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Música experimental: definición, características y obras de los mejores músicos experimentales

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La música experimental entró en la escena musical con nuevos sonidos y ritmos que evadieron los convencionalismos gracias al trabajo de músicos experimentales como Charles Ives, John Cage y Phillip Glass.

En ocasiones es llamada «música vanguardista», pero la música experimental es un género que, desde el inicio de su movimiento, se ha enfocado en separarse de cualquier forma de música que se haya conocido y busca descubrir, a través de los silencios y la innovación, nuevos caminos en el ámbito musical. A continuación, en esta entrada hacemos un repaso por el origen, establecimiento y los músicos experimentales más destacados del género.

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¿Qué es la música experimental?

La definición de música experimental está anclada a la presencia de los sonidos con un estilo alternativo, vanguardista, excéntrico, individualista y audaz. Asimismo, el nombre de este género es una especie de encasillamiento o etiqueta general para varios matices de la música contemporánea, como la música clásica, el jazz y, aunque suene extraño, también la música electrónica.

 Además, este ritmo alterno que genera la música alterna puede ser descrito como un cúmulo de sonidos, técnicas, elementos de composición e interpretaciones no tradicionales que se convierten en un adjetivo de música radical que arropa la música clásica experimental, pero también hace lo propio con otras de sus variantes como la música experimental instrumental y la música experimental electrónica. En síntesis, la música experimental recibió ese nombre para englobar un sonido o tipo de música que se hace sin un resultado predeterminado.

Auge de la música experimental

La música experimental empezó a desarrollarse a mediados del siglo XX con miras a expandir el rango de sonidos que ya eran aceptados en la música, se alejó de todos los elementos estrictos de la teoría musical y de las instrucciones básicas para hacer distintos tipos de música que se desprendían de sonidos que se habían popularizado. Desde sus primeros pasos, en 1950 y 1960, hasta su declive en 1970, los músicos experimentales se encargaron de establecer una  tendencia creciente que cobró impulso e hizo que todos se preguntaran si realmente era música o, en casos extraordinarios, qué era la música en realidad. 

Entre esos años, en los que el auge de la música experimental se estaba sintiendo, quedó en evidencia la forma significativa de hacer y componer música que, de cierto modo, se hizo como una respuesta de rechazo a la modernidad de la posguerra. A su vez, el nombre de John Cage (hablaremos más adelante de él), brilló con su icónico y criticado 4′ 33», que es un sonido sordo de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio para que cualquier instrumento haga su parte en ese vacío musical.

Entonces, la música experimental podía ser identificada por su gen conceptual que, en resumidas cuentas, se aleja determinantemente de las nociones convencionales de cualquier obra musical popular en aquella época. Este género se convirtió en sinónimo de alternativo y del minimalismo, y dejó que el significado e interpretación del tiempo, espacio, sonido quedara bajo la responsabilidad del artista y su inspiración.

Identidad dentro de la industria musical

En la industria musical, la música experimental se identifica fácilmente porque su esencia es sensible y exploratoria. Además, las composiciones varían radicalmente con respecto a las notas y sonidos conocidos, y también varía en la forma en la que se interpreta la música, la cual destaca por su indeterminación.  

Es decir, esta forma de hacer música implica que el compositor añada elementos nuevos al azar que, por lo general, son impredecibles en lo que respecta a la composición o la ejecución de la pieza musical. Asimismo, este género alternativo puede estar entre los confines de los géneros híbridos como el droner, el post-black metal, la música ambient, el hip-hop (Dj Screw, por ejemplo) entre otras variedades de música alternativa/independiente y estilos dispares que incorporar en su estructura elementos poco ortodoxos y únicos. De hecho, las influencias de esta forma de sonidos llegaron a la música industrial de los 90. 

Desarrollo histórico de la música experimental

Para entender un poco más de qué va este sonido creado por los distintos artistas de música experimental, haremos un repaso por el desarrollo histórico del género. 

La influencia de Charles Ives

Los historiadores fijan el punto de nacimiento de  la música experimental a principios del siglo XX, donde el estadounidense Charles Ives (1874-1954) salió relucir como el compositor modernista que dio pie a que se sentaran las bases para la música experimental en el género clásico.

A decir verdad, Charles se afianzó como uno de los primeros compositores que comenzaron a experimentar sistemáticamente con la música, creando nuevas melodías y sonidos que representaron un cambio drástico en los patrones aceptados de ritmos, claves, armonías y notas. Además, el compositor clásico se enfocó en incorporar varios de los elementos de la música folclórica de Estados Unidos en sus composiciones experimentales, y esto fue algo que no se había visto en la música profesional. Aunque su nueva creación pasó desapercibida en aquel entonces, Ives lanzó Central Park in the Dark en 1906, y The Unanswered Question en 1908, una sinfonía que tiene arreglos con instrumentos no tradicionales.

La Escuela Experimental estadounidense y Fluxus

Seguidamente, la génesis de la música experimental tuvo su lugar en la Escuela Experimental estadounidense a principios del siglo XX, en Nueva York, exactamente en la década de 1950, cuando un grupo de pintores, poetas, músicos y bailarines se afincaron en el movimiento vanguardista e innovador de las artes mixtas, el surrealismo, la abstracción y la música experimental para crear un gremio nuevo en la nación entre los años 1950 y 1960.

Algunos de los integrantes de ese gremio fueron músicos experimentales como John Cage y Earle Brown, quienes también formaron parte de Fluxus, una comunidad de artistas que entre 1960 y 1970 proyectaron el arte multidisciplinario a nivel experimental. Este movimiento anticomercial internacional ganó reconocimiento gracias a la presencia de estos artistas y otros como Yoko Ono, Al Hansen y Dick Higgins, pero no fue lo suficientemente fuerte como para consolidarse en el tiempo. 

La musique expérimentale de Schaeffer

Durante este período, el compositor e ingeniero francés Pierre Schaeffer también estaba haciendo sus experimentos y creaciones, así que comenzó a utilizar el término musique expérimentale (música experimental) para darle nombre y sentido a su trabajo, que se basó en aplicar las técnicas de composición no tradicionales. 

Schaeffer puso su mente y oído en la música electrónica y la musique concréte (música concreta), un estilo de composición en el que los sonidos grabados se convertían en canciones hechas de la palabra hablada pasajes y grabaciones de campo, se combinaron con sintetizadores, y también fueron manipulados y doblados hasta formar una pieza musical.

Transetnicidad e improvisación

La extensión de la música experimental también se aplicó a la transetnicidad, una etiqueta que engloba distintos tipos de música que son atribuidos a los diferentes grupos étnicos del mundo. De hecho, el compositor estadounidense Henry Cowel (1897-1965) se dedicó a estudiar el mundo de la música más allá de la “hegemonía del canon musical occidental” y documentó y enseñó sobre la “música de los pueblos del mundo” entre los años 1931 y 1932.

Asimismo, el género de ritmo alterno recayó sobre las técnicas de improvisación libre (o música libre), que consisten en la creación de sonidos y piezas musicales sin el seguimiento de alguna regla en específico. En este tipo de música, los artistas se esfuerzan por proyectar sonidos alejados de referencias marcadas o populares. 

Características de la música experimental

Ahora bien, después de ese breve repaso histórico vamos a desglosar las características de la música experimental, este estilo musical que emplea varios instrumentos (algunos no musicales) y métodos de producción que se alejan de lo convencional. 

Indeterminación

Además de la innovación y el minimalismo musical, una de las principales características de la música experimental o aleatoria es la indeterminación. En este género musical hace que la duración, el sonido y el estilo de interpretación de la composición sea un agente imprevisible e independiente, pero es elemento clave de la música experimental.

Improvisación 

Por otro lado, otra propiedad que aplicaron los músicos experimentales al género es el pensamiento fuera de la caja. Le dieron rienda suelta a su creatividad y se permitieron experimentar con los sonidos y las bases de otros géneros como jazz y el noise rock para crear piezas únicas.

Instrumentos variados

Con respecto a los instrumentos de la música experimental impulsada por la revolución digital, se puede decir que son tan únicos como variados, puesto que puede usar instrumentos tradicionales, pero no son tocados de formas no tradicionales; mientras que los instrumentos menos usuales son pernos, cubiertos, vegetales, electrodomésticos y artículos de oficina que pueden formar parte de los sonidos más peculiares de la música experimental.

Grupos y músicos experimentales

En esta entrada enlistaremos las bandas de música experimental y los solistas o músicos experimentales que han destacado a través de los años en el género alternativo.

Solitas de la música experimental

Entre los principales cantantes en solitario de la música experimental podemos encontrar los siguientes nombres:

John Cage

Como dijimos al principio, John Cage (1912-1992), el maestro del silencio, fue uno de los impulsores de la alternativa/independiente, a pesar de que fue criticado y acusado de charlatán por su 4’33 que, básicamente, es una pieza sin sonido que invita a los oyentes a escuchar el entorno y el ambiente que se crea sin que los músicos toquen ni una sola nota musical en su presentación. Pero también lanzó otras piezas importantes como The City Wears a Slouch Hat (1942) y Three Dances (1945).

John Cage es considerado por muchos el pionero de la música experimental (Rob Croes / Anefo, CC0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Pese a las críticas, Cage, quien se inspiró frecuentemente en la filosofía asiática es considerado por muchos como uno de los máximos influyentes de la música experimental, ya que hizo que el mundo se cuestionara qué es la música según los conceptos de cada quien. 

Terry Riley

Seguidamente, Terry Riley es otro de los integrantes de la lista de músicos experimentales que sobresalió por sus técnicas innovadoras. El compositor e intérprete de piezas como In C de 1964 y autor del álbum A Rainbow in Curved Air (1969) hizo que los sonidos de bucles y repetición formaran parte de las técnicas de composición más presentes en el experimentalismo.

Riley durante una presentación en Tokio, en 2017 (Takahiro Kyono from Tokyo, Japan, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

De hecho, algunos aseguran que Riley fue uno de los precursores del trance y el “padre de la música moderna” por su proyecto del 69 que, tiempo después resurgió en sets ambientales y en la música industrial de los 90. Asimismo, algunos amantes del género consideran que su influencia ha quedado impregnada en la industria musical por su atemporalidad y magia para los sonidos repetitivos “apetecibles”.

La Monte Young

Por otro lado, La Monte Young aún es visto como una figura destacada en el minimalismo y el drone y, como un dato curioso, él influyó en las carreras de estudiantes y colaboradores como Terry Riley, Tony Conrad y John Cale the Velvet Underground, la popular banda estadounidense de rock experimental que se estableció a mitad de los años 60. La Monte Young, según Brian Eno es “el padre de todos nosotros” debido a su creatividad e ingenio para dar a luz piezas inolvidables de la música experimental. 

Una de las creaciones más famosas de Young es The Well-Tuned Piano, una improvisación de más de cinco horas que consta de un solo de piano que fue lanzada en 1964 como una pieza continua. Otro de sus trabajos más sobresalientes es Inside the Dream Syndicate, Volume I: Day of Niagara (1965).

Steve Reich 

El compositor estadounidense Steve Reich también considerado como una figura importante de la música experimental porque puso en el foco el uso de efectos como el looping, phasing y pulsating en la música minimalista y alternativa, y ese trabajo no se quedó en cuatro paredes o en su mente; la música que creó Reich influyó profundamente a toda la escena musical, desde el rock independiente, hasta el new age. 

Steve Reich en el Festival de Compositores de Holanda, en 1976 (Hans Peters / Anefo, CC0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Algunos de sus trabajos más destacados son Music For 18 Musicians (1978), Octet/Music For A Large Ensemble/Violin Phase (1980) y Tehillim (1982).

Philip Glass

Otro de los padres del minimalismo es Phillip Glass, el compositor estadounidense que lanzó en 1969 Music in Similar Motion, una partitura abierta que puede ser interpretada por cualquier tipo de instrumentos, y se basa en loops unidireccionales contrastados con texturas y timbres variados. Para Glass, esta pieza tiene gran sentido del drama que sobrepasa la línea original que se reactiva para completar el sonido. 

Glass en el Palacio de Bellas Artes de México, en 2018 (Secretaría de Cultura Ciudad de México from México, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Entre otras obras maestras de Glass figuran Chappaqua (1966), Music With Changing Parts (1971) y Winstein On The Beach (1979).

Bandas de la música experimental

A continuación, enlistamos algunas de las bandas que forman parte de los músicos experimentales que se han visto influenciados por el género alternativo:

Akineton Retard

Por el lado de los grupos musicales experimentales, la influencia de los grandes nombres del género llegó a Chile, donde en 1994 se fundó Akinetón Retard, una banda de rock y jazz psicodélico y experimental que en 1999 lanzó su disco homónimo, un proyecto interesante que colinda entre lo experimental y lo progresivo, con un poco de base psicodélica y del rock in opposition. 

Además de su trabajo de 1999, Akinetón Retard también tiene otros proyectos relevantes como Akranania (2001), 21 canapés (2003) y Cadencia Urmana (2006). 

Autechre

Otra banda de música experimental, en el espectro de la electrónica es el dúo inglés formado en 1987 en Reino Unido por Rob Brown y Sean Booth.  A pesar de que su estilo ha sido encasillado como intelligence dance music (IDM), sus trabajos han incorporado distintos géneros y estilos que incluyen el techno, la música ambient, el EDM experimental y la música concreta.

Autechre tocando en Holanda en 2007 (Pablo Sanz Almoguera, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Autechre, que es una banda que  utiliza muchos sintetizadores y cajas de ritmos digitales variados en su producción, tiene proyectos destacados como Tri repetae (1995), Confield (2001) y NTS Session 3 (2018).

Death Grips

Como hemos dicho, el hip-hop también es parte de la música experimental, es por ello que Death Grips, grupo formado en 2010 en Sacramento, California, es parte de esta lista. El grupo de Stefan Burnett (MC Ride), Zach Hill y Andy Morin opera bajo su propio sello, Third Worlds, pero logró firmar con Epic Records, una de las compañías discográficas más importantes de la industria.

Death Grips durante una performance en Nueva York, 2012 (Kennysun, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Aunque en ocasiones se agarran del pop para sus creaciones, Death Grips tiene texturas ásperas, sus letras son sinónimo de anarquía y se vale de su influencia mediática en la Internet para seguir a flote. Entre sus trabajos más importantes podemos nombrar n-ggas on the moon (2014), Exmilitary (2011) y The Money Store (2012). 

Crystal Castles

Finalmente, añadimos a Crystal Castles el dúo candiense de música electrónica experimental que se formó en 2003 en Ontario, Canadá; el productor Ethan Kath y la vocalista Edith Frances son los integrantes del equipo que tiene un sonido melancólico muy al estilo lo-fi, pero que contrasta todo el drama con sus explosivos shows en vivo. Su álbum debut del mismo nombre, que lanzaron en 2008, recibió buenas críticas  y ha sido calificado como uno de los mejores proyectos electrónicos de Estados Unidos y del Reino Unido.

Crystal Castles tocando en Oslo, en 2010 (Frode Ramone from Oslo, Norway, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Crystal Castles, que ha experimentado con el synth-pop y ‎synth-punk‎, tiene otros trabajos importantes como Alice in Practice (2006), Crystal Castles II (2010) y III (2012). En este mismo orden de ideas, un artista que también se estableció en el sonido introspectivo y melancólico es el británico James Leyland Kirby, quien llevó a los oyentes a un lugar melancólico y oscuro con The Caretaker – Everywhere at the end of time.

Canciones emblemáticas de la música experimental

Para cerrar con el recorrido por los orígenes del género alternativo, en esta entrada enlistamos varios ejemplos de música experimental, que son algunas de las canciones más emblemáticas y más sonadas, que han tenido clara influencia o que representan en totalidad a la música experimental.

John Cage – The City Wears a Slouch Hat

Si se habla de drama, The City Wears a Slouch Hat puede figurar como uno. Esta fue una de las primeras piezas de Cage que se que se grabó como una radionovela en colaboración con el escritor Kenneth Patchen, un guion que estaba destinado para la CBS Radio en 1942. John Cage compuso la banda sonora que se convirtió en un proyecto sonoro histórico y vanguardia en la escena musical estadounidense.

La Monte Young – The Well-Tuned Piano

En 1964, La Monte Young le dio play a The Well-Tuned Piano 81 X 25 6:17:50 – 11:18:59 PM NYC (nombre completo) una pieza musical continua que es considerada la obra maestra más resaltante de Young y de la música experimental en sí. Esta canción, que aún sigue sin terminarse, se interpretó por primera vez en un concierto 13 años después de salir a la luz y necesita una preparación de al menos tres meses para ser tocada en un piano sumamente afinado. Solo se ha tocado unas 60 veces (y un poco más).

Velvet Underground & Nico – All Tomorrow’s Parties

Ahora bien, hablando de influencias, All Tomorrow ‘s Parties tiene aires a Terry Rikey en el solo de piano de John Cale. Esta canción, que se lanzó en 1967, trata sobre lo que sucedía en La Fábrica del icónico artista Andy Warhol y de las personas con las cuales él frecuentaba; un sitio en el que ocurrían encuentros de música y arte. Pero, más allá de ese hecho, la pieza tiene una guitarra majestuosa y acordes exquisitamente definidos.

Pillip Glass – Music With Changing Parts

Con una duración de una hora, la composición de Glass, que bien puede ser un álbum o una pieza extensa, se publicó en 1994 y desde entonces se estableció como uno de los proyectos fundamentales de uno de los máximos representantes de la música experimental. Music With Changing Parts se posa en el minimalismo y también en la música de vanguardia y, por otro lado, se evidencian las similitudes con trabajos de sus compañeros como Reich y Riley, pero aporta un sonido novedoso y maravilloso para quienes disfrutan del género. 

The Beatles – Revolution 9

En el espectro de lo alternativo y experimental, Revolution 9 de The Beatles es considerada por muchos como una de las canciones más extrañas del icónico grupo británico, pero otros defienden su existencia a capa y espada. Es una canción que nació de The White Album (1968) y destaca por su “rareza” porque quizás no es lo más común en el repertorio de la boy band, pero aún así se puede rescatar la asistencia de Yoko Ono para darle el toque vanguardista a los sonidos amalgamados en el track.

The Who – Won’t Get Fooled Again

Won’t Get Fooled Again de la banda de rock británico The Who, es una de las canciones en las cuales se evidencia la influencia de Terry Riley en el sonido en loop que se origina del órgano. Además, es considerada como una de las piezas del rock y art rock más revolucionarias y creativas. La canción, que forma parte de su álbum Who ‘s Next (1971) es muy reconocida por el uso de sintetizadores y porque su letra es un llamado a ir contra el sistema, es “una pieza de advertencia”, según expresó la banda.

Para finalizar, y que se entienda mejor el significado de la música experimental, los mismos músicos experimentales (como Cage y Brown) definieron al género como un arte que se enfoca “por el sonido en sí mismo, libre de asociaciones históricas y tradicionales” y, para llegar a ese concepto y a ese tipo de creaciones, ellos investigaron nuevas relaciones entre los sonidos permitiendo un aura aleatoria, vanguardista e ilusoria que no tenía un fin específico y que, sin lugar a dudas, daría como resultado una pieza inesperada al desechar los elementos básicos de una pieza musical.

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