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Cuadros modernistas: características, pintores y estilo de las 20 principales pinturas del modernismo

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Las pinturas del modernismo son conocidas por otros nombres en algunos países. Art Nouveau es la denominación internacional del movimiento, pero en Italia lo llaman Liberty y en Alemania Jugendstil que proviene de juventud. Todos estos nombres ayudan a entender que los cuadros modernistas fundamentalmente inspiran renovación, libertad y frescura.

La definición de modernismo no es muy precisa, además de que dentro de este movimiento se observan cuadros modernistas con estilos muy diferentes. Algunos críticos, incluso, incluyen el cubismo y el arte abstracto en esta corriente, mientras que para otros son expresiones totalmente distintas de las pinturas del modernismo. En general se conceptualiza al modernismo o Art Nouveau como una tendencia artística que abarca las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, inspirándose sobre todo en la naturaleza y promoviendo la libertad. Observar las obras que siguen será la mejor forma de comprender qué es el modernismo.

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Moulin Rouge: la Goulue (1891)

El afiche del Moulin Rouge para la Goulue es el primero de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), quien fue uno de los principales artistas del art nouveau luego de evolucionar desde el impresionismo, pasando por el postimpresionismo, aunque siempre con un estilo particular. Además de pintor Toulouse-Lautrec era dibujante, por lo que se le dio muy bien el tema de los carteles y todos los cabarets comenzaron a encargarle pedidos.

Cuadros modernistas. Moulin Rouge: La Goulue, 1891. Henri de Toulouse-Lautrec.
Moulin Rouge: La Goulue, 1891. Henri de Toulouse-Lautrec. (Henri de Toulouse-Lautrec, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Este póster medía 191 x 117 cm. y la Goulue, que se puede traducir como la glotona, era el sobrenombre de una famosa bailarina de cancán del Moulin Rouge. La mayoría de los trabajos de este artista se puede ver en el Museo Toulouse-Lautrec, aunque también en varias pinacotecas del mundo. Las técnicas que solía utilizar eran diversas: carboncillo, óleo, acuarela, pastel, o una mezcla de varias. 

Folies-Bergere: La Loie Fuller (1893)

Este afiche del cabaret Folies-Bergere, que anuncia un espectáculo, es de la autoría de Jules Chéret (1836-1932), considerado el padre del cartel moderno por su aplicación de innovadoras técnicas litográficas que aprendió en Londres. Chéret se especializó en pósteres para promover eventos y también incursionó en la publicidad con gran éxito.

Cuadros modernistas. Folies-Bergere: La Loie Fuller, 1893. Jules Chéret.
Folies-Bergere: La Loie Fuller, 1893. Jules Chéret. (Jules Chéret, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Una de sus principales características fue la forma de retratar a la mujer: moderna, dinámica, alegre y desinhibida como nunca antes, creando un prototipo de fémina que adquirió socialmente el nombre genérico de “Chérette”. La obra de este gran maestro del modernismo francés puede apreciarse en el Museo de Bellas Artes Jules Chéret en la ciudad de Niza. 

La Morfina (1894)

La Morfina está entre las pinturas más famosas del catalán Santiago Rusiñol (1861-1931), importantísimo representante de la pintura modernista española, además de poeta, novelista y dramaturgo. Esta obra se ubica en el Museo del Cau Ferrat en Sitges (Barcelona), vivienda y estudio del pintor desde 1893, cuando compró y  refaccionó una humilde casa de pescadores luego de volver de París.

Cuadros modernistas. La Morfina, 1894. Santiago Rusiñol.
La Morfina, 1894. Santiago Rusiñol. (Santiago Rusiñol, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El cuadro mide 115 x 88 cm., está pintado al óleo y es parte de un binomio con escenas sobre el mismo tema. La modelo es Stephanie Nantas, una de las favoritas del autor, quien duerme plácidamente luego de ingerir la droga. La morfina estuvo muy relacionada con la vida de Rusiñol, ya que luego de una caída tuvo que consumirla debido a fuertes dolores y se volvió adicto por diez años.

Gismonda (1895)

Gismonda es el nombre de un melodrama griego, que en 1895 fue puesto en escena en París con la actriz Sarah Bernhardt, la estrella más brillante del teatro en aquella época. Por coincidencias de la vida, el pintor, ilustrador y dibujante checo Alfons Mucha (1860-1939), que no era muy conocido, estaba de paso en una imprenta a la que llamaron para realizar el afiche de la obra. Al no haber otros diseñadores gráficos disponibles, le asignaron el trabajo que lo catapultó a la fama.

Cuadros modernistas. Gismonda, 1895. Alfons Mucha.
Gismonda, 1895. Alfons Mucha. (Alphonse Mucha, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El póster fue todo un éxito ya que se distinguía de todos los demás, tanto por el dibujo como por sus colores pasteles y dimensiones al tamaño natural, que requirió de un delicado proceso litográfico. La popularidad fue tal, que hasta era desprendido de los muros y robado por las noches. Posteriormente Alfons Mucha se convirtió en uno de los más destacados representantes del Art Nouveau y también está considerado como uno de los pintores famosos del siglo XX.  Su obra completa puede ser apreciada en el Museo Mucha de la ciudad de Praga.

Messalina y su compañera (1895)

Esta imagen corresponde a una pintura del art nouveau que originalmente era una litografía realizada con pluma y tinta en blanco y negro. Su autor es el destacado ilustrador y pintor británico Aubrey Beardsley (1872-1898), quien fue un ácido crítico de la hipócrita sociedad victoriana, muy amigo de Oscar Wilde y fallecido a la edad de 25 años víctima de tuberculosis. La obra alude a Valeria Messalina, la tercera esposa de Claudio, el emperador romano, que tuvo fama de ser una mujer promiscua y traidora. El cuadro mide 28 x 21 cm. y se exhibe en el Museo Tate Modern de Londres.

Cuadros modernistas. Messalina y su compañera, 1895. Aubrey Beardsley.
Messalina y su compañera, 1895. Aubrey Beardsley. (Aubrey Beardsley, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Lippincott´s (1895)

Esta portada de la famosa revista mensual literaria Lippincott´s de Filadelfia, que se publicaba entre los años 1868 y 1915, es diseño de William Carqueville. Fue uno de sus últimos trabajos para la empresa, ya que en octubre de 1895 se mudó a Europa donde vivió en París y Londres, para regresar a Estados Unidos al año siguiente y comenzar a trabajar en otro medio. Algunos críticos califican a Carqueville como un artista más elegante que los modernistas europeos, quienes acostumbraban a utilizar mayor cantidad de elementos floridos lo cual es una de las características generales del modernismo.

Cuadros modernistas. Lippincott´s, 1985. William Carqueville.
Lippincott´s, 1985. William Carqueville. (William Carqueville, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Jugend (1896)

Esta carátula fue elaborada por el pintor y artista gráfico Otto Eckmann (1865-1902), representante del jugendstil, que es el equivalente alemán de época modernista. En 1895 Eckmann decidió dedicarse por entero al diseño y pasó a elaborar las portadas de la revista Jugend, que se traduce como juventud y publicaba las creaciones artísticas de los jóvenes. El pintor murió seis años después debido a una tuberculosis y la empresa cerró en 1940. En la actualidad se puede acceder a la revista a través de la web de la Universidad de Heidelberg.

Cuadros modernistas. Jugend, 1896. Otto Eckmann.
Jugend, 1896. Otto Eckmann. (Otto Eckmann (1865-1902), Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Jane (1897)

Jane es uno de los pósteres de Louis Rhead, quien nació en Inglaterra pero emigró a los Estados Unidos con 24 años debido a que recibió una importante oferta de trabajo en la Editorial Appleton, encargada de publicar las más prestigiosas revistas estadounidenses. Rhead estudió primero en una academia de arte de su país natal y luego durante cuatro años en París. En Estados Unidos, donde también diseñó dibujos para cuentos infantiles, recibió distinguidos honores por sus ilustraciones de estilo modernista.

Cuadros modernistas. Jane, 1897. Louis Rhead.
Jane, 1897. Louis Rhead. (Louis Rhead, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Ramón Casas i Pere Romeu en un tándem (1897)

Este cuadro fue pintado por el famoso representante del arte modernista Ramón Casas (1866-1932), catalán que alcanzó fama internacional participando con mucho éxito en reconocidas exposiciones como la Universal de París (1889). La obra es un óleo que mide 188 x 215 cm. y hasta el año 1901 estuvo exhibida en la pared principal de la cervecería-cabaret-galería Els Quatre Gats. En la actualidad se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

Cuadros modernistas. Ramón Casas i Pere Romeu en un tándem, 1897. Ramón Casas.
Ramón Casas i Pere Romeu en un tándem, 1897. Ramón Casas. (Ramon Casas, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Els Quatre Gats (Los cuatro gatos) era el lugar de reunión de los modernistas en Barcelona y al sitio acudían jóvenes que luego fueron célebres, entre ellos Pablo Picasso (1881-1973). En esta pintura, Ramón Casas, que es quien va adelante, se retrató a sí mismo junto al encargado del local que antes había sido animador en Le Chair Noir de Montmartre. Al fondo, en una vista lejana, se ve una silueta de la ciudad catalana.

Mi tío y mis primas (1898)

Esta obra de Ignacio Zuloaga (1870-1945), considerado un maestro del arte por los franceses, es otra de las imágenes del modernismo español. Fue elaborada en óleo, mide 209 x 167 cm. y se ubica en el Museo d´Orsay de París. El pintor nació en Guipúzcoa pero estudió en Francia y viajó por toda España. Estuvo un tiempo en Sevilla buscando las raíces de sus antepasados andaluces y luego en Segovia donde vivía su tío Daniel y creó este cuadro. Su estilo está considerado como especialmente peculiar, por el manejo magistral del color negro y por el dramatismo que impone a sus pinturas.

Cuadros modernistas. Mi tío y mis primas, 1898. Ignacio Zuloaga.
Mi tío y mis primas, 1898. Ignacio Zuloaga. (Ignacio Zuloaga, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La Reina de Mayo (1900)

La Reina de Mayo es la madre de las fiestas que se celebran en el Reino Unido cuando llega la primavera. Tiene sus orígenes en la tradición celta que veneraba a la diosa Beltane encendiendo hogueras y adornando puertas y ventanas con flores. Éste es uno de los cuadros modernos famosos de la pintora escocesa Margaret MacDonald (1864-1933), quien ejerció gran influencia en los artistas plásticos del siglo XX.

Cuadros modernistas. La Reina de Mayo, 1900. Margaret MacDonald.
La Reina de Mayo, 1900. Margaret MacDonald. (Margaret MacDonald, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La obra fue creada con una llamativa técnica, utilizando yeso y tela de yute para el panel. Por otro lado, la pintura está adornada con hilos, perlas, nácar y cuentas de vidrio. Mide 457 x 159 cm. y está ubicada en el Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow en Escocia, donde también se exhiben otros  cuadros de MacDonald.

Autorretrato (1902)

Muchos artistas se han pintado a sí mismos, pero este autorretrato es especial por lo que expresa y las circunstancias en que fue realizado, constituyéndose en una de las más importantes obras del polaco Stanislaw Wyspianski (1869-1907), quien además fue un destacado dramaturgo. En 1898 Wyspianski fue diagnosticado positivo de sífilis, lo cual era una sentencia a pronta muerte ya que en aquellos tiempos este padecimiento no tenía cura y en efecto falleció a los 38 años.

Cuadros modernistas. Autorretrato, 1902. Stanislaw Wyspianski.
Autorretrato, 1902. Stanislaw Wyspianski. (Stanisław Wyspiański, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

A partir de que se enteró de su enfermedad el pintor hizo muchos autorretratos, quizás como manera de dejar constancia de su existencia. En esta pintura se lee la tragedia en su rostro y, adicionalmente, es muy representativa del Art Nouveau por la profusión de elementos vegetales que se observan. El cuadro fue elaborado en pastel sobre papel, mide 37,5  x 36,8 cm. y se exhibe en el Museo Nacional de Warsaw en Polonia.

Chocolat Klaus (1905)

En 1898 un joven italiano de 23 años, quien era ilustrador y caricaturista, emigró a Francia y se hizo famoso como cartelista y publicista, ya que intuía cómo manejar los elementos gráficos para persuadir a las audiencias. El nombre del considerado uno de los precursores de la publicidad moderna es Leonetto Cappiello (1875-1942) y entre sus pinturas modernistas publicitarias destaca el póster de Chocolates Klaus, donde únicamente aparece una imagen potente y al pie la invitación a deleitar el producto, que era su estilo.

Cuadros modernistas. Chocolat Klaus, 1905. Leonetto Cappiello.
Chocolat Klaus, 1905. Leonetto Cappiello. (Leonetto Cappiello, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El beso (1908)

El beso es un cuadro del austríaco Gustav Klimt (1862-1918), uno de los más destacado representantes del modernismo en Europa. Se puede decir que su obra es sinónimo de artístico, ya que mezcla la pintura con otros elementos decorativos. Klimt fue criticado y tildado de pornográfico, pues con frecuencia su arte sobrepasaba el límite de la sensualidad. El beso tiene un lienzo dorado como base y se le agregaron mosaicos de colores. Sus medidas son 180 x 180 cm. y se encuentra en la Galería Belvedere de Viena, Austria.

Cuadros modernistas. El beso, 1908. Gustav Klimt.
El beso, 1908. Gustav Klimt. (Gustav Klimt, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La ofrenda (1913)

La ofrenda es una obra de Saturnino Herrán (1887-1918), considerado uno de los precursores del Art Nouveau en México, quien murió con apenas 31 años debido a mala praxis médica pero dejó muchas espectaculares obras del modernismo. El cuadro, que está pintado al óleo, mide 182 x 210 cm. y se localiza en el Museo Nacional de Arte (MUNAL) de Ciudad de México.

Cuadros modernistas. La ofrenda, 1913. Saturnino Herrán.
La ofrenda, 1913. Saturnino Herrán. (Museo Nacional de Arte, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La pintura retrata a una familia que va a realizar una ofrenda en el Día de los Muertos, lo cual se evidencia por la cantidad de flores de cempasúchil. El grupo viaja en una barca típica y lo más representativo del cuadro, según los críticos, es la multitud de personas que se ven al fondo quienes van la hacia la muerte.  

Las mil y una noches (1914)

Esta obra, donde se observa fuerte influencia del pintor Gustav Klimt en cuanto al estilo y técnica, pertenece a una colección de once piezas que sirvieron para ambientar el restaurante del hotel Terminus en Venecia. Cada cuadro contiene una escena alusiva al cuento de Las mil y una noches y en ellos se reflejan a muchas princesas lujosamente ataviadas.

Cuadros modernistas. Las mil y una noches, 1914. Vittorio Zecchin.
Las mil y una noches, 1914. Vittorio Zecchin. (Vittorio Zecchin, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El autor es Vittorio Zecchin (1878-1947), uno de los más importantes representantes de las pinturas del modernismo en Italia, donde este movimiento se llamó “arte floreal” o “estilo Liberty”. Durante la guerra el hotel fue destruido, pero afortunadamente las pinturas se salvaron y actualmente se encuentran en el Museo de Arte Moderno de Venecia.

Mujeres en la cueva (1920)

El autor de este cuadro es el venezolano Armando Reverón (1889-1954), quien a lo largo de su vida pintó con varios estilos y tuvo diferentes etapas. Por tal motivo, los críticos lo han asociado a diversos movimientos. Pero el MoMA de Nueva York, que le rindió un gran homenaje en el año 2007, afirmó que su obra debía ser considerada como pintura del modernismo o art nouveau.

Cuadros modernistas. Mujeres en la cueva, 1920. Armando Reverón.
Mujeres en la cueva, 1920. Armando Reverón. (Armando Reverón, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Reverón sufrió una encefalitis siendo niño, lo cual ocasionó que padeciera de depresiones y ataques psicóticos. Por tal motivo fue apodado “el loco de Macuto”, lugar donde vivía. Estudió en Barcelona, Madrid y Paris, y se dice que Mujeres en la cueva refleja influencia de Goya. El cuadro está pintado en óleo, mide 104 x 157 cm. y es parte de una colección privada.

Camino a Anacapri (1922)

Esta obra es uno de los cuadros modernistas de la pintora erótica danesa Gerda Wegener (1885-1940), quien estuvo casada con el primer hombre que se sometió a una cirugía para convertirse en mujer. Su nombre masculino era Einar y se descubrió transgénero a través de la misma Gerda, quien le pedía que se vistiera de fémina y posara. Posteriormente pasó a llamarse Lili y lamentablemente falleció luego de cinco delicadas operaciones. Camino a Anacapri es un autorretrato de Gerda con su esposo. El cuadro, pintado al óleo, mide 85 x 96 cm. y se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Arken en Dinamarca.

Cuadros modernistas. Camino a Anacapri, 1922. Gerda Wegener.
Camino a Anacapri, 1922. Gerda Wegener. (Gerda Wegener, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Mujeres indolentes (1927)

Mujeres  indolentes es una de las más famosas obras modernistas del argentino Alfredo Guttero (1882-1932). El autor mostró especial predilección por los desnudos y a este cuadro se le han dado diferentes interpretaciones, siendo una de ellas la representación de las tres edades de la mujer que en la mitología griega se expresa mediante diversas tríadas. El artista solía usar una técnica particular, que consistía en mezclar yeso en pasta con carbonatos y pigmentos disueltos en aceite. La pintura mide 134 x 145 cm. y se encuentra en Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.

Cuadros modernistas. Mujeres indolentes, 1927. Alfredo Guttero.
Mujeres indolentes, 1927. Alfredo Guttero. (Alfredo Guttero, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El labrador de café (1934)

El labrador de café es un cuadro de Cándido Portinari (1903-1962), quien nació en Brasil y fue hijo de inmigrantes italianos. Recorrió Europa, vivió en París y su militancia política lo llevó al exilio en Uruguay. Siempre estuvo comprometido con los más desposeídos y desde joven captaron su atención los pies y las manos de los campesinos, desfiguradas a fuerza de labrar el campo. Recibió influencias del modernismo español a través del pintor Ignacio Zuloaga, lo cual se evidencia en esta obra realizada al óleo que mide 100 x 81 cm. y se exhibe en el Museo de Arte de Sao Paulo.

Cuadros modernistas. El labrador de café, 1934. Cándido Portinari.
El labrador de café, 1934. Cándido Portinari. (paulisson miura from Cuiabá, Brasil, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Las pinturas del modernismo son muy distintas porque así son los sentimientos y las emociones, y justamente el Art Nouveau promueve la libertad de expresarlos. En los cuadros modernistas de los diferentes artistas incluidos se ha reunido una amplia gama de todos los estilos y se puede concluir que predomina la sensualidad y también algo de dramatismo, desarrollándose muy particularmente el arte del póster.

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