seguidores del dios Dioniso (Baco) que, como éste, consumían hongos alucinógenos, tomaban vino así como una cerveza que obtenían a partir de la hiedra, masticaban hojas de laurel, comían carne cruda y correteaban a las ninfas por los bosques.
Según Robert Graves, quien observó muchos grabados y vasijas de la antigua Grecia, el hongo que consumían es el conocido como amanita muscaria, que es un potente alucinógeno y constituía una ambrosía o comida exclusiva de los dioses, el cual aparece asociado al dios Dioniso y a los centauros.
Por otra parte, el laurel es una planta a la que también se le atribuyen propiedades mágicas.
Titanes, hecatónquiros, cíclopes y dioses
Entre los
diferentes orígenes de la creación según los griegos, se encuentra el mito
Olímpico, que cuenta cómo a partir del caos –que quiere decir materia sin
forma- surgió Gea (la Madre Tierra), y Urano (el padre Cielo), quien fue el
primer titán.
Gea y Urano tuvieron varias camadas de hijos, apareciendo primero los tres hecatónquiros, que eran gigantes de cien brazos con sus respectivas manos y cincuenta cabezas; luego los tres cíclopes, también gigantes, con un solo ojo en la frente; y finalmente la generación de los primeros doce titanes, de forma humana pero igualmente de gran estatura: podían medir más de veinte metros.
Urano, asombrado de haber engendrado hijos tan feos, envió a los hecatónquiros y a los cíclopes al tártaro: el lugar más profundo del inframundo; no así a los doce titanes (seis varones y seis hembras o titánides), que se parecían a él.
«La castración de Urano» (Fresco de Giorgio Vasari y Cristofano Gherardi, 1560/ Sala di Cosimo I, del Palazzo Vecchio, Florencia)
De ellos, el más pequeño fue Cronos, que incitado por Gea ante la crueldad de Urano con el resto de sus hijos, castró a su padre para que no tuviera más descendencia y arrojó sus testículos al mar, tomando su lugar como gobernante de todo cuanto existía.
El titán Cronos
desposó a su hermana, la titánide Rea, y junto con ella tuvo a los primeros
dioses que fueron seis, tres hembras y tres varones: Hestia (diosa del hogar),
Deméter (diosa de la agricultura), Hera (diosa del matrimonio), Hades (dios del
inframundo), Poseidón (dios de mar) y Zeus, el menor, cuya historia merece ser
contada aparte.
Una vez asumido el poder, el titán Cronos se convirtió en un ser desconfiado y déspota, que volvió a enviar a sus hermanos, los hecatónquiros y cíclopes, al tártaro.
Igualmente, por temor a que alguno de sus hijos lo destronara, tal cual él había hecho con su padre, se los comía a todos al nacer.
Sólo Zeus, el más pequeño, pudo ser salvado por la madre, quien engañó a Cronos envolviendo una piedra entre pañales, escondiendo luego a su hijo en una cueva de la isla Creta.
La infancia de Zeus (Nicolaes Pietersz, 1621-1683 / Berchem)
En la mitología griega, al igual que en otras, toda mala acción tiene su castigo respectivo, equivalente a la falta cometida en la mayoría de los casos.
Por lo tanto, cuando Zeus es mayor, concibe su plan y se las ingenia para que su amante Metis, quien era una ninfa del mar, prepare una poción vomitiva que Cronos ingiere engañado haciendo arrojar de su estómago a todos los dioses que se había tragado; entre ellos a Hera, con la que Zeus contrae matrimonio.
A continuación comienza una guerra entre los dioses -liderados por Zeus- y los titanes, que dura diez años y es conocida como la Titanomaquia, en la que Cronos y todos los titanes son vencidos; entonces Zeus se convierte en el dios del cielo y el más importante entre todos los dioses del Olimpo.
El Olimpo es la
montaña más alta de Grecia, cuyo nombre significa “lo más alto entre lo alto”. Tiene forma de círculo y varios picos, siendo
el Mytikas, con 2.919 metros sobre el nivel del mar, el de mayor altura; aquí
es donde se dice que vivían los dioses en un palacio de cristal.
Semidioses, ninfas y musas
Otras divinidades de la mitología griega son los semidioses, las ninfas y las musas, que tienen un rol muy importante en los múltiples acontecimientos descritos por Homero y Hesíodo, quienes vivieron entre los siglos VIII y VII a.C. y que, según el historiador Herodoto (484-425 a.C), fueron los que se encargaron de recoger todas las narraciones orales construyendo un cuerpo estructurado de conocimiento.
Los semidioses
eran descendientes de los titanes o de los dioses, concebidos en su relación
con algún humano y, al igual que aquellos,
gozaban de la inmortalidad. Así, por ejemplo Heracles (Hércules) era inmortal
por ser hijo de Zeus, aunque su madre
fue la mortal princesa Alcmena.
Las ninfas constituyen
un grupo de deidades cuya paternidad se atribuía a Zeus en unión con diversas
amantes; conformaban los cortejos de los dioses o diosas y estaban destinadas a
cuidar determinados ambientes naturales.
Existen diversas clases
de ninfas, entre las que se pueden encontrar: las nereidas o ninfas del mar;
las náyades, que cuidan las fuentes y los ríos; las oceánides, encargadas de los océanos; las oréades o ninfas de los
bosques; y las hespérides o ninfas del oeste, así como muchas otras.
Por otra parte, las musas eran nueve y también eran hijas de Zeus junto a la titánide Mnemósine (que hace referencia a la memoria), las cuales fueron engendradas durante nueve noches seguidas; vivían en el Olimpo y cada una se ocupaba de una rama de las artes y de las ciencias, acudiendo a inspirar a cualquier mortal que las invocara.
Dioniso, dios de los centauros y las ménades
Dioniso, dios de la fertilidad y el vino, es producto de otra de las infidelidades de Zeus, existiendo varias versiones respecto a quién fue la madre; Robert Graves afirma que puede haber sido Deméter, otra de sus hermanas.
Dioniso y Ariadna (Sebastiano Ricci)
Esto provocó una terrible cólera en Hera, la cual usó sus poderes para que el niño naciera con la cabeza cubierta de serpientes, aparte de que lo mandó a despedazar y a hervir en una olla. Pero Dioniso es inmortal y escapa ayudado por su abuela Rea.
Zeus esconde a
Dioniso en un país lejano para que sea
criado por los monarcas de aquel reino y lo transforma en chivo para evitar que
sea reconocido; mas la temible Hera igualmente
lo descubre y hace que los reyes, y también el propio Dioniso, se vuelvan
locos.
Finalmente, el infortunado Dioniso es entregado a las oréades o ninfas del bosque para que lo terminen de criar; pero él, que ya está sin juicio, las posee y ellas también enloquecen.
Éstas son las llamadas ménades, que vagan desnudas por los bosques danzando con frenesí. Ménade quiere decir mujer loca o que alucina.
Las ménades y los centauros forman el cortejo del dios Dioniso; todos consumen hongos alucinógenos, abusan del vino y de la cerveza fabricada a partir de la hiedra, mastican hojas de laurel y, cuando están en éxtasis, matan a los animales con sus propias manos para alimentarse de carne cruda.
Muerte de Quirón
Quirón es un centauro criado por los dioses que, al contrario de los centauros seguidores de Dioniso, vive tranquilo en su cueva donde se dedica a tocar la flauta y a cuidar de los animales, mientras que muchos notables lo visitan para recibir sus conocimientos de medicina.
Centauro Quirón (Monumento al Doctor Félix Cerrada) / Obra de Frank Norton, Zaragoza (réplica en bronce de la original realizada por el escultor Pascual Salaverri en el año 1921)
Sucede que un día, su propio discípulo Heracles, persiguiendo a otros centauros, dispara una flecha envenenada que se clava en una de las patas de Quirón produciéndole un terrible daño.
Éste comienza a sufrir terribles dolores, pero por ser hijo de un dios está amarrado a la vida, por lo que desesperado decide ofrecer su inmortalidad a Prometeo.
Prometeo era un
titán de la segunda generación que robó el fuego de los dioses y se lo proporcionó
a los mortales, por tal motivo se le
considera el padre de la civilización; igualmente, se dice que fue quien transmitió
a los hombres los conocimientos de matemática, navegación, astronomía,
arquitectura y metalurgia.
Zeus, que aparte de gran mujeriego era capaz de los más impresionantes arrebatos de ira, por hurtar el fuego divino había condenado a Prometeo a estar encadenado a una roca durante toda la eternidad y, adicionalmente, todos los días un águila devoraba su hígado, que volvía a crecer en la noche para alimentar nuevamente al día siguiente al ave de rapiña.
El castigo de Prometeo sólo podía ser anulado si alguna deidad le ofrecía su inmortalidad, tal y como sucedió con Quirón, por lo que éste muere y aquel es liberado a solicitud de Heracles.
Luego Zeus, quien también era capaz de actos de infinita bondad, se compadece del buen centauro, que por ser hijo de Cronos era su medio hermano, y lo envía al firmamento.
Hoy podemos observar a Quirón en la constelación Centauro, una de las mayores que existen al contar con 281 estrellas y en la que se encuentra la brillante Galaxia Centauro A. Pero sólo pueden ver esta constelación los habitantes del Hemisferio Sur o los que se encuentren en las zonas del Hemisferio Norte más próximas al Ecuador.
Algunos asociaron
a Quirón con la constelación Sagitario, mas los astrónomos conocedores de la materia
en la antigua Grecia aseguraban que nunca un centauro había portado arco y
flechas, por lo que Sagitario se parece más a un sátiro, lo cual será objeto de
otro artículo.
Charlie Parker fue un saxofonista y compositor que decía que “los músicos son intelectuales y no solo artistas”. Y lo demostró a través de sus actos que marcaron su vida:
Rechazo a ciertos valores narrativos estándar; a su intensa búsqueda
espiritual, orientada al budismo; al odio hacia el materialismo, pues creía que
“odiando el materialismo como una enfermedad incurable se liberaría de los
apegos, causantes de todos los problemas del ser humano”; experimentación con
drogas psicodélicas, para ser más creativo; buscaba llevar una sexualidad libre
de los prejuicios religiosos, para liberarse de la culpa causada por el deseo
de otro cuerpo…
Es así que podemos ver que abraza a la subcultura inconformista, a la Generación Beat, creando una forma existencial nihilista, con la cual cree que impulsará -como un intelectual, un pensador- a otros creadores a seguir su estilo de vida y de creación.
Tal como lo hizo el escritor Jack Kerouac, que utiliza y modifica el significado de la palabra “beat” para connotar optimismo, beatífico, como resultado de una forma de nihilismo, que suele darse más a través de la música que en otras expresiones artísticas, donde los sentimientos desordenados, encontrados, como son la felicidad y la tristeza, puedan ser observados, pero sin que intervengan ciertos pensamientos que nos lleven a la argumentación, y donde simplemente se vivan como un estado natural de las percepciones, tal y como lo podría vivir un beato, en un estado presente, de observador.
Charlie Parker
Charlie “The Bird” Parker es influenciado por la Generación Beat, como después sucedió con otros músicos como The Beatles o The Doors, quienes siguieron los pasos de este gran saxofonista.
A través del “Bebop”, su creación pudo ejecutar o desarrollar sus solos que permitieron una de sus principales innovaciones musicales al darse cuenta de que los doce semitonos de la escala cromática melódicamente conducen a cualquier clave, con lo cual, logra romper algunos de los confines de un solo de jazz más simple.
Además, era un estudioso de la música clásica, en especial o con gran
preferencia, de la música de Igor Stravinsky. Con estos conocimientos logra
incorporar elementos clásicos al ritmo de jazz. Así surge el álbum Charlie Parker con cuerdas, actualmente
aclamado mundialmente.
Sí, vale la pena recordar a este gran jazzista que falleció hace
sesenta y cuatro años (12 de marzo de 1955), que legó al mundo de la música sus
composiciones que involucraban la interpolación de melodías originales sobre
las formas de jazz existentes, y que fueron reutilizadas por otros grandes
creadores de música clásica y de jazz.
Según la creencia nórdica, la mejor época para celebrar una boda es a principios de otoño, cuando ya se han recolectado las cosechas y la miel.
La familia para
los nórdicos es el eje central en torno al cual gira todo, ella es quien controla
y gobierna, hasta en los detalles más mínimos de la existencia.
Los dioses Thor, Freyr, Freyja y Odín son los encargados de consagrar y proteger a la pareja. El mejor día de la semana para celebrar una boda vikinga era el viernes, día dedicado a la diosa del matrimonio y del hogar, Frigga o Frigg, esposa de Odín.
Figuras de dioses escandinavos (Triumpho / Etsy)
El casamentero
es un personaje importante en la ceremonia. Por lo general, es un amigo o
pariente muy cercano del futuro esposo. Se encarga de proponer la unión. Si se
da el sí por parte de la familia de la novia, se pone fecha para la celebración
de los esponsales, que solía ser poco más de un año después.
Tradiciones y
rituales previos
Los tratos
sociales y económicos se acuerdan delante de testigos. Según sus leyes, la
novia aportará una dote equivalente a la aportación del novio.
Antes de la ceremonia, la tradición nupcial indicaba que la novia debía recibir una serie de cuidados. Tras el baño, se enjuagaba con agua fría perfumada con plantas y flores.
La ceremonia se
realizaba normalmente en un lugar sagrado del bosque, donde se invocaban a los
dioses y se sacrificaban los animales:
Para Thorr una
cabra para Freyja una cerda, para Freyr
un jabalí o caballo.
Después del
sacrificio, los novios se intercambiaban obsequios. El novio entregaba a la
novia, como futura madre de sus hijos, la espada de sus antepasados. Y ella
obsequiaba al novio con una espada nueva símbolo de protección y de una nueva
tradición familiar.
Los votos se pronunciaban colocando los anillos sobre sus manos que se apoyaban sobre la punta de la espada nueva y vieja.
Ceremonia de casamiento con espadas (serie “Vikingos” / The History Channel)
Una vez
pronunciados los votos, se intercambiaban los anillos, todo ello dentro de un
anillo compuesto de piedras y runas, un anillo que significaba el juramento bajo
el martillo de Thor.
Celebraciones
tras el casamiento
En la casa
donde vivirían los novios se realizaba el banquete previo a toda una serie de
actos que garantizaban el buen comienzo del matrimonio.
La novia
realizaba la entrada al nuevo hogar en brazos del novio. Una vez dentro del
hogar, el novio colocaba la espada nueva apoyada junto al pilar principal de la
casa, que simbolizaba protección, y la novia entregaba una copa de hidromiel y
recitaba un verso de salud y fuerza.
Tras dedicar un
brindis a Odín, el novio bebía y entregaba la copa a la novia que brindaría por
Freyja.
Una vez ya en la mesa, el novio colocaba un martillo que había llevado en la ceremonia en el regazo de la novia para que Thor la bendijese con la fertilidad.
El novio carga con la novia en brazos (serie “Vikingos” / The History Channel)
El jefe del clan abría el banquete con unas palabras a los dioses para que bendijeran a la pareja. El banquete duraba una semana. En el banquete, aparte de la comida y la bebida, había baile, luchas, poesías y juegos.
El hidromiel
era la bebida que se tomaba tanto en la ceremonia como en el festejo. Se creía
que aumentaba la fertilidad.
A partir de los
votos, las mujeres casadas aparecían en público con el pelo trenzado y con un
tocado o velo llamado hustrulinet.
Una vez
consumado el matrimonio, el marido entrega una serie de regalos a la mujer:
ropa, joyas, ganado, cosas del hogar, esclavos y, algunas veces, tierras.
Regalos en la
boda vikinga
Mundr
El novio paga al
padre de la novia para obtener el derecho de protección. Si un hombre no puede
pagarlo, no puede casarse. Como norma, se entregaba el día de la boda.
Morgen-gifu
Regalo del
novio a la novia en compensación por su virginidad o disposición sexual.
Heiman fylgia
Era la dote que
aportaba la novia al matrimonio, la cual era administrada por el esposo. Garantizaba
el sustento de la mujer y los hijos en caso de quedar viuda. Si se divorciaban,
esta dote se la quedaba la mujer.
